Dracula gilt als einer der einflussreichsten Werke der Schauerliteratur und bestimmt bis heute, wie wir Vampire in Unterhaltungsmedien wahrnehmen. Mehrfach wurde der Stoff verfilmt – unter anderem im Jahr 2024 von Regisseur Robert Houston Eggers als Nosferatu: Der Untote.

Dass der deutsche Regisseur Friedrich Wilhelm Murnau nicht ganz so viel vom Urheberrecht hielt, ist seit dem Horrorfilm Nosferatu: Symphonie des Grauens aus dem Jahr 1922 unlängst bekannt, wie ein kurz nach der Uraufführung entfachter Urheberrechtsstreit mit Florence Stoker belegt. Nicht nur die Witwe des britischen Schriftstellers Abraham „Bram“ Stoker dürfte erkannt haben, dass es sich hierbei zweifelsfrei um eine Umsetzung des Romans Dracula handelt. Auf kurz oder lang sollten alle Kopien des Stummfilms vernichtet werden, was allerdings nur in Teilen gelang. Der Film wurde bereits mehrfach ins Ausland verkauft, wo etliche Versionen des Klassikers in verschiedenen Schnittfassungen entstanden. Es ist eine abenteuerliche Geschichte, für die an dieser Stelle kein Platz bleibt. Obwohl besagter Stummfilm zu Beginn der 1980er-Jahre restauriert wurde, drehte Regisseur Werner Herzog im Jahr 1979 mit Nosferatu: Phantom der Nacht bereits ein Remake, beließ die Charaktere jedoch bei den englischen Namen, obwohl bestimmte Teile des Films weiterhin in Deutschland spielen. Robert Eggers ging 2024 mit Nosferatu: Der Untote das nächste Remake an. Zwar orientierte er sich stark an der Romanvorlage von 1897, gab den Charakteren aber die deutschen Namen, welche sie auch in Murnaus Werk aus dem Jahr 1922 tragen. Das ist aber eigentlich ganz egal, denn die düstere Story ist ohnehin weltbekannt, war aber vielleicht nie so atmosphärisch wie hier.

Vampirismus über alle Grenzen

Für all jene, die in den letzten Jahrzehnten selbst in einem Sarg geschlummert haben, soll die Rahmenhandlung von Nosferatu: Der Untote einmal in aller Kürze rekonstruiert werden. Im Mittelpunkt der Geschichte stehen Ellen und Thomas Hutter, ein junges Ehepaar, die im fiktiven Wisborg an der Ostsee leben. Während Ellen von Alpträumen geplagt wird, bricht der als Immobilienmakler arbeitende Thomas auf Geheiß seines Prinzipals Herr Knock nach Transsylvanien auf, um diesem das zur Ruine verfallene Schloss Grunewald zu verkaufen. So merkwürdig der Auftrag auch klingt, so verheißungsvoll ist die Belohnung. Thomas benötigt dringend eine höhere Position im Unternehmen, um die finanziellen Möglichkeiten zu haben, um mit Ellen eine Familie gründen zu können. Obwohl Thomas, angekommen in Transsylvanien, von den Einheimischen eindringlich davor gewarnt wird, sich dem unheimlichen Schloss von Graf Orlok zu nähern, folgt er unbeirrt seinem eingeschlagenen Weg. Der Graf entpuppt sich als Gefängnismeister und lässt Thomas das Gemäuer nicht mehr verlassen. Zudem labt Orlok sich Nacht für Nacht an Thomas’ Blut, der peu à peu seinen Verstand verliert. Ähnlich geschieht es zu gleichen Zeit im deutschen Wisborg mit Herrn Knock und Thomas’ Frau Ellen. Beide berichten von der Ankunft eines Unbekannten – nichtsahnend, dass es sich dabei um jenen Vampir handelt, der in Wisborg seine Schreckensherrschaft errichten will.

Abscheulichkeiten und Grandiositäten

Storytechnisch reißt Nosferatu: Der Untote sicherlich keine Bäume aus – dafür traut sich das Remake von Eggers schlicht zu wenig. Nichtsdestoweniger ändert dies nichts an der dichten Atmosphäre des Films. Das Szenenbild mitsamt der liebevollen Kulissen und den detaillierten Kostümen lässt den Zuschauer wahrhaftig ins Jahr 1838 eintauchen. Selbst die Maske, die den Schweden Bill Istvan Günther Skarsgård in Orlok verwandelt, ist eine Meisterleistung. Zudem ist dieser häufig unscharf zu sehen, was mit der Erwartungshaltung des Zuschauers spielt. Selten schafft es ein Film, mit simplen Tricks und Effekten Abscheu, Ekel, Spannung und Faszination auf die Leinwand zu hieven. Bei der Schauspielerwahl gibt es auch keinen Grund zum Nörgeln, denn Nicholas Caradoc Hoult als Thomas und Lily-Rose Melody Depp, die ihre Rolle als Ellen völlig überdreht spielt und gerade deshalb so einzigartig ist, wissen zu überzeugen. William James „Willem“ Dafoe, mit dem Eggers schon bei Der Leuchtturm zusammengearbeitet hat und hier als Professor Albin Eberhart von Franz auftritt, spielt seine Rolle auf seine eigene Art wieder fantastisch. Dank der stimmungsvollen Musik von Robin Carolan, die gemessen an den Stimmen höchstens zu laut aus den Lautsprechern dröhnt, kann Nosferatu: Der Untote 132 Minuten in der Kinofassung respektive 136 Minuten im um Dialoge erweiterten Extended Cut aber durchaus überzeugen. Horrorfilmfans kommen hier nicht vorbei!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Als einer der einflussreichsten Romane der Schauerliteratur wurde Dracula entsprechend häufig verfilmt. Nicht immer gelingt es dem Regisseur, der Werkvorlage gerecht zu werden. Zugegebenermaßen bin ich von dieser auch kein großer Fan, fühlt sich das 1897 veröffentlichte Werk in meinen Augen über weite Strecken zu trocken oder gar langweilig an. Francis Ford Coppola hat mit Bram Stoker’s Dracula 1992 für meinen Geschmack aber die bislang beste Filmumsetzung auf die Leinwand gebannt, weil alle Inhalte genau richtig dosiert und die Handlung spannend inszeniert wurde. Da kommt selbst Robert Houston Eggers Nosferatu: Der Untote nicht heran, da meiner Meinung nach ein paar wichtige Schlüsselmomente, etwa wie ein Charakter von einem Ort zum anderen gelangt, ausgeklammert werden. Dafür überzeugt das Werk zum Ende hin mit ein wenig Eigenständigkeit, welche auch die düstere Atmosphäre untermauert. Selten habe ich in einem Film in einem Wechselbad der Gefühle derart häufig eine Figur verabscheut, mich vor dieser geekelt oder die Angst im Gesicht einer der Charaktere regelrecht gespürt. Hinzu kommen ein grandioses Szenenbild, eine vortrefflich gute Musik und ein Schauspiel, das mich trotz oder gerade wegen teils übertriebener Mimik und Gestik überrascht und überzeugt hat. Robert Eggers hat mit Nosferatu: Der Untote definitiv eine seiner besten Regiearbeiten abgelegt, die sich kein Fan des Horrorfilmgenres entgehen lassen darf!

Kaum gilt die Marke in Filmform als tot, findet in nur wenigen Jahren die Auferstehung statt. Nach dem schlicht als Scream betitelten fünften Serienteil aus dem Jahr 2022 dauerte es nur knapp ein Jahr, bis mit Scream VI die nächste Fortesetzung in den Lichtspielhäusern anlief.

War dem Franchise zu Beginn noch ein durchaus humoristischer Einschlag anzumerken, bei dem das Pop-Instrumentalstück Yakety Sax respektive die Melodie aus der Benny Hill Show wunderbar hätte eingespielt werden können, wenn Serienkiller Ghostface Jagd auf seine Opfer macht, ist davon innerhalb der Reihe immer weniger zu spüren. Bei dem 2023 veröffentlichten Scream VI geht das sogar soweit, dass die Atmosphäre derart düster ist, dass sich der Horrorfilm auch wirklich als solch einer anführt. Würden böse Zungen behaupten, dass die Köpfe hinter dem Projekt dessen Wurzeln vergessen haben, so würden wir ihnen vermutlich recht geben. Trotzdem gelingt es dem zweistündigen Werk auf seine eigene Art und Weise mitzureißen, indem er bis zur Entpuppung des Killers zumindest ein wenig wie ein Thriller fungiert. Dies liegt mitunter an dem Wechsel des Handlungsortes, denn statt des inflationär ausgeschlachteten wie fiktiven Städtchens Woodsboro verschlägt es die Charaktere dieses Mal an die Ostküste der Vereinigten Staaten von Amerika. Genauer gesagt geht es nach New York City, wo das Produktionsteam bis auf den Washington Square Arch aber vollständig auf eine Touristentour verzichtet. Auch wenn damit in Scream VI die Möglichkeit verspielt wird, New York als Schauplatz zu inszenieren, fühlt sich der Zuschauer den Charakteren näher.

Neuer Schauplatz, neuer Täter

Im Mittelpunkt der Geschichte stehen die von Melissa Barrera Martínez und Jenna Marie Ortega gespielten Carpenter-Schwestern Samantha und Tara, welche die schrecklichen Geschehnisse in Woodsboro überlebt haben. In New York City versuchen sie in ihrem Alltag ein neues Kapitel aufzuschlagen, was aber nicht von Erfolg gekrönt ist. Sam schleppt sich mühevoll von einem Psychologen zum nächsten, während Tara auf Studentenpartys dem Alkohol frönt und sich wahllos von fremden Kerlen verführen lässt. Wäre das nicht schon schwierig genug für die beiden, wird ihr Leben durch das Auftreten eines neuen Serienkillers mit der berühmtberüchtigten Maske ordentlich durchgewirbelt. Sie wissen, dass sie niemanden vertrauen dürfen, aber dennoch beginnt in Scream VI mit der ersten Nachrichtensendung sowohl für Sam und Tara als auch für den Zuschauer das muntere Rätselraten, wer denn nun schon wieder die Identität von Ghostface angenommen hat. Mindy und Chad Meeks-Martin aus dem fünften Serienteil hat es ebenfalls nach New York City verschlagen und stehen damit genauso auf der Verdächtigenliste wie ihre Mitbewohnerin Quinn Bailey, der unscheinbare Nerd Ethan Landry und Danny Brackett, der attraktive Nachbar vom gegenüberliegenden Appartement. Typische Anspielungen auf Horrorfilmklischees gehen wenig überraschend nahtlos einher.

Abkehr und Rückkehr

Durch den Wegfall von David Arquette als Dewey Riley musste für Scream VI auch die Rolle des Ordnungshüters neu besetzt werden. Einerseits wurde mit Dermot Mulroney ein Schauspieler gefunden, der als Detective Wayne Bailey Sam und Tara unter die Arme greift. Andererseits kehrt mit Kirby Reed, nach wie vor gespielt von Hayden Lesley Panettiere, eine Figur aus Scream 4 zurück. Mittlerweile beim Federal Bureau of Investigation angestellt, hat Kirby Zugriff auf eine noch wesentlich größere Fallakte, um Ghostface auf die Schliche zukommen. Ebenfalls mit von der Partie ist die von Courtney Bass Cox verkörperte Schmierenreporterin Gale Weathers, die Ghostface in vielerlei Hinsicht bedrohlich nahe kommt. Verzichten müssen Fans im sechsten Serienteil auf Hauptfigur Sidney Prescott beziehungsweise Schauspielerin Neve Adrianne Campbell, die angeblich aus Gagengründen verzichtet hat. Da der Film aufgrund der anderen Figuren dennoch stark mit der Rahmenhandlung verwoben und an vielen Stellen derart konstruiert ist, fällt ihr Fehlen aber kaum auf. Nichtsdestotrotz wirkt der Horrorfilm an vielen Stellen trotz ein paar guter Einfälle wie einer Räuberhöhle für Ghostface und der Fahrt mit der Untergrundbahn recht beliebig. Wer über viel Kokolores hinweg sieht, wird aber auch mit Scream VI ganz passabel unterhalten werden – mehr allerdings auch nicht.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Schon in den vorherigen Filmen war abzusehen, dass sich die Filmreihe Scream in eine andere Richtung entwickelt. Waren gerade die ersten Filme noch nicht ganz so düster und hatten mehr Platz für Humor, was sie gewissermaßen einzigartig gemacht haben, fühlt sich vor allem Scream VI wie ein beliebiger und zuweilen mit Schockeffekten durchzogener Horrorfilm an. Zwar gelingt es dem Film, mich eine ganze Weile mitzureißen, doch wenn am Ende die Masken fallen und Ghostface monologartig entlarvt ist, fällt das auf der einen Seite konstruierte und auf der anderen Seite noch einfallslosere Gesamtbild deutlich auf. Wirklich mies ist der Film dadurch zwar nicht, aber der Film hat – ähnlich wie viele andere US-amerikanische Werke dieser Zeit –, in puncto Identität ordentlich eingebüßt. Die Regisseure Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett, die auch den fünften Teil inszeniert haben, hätten sich in Scream VI ruhig mehr trauen können. So kommen am Ende lediglich beinharte Fans auf ihre Kosten.

Manche Schüler werden gefoltert, andere sehen wiederum Gespenster – und in der Schule geht auch noch ein Mörder umher, der Rachegedanken hegt. Death Bell: Tödliche Abschlussprüfung! kombiniert Genres miteinander, scheitert aber an den eigenen Ambitionen.

Als der südkoreanische Horrorfilm Death Bell mit dem plakativen Untertitel Tödliche Abschlussprüfung! aus dem Jahr 2008 im Januar 2010 hierzulande auf Blu-ray Disc erschien, warb der für seine Etikettenflunkerei bekannte Herausgeber Splendid Film auf dem Cover damit, dass der Film eine Mischung aus Saw und Battle Royale sei. Hierbei handelt es sich immerhin um zwei waschechte Filmklassiker, mit denen Death Bell allerdings nichts gemein hat. Hier hat Splendid Film eindeutig versucht, den im Jahr 2008 erfolgreichsten Horrorfilm im südkoreanischen Kino für das hiesige Publikum schmackhaft zu machen, was in zeitgenössischen Rezensionen auf wenig Gegenliebe stieß. Während in Saw die Charaktere psychisch und körperlich gefoltert werden, sie den Qualen durch moralische Entscheidungen aber potenziell entkommen können, und in Battle Royale ein staatlich organisiertes Überlebensspiel dafür sorgt, dass sich Jugendliche gegenseitig abschlachten, bietet Death Bell eindeutig nichts davon. Das Debüt von Regisseur Yun Hongsŭng geht zum Glück einen eigenen Weg und versucht dem Genre mit einer Mischung aus Slasher- und Geisterfilm einen eigenen Stempel aufzudrücken. Trotz gelungener Auflösung im Finale gelingt es dem Werk jedoch nicht gänzlich, wie etwa die beiden angeblichen Vorbilder, die Spannung bis zuletzt aufrechtzuerhalten.

Fusion aus Slasher- und Geisterfilm

Inhaltlich beschäftigt sich Death Bell mit einer Elite-Schulklasse im südkoreanischen Sŏul. Aufgrund des Besuchs einer Partnerschule müssen die besten Schüler kurz nach den Prüfungen an einem Samstag weiterpauken. Um Englisch zu lernen, sehen sie sich einen Film an – bis plötzlich der Fernseher auf einen anderen Kanal springt und die Klasse ihre Kameradin Min Hyeyŏng in einem abgeschlossenen und sich langsam mit Wasser füllenden Tank auf dem Bildschirm sehen. Die verzerrte Stimme eines Killers ertönt und verlangt von sämtlichen Schülern, eine Aufgabe zu lösen. Dieses Spiel setzt sich mit ähnlich perfiden Ideen fort, wie zum Beispiel Wachs, das peu à peu in den Mund eines anderen Schülers tropft. Weiterhin kämpfen andere Schüler mit Halluzinationen und sehen ein schemenhaftes Geistermädchen, das bei ihnen Angst und Unsicherheit hervorruft. Auf diese Weise kombiniert das circa 86 Minuten lange Werk bestialische Hinrichtungen, schier unersättliche Rachegedanken des Mörders und nicht zuletzt übernatürliche Elemente. In Südkorea war dieser Gedanke im Jahr 2008 nicht neu. Der Regisseur folgt einer Entwicklung von Werken wie Memento Mori: Gedenke des Todes, die nach Lockerung der Zensurgesetze im Jahr 1998 angestoßen wurde und hinterließ so seinen Fußabdruck im Genre, der auf der Strecke aber viel Potenzial liegen lässt.

Todesglocke unterhalb des Radars

Grundsätzlich funktioniert Death Bell gut, da der Zuschauer niemals weiß, woran er gerade ist. Problematisch ist hierbei jedoch, dass die Schnitte stellenweise zu schnell geschehen. Viele Szenen hängen nur lose zusammen, sodass der Zuschauer kein Gefühl dafür bekommt, wie der Schauplatz aufgebaut ist. Obwohl die Botschaft am Ende klar verständlich ist und ohne große Ansprüche zu hegen zumindest zufriedenstellend ausfällt, so ist der Film bis dahin eine wilde Zusammensetzung von plötzlichen Schnitten und Szenenwechseln. Durch Lichtflackern, Abblendtechniken und anderen Methoden der Bildvertuschung kommen darüber hinaus viele Foltermomente nicht sonderlich gut zur Geltung, was insbesondere Hardcore-Fans des Genres enttäuschen dürfte. Zur Atmosphäre passend ist jedoch das blasse Bild, wodurch stets eine kühle Lichtstimmung vorherrscht. In dieser agieren auch die Schauspieler, darunter Ham Ŭnjŏng oder Kim Bŏm, abseits des Gekreisches in angeblichen Schockmomenten, überzeugend. Schade ist jedoch, dass die Bildqualität der Blu-ray-Fassung, da sie in den Anfangsjahren des Mediums erschien, nicht mit späteren Filmen mithalten kann. Warum der Film unter dem Radar von Horrorfans fliegt, dürfte sowohl an der narrativen als auch der handwerklichen Ebene liegen. Womöglich ist dies auch der Grund dafür, dass die Fortsetzung aus dem Jahr 2010 auch anderthalb Jahrzehnte später noch keine deutsche Synchronisation erfuhr.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Death Bell war ein Spontankauf, denn bevor ich den Film in meinen Händen hielt, war mir dessen Existenz nicht bewusst. Als Horrorfilmfan habe ich diesem, nicht zuletzt aufgrund der angeblichen Vorbilder Battle Royale und Saw, eine Chance gegeben. Wie ich befürchtet habe, hat der Film mit den beiden Klassikern nichts gemein. Das finde ich jedoch gut, da das Werk, obwohl es sich in eine seit den späten 1990er-Jahren stattfindende filmische Evolution einreiht, kurzum der Verbindung zwischen Geister- und Slasherfilm, eigene Akzente setzt. Schüler erfahren Folter, sie setzen sich mit übernatürlichen Geistererscheinungen auseinander und haben Angst vor einem Killer, der sie nach einem perfiden System der Reihe nach ausradieren will, um Rache zu üben. Über 86 Minuten kann mich das Werk durchaus unterhalten, zumal mir die Auflösung am Ende gefällt. Handlungstechnisch schafft es der Film von Yun Hongsŭng aber keine Bäume auszureißen, denn es wird auf der einen Seite der Genrestandard abgespielt. Auf der anderen Seite sind mir die viel zu häufigen Schnitte und der teils abstruse Szenenwechsel, der je nach Sichtweise hier und da auch für Logiklöcher sorgt, etwas zu viel des Guten, denn so bekomme ich kaum ein Gefühl für die Zusammenhänge zwischen den Schülern und vom Aufbau des Schauplatzes, der aber immerhin mit seiner kühlen Lichtstimmung überzeugt. Fans des südkoreanischen Kinos kommen in den Genuss eines akzeptablen Horrorfilms, der meiner Meinung nach jedoch an seinen eigenen Ambitionen scheitert und so viel mehr hätte sein können.

Unter Horrorfilmfans mausert sich Regisseur Robert Houston Eggers langsam aber sicher zu einer kleinen Hoffnung für das Genre. 2019 schuf der US-Amerikaner mit Der Leuchtturm ein paralysierendes Werk, das Kammerspiel und Horrorfilm in sich vereint und nicht loslässt.

In der Menschheitsgeschichte werden Leuchttürmen positive Eigenschaften wie Sicherheit zugeschrieben. Sie dienen seit Jahrhunderten Seeleuten als Schifffahrtszeichen beziehungsweise Orientierungspunkte, um den Standort auf dem Meer festzustellen. In Robert Eggers’ Kammerspiel, das Elemente des Horrorfilms aufweist, ist ein Leuchtturm vor der Küste von Neuengland ein Ort von Abgeschiedenheit, Einsamkeit und zugleich der einzige Handlungsort des Films. Angesiedelt im ausgehenden 19. Jahrhundert nimmt der ehemalige Holzfäller Ephraim Winslow hier eine vierwöchige Arbeit als Leuchtturmwärter auf. Unter der Aufsicht von Leuchtturmwärter Thomas Wake werden ihm jedoch nur undankbare Aufgaben wie das mehrfache Säubern der Fußböden, das ständige Entleeren der Nachttöpfe, die unaufhörliche Wartung der Maschinen oder das Schleppen von Petroleumfässern anvertraut. Während dies zunehmend an Winslows Nerven zerrt, verbarrikadiert sich Wake in der obersten Etage des Leuchtturms. Kommunikation findet allerhöchstens beim Essen und dann auch nur in Maßen statt, zumal Wake seinen Gehilfen oft erniedrigt. Noch dazu träumt oder sieht Winslow auf dem vom Festland isolierten Eiland seltsame Dinge wie Tentakel, eine Sirene oder einäugige Möwen. Als er letztere packt und umbringt, gerät die Situation auf der Insel außer Kontrolle.

Gegensätzliche Charaktere

Der Leuchtturm ist ein faszinierend clever geschriebener Film, denn bereits kleine Details, die in den ersten Minuten vom Zuschauer nebensächlich aufgenommen oder von diesem womöglich sogar ignoriert werden, nehmen spätestens dann eine zentrale Rolle ein, wenn es um die Interpretation des Films geht. Hier wollen wir nichts vorwegnehmen, doch ist der 109 Minuten umfassende Streifen an vielen Stellen bewusst offengehalten. Da bereits zu Beginn Seltsames auf der Insel passiert, dürfte jeder Zuschauer am Ende die Geschehnisse anders interpretieren. Inszeniert wird der Verfall der Menschlichkeit zwischen Wake und Winslow mit Erniedrigungen, Schuldzuweisungen, Alkoholsucht und Tätlichkeiten. Gelegentlich vermischen sich auch die Grenzen von Realität und Wahnvorstellungen, die sich gerade zum Ende hin wie eine unaufhaltsame Abwärtsspirale um Winslow winden. Winslow ist auch die zentrale Handlungsfigur, um die sich Der Leuchtturm dreht. Der Zuschauer fühlt mit ihm den Schmerz, den er auf der Insel ausgesetzt ist, erfährt aber zeitgleich mehr über seine Hintergründe, die ihn in ein völlig anderes Licht rücken. Wake fungiert im Kammerspiel als Gegenstück zu Winslow, der ihn von der Laternenkammer fernhält. Er wird als starrsinniger Exzentriker dargestellt, der mit der Zeit peu à peu so manchen sympathischen Charakterzug erhält.

Mitreißende Klaustrophobie

Verkörpert werden die beiden Protagonisten von zwei Schauspielgrößen. So ist William James „Willem“ Dafoe in der Rolle von Wake zusehen, während Robert Douglas Thomas Pattinson als Winslow im Rampenlicht steht. Sie ergänzen sich durch die ambivalente Darstellung der Figuren gleich doppelt, da sie im Verlauf des Films zuweilen anders vom Zuschauer wahrzunehmen sind. Nicht weniger glänzt der Schauplatz, denn für diesen wurde ein funktionierender Leuchtturm als Kulisse errichtet. Dadurch, dass der Film in Schwarz-Weiß gedreht wurde, wirken die echten Wettereffekte, die beim Dreh vorherrschten, noch einmal verstörender. Selbiges gilt jedoch auch für die Soundkulisse, denn sowohl das Geräusch der Meeresbrandung als auch das immer wieder ertönende Nebelhorn treiben den Zuschauer regelrecht in den Wahnsinn. Trotzdem bleibt dieser gebannt und gespannt sitzen, da der im klaustrophobischen 1,19:1-Bildformat vorliegende Film paralysierend und mitreißend zugleich ist. Wer sich nach dem Ansehen immer noch nicht von seinem Platz erheben kann, findet im Bonusbereich der Blu-ray Disc zwei gekürzte Szenen, ein dreiteiliges und sehenswertes, da überaus informatives Making-of und einen ebenso hilfreichen Audiokommentar von Robert Eggers persönlich. Dies spornt an, den Film gleich noch einmal aus der Sicht des Regisseurs zu erleben.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Der Leuchtturm ist für mich ein Film, an den ich keine hohen Erwartungen hatte. Mir gefielen vor allem der Trailer und die Stimmung, welche in diesem transportiert wird. Es ist inzwischen eine wahre Seltenheit, aber genau diese Atmosphäre bekomme ich in einer noch viel besseren Form im fertigen Film vorgesetzt. Herausgekommen ist ein erstaunlich gutes Kammerspiel mit nur zwei Figuren, die an keiner Stelle aus ihrer Rolle fallen. Mit der Zeit spitzt sich der Konflikt zwischen Wake und Winslow derart zu, sodass regelrecht verstörende Situationen entstehen. Hinzu kommt, dass durchweg ein klaustrophobisches Gefühl aufgrund des 1,19:1-Bildformats vorherrscht – die grandiose wie düstere Soundkulisse ist hieran nicht ganz unschuldig. Gerade die Meeresbrandung, der aufkommende Sturm und das ständig wiederkehrende Nebelhorn bleiben dem Zuschauer auch nach dem Ansehen noch längere Zeit dröhnend im Kopf. Regisseur Robert Eggers hat mit Der Leuchtturm einen Film geschaffen, der das Kammerspiel mit Horror-Elementen neu definiert.

Wenige Jahre nachdem Alien: Die Wiedergeburt die Alien-Reihe zu einem neuen Abschluss gebracht hatte, ging die Planung um eine Fortsetzung los. Diese entwickelte sich im Verlauf der Produktion aber zu einem Prequel des ersten Films, das fast schon wie ein Reboot wirkt.

Um das Alien-Phänomen auszubauen, das Science-Fiction-Fans seit 1979 begleitet, gibt es beim Wiederbelebungsversuch der Reihe nur eine Antwort. So kommen die Filmschaffenden Damon Laurence Lindelof, Ridley Scott und Jon Spaihts bei ihren ersten Überlegungen in den 2000er-Jahren nicht herum, zu den Anfängen zurückzukehren und eine Vorlage für die Story zu liefern, welche den Handlungsbogen der ersten vier Alien-Filme überhaupt ins Rollen bringt. Bei Prometheus, der in der deutschen Fassung um den unsinnigen Untertitel Dunkle Zeichen ergänzt wurde, handelt es sich jedoch nicht um ein einfaches Prequel. Zwar weist der Science-Fiction-Film aus dem Jahr 2012 markante Merkmale auf, die für die Geschichte von Alien: Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt maßgeblich von Bedeutung sind, doch hat sich die Filmhandlung im Entstehungsprozess gewissermaßen verselbstständigt. Der Weg war damit frei für weitere Fortsetzungen, die noch vor den Geschehnissen von Alien spielen – und mit Alien: Covenant ging es 2017 sogar schon weiter. Nun weist Prometheus: Dunkle Zeichen selbst im deutschen Titel keinerlei semantischen Bezug zur Alien-Reihe auf. Tatsächlich müssen Fans weitestgehend auf das von Hans Rudolf Giger entworfene Monsterdesign verzichten. Außerirdische Kreaturen, die in Angst und Schrecken versetzen, gibt es dennoch.

Auf der Suche nach dem Ursprung

Ausgangspunkt des Films ist jedoch die Frage, woher die Menschheit kommt. Entsprechend prallen in Prometheus religiöse und wissenschaftliche Ansichten aufeinander. Die beiden Wissenschaftler Charlie Holloway und Elizabeth Shaw entdecken im späten 21. Jahrhundert auf der Erde Hinweise auf die Existenz von außerirdischem Leben in einer weit entfernten Galaxis. Holloway und Shaw nehmen an, dass es sich hierbei um die Konstrukteure der Menschheit handelt. Es gelingt ihnen, den Großindustriellen Peter Weyland davon zu überzeugen, eine intergalaktische Expedition zu finanzieren. Unter der Leitung von Meredith Vickers reist eine Crew, bestehend aus verschiedenen Wissenschaftlern und Militärs sowie dem Androiden David zu besagtem Mond. Dort stolpern sie tatsächlich über die Überreste der menschenähnlichen Konstrukteure und kommen bei ihrer Untersuchung der Wahrheit ein gutes Stück näher. Durch eine unglückliche Verkettung der Umstände infizieren sich jedoch ein paar Crewmitglieder durch eine gefährliche außerirdische Lebensform, welche den bekannten Aliens zumindest in ihrer Vorgehensweise frappierend ähneln. Abermals entwickelt sich ein fieser Wettlauf ums Überleben, der kompromissloser als in den bisherigen Alien-Filmen dargestellt wird. Science-Fiction und eine gute Portion Body-Horror ergänzen sich echt hervorragend!

Grandiose Science-Fiction-Mischung

Es war eine hervorragende Entscheidung, Ridley Scott auf den Regiestuhl zurückzuholen. So entpuppt sich Prometheus als einer der besten Filme der Reihe. Die Handlung ist gerade für Fans der ersten Filme mitreißend, da die Bedrohungslage jederzeit nachvollziehbar ist. Ebenso kommt mit dem Mond als Schauplatz erneut eine spürbare Ausweglosigkeit zum Tragen, wodurch sich der Zuschauer in den Weiten des Alls isoliert fühlen dürfte. Mit den philosophischen Fragen treibt es der Film möglicherweise aber ein wenig zu weit, denn anstatt es beim Konflikt zwischen Religion und Wissenschaft zu belassen, bedient sich die Filmhandlung kreationistischer Tendenzen, indem auch noch die griechische Mythologie zitiert und die Evolutionstheorie von Charles Robert Darwin zertrümmert wird. Selbst die pseudowissenschaftlichen Vorstellungen der Prä-Astronautik aus den Augen von Erich Anton Paul von Däniken wurden mit in den Kochtopf geworfen. So funktioniert Science-Fiction! Nicht unschuldig am Erfolg des Films dürften auch die Darsteller sein. Michael Fassbender spielt den Androiden David kalkulierbar, Noomi Rapace die vom Glaubensweg nicht abkommende Elizabeth Shaw, Charlize Theron die kühle Expeditionsleiterin und Idrissa Akuna „Idris“ Elba Captain Janek, der gegen Ende des Films eine folgenschwere Entscheidung treffen muss. Grandios!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nachdem Alien: Die Wiedergeburt das Haltbarkeitsdatum des Franchises erfolgreich verlängert hat, wurde es kurioserweise still um die Marke. Anderthalb Jahrzehnte mussten Kinogänger auf die Fortsetzung beziehungsweise das Prequel respektive den Reboot warten. Meines Erachtens hat sich die Wartezeit gelohnt, denn der 2012 veröffentlichte Science-Fiction-Streifen Prometheus: Dunkle Zeichen zieht an den richtigen Stellen die Daumenschrauben an, um sowohl die Science-Fiction-Story als auch die Action-Sequenzen und den Horror-Anteil auszutarieren. An keiner Stelle fühlt sich der Film langweilig an, auch wenn die meisten Szenen so oder so ähnlich aus der Filmreihe bereits bekannt sein dürften. Es ist jedoch toll, all diese Ansätze in fortgeschrittener Filmtechnik zu bestaunen. Schade finde ich nur, dass von dem Prequel-Plan schnell abgewichen wurde, denn obwohl die wichtigsten Ansatzpunkte für Alien: Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt vorhanden sind, geht die Vorgeschichte erst einmal in einem weiteren Film weiter. Abgesehen von diesem Umstand gefällt mir der Streifen jedoch ziemlich gut, weshalb ich ihn jedem Alien-Fan ans Herz legen möchte. Ich empfehle jedoch eindrücklich, die ersten vier Filme der Reihe nachzuholen, solltet ihr mit dem Alien-Franchise noch keine Berührungspunkte haben, da sonst einige Anspielungen und Szenen vermutlich nur bedingt funktionieren.

Fünf Jahrzehnte lang werkelte Comic-Zeichner Charles Addams an seinem wohl bekanntesten Werk, der nach ihm selbst benannten Addams Family. Nach seinem Tod im Jahr 1988 dauerte es nicht lang, bis die groteske Familie am 22. November 1991 die Kinoleinwand eroberte.

Angefangen als Comicstrips im US-amerikanischen Nachrichten-, Kultur- und Literaturmagazin The New Yorker, war die Addams Family spätestens in den 1960er-Jahren mit einer Fernsehserie jedem Fernsehzuschauer bekannt. Zumindest in den Vereinigten Staaten von Amerika dürfte dies der Fall gewesen sein, denn im deutschsprachigen Raum wurden von der Serie im Jahr 1970 zunächst nur wenige Episoden synchronisiert. Erst 1989 wurden die restlichen Folgen auf Deutsch vertont und haben den Konsumenten zu diesem Zeitpunkt hierzulande bestens auf die Verfilmung des Stoffes durch Regisseur Barry Sonnenfeld vorbereitet. Jüngeren Lesern könnte die Addams Family wohl eher durch die Animationsfilme von 2019 und 2021 bekannt sein – oder noch eher durch die Fernsehserie Wednesday. Bei der titelgebenden Addams Family handelt es sich um eine US-amerikanische Familie, die Charles Addams als satirisches Gegenstück zum idealisierten Familienbild gezeichnet hat. Sie hat einen Hang zum Morbiden und Grotesken, erfreut sich offenbar an allem Schrecklichen und Geschmacklosen und hüllt sich den Umständen entsprechend in dunkle wie triste Kleidung. Mit ihrer eigensinnigen Art, die sie von ihrem sozialen Umfeld abgrenzt, sind sie aber keine bösartigen Kreaturen. Wer schwarzen Humor inhaliert, wird die Addams Family sofort ins Herz schließen.

Identitätskrise eines verloren geglaubten Bruders

Handlungstechnisch spielt der Film aus dem Jahr 1991 ein Vierteljahrhundert nach dem Streit zwischen Familienoberhaupt Gomez Addams und seinem Bruder Fester. An jedem Jahrestag von Festers Verschwindens hält die Familie, bestehend aus Gomez, seiner Frau Morticia, der durch die bereits angesprochene Netflix-Produktion bekannte Tochter Wednesday, dem Sohn Pugsley und Morticias Mutter Granny, eine Seance ab, um Kontakt zu Fester aufzunehmen. Beim fünfundzwanzigsten Versuch gelingt es ihnen und Fester kehrt nach Hause zurück. Zu diesem Zeitpunkt wissen sie aber noch nicht, dass es sich bei Fester um den vermeintlichen Hochstapler Gordon Craven handelt, der – angetrieben durch seine herrische Mutter Abigail und dem in Geldnöten steckenden Buchhalter Tully Alford –, in die Addams Family eingeschleust wird. Er soll das Familienerbe an sich reißen. Obwohl Fester beziehungsweise Gordon zunächst mit den Sitten und Unsitten der Familie zu kämpfen und an den zwischenmenschlichen Beziehungen zu knabbern hat, fühlt er sich mit der Zeit richtig heimisch und passt sich seiner Umgebung an. Zwischen Loyalität zu seiner Mutter und dem unkomplizierten Leben in seiner neuen respektive alten Familie hin- und hergerissen, muss er sich schlussendlich für eine der beiden Seiten und damit für seine ganz persönliche Identität entscheiden.

Verkehrte Welt für Außenstehende, Alltag für die Addams Family

Insgesamt fasziniert die Horrorkomödie fast einhundert Minuten lang mit schwarzem Humor. Es darf dabei aber keine so hohe Gagdichte erwartet werden, wie sie bei Die nackte Kanone vorliegt. Der Humor kennt keine Höhen und Tiefen und bleibt durchweg auf demselben Niveau. Wenn Wednesday zum wiederholten Male versucht, Pugsley mit einem Degen abzustechen, mit einem Hackebeil zu malträtieren oder auf einem elektrischen Stuhl zu grillen – und Morticia das auch noch erlaubt und von Pugsley regelrecht erfleht wird –, dann regt das zum Dauerschmunzeln an. Wie in der Comicvorlage gelten für die Addams Family umgedrehte Gesetze. So serviert Granny bei den Mahlzeiten teils Lebendiges und Morticia schneidet im Gewächshaus die Rosenblüten ab, die danach zum Verwelken auf dem Boden liegen bleiben. Auch das riesige Anwesen, das über einen eigenen Friedhof und eine Gruft unterhalb des Herrenhauses verfügt, hat seinen ganz eigenen Charme. Dies dürfte unter anderem daran liegen, dass es sorgfältig gepflegt wird von Butler Lurch. Nicht vergessen werden darf das eiskalte Händchen. Während sich dieses in der Wednesday-Serie zu einem der beliebtesten Figuren entwickelt hat, mimt die autonom agierende und herumkrabbelnde rechte Hand im Film die Rolle eines treuen Dieners und wird noch mehr seinem englischen Namen Thing gerecht.

Zusammengesetztes Schauspiel aus Meisterhand

Besonders lobenswert ist das grandiose Schauspiel sämtlicher Hauptdarsteller. Allen voran sei hier der schon 1994 verstorbene Raúl Rafael Carlos Juliá y Arcelay erwähnt, der Gomez markantes Äußeres für lange Zeit definierte. Überdreht, aber stets zielgerichtet steht Gomez für seine Familie ein. Christopher Allen Lloyd zeigt hingegen mit Mimik und Gestik wunderbar die Wandlung von Gordon zu Fester. Christina Ricci gelingt es hingegen, Wednesday als Nachwuchskillerin zu inszenieren, da sie nicht nur ihren Bruder ins Grab bringen will, sondern einen derart scharfen Blick des Todes aufsetzt, dass sich wohl jeder bis ins Mark fürchten würde. Besondere Eleganz und ein Auge für die umgedrehte Ästhetik bringt hingegen Anjelica Huston als Morticia mit, die von Gomez selbst in der Lage des drohenden Todes angehimmelt wird. Carel Struycken, den Fernsehserienfans definitiv aus Twin Peaks wiedererkennen werden, spielt hingegen Butler Lurch, der mit einer Körpergröße von über zweihundertzehn Zentimetern durchaus eine erschreckende Wirkung haben kann. Nebenfiguren wie dem am ganzen Körper beharrten Vetter It zeigen gut, wie vielseitig die Verwandtschaft außerhalb der Kernfamilie ist. Das frische Filmuniversum erlöschte 1991 allerdings nicht, denn schon zwei Jahre später erschien mit Die Addams Family in verrückter Tradition eine ebenso lustige Fortsetzung.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Aufgrund der komplizierten Rechtslage war es im deutschsprachigen Raum lange Zeit nicht möglich, eine Kopie des Films auf DVD oder Blu-ray-Disc zu erhalten. 2013 hatte das Drama aber zum Glück ein Ende, sodass Filmfans seither in den Genuss dieses Filmklassikers aus dem Jahr 1991 kommen können – und meiner Meinung nach auch sollten. Mich persönlich hat der Film bereits in jungen Jahren stark geprägt. Das erste Mal habe ich ihn im zarten Alter von sieben Jahren im Hotelkino auf Ibiza bruchstückhaft gesehen. Natürlich habe ich die Satire im Film zu diesem Zeitpunkt noch nicht verstanden, geschweige denn wahrgenommen, aber dennoch habe ich den Film viele Jahre später aus der Videothek ausgeliehen bekommen und in mich aufgesogen. Auch heute noch kann der Film von Regisseur Barry Sonnenfeld faszinieren, sofern ein Faible für schwarzen Humor vorliegt, der sich eigentlich über den ganzen Film nicht entwickelt und stets auf derselben Stufe verharrt. Fast würde ich sagen, dass der Film diesbezüglich einhundert Minuten lang vor sich her dümpelt, aber schlimm ist das in meinen Augen absolut nicht. Die Addams Family ist derart charmant und innerhalb der Filmwelt durchaus glaubhaft, da sie nach festen und zuweilen selbst aufgestellten Regeln agiert, was nicht zuletzt am tollen Schauspiel durch Größen wie Christopher Lloyd oder Christina Ricci liegt, die ihren Charakteren reichlich Leben einhauchen. Wer die Addams Family noch nicht kennt, sollte diese Kulturlücke unbedingt ausmerzen und eine neue Sichtweise auf das Groteske erhalten.

Mit Street Fighter II aus dem Jahr 1991 setzte das japanische Videospielunternehmen Capcom neue Maßstäbe im Fighting-Game-Genre. Wenige Jahre später führte dies in Street Fighter: Die entscheidende Schlacht zu einer der ersten Videospielverfilmungen auf der Kinoleinwand.

Videospielverfilmungen hatten in den 1990er-Jahre einen zweifelhaften Ruf. So wird den Regisseuren und Produzenten vorgeworfen, die Marke finanziell zu missbrauchen, den Inhalt regelrecht zu verfälschen und das Originalwerk nicht zu verstehen. Auf Street Fighter: Die entscheidende Schlacht von 1994 mag dies durchaus zutreffen. Der Film entpuppt sich als Ballerorgie, Gefängnisdrama, Sprücheklopferei der untersten Schublade und Agententhriller im Stil von James Bond, bedient die Zielgruppe, die einen Martial-Arts-Film erwartet, aber nur am Rande. Als Regisseur und Drehbuchautor war Steven Edward de Souza verantwortlich, der ein halbes Jahr zuvor schon das Drehbuch zu Beverly Hills Cop III verbockt hat. Unfähigkeit ist ihm nicht vorzuwerfen, denn mit Running Man und den ersten beiden Teilen der Stirb-langsam-Reihe gehen immerhin zwei durchaus solide Actionfilme auf sein Konto. Mehr ist von der Street-Fighter-Umsetzung dann aber auch nicht zu erwarten, zumal das Werk als Videospielumsetzung ganz andere Erwartungen geschürt hat. Zu dieser Zeit war dies aber noch Gang und Gäbe und wenig verwunderlich. So auch bei der Videospielverfilmung Double Dragon: Die 5. Generation von Regisseur James Yukich, die wenige Wochen zuvor ihren Weg in die US-amerikanischen Lichtspielhäuser fand und in den Kritiken durchfiel.

Abgefrühstückte große Namen

Grundsätzlich ist die Story in Street Fighter: Die entscheidende Schlacht für einen Actionfilm gar nicht mal so schlecht. Im fiktiven südostasiatischen Land Shadaloo herrscht Krieg, ausgelöst vom megalomanen General M. Bison. Dieser hat sechzig Mitarbeiter der Alliierten Nationen entführt und verlangt für ihre Freilassung zwanzig Milliarden US-Dollar. Dafür stellt er seinen Gegnern ein Ultimatum von drei Tagen. Colonel Guile stellt sich Bison nichtsdestotrotz als einer der wenigen mutig entgegen. Um Bison aufzuspüren und seine Truppen in den Kampf zu ziehen, ist er jedoch auf die Hilfe von zwei Möchtegernwaffenschiebern angewiesen. Hoshi Ryū und Ken Masters sollen sich deshalb durch den Waffenhändler Sagat Zugang zu Bisons geheimen Stützpunkt verschaffen und dort einen Peilsender anbringen. Zur gleichen Zeit will auch die Fernsehreporterin Chūnlì ihren Teil vom Kuchen abbekommen und stellt die Party auf den Kopf, sodass im Endeffekt früher oder später alle Pläne schiefgehen. Mit der Zeit stellt sich heraus, wie grausam Bison ist, der selbst vor der körperlichen Entstellung seiner Gefangenen keinen Halt macht. Hinzu kommt, dass die Alliierten Nationen zwischenzeitlich einknicken, Guile in bester Rambo-Manier dennoch sein Ding durchzieht und auch weitere Charaktere des Street-Fighter-Universums notgedrungen ins Rampenlicht treten.

Verpasste Chancen – abgenickt von Capcom

Problematisch ist, dass beim 101 Minuten umfassenden Street Fighter: Die entscheidende Schlacht nicht genügend Raum bleibt, um sämtliche Charaktere vorzustellen. Zugegebenermaßen geschieht dies auch in den Videospielen kaum, doch fällt ins Gewicht, dass Capcom der größte Geldgeber war und alle Entscheidungen abgenickt hat. Wer denkt, dass dies lediglich der Unerfahrenheit mit dem Filmmedium in den 1990er-Jahren geschuldet ist, sollte sich an die von Fans geahndeten Resident-Evil-Verbrechen von Regisseur Paul William Scott Anderson aus den Jahren 2002 bis 2016 erinnern. Für die Schauspielerriege traten eher unbekannte Gesichter vor die Kamera, doch mit Jean-Claude Van Damme, Kylie Ann Minogue und Raúl Rafael Carlos Juliá y Arcelay besticht der Cast immerhin mit drei Darstellern, die Guile, Cammy und Bison Leben mimen. Es ist jedoch schade, dass die Kämpfe fast durchweg simple Schlägereien bleiben und sich erst zum Ende hin der Videospielvorlage annähern. Dabei fallen aber die zu schnellen Schnitte in manchen Szenen negativ auf, welche die Wirkung der Kampftechniken abschwächen. Für Fans ist der Film historisch sicher wertvoll, erschien mit Street Fighter: The Movie doch tatsächlich eine Videospielumsetzung basierend auf dem Streifen. Eine indirekte Filmfortsetzung erschien 2009 unter dem Titel Street Fighter: The Legend of Chun-Li, die Street Fighter: Die entscheidende Schlacht rückwirkend aufwertet.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Es hat über die Jahrzehnte hinweg mehrere Anläufe gebraucht, bis ich Street Fighter: Die entscheidende Schlacht endlich einmal in seiner Gänze gesehen habe. Im linearen Fernsehen lief der Film aus Gründen versteckt und zumeist spät nachts. Ein Glück, dass ich im Laden durch Zufall über die Blu-ray-Ausgabe gestolpert bin. So schlecht, wie der Film häufig geredet wird, finde ich ihn nicht – was aber vor allem daran liegt, dass ich die indirekte und absolut miese Filmfortsetzung aus dem Jahr 2009 gesehen habe, für die ich Jean-Claude Van Damme nachträglich jedweden Filmpreis in die Hand drücken möchte. In meinen Augen ist die Story solide und macht mir beim Anschauen sogar Spaß. Allerdings wird den Charakteren zu wenig Raum eingeräumt, um sich zu entfalten. Es fühlt sich so, als ob jede damals vorhandene Spielfigur auch nur mal kurz ins Rampenlicht gerückt werden muss, bevor es weitergeht. Ebenso kann ich mit den simplen Schlägereien, den Ballerorgien und James-Bond-Anleihen nicht so viel anfangen, wenn dadurch die Kernessenz der Videospiele verloren geht. Dafür gefällt mir das Schauspiel des wenige Wochen vor der Filmpremiere verstorbenen Raúl Juliá. Eine bessere Verkörperung von Bison kann ich mir nicht vorstellen. So hat Street Fighter: Die entscheidende Schlacht definitiv seine Momente, die zwischen Fremdschämen, vergeigten Ideen und verpassten Chancen durchblicken. Street-Fighter-Fans, die De Souzas Werk noch nicht kennen, dürfen den Film vom Grabbeltisch mitnehmen und nachholen, alle anderen suchen sich Alternativen.

Mit Wesley Earl „Wes“ Craven verlor die Horrorfilmwelt im Jahr 2015 einen der ganz großen Künstler. Dieser erschuf der mit den Filmen Nightmare – Mörderische Träume oder Scream – Schrei! wahre Genreklassiker. 2022 wurde die Scream-Reihe erstmals ohne ihn fortgeführt.

Eigentlich galt die Horrorfilmreihe Scream mit dem dritten Serienteil als abgeschlossen. 2011 kamen die Köpfe hinter dem Projekt inklusive der drei zentralen Hauptfiguren für eine weitere Episode zusammen. Scream 4 floppte allerdings an den Kinokassen, weshalb peu à peu die Hoffnung schwand, dass weitere Filme alsbald auf die Leinwand kommen sollten. Als 2015 Wes Craven starb und auch die Fernsehserie zum Franchise mit der zweiten Staffel aus dem Jahr 2016 ins Stocken geriet, hätte wohl kaum jemand daran gedacht, wenige Jahre später ins Kino zu pilgern, um den fünften Film der Reihe erleben zu können. Ohne Craven als einen der führenden Köpfe des Projekts müssen sich Fans jedoch auf ein paar stilistische Unterschiede gefasst machen, die zwar nicht per se schlecht sind, dem Film jedoch ein zumindest leicht anderes Antlitz verpassen. Vorneweg haben sich die am Film beteiligten Produktionsunternehmen darauf geeinigt, den Film nicht Scream 5, sondern einfach nur Scream zu nennen. Vermutlich wollten die Konzerne so mehr Zuschauer in die Lichtspielhäuser locken, welche die vier Vorgänger nicht gesehen haben. Es handelt sich bei Scream jedoch nicht um ein Remake von Scream – Schrei! von 1996, sondern um ein Requel, sprich einen Film, der zwar die Handlung des Originals neu interpretiert, aber dennoch als Fortsetzung funktioniert.

Stilistische Umgewöhnung

Über Sequels, Requels und Remakes wird auch in Scream 5, wie wir den Film der Einfachheit dennoch einmal nennen wollen, philosophiert. Auf dieser Ebene gelingt es dem Werk von den Regisseuren Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett sowie den Drehbuchautoren James Platten Vanderbilt und Guy Busick die Absurdität der Filmreihe humoristisch zu inszenieren. Da alle vier kreativen Köpfe über Erfahrung im Horrorfilmgenre verfügen, sich auch anderweitig in Scream 5 vor Wes Craven verbeugen und Querverweise auf andere Werke liefern, kommen Fans definitiv auf ihre Kosten. Problematisch ist jedoch die Umsetzung der eigentlichen Geschichte um einen neuen Serienmörder, der abermals in Woodsboro sein Unwesen treibt. So ist es durch die Hinweise, die recht früh im Film fallen, leicht möglich, hinter die Maske von Ghostface zu blicken. Dieser Umstand raubt im Gegensatz zu den ersten vier Filmen schnell die Spannung und nicht zuletzt die Motivation, dranzubleiben und herauszufinden, wer denn nun der Killer ist. Waren vorherige Episoden hier und da mit freiwilligem Slapstick gefüllt, um den ironischen Unterton zu liefern, fällt Scream 5 aus dem Jahr 2022 blutiger und gewollter aus. Das heißt nicht, dass für Albernheiten kein Platz mehr ist, doch fühlt sich die fünfte Episode im Allgemeinen ernster an und raubt damit der Filmreihe stellenweise ihre Identität.

Requel ohne große Überraschungen

Inhaltlich verschiebt sich die Handlung auf eine Riege neuer Charaktere. Im Mittelpunkt der Erzählung steht die von Melissa Barrera Martínez gespielte Sam Carpenter, die nach Woodsboro zurückkehrt, als sie erfährt, dass ihre von Jenna Marie Ortega grandios verkörperte Schwester Tara von Ghostface attackiert wurde. Sam verbirgt zudem ein dunkles Geheimnis, das schon im ersten Viertel des Films gelüftet wird. Es gibt diesbezüglich eine starke Verbindung zwischen Scream 5 und dem ersten Serienteil, die aber nicht verraten werden soll. Nach ihrer Ankunft in der fiktiven US-amerikanischen Stadt schnellt der Opferzähler von Ghostface in die Höhe, weshalb sie bei der Suche nach dem Täter Hilfe von dem aus dem Polizeidienst ausgeschiedenen Dewey Riley anfordern. Reporterin Gale Weathers kehrt für eine neue Reportage nach Woodsboro ebenso zurück wie die ehemalige Hauptfigur Sidney Prescott. Gespielt werden die drei Charaktere nach wie vor von der alten Garde, sprich Neve Adrianne Campbell, Courteney Bass Cox und David Arquette. Fanservice, den wohl jeder gerne mitnimmt. In einer Nebenrolle taucht Dylan Christopher Minnette auf, den Serienfans aus Tote Mädchen lügen nicht kennen. Darüber hinaus bietet Scream 5 aber leider keine allzu großen Überraschungen, weshalb das Requel wohl eher zu schwächeren Serienteilen zu zählen ist.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Filmfortführungen haben gerne mal das Problem, an ihrem eigenen Anspruch zu scheitern. Scream 5, wie ich den Film frech betitle, möchte mit einem wesentlich diverseren Cast als in den vier Vorgängern zusammen punkten. Zwar geht es auf, verschiedene Ethnien bunt gemischt in melancholische wie düstere Szenen zu werfen, doch die Story ist trotz leichter Abwandlungen nichts weiter als ein Abziehbild des ersten Serienteils. So überrascht es mich am Ende auch nicht, wer sich hinter Ghostface verbirgt. Die jungen Neuzugänge im Cast spielen ihre Rollen bei diesem Unterfangen jedoch ziemlich gut. Allen voran Jenna Ortega möchte ich hier erwähnen, welche der schutzlosen, aber dennoch selbstbewussten Tara ein starkes Gesicht verleiht. Einerseits finde ich es angemessen, dass der Film deutlich düsterer und blutiger ist als die vier Vorgänger. Er wirkt dadurch deutlich mehr wie ein waschechter Horrorfilm. Andererseits verliert die Reihe durch das Abschwächen des Humors teilweise an Identität, weshalb dieser Umstand wohl nicht jedem schmecken dürfte. Trotz allem sind die Grundstrukturen immer noch zu erkennen, sodass der Film auch Kennern der vier vorherigen Filme durchaus Spaß machen kann!

Nachdem der dritte Teil der Alien-Filmreihe die Gemüter 1992 gespalten hat, versöhnte Alien: Die Wiedergeburt ein halbes Jahrzehnt später. Der Film vom französischen Regisseur Jean-Pierre Jeunet kann trotz dünnem Handlungsfaden mit Action und Vielfalt überzeugen.

Eigentlich hätte Brandywine Productions, das für die Alien-Filmreihe verantwortliche Produktionsunternehmen, die Arbeiten am Franchise nach Alien 3 ruhen lassen können. Ripleys Geschichte war zu Ende erzählt, die Aliens besiegt und der dubiose Konzern Weyland-Yutani leer ausgegangen. Wirklich zufriedenstellend war all das zwar nicht, aber immerhin hätte die bisherige Trilogie so zu einem runden Abschluss gefunden. Kurz Zeit nach Kinostart kamen schon die ersten Gerüchte auf, dass an einem vierten Film gearbeitet wird. Die Chancen dafür standen allerdings nicht sonderlich gut, denn es musste wieder ein neuer Regisseur gefunden, ein passendes Drehbuch konstruiert und vor allem Hauptdarstellerin Susan Alexandra „Sigourney“ Weaver überzeugt werden, abermals in ihre Rolle zu schlüpfen. Letztere lehnte jedoch zunächst ab, wodurch das Drehbuch ohne sie auskam und deshalb am Ende auch kein Geld fließen sollte – schließlich enttäuschte schon Alien 3 mit den Zuschauerzahlen. Zum Glück konnte Weaver überredet, das Drehbuch angepasst, mit Jean-Pierre Jeunet einen Fan der ersten drei Teile als Regisseur gewonnen und Alien: Die Wiedergeburt schlussendlich realisiert werden. Herauskam ein Science-Fiction-Film mit deftigem Action-Anteil, vielen kreativen Ideen, jedoch abermals ohne viel Horror und einer leider recht dünnen Handlung.

Wackelig konstruierter Handlungsbogen

Letztere siedelt Alien: Die Wiedergeburt ganze zweihundert Jahre nach den Ereignissen des dritten Films an. Wer diesen noch nicht gesehen hat, sollte aus Spoiler-Gründen nicht mehr weiterlesen oder zumindest diesen Absatz überspringen. Alien 3 endet mit Ripleys überaus bitterer Entscheidung, sich mit der letzten verbliebenen außerirdischen Kreatur zum Wohle der gesamten Menschheit selbst zu opfern, indem sie sich in der Gefängniskolonie in einen riesigen Schmelzofen stürzt. Wie auch immer das nun funktionieren soll, haben es Wissenschaftler geschafft, ihre Desoxyribonukleinsäure zu extrahieren und damit begonnen, Klone zu schaffen. Nach mehreren Versuchen gelingt es ihnen endlich, sowohl den menschlichen Wirt in Form von Ripley, als auch eine Alien-Königin als Symbiont zu klonen. Auf dem Raumschiff Auriga züchten die Wissenschaftler munter drauf los neue Aliens, unterschätzen die intelligenten Killerbestien aber. Dementsprechend sind auf dem Schiff weder die Wissenschaftler, noch die Wehrpflichtigen oder die ebenfalls hinzugekommenen Söldner sich ihres Lebens sicher. Ripley beziehungsweise Ripleys Klon, der noch dazu über alle Erinnerungen und Gedanken des Originals verfügt, unterstützt die bunt gemischte Truppe im Kampf gegen die Monster. Die Story ist zwar dünn, überzeugt aber mit einigen spaßigen Action-Einfällen.

Abwechslungsreicher Actionspaß

Unter anderem lässt Ripley ihren Gefühlen mit einem Flammenwerfer freien Lauf. An anderer Stelle von Alien: Die Wiedergeburt werden die Außerirdischen mit Stickstoff gequält – bis sie den Spieß umdrehen. Im weiteren Filmverlauf steht ein Teil der Auriga unter Wasser. Wenn die illustre Gruppe tauchend die Küche durchqueren muss und die Aliens dabei piranhaartig zu Tisch gebeten werden, ist das ziemlich fies. Um sich gegen die Monster zu erwehren, wird auch ordentlich zu den Waffen gegriffen. Ballereien und Explosionen stehen an der Tagesordnung. Dieser Abwechslungsreichtum hört, sobald er einmal angefangen hat, bis zum Ende nicht mehr auf. So überflügelt der Film mit Leichtigkeit Alien 3 und schließt zu Aliens: Die Rückkehr auf. Neben Weaver, die dem Zuschauer ein verständliches Bild eines emotional zurückhaltenden Klons vermittelt, überzeugt auch das restliche Ensemble. So ist zum Beispiel der aus Bunraku bekannte Ronald Francis Perlman zu sehen. Bradford Claude Dourif kennen Fantasy-Fans hingegen aus Der Herr der Ringe. Ebenfalls zu erwähnen sind Gary Dourdan und Winona Ryder. Tiefgründige Charaktere sind hier zwar nicht zu erwarten, doch geben sie den platten Figuren ein paar Ecken und Kanten. Zu guter Letzt verleiht Komponist John Frizzell den engen Gängen des Raumschiffs ein klaustrophobisches Gefühl. Echt sehenswert!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Einen richtigen Zugang zur Alien-Reihe konnte ich nach dem Ansehen der ersten drei Teile noch nicht entwickeln. Einiges an den Filmen gefällt mir, aber bislang kommen sie für mich noch nicht über das Mittelmaß hinaus. Selbiges kann ich auch über den vierten Film, namentlich Alien: Die Wiedergeburt, sagen. Die Story ist selbst für Science-Fiction-Verhältnisse zu sehr an den Haaren herbeigezogen. Bei den Charakteren kann ich ebenfalls keine tiefgründigen Figuren ausmachen. Was dem Film aber an Tiefgang bei Story und Charakteren fehlt, macht er mit seiner Action wieder wett. Sie wird dosierter und bewusster eingesetzt. Zudem ist sie wirklich mit sehr abwechslungsreichen Szenen gepflastert, in denen die Charaktere auch unterschiedliche Waffen für sich sprechen lassen. In den klaustrophobischen Gängen des Raumschiffs kommt zusammen mit der tollen Soundkulisse und kreativen Ideen wirklich sehr viel Spaß auf. Alien: Die Wiedergeburt ist eine sehenswerte Achterbahnfahrt, die durchweg nicht langweilt.