Mehr als zwei Millionen Zuschauer haben sich Haunters: Wenn Blicke töten können in den koreanischen Kinos angeschaut. Diese zwei Millionen Kinobesucher haben den Kampf zweier junger Männer mitverfolgt, die unterschiedlicher nicht sein können.

Der kleine koreanische Junge Cho-in besitzt eine Gabe, die mit Sicherheit jeder von uns gerne einmal ausprobieren möchte. Mit seinem Blick kann er Menschen kontrollieren, um Dinge zu tun, die sie von selbst nicht tun würden. Seine Mutter erkennt die Gefahr, die in ihrem Sohn schlummert und verbindet ihm die Augen. Als eines Tages Cho-ins Vater seine Mutter brutal schlägt, nimmt Cho-in den Verband ab und setzt die Fähigkeit zum Wohle seiner Mutter ein. 19 Jahre vergehen, Cho-in muss alleine aufwachsen, da seine Mutter sich in seiner Nähe nicht mehr wohlfühlt. Zu diesem Zeitpunkt verlagert sich die Handlung des Films auf Kyu-nam, der angefahren wird, im Krankenhaus landet und seinen Job verliert. Nach seiner Genesung erhält er eine zweite Chance in einem Pfandleihhaus. Eines Tages taucht dort der innerlich zerstörte Cho-in auf, um das Geschäft auszurauben – Kyu-nam ist jedoch immun gegen seine Fähigkeit. Daraufhin entbrennt eine bittere Feindschaft, die sich über die gesamte Handlung des Films erstreckt. Als Cho-in Kyu-nams Chef ermordet, macht Kyu-nam gemeinsam mit seinen zwei Freunden Jagd auf Cho-in, doch wie soll man einen Menschen stoppen, der einen eine ganze Armee auf den Hals hetzen kann?

Ausdrucksstarke Gegenspieler

Diese Frage werden wir euch in diesem Review aus Spoiler-Gründen selbstverständlich nicht beantworten, trotzdem verraten wir euch, dass der Zwist zwischen dem gutmütigen Kyu-nam und dem hasserfüllten Cho-in durchweg spannend und abwechslungsreich geschildert ist. Die Macher haben es geschafft, die beiden Figuren so gegensätzlich wie möglich zu gestalten und den Ausgang der Geschichte dabei nicht zu sehr in die Länge zu ziehen. Die Schauspieler Go Soo (Kyu-nam) und der von vielen Koreanern geliebte Schauspielkünstler Kang Dong-won (in diesem Film als Cho-in) haben ihren Charakteren gehörig Ausdruck vermittelt. Go Soo spielt Kyu-nam anfangs zurückhaltend und ruhig, später dann mit klarem Ziel vor Augen viel selbstsicherer. Cho-ins Darsteller wird von Szene zu Szene immer zorniger und an einigen Stellen sogar glaubhaft ängstlich, wenn er doch einmal in seiner Rolle in die Ecke gedrängt wird. Wer sich die koreanische Tonspur beim Film zuschaltet, bekommt das beste Ergebnis geliefert. Die deutsche Synchronisation ist zwar gut, kommt aber nicht an das ausdrucksstarke Original heran.

Wenn Bonusmaterial töten könne

Das Tonformat liegt in DTS-HD Master Audio 5.1 vor, sowohl in Deutsch als auch in Koreanisch. Niederländische und deutsche Untertitel sind jederzeit zuschaltbar. Die Hintergrundmusik für diesen Film ist zweckmäßig. Sie unterlegt das Geschehen gut und macht sich niemals negativ bemerkbar. Leider reißt der Soundtrack somit bei diesem Film aber auch keine Bäume aus, das Geschehen wird also auf die Handlungsorte und die Charaktere fokussiert. Da der Film auf Blu-Ray mit 1080p und im 16:9-Format daherkommt, erhält man durchweg viele visuelle Informationen – da kann man die musikalische Untermalung gerne in den Hintergrund stellen. Neben dem 108-minütigen Film befindet sich auf der Disc nur der originale Trailer, Trailer zu anderen Filmen aus dem Hause Splendid Film und ein kurzes Musikvideo. Schade, hier hätte uns ein Audiokommentar über Ideen zum Film und deren Auswirkungen sehr gut gefallen. Wir können euch Kim Min-suks Werk trotzdem empfehlen, sofern ihr ein Faible für Mystery- und Thriller-Filme habt und ein interessantes Konzept erleben möchtet.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-Ray-Fassung): Haunters: Wenn Blicke töten können hat mir von Anfang bis Ende ganz gut gefallen, allerdings zählt Kim Min-suks Film sicherlich nicht zu den besten Filmen seiner Art. Ich kann beispielsweise nicht verstehen, was Koreaner so an Kang Dong-won finden. Irgendwie werde ich mit seiner Rolle als Antagonist in diesem Film nicht wirklich warm, obwohl seine schauspielerische Leistung alles andere als schlecht ist. Mit Go Soo kann ich mich schon eher identifizieren – auch seine beiden Freunde, die in diesem Film ausnahmsweise mal keine Koreaner sind, haben durchaus zur Unterhaltung bei Haunters: Wenn Blicke töten können beigetragen. Sehr gut gefallen haben mir dann aber die Szenen, wo Cho-in und Kyu-nam aufeinandertreffen, auch wenn ich – wie bereits erwähnt – Kang Dong-won als nicht gerade fördernd für das Gesamtbild finde, wird in diesen Szenen Hass, Vorsicht, Ehre und Hilfe vortrefflich gut verkörpert. Wer den Film bis zum Ende sieht, wird auch mehrmals von der Story her überrascht werden. Während in amerikanischen Filmen bereits an einer bestimmten Stelle Schluss gewesen wäre, setzt dieses koreanische Werk in jener Stelle zu einem erweiterten Countdown an. Das Ende an sich ist überraschend und wer sich einmal mit Kyu-nam anfreunden kann, wird dieses in guter Erinnerung behalten.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars zu Haunters: Wenn Blicke töten können!

Nachdem diese drei Filme vom Index gestrichen wurden, veröffentlichte Splendid Film im Rahmen der Jet-Li-Reihe Once upon a Time China im letzten Jahr als deren Auftakt. Ein Jahr später entschied man sich nun dazu, die Klassiker in einer Box neu zu veröffentlichen.

Grundsätzlich wäre dieses Unterfangen auch löblich, denn auf der Verpackung wird eindeutig auf eine überarbeitete Bild- und Tonfassung hingewiesen. Dies ist allerdings nicht der Fall, wie wir bereits beim Anschauen des ersten Films bemerken. Seit der Blu-ray-Fassung im Jahr 2011 hat sich nichts geändert. Filmkorn und unscharfe Stellen tauchen genau in denselben Szenen auf, wie es bereits bei der Version der Jet-Li-Reihe der Fall gewesen ist. Außerdem ist die Synchronisation vom zweiten Teil immer noch nicht erneuert wurden. Sprecher Simon Jäger leiht Jet Li nur im ersten und im dritten Teil seine Stimme, nicht jedoch im mittleren Teil der Trilogie. Warum man sich abermals gegen eine neue Synchronisation entschieden hat, ist uns schleierhaft. Zwar gefällt uns auch die deutsche Tonspur des zweiten Teils, doch eine durchgängig gleiche Synchronisation würde im Zusammenspiel der drei Filme deutlich angenehmer wirken. Zumindest hätte man auf der Verpackung darauf hinweisen können. Splendid Film möchte uns eine erstmals so auf Blu-ray erhältliche Fassung der drei Klassiker vortäuschen. Das ist sehr ärgerlich und für ein renommiertes Unternehmen wie Splendid Film gar nicht üblich. Vielleicht hat man sich deswegen schon im Vorfeld dafür entschieden, gleich fünf Postkarten als Trostpflaster mit in die einzelne Blu-ray-Hülle zu legen.

Wer bin ich und was mache ich eigentlich hier?

Aber auch an dieser Stelle müssen wir etwas aussetzen. Die Postkarten sollen jeweils eine aus der Trilogie stammenden Szene abbilden, doch das tun sie nicht. Die abgebildeten Bilder sind überwiegend aus anderen Jet-Li-Filmen entnommen – beispielsweise aus The Legend of Fong Sai Yuk. Eigentlich wäre das kein Grund zum Aufregen, doch hat man sich tatsächlich dazu entschlossen, auch noch den von der Verpackung stammenden Schriftzug der Once upon a Time in China Trilogy, mit auf die besagten Postkarten zu packen. Es kommt aber tatsächlich noch besser beziehungsweise schlechter. Wer unser Review zum zweiten Teil gelesen hat, der wird sehr wohl wissen, dass es bei der Veröffentlichung zu einem vermeintlichen Fehler bei der Produktion gekommen ist. Auf der Packungsrückseite wurden falsche Szenen des Films abgebildet und genau diesen Fehler hat man sich bei der Neuveröffentlichung nicht zu Herzen genommen und somit nicht ausgebessert. So sind auf dem edlen Pappschuber wieder Szenen aus anderen Filmen mit Jet Li abgebildet. Falls dies ein verspäteter Aprilscherz von Splendid Film sein soll, dann können wir nicht darüber lachen. Immerhin sieht das schicke Artwork auf dem Pappschuber sehr gut aus – auf Wunsch dürfen wir den FSK-Aufkleber auch abziehen. Die eigentliche Vorderseite der Blu-ray-Hülle kommt mit einem schwammigen Bild aus einer der letzten Szenen des ersten Teils daher.

Konflikte zwischen Ost und West

Wem das FSK-Logo stört, freut sich hierbei immerhin über das Wendecover. Schöner wird die abgedruckte Szene dadurch trotzdem nicht. Obwohl Splendid Film bei der Aufmachung der Trilogie geschlampt hat, können die Filme inhaltlich selbstverständlich genauso überzeugen, wie sie es bereits im letzten Jahr geschafft haben. Jeder der drei Filme behandelt eine für sich genommen geschlossene Handlung. Dennoch bauen die beiden folgenden Teile auf Ereignisse ihrer Vorgängerfilme auf, was insbesondere die Charakterentwicklung von Wong Fei-Hung, seiner Tante Yee und seinem Schüler Fu betrifft. Um die Jahrhundertwende des 19. und 20. Jahrhunderts wird die chinesische Küstenregion von westlichen Kaufleuten aus England und Amerika beherrscht, jedoch sind ihre Ziele alles andere als die friedliche Verständigung von Ost und West. Während sich einige Chinesen mit den Besatzern arrangieren, wird ebenfalls Widerstand geleistet. Nach zwei Jahren kehrt Yee aus England zurück und soll kurze Zeit später als Prostituierte nach Amerika verschleppt werden. Da platzt Kung-Fu-Meister Wong Fei-Hung der Kragen und eilt ihr zur Hilfe. Dabei muss er sich nicht nur gegen die westlichen Mächte, sondern ebenfalls einem ebenbürtigen Meister der Kampfkunst stellen.

Hilfe zur Revolution

Im zweiten Teil der Trilogie reisen die drei Hauptcharaktere ins entfernte Canton. Wong Fei-Hund soll dort auf einem Ärztekongress westlichen Medizinern die Akupunktur erklären. Auf dem Kongress trifft Wong Fei-Hung auf Dr. Sun, einem Arzt und zudem Revolutionär. In der Stadt ist zur gleichen Zeit ein Umbruch im Gange, denn die Sekte des weißen Lotus ist gegen die westlichen Eindringlinge, ihre Kleidung und all ihre technischen Errungenschaften. Als der britische Konsul schlussendlich ermordet wird, muss Wong Fei-Hung schnell handeln und sich gegen die Fanatiker stellen. Zudem muss er dabei noch eine Liste zerstören, die Beweise für die spätere Revolution in China beinhaltet. Nach diesen Geschehnissen reisen die Freunde in Wong Fei-Hungs Heimat Beijing. Dort möchte er seinen Vater treffen, um diesen über die bevorstehende Heirat mit Yee zu informieren. Kaiserinwitwe Cixi hat zudem den Löwentanz-Wettbewerb einberufen, in welchem die beste Kampfsportschule als Sieger herausgehen soll, damit die Kung-Fu-Kampfkunst auch in Zukunft unter den Einflüssen der westlichen Mächte bestehen bleiben kann. Ein russischer Diplomat verliebt sich im Verlauf der Handlung in Yee. Als allerdings herauskommt, dass jener Diplomat einen Anschlag während des Löwentanz-Wettbewerbs plant, riskieren Wong Fei-Hung, Yee und Fu einmal mehr ihr Leben.

Wahre Größe

Während Once upon a Time in China den Startschuss zu einer phänomenalen Hexalogie legt, ist besonders der zweite Teil der Reihe ein wichtiges Fragment der chinesischen Geschichte – zumindest wenn man die Hintergründe über Dr. Sun kennt, welcher viele Jahre später für die Revolution in China maßgeblich mitverantwortlich ist. An dieser Stelle möchten wir euch den Film Bodyguards and Assassins mit Donnie Yen ans Herz legen, wo dessen Bedeutung für die chinesische Geschichte wesentlich mehr zur Geltung kommt. Apropos Donnie Yen – auf den neben Jet Li und Jackie Chan wohl bekanntesten Martial-Arts-Künstler stoßen wir ebenfalls im zweiten Teil der Once upon a Time in China Trilogy. Dort nimmt er die Rolle von Wong Fei-Hungs Gegenspieler Leutnant Lan an und liefert sich mit ihm einen fulminanten, aber für Martial-Arts-Fans wohl zu kurzen Kampf. Die Handlung der Trilogie überzeugt uns seit der Eröffnungsszene des ersten Teils, baut im zweiten und dritten Teil allerdings ab. Auf einmal wird mehr Wert auf Action und Komik und weniger auf deren Zusammenspiel mit der Story gelegt. Trotzdem werden alle Fans von Jet Li und Rosamund Kwan auf ihre Kosten kommen, denn beide Schauspieler zeigen sich von ihrer besten Seite und machen die Once upon a Time in China Trilogy zu einem wahren Genuss. Es ist einzig allein schade, dass zwischen Wong Fei-Hung und Yee ständig eine Liebesbeziehung angedeutet, diese aber kaum ausgebaut wird.

Unvergessliche Klassiker

Wer jetzt aber hofft, dass die Trilogie zu einem befriedigenden Abschluss geführt wird, wird leider enttäuscht. Der dritte Teil endet mit einem Paukenschlag und lässt dabei einige Fragen offen, die im Verlauf der Handlung aufgeworfen wurden. Das ist sehr schade, da die anderen drei Teile der Hexalogie nur noch in sehr geringer Stückzahl auf DVD im Handel und noch dazu unter einem anderen Titel im Falle von Teil IV (Last Hero II) erhältlich sind. Optisch sollte man sich von drei Filmen nicht zu viel versprechen. Zwar liegt das Bild in 1080p und im 16:9-Format (2,35:1) vor, doch gelegentliche Verunreinigungen stören dann und wann das Gesamtbild. In der deutschen Synchronisation liegt das Tonformat in DTS-HD-5.1 Master Audio vor, in Kantonesisch allerdings nur in DTS-HD 2.0. Wer Liebhaber des Originaltons ist wird sich vermutlich über hinzuschaltbare deutsche Untertitel freuen. Die drei Klassiker des Martial-Arts-Genres verfügen zusammengerechnet über 357 Minuten Laufzeit. Diese sechs Stunden sind keinesfalls verschenkt und auch wenn es den einen oder anderen Punkt, wie zum Beispiel das spärlich gesäte Bonusmaterial (auf jeder der drei Blu-ray-Discs liegen neben dem einen oder anderen Trailer zu anderen Titeln aus dem Hause Splendid Film nur der originale Kinotrailer des jeweiligen Films ohne Untertitel vor) gibt, gehört die Once upon a Time in China Trilogy in jedes gut sortierte Martial-Arts-Regal. Wer sich die Filme bereits im letzten Jahr gekauft hat, kann sich die Neuanschaffung allerdings getrost schenken.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Blu-ray-Einzelveröffentlichungen und der Blu-ray-Trilogy-Box): Mit Once upon a Time in China verbinde ich ganz besondere Momente, denn vor allem war die Reihe für mich der ausschlaggebende Grund, mir endlich eine PlayStation 3 anzuschaffen. Seit dem letzten Jahr habe ich die drei Filme leider nicht mehr angerührt und jetzt, wo ich dank der Trilogy-Box nochmals in den Genuss gekommen bin, fielen mir ganz neue Details auf, die ich im letzten Jahr nicht entdeckt habe. Das finde ich selbst klasse, doch rein objektiv betrachtet, ist die Trilogie aus ganz anderen Gründen so unvergesslich. Zum einen zeigt sich Jet Li – wie fast schon gar nicht anders zu erwarten – in seiner besten Form. Die Kämpfe wirken allesamt packend und choreographisch richtig gut inszeniert, auch wenn man sich oft an Drahtseilen bedient hat und einige Szenen schon übermenschlich wirken. Neben den anderen Darstellern sind es aber auch die Kulissen, die mich ganz in ihren Bann gezogen haben. Das Bild von China zum Ende des 19. Jahrhunderts wirkt einfach stimmig und versprüht soviel Charme, dass man – unabhängig vom Zeitalter des Imperialismus – gerne einmal selbst durch die eine oder andere Stadt von China gehen möchte. Allerdings am besten als chinesischer Bürger, denn in Once upon a Time in China werden die westlichen Bewohner unseres Planeten doch schon als sehr bedrohlich und teilweise auch als durch und durch böse angesehen, wenn dies auch nicht die Absicht des Regisseurs gewesen ist. Die Once upon a Time in China Trilogy möchte ich jedem Martial-Arts-Fan ans Herz legen, der die Reihe bisher noch nicht gesehen hat – alle anderen werden vermutlich wissen, warum sie die Serie bereits im Regal stehen haben.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars der Once upon a Time in China Trilogy

Seit jeher gibt es ein Genre, das besonders Leseratten in Filmform ebenfalls sehr gut gefällt – die Rede ist von Fantasy-Filmen, die ohne großes Budget auskommen können und uns mit ein wenig Magie bezaubern möchten. Unter diese Filme fällt auch Paladin: Der Drachenjäger.

Will Shephard lebt gemeinsam mit seinem Vater zurückgezogen im Hochland. Als Hirten und Bauern verdienen sich die beiden ihren Lebensunterhalt. Wills Vater erkennt seines Sohnes Talent und schickt ihn fort, um ein Ritter zu werden. Will weigert sich, da er stattdessen lieber im Hochland bleiben möchte. Erst als ein Drache auftaucht, dabei wehrlose Schafe röstet und während der Suche nach dem Nest der Bestie Wills Vater tötet, begibt sich Will auf die Reise zu Baron Sterling. Dort angekommen, wird er nicht gerade höflich von den Untertanen des Barons in Empfang genommen. Nachdem Will ebenfalls in den Dienst des Barons tritt, wird er von seinen neuen Kameraden weiterhin verspottet, denn Will hat den Traum, ein Ritter zu werden und dem Drachen in einem Kampf auf Leben und Tod gegenüber zustehen, um seinen Vater zu rächen. Während seines Aufenthalts in den Gemäuern des Barons, verliebt sich Will zudem noch in dessen Tochter Kate, die alsbald auch Gefühle für Will entwickelt. Ihnen steht aber der adlige Rogan gegenüber, welcher nach Kates Körper giert und noch dazu nach den Ländereien des Barons trachtet. Um sich den Respekt ihres Vaters zu verdienen und um ihre Hand anzuhalten, trainiert Will hart, denn der Tod des Drachen würde auch ein sagenhaftes Drachenei mit sich bringen, welches tausend Goldstücke wert sein soll. Will stellen sich aber seine Kameraden, Rogan und auch Kates Vater in den Weg, die den Drachen lieber selbst erledigen wollen, um neuen Ruhm zu erlangen.

Natürlichkeit des Lebens

Optisch erkennt man an vielen Stellen, dass es sich hierbei um keine Multimillionen-Dollar-Produktion handelt. Anstatt mit Bluescreens zu arbeiten und dazu beeindruckende Effekte mit in den Film einzubauen, setzt man hier eindeutig auf die Natürlichkeit der Landschaften. Das Hochland und auch die flachen Ebenen wurden wunderbar eingefangen. Wenn die Brandung an die Felsen schlägt oder der Nebel das Land einhüllt, wirkt einfach alles stimmig. Szenerien wirken wie, als seien sie direkt dem Mittelalter entsprungen. Einzig allein schade ist es, dass man nur mit wenigen Schauspielern gearbeitet hat. So gibt es keinerlei Dörfer oder Städte in Paladin: Der Drachentöter zu sehen. Die wenigen Schauspieler haben ihre Möglichkeiten aber genutzt und ihren Charakteren möglichst viel Leben eingehaucht. Besonders die junge Nicola Posener ist nicht nur eine wahre Augenweide, sondern hat ihr Talent und ihre Natürlichkeit in den vielen Szenen kräftig unter Beweis gestellt. In der Rolle der Kate bleibt sie stets ruhig, ist aber in den entsprechenden Situationen gelegentlich zornig und zeigt dies entsprechend. Will beziehungsweise Richard McWilliams ist in Paladin: Der Drachentöter eher zurückhaltend – erst als er seine Gefühle zu Kate entdeckt, entwickelt er sich immer mehr zu einem wahren Kämpfer heran und wird gegen Ende des Films schlussendlich auf ungewöhnliche, aber doch traditionelle Weise zum Ritter ernannt. Der Schauspieler Ian Cullen ist im Übrigen in der Rolle des Barons Sterling zu sehen. Obwohl er versucht die Fäden in der Handlung zu ziehen, beschränken sich die eigentlich wichtigen Taten aber auf Will und Kate. Wer jetzt an ein gewisses englisches Königspaar denkt, mag genüsslich schweigen.

Magisches Fantasy-Spektakel

Es ist allerdings sehr schade, dass die Liebesgeschichte zwischen den beiden Hauptdarstellern kaum zur Geltung gebracht wird. Aragorn und Arwen sind zwar bei weitem kein viel besseres Beispiel, doch zumindest diese Grundlage hätten sich die Verantwortlichen nehmen können. Vorzugsweise steht hier der Konflikt zwischen Will und dem Drachen im Vordergrund. Auf Englisch kann der Film am meisten überzeugen, doch auch die deutsche Synchronfassung ist nicht schlecht. Besonders Kates deutsche Stimme (Corinna Dorenkamp) hat uns gut gefallen und kam uns bereits nach kurzer Zeit sehr bekannt vor, schließlich hat die Dame bereits vor zwölf Jahren Son Gokū im Anime Dragonball ihre Stimme geliehen. Beide Tonformate liegen in DTS-HD 5.1 Master Audio vor. Der Soundtrack des Films besteht zwar nur aus zwei bis maximal drei Tracks, doch untermauert dieser die Fantasy-Atmosphäre des Films recht gut. Obwohl wir es bereits angesprochen haben, müssen wir die mittelmäßige Qualität der Effekte trotzdem erwähnen. Auch wenn die Landschaft 103 Minuten lang wunderbar in 1080p und in einem 16:9-Bild eingefangen wird, können die Spezialeffekte, wie etwa das Speien des Drachenfeuers oder die magische Flamme, die Kate herbeizaubert, nicht ganz begeistern. Die Animation des Drachen sieht da schon besser aus, doch auch hier haben andere (ältere) Produktionen, wie Das Zehnte Königreich, eindeutig die Nase vorn. Wer damit und dem nicht vorhandenen Bonusmaterial leben kann, erhält einen bezaubernden Film über einen Hirten, der zum Drachentöter wird – irgendwie magisch.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Bei Fantasy-Filmen bin ich oftmals doch schon geneigt, eher ein Auge zuzudrücken, wenn es um ein Werturteil geht. Schließlich geht es dabei ja auch um die eigene Fantasie und wenn ich mir beim Anschauen eines Fantasy-Films die Effekte beziehungsweise deren Wirkung mir irgendwie schön rede, kann ich auch mit dem einen oder anderen nicht so guten Film etwas anfangen. Das brauche ich bei Paladin: Der Drachentöter aber gar nicht machen, denn die Geschichte hat Hand und Fuß, sie erzählt sich wie von selbst und kann mit wunderbaren und – was ich richtig toll finde – eher unbekannten Gesichtern glänzen. Es erhalten endlich mal wieder unbekannte (westliche) Darsteller die Möglichkeit, ihr Talent unter Beweis zu stellen. Richard McWilliams, Nicola Posener und Ian Cullen haben mir in diesem Film jedenfalls schon mal sehr gut gefallen und so freue ich mich – besonders bei Nicola Posener – auf ein Wiedersehen in anderen Filmen. Einer der wenigen Punkte, die mich bei diesem Titel ein wenig gestört haben, war der viel zu dünne Soundtrack, auch wenn er immer zu den Szenen gepasst hat. Mir hat hier die Abwechslung gefehlt. Dann wären da noch die wenigen Schauplätze. Ich komme mir schon fast wie in einem Drama vor, zumal die wenigen Hauptdarsteller ebenfalls dieses Gefühl vermitteln. Wer etwas mit Fantasy anfangen kann und nicht eine Effektkulisse eines Der Herr der Ringe braucht, wird mit Paladin: Der Drachentöter einen wunderbaren Filmnachmittag erleben.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Paladin: Der Drachentöter!

Wer sich Serien wie X-Factor: Das Unfassbare anschaut, wird sie spätestens daher kennen. Die Rede ist von Medien, die mit übersinnlichen Kräften es schaffen, entführte oder verloren gegangene Personen wieder zu finden. Diese Thematik greift Beyond: Die rätselhafte Entführung der Amy Noble auf.

Koski, ein Ermittler bei der Polizei in Alaska, hat es sich zum Ziel gesetzt, Entführungen von kleinen Kindern aufzuklären und die Verbrecher zu stellen. Für die Entführer enden Koskis Fälle allerdings oft mit dem Tod, denn der Detective hat selbst einiges zu verarbeiten. Eines Tages wird jedoch die Nichte von seinem Vorgesetzen entführt. Da ist es selbstverständlich, dass Koski alles daran setzen wird, um Amy Noble aus den Fängen der Entführer zu befreien. Dies entpuppt sich allerdings als schwieriger, als erwartet. Anscheinend ist sein Gegenspieler ihm überlegen, denn im ganzen Haus gibt es keinerlei Spuren. Alle Tatverdächtigen, sprich in erster Linie Amys Familie, haben zudem allesamt Motive für die Entführung. Die Eltern sind zerstritten. Sarah hat mittlerweile die Scheidung eingereichet und Jim hat finanzielle Sorgen. Als dann auch noch eine Lösgeldforderung eingeht, rücken selbst die Babysitterin und ein aus dem Fernsehen bekanntes Medium in den Mittelpunkt der Ermittlung. Jetzt liegt es an Koski, um die Ermittlung zu leiten, die Entführer zu stellen und selbst die finstere Konfrontation mit seiner eigenen Vergangenheit zu durchleben. Obwohl Koski und das Medium zu Beginn sehr unterschiedliche Ansichten zu haben scheinen, arbeiten sie dennoch schon bald gemeinsam am Fall, um ihn zu lösen und Amy zu retten. Koskis Einstellung ändert sich dadurch alsbald grundlegend.

Übersinnliche Polizeiarbeit

Beyond: Die rätselhafte Entführung der Amy Noble begibt sich mit der Medienthematik auf dünnes Eis. Die Verbindung aus Polizeiarbeit und übersinnlichen Fähigkeiten geben glatt den Startschuss für eine neue Mystery-Serie, zumal man sich vielerlei Ideen bedienen könnte. Das macht der Film mit Jon Voight in der Hauptrolle allerdings nicht. Er versucht gradlinig zum Ende zu kommen und genau da, wo die Eingebungen des Mediums eintreten, passen sie auch wunderbar in die Handlung. Dabei wird allerdings vergessen, verstärkt auf die Emotionen und Gefühle der Charaktere einzugehen. So jagen Jon Voight und Julian Morris von einem Tatort zum nächsten, ohne dabei ihre eigenen Leben zu durchleuchten. Es gibt zu viele Hintergründe in Beyond – zu viele, um sie in 91 Minuten Laufzeit unterzubringen. So wirkt das Ende des Streifens abgehakt und verkürzt. Obwohl die Auflösung für sich genommen logisch erscheint, wird sie in einer der letzten Szenen einfach abgearbeitet. Wenn Regisseur Josef Rusnak sich hier mehr Zeit genommen, kurzum den Film um einige Minuten verlängert hätte, wäre das Endergebnis weitaus zufriedenstellender. So ergänzen sich Polizeiarbeit und die übersinnliche Kraft des Mediums, um die Story zu einem positiven Abschluss zu bringen. Trotzdem bleiben ein paar Fragen, die nicht gänzlich gelöst werden. Diese hier aufzuführen, würde allerdings zu unnötigen Spoilern führen. Grundsätzlich dreht sich die Geschichte mehr um Koski, als um Amy.

Cover für Sammler

Jon Voight macht auch in Beyond eine gute Figur, selbst wenn es wohl bei weitem nicht seine beste Rolle gewesen sein mag. Die anderen Darsteller wirken natürlich, was sich positiv auf die ernste Atmosphäre auswirkt. Wer des Englischen mächtig ist, darf sich den Film gerne mit dem Originalton mit zuschaltbaren deutschen oder niederländischen Untertiteln anschauen. Die deutschsprachige Synchronisation kann sich aber ebenfalls behaupten. Das Geschehen wird dabei mit einem meist sehr ruhigen Soundtrack unterlegt, um die düstere Atmosphäre, egal ob bei Tag- oder Nachtszenen, im Schnee von Alaska zum Ausdruck bringen. Beide Tonspuren liegen auf der Blu-ray in DTS-HD Master Audio 5.1 vor. Das Bildformat in 1080p wird auf einem 16:9-Fernseher im Format 2,40:1 ausgegeben. Das heißt, dass schwarze Balken sowohl am oberen, als auch am unteren Bildschirmrand ersichtlich sind. Neben ein paar Trailern zu dem einen oder anderen Film, liegt der Disc leider kein Bonusmaterial bei. Das ist sehr schade, zumal wir gerne einige Worte vom Regisseur zur aufgefassten Thematik in Beyond gehört hätten. Für Sammler bietet die Blu-ray-Fassung zudem ein Wendecover ohne FSK-Logo. Das freut uns, da Beyond über eines der schönsten Cover der letzten Jahre verfügt. Auf weißem Untergrund ist hier eine Silhouette von Koski zu sehen, in der sich wiederum einige Szenen des Films widerspiegeln. Fans von Jon Voight und übersinnlicher Polizeiarbeit greifen zu, alle anderen können sich auch mit einer Folge aus der Reihe X-Factor begnügen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Jon Voight ist einer der amerikanischen Schauspieler, der leider viel zu selten in wichtigen Produktionen in Erscheinung tritt. Umso mehr habe ich mich über das Rezensionsexemplars von Beyond: Die rätselhafte Entführung der Amy Noble gefreut. Als Detective Koski macht Jon Voight eine mehr als gute Figur, wenn auch andere Rollen wie Jim Phelps im Kinofilm zur Serie Mission: Impossible weitaus besser sein Schauspieltalent zum Ausdruck gebracht haben. Beyond hat mir auf der einen Seite gefallen, da grundsätzlich alle Darsteller neben Voight eine Natürlichkeit ausstrahlen, um die Ernsthaftigkeit der Thematik zum Ausdruck zu bringen. Zudem wirkt das Landschaftsbild mit der düsteren Musikuntermalung stimmig. Hier wünscht man sich fast, man wäre bei der Aufklärung des Falls an der Seite von Voight und Morris dabei. Apropos Morris: Man kann von einem Medium halten was man möchte, Beyond hätte ohne Hinzutun dieses Aspekts nicht funktioniert. Ich finde es nur sehr schade, dass diese Übersinnlichkeit Überhand gewinnt und die Charaktere dadurch nicht mehr so wirklich zur Geltung kommen. Beyond ist und bleibt ein Film, den man aufgrund ein paar offener Fragen, dem viel zu kurzen Storytwist am Ende der Handlung und wenig emotionsreichen Charakteren am besten an einem verregneten Sonntagnachmittag anschauen sollte.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Beyond: Die rätselhafte Entführung der Amy Noble!

Als der Film vor einigen Jahren angekündigt wurde, haben Action-Fans den Kinostart des Streifens sehnsüchtig erwartet. Einige Monate nach Veröffentlichung des Films, hat Sylvester Stallone die Eingebung bekommen, den Film zu ändern beziehungsweise zu verbessern.

Die Handlung dürfte so gut wie bei allen Fans des Action-Genres bestens bekannt sein, doch möchten wir sie für alle Nichtkenner von The Expendables nochmals kurz zusammenfassen. Nachdem Barney Ross‘ Söldnertruppe, bestehend aus Spezialisten für Nahkampf, Sprengstoff und Feuerwaffen von einem Auftrag in Somalia zurückkehren, erwartet sie kurz nach ihrer Rückkehr in die Vereinigten Staaten bereits der nächste Job. Sie sollen im fiktiven Staat Vilena, gelegen auf einer Insel im Golf von Mexiko, für Recht und Ordnung sorgen. Der Staat beziehungsweise seine Regierung wurde von amerikanischen und dubiosen Geschäftsleuten gekauft, um von dort Kokain in den Rest der Welt zu verschiffen. Dort angekommen, erwartet die Truppe bereits massenweise Ärger. Nicht nur, dass sie im Kampf gegen die Armee öfters voneinander getrennt werden, sie müssen sich zudem sogar gegen ein ehemaliges Mitglied ihrer Bande behaupten und Sandra, die Tochter des hiesigen Generals aus den Fängen der skrupellosen Bösewichter befreien. Dass dabei einiges zu Bruch und in die Luft gehen wird, dürfte aufgrund des Star-Aufgebots von vornherein klar sein, denn niemand geringeres als die Stars Jason Statham, Jet Li, Terry Crews, Randy Couture und Dolph Lundgren mischen in The Expendables: Extended Director’s Cut neben Urgestein Sylvester Stallone mit. Arnold Schwarzenegger und Bruce Willis haben zudem einen kurzen gemeinsamen Gastauftritt.

Neue Emotionen

Aufmerksame Leser fragen sich jetzt sicherlich, was die Unterschiede zwischen Kinofassung und dem etwa zehn Minuten längeren Extended Cut sein mögen. Im Grunde hat sich nur sehr wenig geändert, wie wir nach Anschauen der von Sylvester Stallone persönlich veränderten Fassung bemerkt haben. Da niemand anders als der Action-Star selbst Regisseur des Films ist, müsse dieser sogar sehr gut wissen, an welchen Szenen man nachträglich noch arbeiten sollte. Dies hat er unserer Meinung nach geschafft, auch wenn sich Kinofassung und der Extended Director’s Cut gegenseitig kein Bein ausreißen. Beide Versionen funktionieren eigenständig. In der neuen Schnittfassung, so Stallones Auffassung, gehe es viel mehr um die Eigenschaften der einzelnen Charaktere. Mit dem Extended Director’s Cut möchte Stallone den Fokus viel mehr auf die verschiedenen Persönlichkeiten und ihre Hintergründe legen. Das hört sich erst einmal komisch an, da es in The Expendables doch erstrangig um die Action und nicht um tiefgründige Dialoge oder gar facettenreiche Charaktere geht. Zudem gibt es in der längeren Schnittfassung keine einzige zusätzliche, sondern nur erweiterte Szenen. Wenn wir allerdings beide Versionen nebeneinander betrachten, so sehen wir sehr deutlich, dass fast durchgehend vereinzelt andere Kameraeinstellungen genutzt werden. Durch das Einfangen der Blickwinkel werden die Emotionen ganz anders an den Zuschauer rübergebracht. Eine Verbesserung!

Konzentration auf die Action

Die anderen Schnitte beziehen sich dann meist auf Szenen, in denen die Action noch kräftiger zum Ausdruck gebracht werden soll. Beispielsweise rennt hier ein Charakter länger, um die Dynamik der Szene zu betonen. Andererseits wurde sogar auch die logische Reihenfolge von Schlägen und Tritten verändert, um ein stimmigeres Gesamtbild zu zeigen. Wer die genauen Unterschiede zwischen der Kinofassung und dem Extended Director’s Cut im Vergleich sehen möchte, dem empfehlen wir die Internetseite Schnittberichte. Dort wurden mit großer Sorgfalt alle Unterschiede gegenüber aufgestellt. Schauspielerisch wissen besonders Stallone und Statham zu überzeugen, zumal sich die Handlung größtenteils um ihre Rollen dreht. Lundgren oder Li kommen hingegen nicht wirklich zur Geltung, was wir sehr schade finden. Das macht der sich bereits in der Nachbearbeitung befindende zweite Teil, in dem übrigens auch Chuck Norris mitwirken wird, hoffentlich besser. Auch wenn Stallone im umfangreichen Bonusteil davon redet, dass sich der Film nicht um ihn dreht, können wir ihm das in dieser Hinsicht so leider nicht ganz abkaufen. In The Expendables geht es allerdings nicht nur mit Schusswaffen (unter denen sich auch die eine oder andere Eigenkreation befindet) ordentlich zur Sache, sondern auch choreographisch machen die Action-Szenen einiges her. Asiatische Kampfstile wurden hier mit europäischen Einflüssen und amerikanischen Stilen vermischt.

Informatives und humorvolles HD-Bonusmaterial

Das Actionspektakel macht im 16:9-Bildformat (2,40:1) einen ordentlichen und sehr scharfen Eindruck. Nur einige Szenen, die sich in den Katakomben der Präsidentenvilla abspielen, wirken dann und wann ein wenig schlaff, was durch die schnelle und echt umgesetzte Action schnell wieder wett gemacht wird. Die witzigen Sprüche komplettieren das Gespann und sorgen wunderbar für den nötigen Schuss Humor in der eigentlich sehr ernsten Handlung. Sowohl die englische, als auch die deutsche Tonspur liegen im DTS-HD-7.1-Master-Audio-Format vor. Zudem sind die Tonspuren kompatibel zu DTS-HD 5.1. Bei der getesteten deutschen Tonspur haben wir aber bemerkt, dass die Abmischung des Tons nicht sonderlich gut auf uns wirkt. Explosionen und die musikalische Untermalung sind im Vergleich zu den Dialogen viel zu laut eingestellt, so dass man gelegentlich schon sehr genau hinhören muss, über was sich die Charaktere im 114 Minuten langen Film unterhalten. Für den Extended Director’s Cut wurde der Soundtrack an wenigen Stellen übrigens angepasst, beispielsweise beim Abspann. Um das Gesamtpaket abzurunden, liegt der Blu-ray-Fassung neues Bonusmaterial bei. Eine kurze Einleitung von Sylvester Stallone, ein Musikvideo, einer Aufzeichnung eines Comic-Con-Panels und zwei Making-ofs sorgen für mehr als drei Stunden zusätzliche Laufzeit. Das Bonusmaterial ist zudem sehr informativ und oftmals witzig gestrickt und kann somit wunderbar als Ausgleich zur Action im Film gesehen werden. Zu erwähnen wäre hier auch noch, dass das komplette Zusatzmaterial in HD vorliegt. Klasse! Nach dem Ende des Films bleibt entweder ein guter oder ein schlechter Nachgeschmack hängen. Wer einfach nur auf brachiale Action ohne großen Sinn und Verstand steht, wird mit The Expendables sehr glücklich werden. Eine anspruchsvolle Handlung mit Tiefgang finden wir in Stallones Film allerdings nicht.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Kinofassung und dem Blu-ray-Extended-Director’s-Cut): Ich weiß noch sehr gut, als mein Kollege Axel Mitte 2010 auf mich zukam und mich über einen neuen Film informierte, in dem Stallone, Statham, Lundgren, Li, Schwarzenegger, Willis und Co. gemeinsam auftreten sollten. Gut, die Szene mit Willis und Schwarzenegger ist nur ein kleines Highlight des rasanten Actionfilms. Begeistert bin ich von The Expendables nicht. Das war ich letztes Jahr nicht, als ich die Kinofassung gemeinsam mit dem Kollegen Thomas gesehen habe und das bin ich auch dieses Jahr nicht. Trotzdem ist The Expendables ein Paradebeispiel dafür, wie in etwa Actionfilme auszusehen haben. Wenn ich mir heutige Actionfilme ansehe, dann sehe ich Filme, die im wahrsten Sinne des Wortes auf übelste Art und Weise mit Computereffekten vergewaltigt werden, nur damit sie anschließend von der breiten Masse in Kauf genommen werden. Das fing bereits in den Neunziger Jahren mit Speed an, wo ein Bus über ein fehlendes und meterweites Brückenstück flog und endet mit Katastrophenfilmen wie 2012. Da ist es geradezu erfrischend, einen Film der alten Schule zu sehen, der auf Action getrimmt ist, die so tatsächlich, zumindest in den meisten Fällen, auch so möglich ist. Und wenn ich dann sehe, dass die Stars ihre Stunts selbst gemacht haben und wie im Falle von Stallone dann auch noch mehrmals im Krankenhaus deswegen landen, dann hat The Expendables geradezu einen Aufruf gestartet, sich an die gute alte Zeit des Action-Kinos zu erinnern. Egal ob man sich den Film nun in der Kinofassung oder im Extended Director’s Cut ansieht – aus dem letztgenannten Grund muss man sich den Streifen meiner Meinung nach unbedingt einmal anschauen und hoffen, dass der Nachfolger, der im Sommer in die Kinos kommt, in diesem Maße noch um eine Stufe Action erhöht wird und dabei die Handlung nicht zu kurz kommt.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von The Expendables: Extended Director’s Cut!

Der Film Noir ist ein Genre, welches in den Anfängern der amerikanischen Filmgeschichte entwickelt wurde, aber mittlerweile kaum mehr behandelt wird. Da freut es uns, dass auch einmal ein koreanischer Film dieser Gattung den Weg auf die Leinwand fand.

Hierzulande blieb es Kim Jee-woons Werk leider verwehrt, in Kinos gezeigt zu werden. 2006 erschien der Film zwar auf DVD, doch wurde er eher durch Mundpropaganda und diversen Ausstrahlungen im Fernsehen bekannt. Fast ganze sieben Jahre später ist es A bittersweet Life auch vergönnt, in einer ordentlichen Qualität auf Blu-ray in Deutschland zu erscheinen. Hier erhalten wieder einmal den circa dreißig Sekunden längeren Director’s Cut. Dieser ist an der einen oder anderen Stelle logischer aufgebaut als die südkoreanische Kinofassung, doch der Datenträger hätte mit einer geschickten Einspielung auch beide Fassungen beinhalten können. Die Schnitte sind jedoch nur marginal und die Kernaussage des Films kommt trotzdem noch sehr gut zur Geltung. Die Handlung des Films beginnt mit dem Leben von Sun-woo. Er ist die rechte Hand des Gangsterbosses Kang. In jeder Situation bewahrt er einen kühlen Kopf und erledigt seine ihm gestellten Aufgaben mit Ehre und Gewissen. Wenige Szenen später erfährt Sun-woo von Kangs Geliebten. Auf diese soll er ein Auge werfen, solange er nach Shanghai verreist ist, denn Kang hat den Verdacht, dass sie eine Affäre mit einem anderen Mann hat. Nach einigen Tagen bewahrheitet sich die Vermutung und Sun-woo erwischt Kangs Geliebte Hee-soo mit jemand anders. Aufgrund seines Sinneswandels lässt er die beiden am Leben.

Gefühlswelt eines Todgeweihten

Sun-woo beginnt einen Fehler und da er sich auch sonst bei gefährlichen Gangstern unbeliebt macht, hat er auf einmal mehrere Feinde, die sich ihm gemeinsam in den Weg stellen und ihn am liebsten tot sehen möchten. Nachdem Sun-woo gefoltert und fast getötet wird, gelingt ihm die Flucht aus einer alten Lagerhalle. Spätestens ab diesem Zeitpunkt nimmt die Wut in ihm überhand. Sun-woo sinnt nach Rache und mischt die Seouler Unterwelt mit Gewalt auf, um die Leere in sich zu füllen und die Ursacher seiner schlechten Erinnerungen endgültig zu beseitigen. Dabei wird das Schauspiel mit einer ungewohnten musikalischen Untermalung begleitet. Während man von diversen koreanischen Action-Filmen eher schrille Pop-Musik gewohnt ist, wirkt der Soundtrack von A bittersweet Life eher mexikanisch und an einigen Stellen auch klassisch. Es ist ungewohnt, einen Film dieser Machart mit diesen Klängen zu hören, doch schon bald stellt sich heraus, dass eben genau diese Musik für A bittersweet Life unumgänglich ist. Sun-woo mitsamt seiner Gefühlswelt wird so vortrefflich gut eingefangen. Kim Jee-woon hat eindeutig die richtigen Stücke der Komponisten ausgewählt und jene Szenen des Films entfernt, welche die Grundzüge des Films zu stark verändert haben. Das bemerken wir spätestens, sobald wir die entfallenen und gelöschten Szenen im Bonusmaterial untersuchen.

Stilistisches Zusammenspiel

Das Bonusmaterial ist in A bittersweet Life zahlreich vertreten. Neben den bereits erwähnten entfallenen und geänderten Szenen kommen wir in den Genuss von dokumentarischen Videos über den Stil des Films, einem Making-of mit zwei verschiedenen Kommentaren und weiteren interessanten Videos über die Entstehung des Films. Darunter fallen zum Beispiel Fragen von Mitarbeitern an Mitarbeiter von A bittersweet Life. Insgesamt beläuft sich das Bonusmaterial auf mehr als ganze drei Stunden. Wenn wir zudem noch die beiden Audiokommentare über die gesamte Länge des Films hinzurechnen, kommen wir auf über sieben Stunden Laufzeit. In A bittersweet Life gibt es keine Szene, die nicht essentiell für die auf 115 Minuten ausgelegte Handlung ist. Alle Einstellungen und Schauspieler wirken im Zusammenspiel mit dem Bild in 1080p und im 16:9-Format (2,35:1), samt der eingängigen Farbtongebung und dem Aufbau der Kulissen stimmig, um das Gefühl der Leere treffend zu beschreiben. In A bittersweet Life wurde sehr viel Wert auf die Dialoge gelegt, so kommen einige Szenen auch mal mit einigen Sekunden Stillschweigen aus, bis die Antwort des Gesprächspartners ertönt. Lee Byung-hun, Kim Yeoung-cheol und Shin Min-ah machen diesen Film Noir zu einem einprägsamen Werk des Genres. Filmliebhaber kommen um Kim Jee-woons Film aus dem Jahr 2005 absolut nicht herum.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Director’s Cut der Blu-ray-Fassung): Lange Zeit war der Film auf meinem Radar, nachdem ich ihn vor fast einem Jahr nachts einmal bruchstückhaft im Fernsehen verfolgt habe. Endlich konnte ich A bittersweet Life komplett und ohne nervige Unterbrechungen genießen und bin begeistert. Die dumpfen Musikstücke gehen sehr gut auf das Innere von Sun-woo ein, beschreiben seine Leere und die Wut, die in ihm aufkommt. Sehr prägnant sind auch die Szenen, in denen man sich entschieden hat, keine Musik einzuspielen und stattdessen die Geräusche des Nachtlebens von Seouls in den Vordergrund zu rücken. Es ist dem Regisseur absolut gelungen, hier einen Film zu erschaffen, an dem es für mich so gar nichts auszusetzen gibt. Fans des koreanischen Action-Kinos erwarten aufgrund der falschen Angabe auf der Blu-ray-Packung vielleicht einen Action-Film und werden aber mit wenigen Action-Szenen abgestempelt, doch dies sollte kein Grund sein den Film zu verschmähen. Von Anfang bis Ende kann der Film mit seinen teils intelligenten und teils passend stupiden Dialogen mitsamt seinen Schauspielern und der stilistischen Gestaltung punkten. A bittersweet Life ist ein Film Noir, der neben L. A. Confidential und Chinatown auf dem Genre-Thron koexistieren darf.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von A bittersweet Life!

Fantasy-Filme haben in Südkorea einen schweren Stand. So gab es bis Jahr 2006 dort laut Regisseur Cho Dong-oh von The Restless: Kampf um Midheaven keinen einzigen Film des Genres. The Restless stellt also gewissermaßen eine kleine Besonderheit dar.

Yi Gwak ist der letzte noch lebende Dämonenjäger in einer Welt, die von Dämonen geradezu überrannt wird. Eines Tages rettet er eine an einen Baum gefesselte Frau, die geopfert werden soll, vor den angreifenden Teufeln. Von den Dörflern wird er mit einem Mahl belohnt, aber die Freude währt nicht lange, denn der Wein wurde von einem der Dorfbewohner zuvor vergiftet. Yi Gwak gelingt zwar die Flucht aus dem Dorf, doch stirbt er an der Wirkung des Giftes. Er wacht anschließend im Vorhimmel (vermutlich der titelgebende Midheaven) wieder auf, doch es stellt sich heraus, dass Yi Gwak nicht wirklich gestorben und als Lebender in den Vorhimmel gekommen ist. Ihm ist somit untersagt, nach 49 Tagen in einem neuen Körper wiedergeboren zu werden. Zudem ist es mit der ewigen Ruhe ebenfalls vorbei, als Yi Gwaks ehemalige Verbündeten mit Waffengewalt Unruhe stiften. Vor seiner Ankunft im Vorhimmel haben diese bereits alle Wächter und Erzengel getötet – bis auf einen. Die hübsche Yon-hwa ist die einzige Himmlische, die die grausigen Taten von Ban-chu und seinen Anhängern noch nicht am eigenen Leben spüren musste. Sie ist nicht nur die Besitzerin eines für Ban-chu sehr wichtigen Seelensteins, sondern auch noch die verstorbene Geliebte von Yi Gwak. Ein Kampf auf Leben und Tod, für die Rettung von Midheaven und den Schutz von Yon-hwa beginnt.

Bezaubernder Vorhimmel

Midheaven ist ein magischer Ort, an dem die Seelen der Verstorbenen nach den Lehren des Buddhismus gelangen. In The Restless wird dieser Ort der asiatischen Mythologie als schöner und ruhiger Platz in der Welt der Toten angesehen. Die Macher haben sich bei der optischen Gestaltung an vielerlei Kulturen Asiens, vorzugsweise Japan, China und natürlich auch Korea bedient. Diese Mischung macht bei den Dörfern und Städten im Vorhimmel einen gelungenen Eindruck. Wer die verschiedenen Architekturen und kulturellen Einflüsse dieser Länder nicht kennt, wird sie auch nicht bemerken und sich vor allem nicht daran stören. Um den Film auch mit stilistischen Mitteln auf die Leinwand zu zaubern, hat man sich nicht nur der asiatischen Martial-Arts-Szene zugewandt. Kämpfe sind zwar ein wichtiger Bestandteil für die Handlung, doch ihre Umsetzung hat uns dabei gerade zu vom Hocker gehauen. Computereffekte haben wir in einem südkoreanischen Film schon sehr lange nicht mehr dermaßen hübsch umgesetzt gesehen. Sie lassen sich zudem locker mit Filmen wie Der Herr der Ringe vergleichen. Das ist ebenfalls bei den hübschen Landschaftsbildern zu bemerken, wo im Hintergrund zum Beispiel das Wasser eines riesigen Wasserfalls in die Tiefe rauscht. Solche HD-Momente gibt es in The Restless immer wieder quer über den Film verteilt. Da stört es auch kaum, dass sich die fantasievolle Story kaum entfaltet und die Motive der Charaktere von Anfang an klar sind.

Erstlingswerk eines Regisseurs

Interessant und essentiell sind die eingespielten Rückblenden an Geschehnisse, die vor der Filmhandlung stattgefunden haben, aber dennoch. Hier merken wir auch, dass der Regisseur am liebsten eine Trilogie auf die Leinwand gezaubert hätte, um die Ereignisse chronologisch abzuarbeiten. Allerdings war The Restless Cho Dong-ohs erstes filmische Werk und wenn ein Regisseur erst einmal auf dem Arbeitsmarkt Fuß fassen muss, gibt man ihm nur selten zu viel Geld in die Hand, um seinen Traumfilm zu verwirklichen. Am Ende war The Restless zudem kein Kassenschlager in den südkoreanischen Kinos. Hierzulande wurde der Titel, wie es bei asiatischen Filmen so oft der Fall ist, direkt auf DVD beziehungsweise Blu-ray veröffentlicht. In der Blu-ray-Fassung wird der circa 100-minütige Spielfilm in 1080p und im 16:9-Format (2,35:1) präsentiert. Das Tonformat ist so wohl in Koreanisch (mit aktivierbaren Untertiteln in Deutsch und Niederländisch) und im Deutschen in DTS-HD 5.1 gehalten. Für die deutsche Synchronisation wurde unter anderem Simon Jäger verpflichtet, der mit seiner angenehmen Stimme Yi Gwak zum Sprechen bringt. Als Bonusmaterial liegen interessante Einblicke in die Produktion des Films in Form eines Making-ofs vor. Außerdem enthalten sind TV-Spots und Trailer zu The Restless, sowie ein durchgehender Audiokommentar mit und vom Regisseur. The Restless: Kampf und Midheaven ist ein optisch beeindruckender Film, der teils an seiner nicht gerade tiefgründigen Handlung kränkelt, aber dennoch genügend fantasievolle Elemente bietet, um Fantasy-Fans anderthalb Stunden lang gut zu unterhalten.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): The Restless: Kampf um Midheaven ist für den ersten Film eines neuen Regisseurs ein optisch beeindruckender Film. Spezialeffekte werden in vielen Filmen bis zum Ultimo getrimmt und zum Teil überbewertet. In The Restless befindet sich die Qualität der Effekte genau auf dem Level, um das filmische Erlebnis angenehm zu gestalten. Zwar fällt es dadurch schneller auf, dass die Handlung nicht immer so ganz überzeugen kann, doch Rückblenden und die passenden Schauspieler machen dieses Manko schnell wieder wett. Ich finde es jedoch schade, dass man Cho Dong-oh gerade einmal so viel Geld zur Verfügung gestellt hat, damit er den Film grundlegend so erschaffen kann, wie er es sich immer vorgestellt hat. Durch die kurze Lauflänge fällt schon bald auf, dass die Story auf mindestens zwei Filme hätte ausgelegt werden sollen, um sie noch stärker, besser und intensiver an den Zuschauer vermitteln zu können. Wer derzeit sehnsüchtig auf den ersten Teil von Der Hobbit wartet und dringend Fantasy-Nachschub braucht, sollte zu The Restless: Kampf um Midheaven greifen. So habe ich Fantasy bisher nämlich noch nie erlebt.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von The Restless: Kampf um Midheaven!

In diesem Jahr jährte sich ein Ereignis zum einhundertsten Mal. Seit einhundert Jahren ist China ohne Kaiser und eine Republik. Zu diesem Anlass wurden die Ereignisse von 1910 bis 1912 im Film 1911 Revolution noch einmal zusammen gefasst.

Die Bevölkerung Chinas leidet zu Beginn des 20. Jahrhunderts nicht nur unter den feindlichen beziehungsweise ausländischen Mächten, die einige Teile des Landes besetzt haben, sondern auch unter der Regierung selbst. Die Qing-Dynastie herrschte zu diesem Zeitpunkt seit mehr als 250 Jahren. Da Kaiserinwitwe Longyu nichts gegen die Besatzer unternimmt und das Volk leiden muss, wird der Widerstand im Volk immer größer. Aus der Bevölkerung entsteht eine neue Armee, die sich den Streitkräften des Kaisers widersetzen. Anführer der Revolution sind Huang Xin und Sun Yat-sen. Insbesondere Letzterer ist für das Ziel der Revolution, die seit über zweitausend Jahren bestehende Monarchie zu stürzen, von Bedeutung. Zweitrangig wird im Film eine unterhaltende Geschichte erzählt, viel mehr möchte das Werk uns die Eckpfeiler der Revolution näherbringen, in der viel Blut vergossen wurde. So erleben wir in 1911 Revolution, wie der bewaffnete Aufstand von Wuchang stattgefunden hat und wie die Kaiserinwitwe später zur Abdankung gezwungen wurde. Diese Szenen werden durchgehend mit informativen Texten, die ein Erzähler vorliest, kurz ein- oder ausgeleitet. Besonders gut zur Geltung wird die Reaktion der Kaiserhauses eingefangen, welches immer mehr an Macht verliert und bei den Revolutionären auch keine Chance mehr dazu hat, zumindest eine konstitutionelle Monarchie zu etablieren. Somit ist ebenfalls die andere Seite des Konflikts deutlich charakterisiert.

Die Xinhai-Revolution

Man möchte um jeden Preis eine Republik in China gründen und das gerne ohne Blutvergießen. Es ist beachtlich, wie gut die Charaktere mit ihren Vorstellungen der idealen Herrschaft im Land umgehen und welche Entwicklung sie im Verlauf der auf zwei Stunden ausgelegten Handlung durchmachen. Man kann von der heutigen Volksrepublik China halten was möchte, damals war eine Revolution wohl unumgänglich, um das Reich der Mitte vor dem Zusammenbruch zu bewahren. Somit kann man definitiv davon sprechen, dass die Xinhai-Revolution eines der bedeutendsten Ereignisse in der Geschichte Chinas, sogar eines der wichtigsten Ereignisse in der Weltgeschichte gewesen ist. 1911 Revolution ist ein beeindruckender Historienfilm, welcher das Nationalgefühl von China gut zum Ausdruck bringt und ein elementares Stück der chinesischen Geschichte behandelt. In die Rolle von Longyu schlüpft Joan Chen und Winston Chao verkörpert abermals Dr. Sun Yat-sen. Nicht nur von seinem verblüffenden Schauspieltalent, sondern auch vom Aussehen könnte man sich kaum jemand besseres für diese Rolle aussuchen. Dem einen oder anderen Zuschauer wird es verwundern, dass Jackie Chan in die Rolle des Huang Xin schlüpft. Ist das Multitalent normal für seine humoristischen Figuren in diversen Action-Filmen bekannt, mimt er hier einen starren und ernsthaften Menschen. In diesem Film ist Chan allerdings nicht nur Schauspieler, sondern auch als Regisseur tätig.

Realistisches Kriegsszenario

Der Brillanz des Films tut dies allerdings keinen Abbruch, nur die eine oder andere Action-Szene wirkt etwas komisch. So haben wir bei den vielen umherschnellenden Kugeln eher das Gefühl, wir würden die aus der Star-Wars-Saga her bekannten Blaster-Effekte in den Gassen und Straßen der Städte erkennen. Bis auf diese einzige Kleinigkeit wirken die Effekte in Chans einhundertstem Film (sofern dies zutrifft, in einem Interview gesteht er ein, dass er sich da selbst nicht sicher ist und er das erst einmal prüfen müsse, da er in seinen Filmen nicht nur als Regisseur und Schauspieler mitwirke) realistisch. Bomben und Granaten explodieren mit ordentlichem Krach und wenn man sich erst einmal die Ausmaßen der Auseinandersetzungen ansieht, dann wird man richtig in die Atmosphäre der Revolution gezogen. Man leidet mit den Verwundeten und Opfern mit. Optisch sieht der Film in 1080p sehr gut, wenn aufgrund des Settings (Schützengräben, Schlachtfelder) oftmals auch etwas karg aus. Die Musik von Ding Wei untermalt das Geschehen sehr gut. Bedrohliche, ruhige und wichtige Szenen werden ausgezeichnet zum Ausdruck gebracht. Die intelligenten Dialoge bereichern den Inhalt des Films, sowohl in der deutschen Synchronfassung als auch in Mandarin. Beide Tonspuren liegen auf der Blu-ray in DTS-HD 5.1 vor. Untertitel darf man sich in Deutsch und Niederländisch hinzuschalten.

Halbgares Bonusmaterial

Bei den eingangs bereits erwähnten eingeblendeten Texten werden aber auch bei der deutschen Tonspur Untertitel hinzugeschaltet, die allerdings meistens zu schnell verschwinden. Hier hätte Mighty Titles die eingeblendeten Untertitel nach Fertigstellung ruhig noch einmal überprüfen  können. 75 Minuten Bonusmaterial ist auf der Blu-ray neben ein paar einzelnen Trailern ebenfalls enthalten, doch nur die halbstündige Pressekonferenz konnte uns wirklich überzeugen. Hier wurden dann wichtige Fragen und zu den Charakteren von Jackie Chan und Co. beantwortet. Es wäre auch toll gewesen, mehrere Interviews mit dem Martial-Arts-Star und seinen Kollegen auf der Disc vorzufinden, doch einzig und allein das Interview mit Li Bingbing hat uns nicht sonderlich vom Hocker gehauen. Nicht informativ und zu kurz ist es ausgefallen. Der restliche Bonus beschränkt sich auf B-Roll-Material und kurze Making-ofs, die aber ebenfalls leider nur wie pures B-Roll-Material wirken. Eine Dokumentation über die Geschehnisse von 1911 hätten das Gesamtwerk abgerundet. Unterm Strich bleibt aber dennoch ein mehr als ansehnlicher Film. Wer sich für die Geschichte Chinas interessiert und sich dabei die eine oder andere Freiheit im Handlungsverlauf gefallen lässt, der darf sich auf 121 Minuten pure Spannung und tolle Dialoge in einem realistischen Setting freuen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Ich bin nicht gerade der Fan von einer Republik, zumindest nicht in Filmen. Eine Geschichte, die in einem Kaiserreich oder in einer Monarchie stattfindet, gefällt mir unweit mehr. Obwohl dies zu Beginn der Handlung noch der Fall ist, konnte mich die Handlung von 1911 Revolution auch nach der eingeleiteten Wende immer noch in ihren Bann ziehen. Das unter den ausländischen Besatzern und der Herrschaft der Qing-Dynastie leidende Volk beginnt sich nach den Opiumkriegen gegen die Ungerechtheit langsam aber sicher aufzulehnen. Das Ergebnis ist eine Revolution, die aus der Monarchie in China schlussendlich eine bis heute währende Republik, wenn vielleicht auch in einer nicht von Anfang an so gewollten Form, besteht. Ich finde es erstaunlich, wie gut die Rollen von Huang Xin und Dr. Sun (Sun Yat-sen) in 1911 Revolution verkörpert werden. Der Film hat genau die richtige Länge, greift alle wichtigen Eckpfeiler ab und nimmt sich dabei auch die eine oder andere Freiheit, um die Geschichte weiterzuspinnen. Einzig allein interessant hätte ich es gefunden, die am Ende der Handlung angelegten Verhandlungen etwas in die Länge zu ziehen und mehr über die Herrschaft der Qing-Dynastie zu erfahren. Die Ausgangslage ist im Film einfach nur, dass die Herrschaft unter den Qing schlecht ist. Ich werde mir Jackie Chans einhundertsten Film irgendwann noch einmal anschauen und zwar spätestens dann, wenn ich mir noch mehr Hintergrundwissen über die Geschichte Chinas angeeignet habe, damit mir an der einen oder anderen Stelle hoffentlich noch mehr Details auffallen. Abschließend möchte ich den Film allen empfehlen, die sich für die Geschichte Chinas interessieren.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von 1911 Revolution!

In den meisten Fällen werden epochale Schlachten durch Schwerter ausgetragen. War of the Arrows bedient sich diesem Klischee nicht und präsentiert uns aufregende Abenteueraction, in welcher der Konflikt durch spitze Pfeile ausgetragen wird.

Im Jahre 1636 unserer Zeitrechnung überfällt eine große Armee der chinesischen Mandschu-Dynastie die koreanischen Ländereien. Sie sind weniger darauf bedacht, Dörfer und Städte zu vernichten, sondern sie wollen eher die unschuldigen Bewohner gefangen nehmen und in die Mandschurei verschleppen. Nam-yi hat einst seinen Vater verloren und fühlt sich deswegen minderwertig, zumal sein Vater als Verräter von den Anhängern des Königs ermordet wurde. Ausgerechnet an dem Tag, wo seine Schwester gegen seinen Willen heiratet, fällt die Armee ein. Als einziger Überlebender des Gemetzels stellt Nam-yi fest, dass seine Schwester von den Eindringen entführt wurde. Er folgt den Spuren der Soldaten, die viele der Bewohner über den Grenzfluss verschleppen wollen. Gerade nachdem das nächste Blutbad am Fluss seinen Lauf genommen hat, tritt Nam-yi ins Geschehen. Er hat nichts zu verlieren und kämpft sehr erfolgreich gegen seine Feinde, doch seine Schwester wurde derweil zum Prinzen gebracht – das nächste Ziel vor Augen und mit seinen geretteten Verbündeten an der Seite, macht sich Nam-yi auf, seine Schwester aus den Fängen der Mandschu-Dynastie zu befreien. Dabei stellt sich ihm allerdings der mandschurische Krieger Jiusinta in den Weg, der ebenfalls ein Meister in der Kunst des Bogenschießens ist und Nam-yi endgültig aus dem Weg räumen möchte.

Die Kunst des Bogenschießens

An den koreanischen Kinokassen konnte War of the Arrows binnen kurzer Zeit ganze sieben Millionen Zuschauer in seinen Bann ziehen. Das können wir nur bedingt verstehen. Der Film nimmt sich zu Beginn der auf über zwei Stunden ausgelegten Handlung zu viel Zeit, um die Hauptcharaktere vorzustellen. Sobald die Mandschu allerdings angreifen, gewinnt die Story schnell an Fahrt und kann dann durchgehend bis zum Ende überzeugen. Dadurch, dass fast alle Kämpfe nahezu ausschließlich mit Pfeil und Bogen ausgetragen werden, entwickelt sich in War of the Arrows eine ganz andere Dynamik, als es in anderen Abenteuerepen der Fall ist. Das Landschaftsbild Koreas wird dabei sogar noch konkreter mit in die Szenerie eingebaut. So erscheint eine karge Landschaft geradezu lebendig, wenn plötzlich Pfeile über die Ebenen schnellen und auf fliehende Menschen treffen. Szenen, die im Wald stattfinden, wirken somit noch intensiver. Durch schnelle Bewegungen der Darsteller und abgeschossene Pfeile machen diese Szenen einen aufregenderen Eindruck auf uns, als es vielleicht ein Schwertkampf tut. So schwach die Handlung an der einen oder anderen Stelle auch wirkt. Neben den stilistisch gut in Szene gesetzten Auseinandersetzungen, können auch die Schauspieler Pluspunkte für sich sammeln. Park Hae-il trägt mit seiner starren Mimik genau die Emotionen für Nam-yi bei, die wir von seinem Charakter erwarten. Schließlich hat er kaum mehr etwas zu verlieren.

Fehlende Hintergründe

Schauspieler, Kämpfe und das Landschaftsbild wirken in 1080p und im 16:9-Format (2,35:1) zusammengenommen passend. Unterstützt wird die Auseinandersetzung zwischen China und Korea durch einen gelungenen Soundtrack, der zwar nur sehr wenige Stücke aufweist, aber an die jeweilige Gegebenheit ständig angepasst wird. Einige Szenen kommen glücklicherweise auch ohne musikalische Begleitung aus, um etwa das Leid der Gefangenen zum Ausdruck zu bringen. Das Tonformat liegt sowohl im Deutschen, als auch im koreanischen Original in DTS-HD-5.1-Master-Audio vor. Das Original wirkt ein wenig intensiver, doch die deutschen Synchronsprecher wurden keinesfalls fehlbesetzt. Zur koreanischen Tonspur lassen sich wie so oft deutsche oder niederländische Untertitel zuschalten. Bonusmaterial ist auf der Blu-ray fast nicht zu finden. Neben den üblichen Trailern zu anderen Produkten aus dem Hause Splendid Film, befinden sich auf der Disc der originale Filmtrailer, ein sehr kurzes Making-of und ein paar Minuten B-Roll-Material. Das zusätzliche Material kommt im Gegensatz zum 122-minütigen Film gerade einmal auf fast 15 Minuten. Das ist sehr wenig, zumal man ausländischen Zuschauern wie uns den geschichtlichen Hintergrund der Invasion sehr gut hätte näherbringen können. So ist und bleibt War of the Arrows ein actiongeladener und spannender Film für einen verregneten Nachmittag. Sammler freuen sich aber immerhin über ein Wendecover ohne FSK-Logo. Fein.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Mittlerweile bin ich ein großer Fan des südkoreanischen Kinos geworden. Es gibt kaum einen koreanischen Film, der mich nicht auf die eine oder andere Weise bezaubern kann. War of the Arrows schafft dies gerade noch so mit seinen Kämpfen, die sich fast ausschließlich auf die Konfliktlösung mit Pfeil und Bogen konzentrieren. Die unterschiedlichen Landschaften im Einklang in diesem stilistischen Kampf zu sehen, ist ebenfalls eine Bereicherung in meinem Filmregal, zumal die Darsteller in War of the Arrows ihren Teil dazu beitragen, um die Spannung hochzuhalten. Es ist daher aber umso tragischer, dass mir die Handlung fast gar nicht zu gefallen weiß. Obwohl die Grundlagen wie eine Lovestory, ein innerlich zerrissener Held und auch feindliche Auseinandersetzungen allesamt enthalten sind, kommt für mich zu Beginn kaum Interesse auf und wer den Film bis zum Ende verfolgt, wird eventuell auch vom Epilog ein wenig enttäuscht werden. Die Story endet so abrupt, wie sie angefangen hat. Wer aber einmal sehen möchte, wie Konflikte ohne Nahkampfwaffen oder ohne Fäuste, aber dennoch mit Gewalt geklärt werden, darf bei War of the Arrows ruhig einmal einen Blick riskieren.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von War of the Arrows!

Wenn sich Amerikaner an einen Historienfilm wagen, der nichts mit ihrer Kultur gemein hat, so entstehen daraus zwiespältige Resultate – etwa The Last Samurai mit Tom Cruise. Obwohl ein guter Film, fängt dieser die japanische Kultur weniger gut ein, als es ein Akira Kurosawa vor seinem Tod mit zahlreichen Samurai-Filmen geschafft hat.

Way of the Samurai ist sozusagen die thailändische Antwort auf The Last Samurai. Der Film folgt grundsätzlich denselben Richtlinien, jedoch verschlägt es in Way of the Samurai einen japanischen Schwertkämpfer in die thailändische Kultur. Im 16. Jahrhundert kämpft Yamada Nagamasa in der Armee des mächtigen Königs Naresuan gegen das feindliche Burma, doch auch nach der Schlacht scheint keine Ruhe einzukehren. Mysteriöse Angreifer sorgen in der thailändischen Hauptstadt für Angst und Schrecken. Sie töten Nacht für Nacht unschuldige Bewohner. Eines Nachts wird Yamada selbst attackiert und erkennt dabei, dass es sich dabei um die Leute aus seinem eigenen Volk handelt. Yamada wird schwer verwundet und kommt nur sehr knapp mit dem Leben davon. Er wird von einer Gruppe Muay-Thai-Kriegern gerettet und in ihr Dorf gebracht. Nach seiner Genesung wird er dort in die alte Kunst des Kampfes eingewiesen. Der aus Japan stammende Krieger erlernt dort genauer gesagt das Thai-Boxen, welches sich auf die acht Waffen des menschlichen Körpers beschränkt. Schlussendlich kommt es dazu, dass Yamada in die Leibgarde des Königs aufgenommen wird und er Rache an den Verrätern üben kann, um das thailändische Volk zu rächen. Keine Sorge, auch wenn wir hier die Handlung in ihrem Rahmen durchleuchtet haben, ist es in Way of the Samurai die zwischenmenschliche Beziehung und der Begriff Heimat, welche zentral behandelt und geklärt werden.

Martial-Arts-Verknüpfung

Choreographisch werden in Way of the Samurai zwei Stile vermischt. Zum einen der ruhige Kampfstil der Samurai, der sich sehr auf die Bewegungen des Gegners konzentriert und dann der schnelle, sowie harte Kampfstil des Thai-Boxen. Im Verlauf der Handlung gelingt es dem japanischen Kämpfer, beide Kampfkünste miteinander zu verbinden. Das sorgt für viele und vor allem für sehr actionreiche Kämpfe, die zwischen den ruhigen und angenehmen Szenen eingespielt werden. Der Titel erreicht hier zwar bei weitem nicht die Klasse eines Once upon a Time in China oder der Ip-Man-Trilogie, doch können sich die Auseinandersetzungen sehen lassen. Viel wichtiger ist allerdings die Beziehung zwischen Yamada und einer thailändischen Frau. Im Verlauf der Handlung wird hier zwar angedeutet, dass sich die beiden ineinander verlieben, doch dazu kommt es nicht. Viel mehr möchte der Film auf das Thema Freundschaft aufmerksam machen, die ungleich der Nationalität bestehen kann. Obwohl die Bewohner erst skeptisch gegenüber Yamada sind, öffnen sie sich ihm schon bald und gewähren ihm auch das Recht, das Thai-Boxen zu erlernen, was sonst nur den Einheimischen erlaubt ist. Es wird klar, dass die eigene Heimat dort ist, wo einem das Schicksal hinführt und man sich selbst erfüllt fühlt. Die Dialoge sprießen stellenweise vor lauter Metaphern und klugen Vergleichen, so dass die Dialoge ein Genuss für jeden Fan des Martial-Arts-Genre sind.

Literweise Blutverlust

Hierzulande wird man die thailändischen Darstellern kaum kennen. Auch Yamada-Darsteller Seigi Ozeki ist ein eher Unbekannter der Filmlandschaft. Durch diese Unverbrauchtheit macht Way of the Samurai einen umso stimmigeren Eindruck. Dies erreicht auch die thailändische Landschaft. Wenn wir den Handlungsort in das Rot der Abendsonne getaucht, in 1080p und im 16:9-Format (1,85:1) sehen, können wir unsere Augen aufgrund dieser Pracht schon fast gar nicht mehr schließen. Hier hat Regisseur Nopporn Watin ganze Arbeit geleistet. Zudem wird das Geschehen mit einem ruhigen und nur in den passenden Momenten bedrohlichen Soundtrack unterlegt. Die deutsche sowie die thailändische Tonspur liegen im DTS-HD-5.1-Master-Audio-Format vor. Die deutschen Synchronsprecher passen, wenn wir von der eher unpassenden deutschen Stimme des kleinen Mädchens absehen, sehr gut zu den Charakteren. Wer lieber die originale Tonspur beim Film aufgrund der Originalität genießen möchte, die Sprache allerdings nicht versteht, darf sich sowohl deutsche als auch niederländische Untertitel hinzuschalten. Bonusmaterial liegt der Black Edition der Blu-ray-Fassung nicht bei, einzig allein ein paar Trailer zu anderen Filmen befinden sich mit auf der Disc. Schade finden wir, dass das laut Beipackzettel bei der normalen Fassung enthaltene Querformat-Wendecover nicht auch der Black Edition beiliegt. Der Film hat eine Laufzeit von circa 102 Minuten und kann durchweg überzeugen. Einzig allein die mit dem Computer nicht so gut nachbearbeiteten Kampfeffekte, in denen literweise Blut spritzt, stören das sonst kräftige Gesamtbild.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Black Edition der Blu-ray-Fassung): Wer mein Review zu Demon Warriors gelesen hat, wird wissen dass ich mich mit thailändischen Filmen schwer tue. Das hat sich mit Way of the Samurai glücklicherweise geändert. Mein Vorurteil hat sich dieses Mal nicht bestätigt und so war ich froh, dass ich nach über einhundert Minuten sagen kann, dass ich einen guten Film gesehen habe. Die friedliche Verbindung zwischen Thailand und Japan wird hier erstaunlich gut an den Zuschauer vermittelt. Beide Kulturen werden von den Charakteren im Film hervorgehoben, es gibt keine direkte Diskriminierung und durch die intelligenten Dialoge gewinnt die Handlung von mal zu mal mehr an Gewicht. Ich kann den Film nur jedem Martial-Arts-Fan ans Herz legen, der sich auf eine durchdachte Handlung (die sich allerdings wirklich nur auf das Elementare des Films stützt und keinen Spielraum für mehr als eine Nebenhandlung lässt) und furiose Kampfeinlagen einlassen möchte. Schade ist hier nur, dass der historische Hintergrund nicht so genau erläutert wird und kein Bonusmaterial beiliegt, welches diesen erläutert.  Jetzt bin ich nur sehr gespannt, wie mich der nächste thailändische Film überzeugen möchte. Das ist bei mir, wie ich schon sagte, äußerst schwer.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Way of the Samurai!

Die Ryu-Ga-Gotoku-Reihe, im Westen besser als Yakuza-Serie bekannt, gehört unter Fans zu den besten Videospielreihen der Welt, auch wenn die Verkaufszahlen in den Augen Segas wohl deutlich höher ausfallen dürften. Trotzdem sind seit 2005 vier Teile und ein Spin-Off erschienen, ein sechstes Spiel ist bereits in Arbeit. Zudem verfilmte Kultregisseur Takashi Miike 2007 die zweite Spielhälfte des ersten Teils.

Auch als Kenner des Spiels dürfte es ein wenig merkwürdig sein, in den Film einzusteigen, da selbst wir uns erst einmal ein wenig an Fakten orientieren müssen, zu welchem Zeitpunkt der Spielhandlung der Film einsetzt. Takashi Miike bedient sich dabei nämlich nicht nur an der Story des Spiels, sondern führt auch neue Elemente ein, die im Grunde gar nichts mit der eigentlichen Geschichte von Yakuza zu tun haben. So lernen wir ein schrilles Pärchen, dass auf Diebestour durch den fiktiven Tōkyōter Stadtteil Kamurocho (einer Nachbildung des Kabukichō-Stadtteils von Shinjuku) streift und einen koreanischen Killer, der es auf einen ganz besonderen Feind abgesehen hat, kennen. Zudem wechselt das Geschehen immer wieder zu zwei Gaunern, welche eine Bank überfallen, doch nun vor einem leeren Tresor stehen. Hier verknüpft sich der Film erstmals mit dem Spiel. In jenem Banksafe sollten Teile der zehn Milliarden Yen zu finden sein, die allerdings von den Yakuza zuvor entwendet wurden.

Gut und schlecht beleuchtete Charaktere

Kazuma Kiryū, der einst unschuldig ins Gefängnis wanderte, wird in die Freiheit entlassen und trifft in den Straßen von Kamurocho auf das kleine Mädchen Haruka, welches ihre Mutter im Großstadtdschungel sucht. Kazuma unterstützt sie bei ihrem Vorhaben und stellt schon bald fest, dass er ihre Mutter schon vor langer Zeit kennengelernt hat. Zur selben Zeit erfährt Gorō Majima, ein Gegenspieler von Kazuma, dass unser Hauptprotagonist aus dem Gefängnis entlassen wurde und durchsucht mit seinen Schlägern die Stadt. Es kommt unausweichlich zu Prügeleien und Schießereien im Bezirk. Außerdem bekommen wir Einblicke ins Berufsleben von Detective Date, lernen in kurzen Szenen Shintarō Kazama (im Westen wurde er in Fuma umbenannt, um einer Verwechslung mit Kazuma zu entgehen) und auch Nishiki, Yumi und Jingu kennen. Hier hat Takashi Miike den entscheidenden Fehler gemacht, sich mehr auf die neu eingeführten Charaktere zu konzentrieren, als jene Figuren, die wichtig zum Verstehen der Handlung sind, näher zu beleuchten. Daraus resultiert sich, dass das letzte Drittel des Films für Laien überhaupt nicht zu verstehen beziehungsweise nachzuvollziehen ist, da schlicht die Verknüpfungen zwischen den einzelnen Szenen fehlen und das Finale des Films im Gegensatz zum Spiel extrem verkürzt dargestellt wird.

Gute Atmosphäre – durchwachsene Umsetzung

Zudem hat sich auch die eine oder andere Abweichung zum Spiel im Film versteckt, besonders Fakten was das Geld angeht. Auch das Nishiki-Yumi-Jingu-Dreiergespann wird im Film nicht als solches dargestellt, das Verständnis bleibt auf der Strecke. Dennoch kann der Film zumindest in den ersten sechzig von 105 Minuten punkten – die Story wird hier dicht erzählt und die gut eingefangenen Stadtbilder und spärlich eingesetzte Musik unterstreichen die Atmosphäre, die ebenfalls weite Teile des Spiels ausmachen. Auch die Schauspieler haben ihren Teil zum Endresultat beigetragen, besonders die Darsteller von Kazuma Kiryū, Gorō Majima, Haruka und Detective Date haben ihre Rollen perfekt zum Ausdruck gebracht. Die deutsche Synchronisation ist gut (besonders in Bezug auf die Hauptdarsteller), doch wer sich den Film im japanischen Original (wahlweise mit gelb eingefärbten deutschen Untertiteln) anschauen möchte, erfährt nochmals einen Pluspunkt in der durchgehend guten Atmosphäre. Der Film erstrahlt im 16:9-Format mit satten Farben und einem scharfen Bild, selbst auf einem HD-Fernseher.. Der Deluxe-Edition liegt übrigens eine Bonus-Disc bei, welche die Kindheit und Anfänge von Kazuma Kiryū als Yakuza in einer guten Dreiviertelstunde zeigt. Dieses Material wurde 2005 bereits zum Vermarkten des ersten Videospiels aufgenommen und eignet sich besonders als Einstieg in die Videospielreihe. Takashi Miikes actiongeladene Interpretation von Ryu Ga Gotoku darf sich kein Fan der Reihe, oder jene die es werden wollen, entgehen lassen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der DVD-Deluxe-Edition): Meine Erwartungen waren an diesen Film durchaus hoch, da auch für mich die Yakuza-Reihe seit letztem Jahr einen sehr hohen Stellenwert eingenommen hat. Während ich im letzten Jahr erst den zweiten Videospielteil genießen durfte, konnte ich in den letzten Wochen und Monaten die Anfänge der Reihe auf der PlayStation 2 nachholen. Da kam es mir wie gerufen, dass das Rezensionsexemplar von Like A Dragon bei mir auf dem Schreibtisch landete. Man darf von Like A Dragon nicht erwarten, dass es das Spiel so einfängt, wie man es sich vielleicht vorstellen würde. Allerdings ist dieser Streifen auch weit entfernt davon, im Regal zu verstauben. Takashi Miike hat diesem Spiel meiner Meinung nach Tribut gezollt und den Fokus weniger auf die Story, sondern mehr auf die mehr als nur gelungene Stadtatmosphäre zu legen. Wenn Majima und Kazuma sich gegenseitig die Köpfe einschlagen und dabei auch noch ein paar blaue Bohnen durch die Gegend geschossen werden, kommt es mir fast so vor, als würde ich gerade eine der besten Rangeleien im Spiel erleben – und wenn das eine Videospielverfilmung schafft, dann hat sie ihr Ziel meiner Meinung nach schon fast erreicht. Es ist nur schade, dass besonders gegen Ende des Films die Verknüpfungen und Ausführungen fehlen, damit nicht nur Fans des Spiels die Handlung nachvollziehen können. Mein Tipp: Kauft euch die Deluxe-Edition, schaut euch das Eröffnungskapitel der Bonus-DVD an, kauft euch dann den ersten Teil der Reihe für die PlayStation 2 und schaut euch dann den Film an. Das mag zwar für den einen oder anderen etwas umständlicher sein, aber nur so kann man den Überblick bewahren. Wer aber trotzdem mal einen Blick in das aus dem Spiel bekannten Yakuza-Leben werfen möchte, kann mit Like A Dragon ebenfalls nichts falsch machen.

Vielen Dank an Anime Virtual für die freundliche Bereitstellung des Rezensionsexemplars von Like A Dragon!

Wenn ein Regisseur über sein eigenes Land sagt, dass man dort keine vernünftigen Action-Filme drehen könne, es aber dennoch wagen möchte, muss er sich etwas Besonderes ausdenken. Im Falle von The Man From Nowhere ist dieses Vorhaben durchweg geglückt.

Der titelgebende Mann Cha Tae-Sik lebt zurückgezogen, geht seinem Tagwerk als Pfandleiher nach und vermeidet den Kontakt mit anderen Menschen. Einzig allein seine Nachbarin, das junge Mädchen Jeong So-mi, interessiert sich für ihn und freundet sich mit ihm an. Als eines Tages das Mädchen samt Mutter von einem mächtigen Kartell entführt wird, muss Cha Tae-Sik für die Drogenbarone arbeiten, um die Freiheit der zwei Damen zu erwirken. Schon bald merkt er, dass er zu einer sinnlosen Marionette des Kartells gemacht wird und dass er Jeong So-mi und ihre Mutter wohl nie mehr lebend wiedersehen wird. Tae-Sik begibt sich auf einen Rachefeldzug, denn die Gangster wissen nicht, dass er eigentlich ein ausgebildeter Geheimagent ist.

Gefühlsvolle Action-Welt

The Man From Nowhere war mit sechs Millionen Kinobesuchern der erfolgreichste Film 2010 an den koreanischen Kinokassen – unserer Meinung nach zu recht. Regisseur Jeong-beom Lee hat mit diesem Werk ein Film geschaffen, an den man sich auch noch in vielen Jahren rückblickend erinnern wird. Die gnadenlose Jagd von Cha Tae-Sik auf die Gangster, welche die kleine Jeong So-mi entführt haben, ist voller Trauer, Wut und Zorn, aber auch voller Liebe und Freude. Schauspieler Won Bin, der in diesem Film den Charakter des Cha Tae-Sik verkörpert, hätte nicht besser ausgesucht werden. Seine kalte Ausdrucksart setzt er ausdrucksstark und stilvoll in Szene. Aber auch Sae-ron Kim, die sich für die Rolle der Jeong So-mi verantwortlich zeichnet, hat für ihr junges Alter schon sehr viel Talent für die Schauspielerei angeeignet. Sie bringt nicht nur das Herz von Cha Tae-Sik, sondern auch die Herzen der Zuschauer zum Schmelzen. Hier merken wir auch schon, dass man bei diesem Film den Fokus eher auf die Gefühlswelt der Charaktere legt und die Gewalt (bis auf ein paar ausschweifende) Szenen in den Hintergrund stellt.

Koreanisches Meisterwerk

Unterlegt wird der Film von Anfang bis Ende mit einem mehr als nur guten Soundtrack. Jede Szene wird passend, entweder mit schnellen, langsamen, leisen oder lauten Musikstücken unterlegt, die besser nicht ausgewählt sein können. Die koreanische Originalfassung ist bei diesem Film gleich auf mit der deutschen Synchronisation, bei der die deutschen Sprecher sorgfältig ausgewählt wurden (beispielsweise Sascha Rotermund, der unter anderem Donald Draper in der deutschen Synchronfassung der TV-Serie Mad Men spricht). Als Tonformat wird DTS-HD 5.1 verwendet, das 16:9-Bildformat kommt in 1080p daher. Als Bonusmaterial liegen auf der Blu-Ray zwei (sehr gute!) Making-Of-Videos (zusammen circa achtzig Minuten Länge) und das Musikvideo zum Titelsong Dear von Mad Soul Child bei – als Dreingabe zum 119-minütigen Film ist das sehr lobenswert. Ihr merkt es schon: Wir sind von The Man From Nowhere mehr als nur angetan und können euch den Film bedenkenlos empfehlen, denn es muss nicht immer nur pure Action sein, auch Gefühle haben ihren Platz in dieser Welt!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-Ray-Fassung): The Man From Nowhere beweist einmal mehr, warum ich asiatische Filme mag. In diesem Film wird die Gewaltdarstellung auf ein Minimum reduziert und der Fokus auf die Gefühle der Charaktere gelegt. Mit fortlaufender Handlung lernt man die Charaktere kennen und lieben, man schließt sie richtig ins Herz und macht mit ihnen ihren Leidensweg durch. Man hofft und bangt mit den Charakteren, dass ihre Wege wieder zusammen führen werden und bekommt mehrere Wendungen in der Handlung vorgesetzt, welche dieses Ziel als unmöglich erscheinen lassen. Dazu gesellt sich das klare Bild der Blu-Ray und der umwerfende Soundtrack – das letzte Mal, wo dieser mir so gut gefallen hat, war bei Once upon a Time in China und das ist auch schon ein paar Monate her. Ich kann euch diesen Film wärmstens ans Herz legen, denn bei Jeong-beom Lee hat mit The Man From Nowhere einen Film geschaffen, der seinen unvergesslichen Platz in der Filmwelt gefunden hat. Und jetzt müsst ihr nur eines tun: In den Laden laufen und euch die Blu-Ray zulegen!

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von The Man From Nowhere!

Donnie Yen ist für seine vielen Rollen in Martial-Arts-Filmen bekannt. Während Titel wie Ip Man und Ip Man 2 sicherlich zu den besten Filmen gehören, in denen er mitgewirkt hat, ist das Historienepos The Lost Bladesman leider nur im oberen Mittelfeld anzusehen.

Guan Yu wird zu den größten chinesischen Kriegern gezählt und ist einer der bedeutsamsten Figuren der ostasiatischen Geschichte. Gelebt hat Guan Yu am Ende der Han-Dynastie und  zur Zeit der drei Reiche. The Lost Bladesman spielt zur Zeit der letzt genannten Epoche, wo der Chinese für Treue, Mut und Gerechtigkeit eingestanden haben soll. Der undurchsichtige General Cao Cao versucht sich den Dienst von Guan Yu zu erkaufen, doch dieser ist mit Cao Caos ärgstem Feind verbündet. Er versucht Guan Yu umzustimmen und schreckt selbst vor Entführungen und Mord nicht zurück. Nachdem Guan Yu die Festung von Cao Cao verlässt, werden kurz darauf Brieftauben in alle Ecken des Landes entsendet. Die Botschaft ist klar: Guan Yu muss getötet werden. Als gefeierter Kriegsheld ist es Guan Yu allerdings möglich, seine Angreifer selbst in der Stunde der Not, unter halluzinogen Drogen stehend oder gar auch selbst vergiftet zu besiegen. Auf seiner Reise gilt es allerdings auch, die Geliebte von Liu Bei zu beschützen. Grundsätzlich hält sich The Lost Bladesman an historische Fakten, aber diese Geliebte gab es beispielsweise nicht beziehungsweise wurde nie dokumentarisch festgehalten. Hier bedienen sich Drehbuchautor und Regisseur ihrer Fantasie, um eine spannende Story zu erzählen, die mit dem Tod von Guan Yu endet und den Bogen zur Eröffnungsszene schlägt.

Historisches Kulturgut

Historische Filme sind grundsätzlich leicht zu verstehen, da sie sich meist nur an pure und oft bekannte Fakten halten. Dies kann man sagen, wenn man von Filmen spricht, die sich auf den Westen beziehen. Ostasiatische Historienfilme werden oft unterschätzt und haben deswegen auch selten ihren Weg in die heimischen Wohnzimmer geschafft. The Lost Bladesman sollte sich allerdings nicht vor Filmen über Cäsar und Konsorten verstecken, denn sobald man sich einmal mit der Geschichte über Guan Yu angefreundet hat, kann diese bis zum Ende fesseln. Um sich auf den Film allerdings vorzubreiten, empfehlen wir jedoch zuvor, sich mit den historischen Figuren wie Guan Yu und Cao Cao, sowie mit den Epochen zu beschäftigen. Das erleichtert das Verständnis des Films enorm, da viele Figuren und Orte genannt werden und man leicht den Überblick und somit das Verständnis für die Geschichte verlieren kann. Fans von Donnie Yen erleben den berühmten Schauspieler zwar nicht in seiner besten Rolle, doch schauspielerisch und vor allem choreografisch kann er einmal mehr in The Lost Bladesman das Publikum überzeugen. Für die Rolle des Cao Cao hätte man unserer Meinung nur schwer eine bessere Besetzung finden können, wie Wen Jiang. Er verleiht dem Kriegsherrn ein schwer zu durchschauendes Gesicht und erst am Ende des Films wird wirklich klar, welche Absichten er tatsächlich hatte und welche Funktion Guan Yu für ihn erfüllt hat.

Atmosphärisches Gesamtwerk

Einhundertzehn Minuten lang kann The Lost Bladesman mit einer durchdachten Handlung an die Mattscheibe fesseln, auch wenn es zwischenzeitlich die eine oder andere Szene im Film gibt, die austauschbar wirkt – etwa die kuriosen Rückblenden an Guan Yus früheres Leben. In 16:9 gehalten, kann das 1080p-Bild durchgehend mit scharfen Konturen und wunderschön in Szene gesetzten Landschaftsbildern punkten. Die Kulissen und Requisiten wirken sehr echt und verleihen das Gefühl, man würde tatsächlich einen Film sehen, der vor fast zweitausend Jahren gedreht wurde. Einzig und allein die mit dem Computer nachbearbeiteten Effekte, zum Beispiel die Staubwolken beim Galoppieren einer Gruppe Pferde, wirken sehr aufgesetzt. Die Hintergrundmusik wird jederzeit passend zum Geschehen eingesetzt, doch stechen die Stücke an keiner Stelle wirklich heraus. Schade, da wäre deutlich mehr drin gewesen. Die Tonspur in Mandarin weist keinerlei Mängel auf. Die deutsche Synchronisation hätte allerdings ruhig die eine oder andere Tonlage höher angesiedelt sein. Trotzdem ist der Ton im Format DTS-HD Master Audio 5.1 ein wahrer Genuss, bei beiden Tonspuren. Wer des Mandarins nicht mächtig ist, darf sich zusätzlich deutsche oder niederländische Untertitel zuschalten lassen. Auf der Blu-ray befindet sich neben den üblichen Trailern auch ein kurzes Making-Of, bei dem der Action-Star Donnie Yen aber viel zu kurz kommt. Fünfzehn Minuten Bonusmaterial sind bei diesem Film eindeutig zu wenig, hier hätte man wunderbar eine Dokumentation über die zwei Zeitepochen und die bedeutsamen Figuren produzieren können. Trotzdem sollten Interessierte der chinesischen Geschichte The Lost Bladesman unbedingt einmal anschauen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Leider habe ich mich vor dem Anschauen des Films nicht mit den historischen Figuren beschäftigt, somit wagte ich mich mit The Lost Bladesman auf absolutes Neuland. Aus diesem Grund war es für mich auch relativ schwer, der Handlung durchgehend zu folgen. Das hatte aber das Gute, dass das Ende einen Bogen zum Auftakt des Films schlägt und ein recht befriedigendes Gefühl zurückließ. Die Geschichte rund um Guan Yu hat bei mir einmal mehr das Interesse geweckt, mich mit der chinesischen Kultur und einzigartigen Geschichte zu befassen. So werde ich mir wohl bei Zeiten das Buch beziehungsweise den Roman über die drei Reiche zulegen, um mein Hintergrundwissen über diese Zeitepoche aufzufrischen. Geschichte ist grundsätzlich ein spannendes Thema, wenn man denn weiß, damit umzugehen. Alan Mak und Felix Chong haben das mit The Lost Bladesman bewiesen, denn jederzeit bleibt der Film glaubhaft erzählt und nur wenige Punkte sind frei erfunden, um Spannung aufkommen zu lassen. Choreografisch erwartet ein Fan von Donnie Yen vielleicht mehr, doch ist auch der Martial-Arts-Anteil in The Lost Bladesman nicht zu kurz gekommen und alle paar Szenen präsent, wenn auch mit Schwertern und nicht mit puren Fäusten gekämpft wird. Durch die authentischen Requisiten und Kulissen ergibt sich optisch ein stimmiges Gesamtwerk, dass Interessierte unbedingt einmal gesehen haben sollten.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von The Lost Bladesman!