Die Weiten des Meeres können klaustrophobische Züge annehmen, wenn der einzige Bewegungsspielraum auf den wenigen Quadratmetern eines Schiffs existiert. Phillip Roger Noyces Thriller Todesstille aus dem Jahr 1989 fängt diese Thematik mit Angst und Schrecken ein.

Todesstille basiert auf der 1963 veröffentlichten Novelle Tödliche Flaute von Schriftsteller Charles Williams, die im Zuge der Verfilmung von Philip Noyce auch unter dem Filmtitel abermals erschienen ist. Dead Calm, wie das Werk im Original heißt, sollte jedoch bereits Ende der 1960er- beziehungsweise in den frühen 1970er-Jahren verfilmt werden. Niemand geringeres als Orson Welles hat sich bereiterklärt, die Novelle filmisch umzusetzen. Wie so oft mangelte es am Geld, denn Welles war es nicht möglich, den Film zu finanzieren. Als dann auch noch Laurence Harvey starb, der für die Rolle des Antagonisten vorgesehen war, wurden die Arbeiten am Projekt eingestellt. In den 1980er-Jahren sorgte der australische Regisseur Noyce dafür, dass Kennedy Miller Productions die Rechte am Buch erwarb – so stand der Verfilmung nichts mehr im Wege. 1987 wurde ein halbes Jahr lang an und vor der Ostküste Australiens gedreht. Herausgekommen ist ein in Teilen vorhersehbarer, aber nichtsdestotrotz von der ersten bis zur letzten Minute spannender Thriller um ein Ehepaar, das getrennt voneinander auf offener See ums Überleben kämpfen muss. Auch die Kritiken bezüglich des Settings und der gewählten Schauspieler waren durchaus zufriedenstellend. Todesstille gewann 1989 und 1990 verdient sogar ein paar australische und US-amerikanische Filmpreise.

Psychopath an Bord

Im Mittelpunkt des Films steht das Ehepaar Ingram, bestehend aus dem Marineoffizier John und seiner Frau Rae. Zu Beginn der Handlung wird der Zuschauer darüber in Kenntnis gesetzt, dass Rae einen Autounfall verursacht hat und dabei ihr kleiner Sohn lebensgefährlich verletzt wurde. Um das Trauma zu überwinden, entfliehen die beiden auf einer Yacht aufs offene Meer. Dort ist es, wie es der Titel des Films andeutet, unfassbar still. Es weht kein Wind und weit und breit ist nichts zu hören als das Wasser, das gegen das Boot platscht. Eines Tages machen sie jedoch eine folgenschwere Entdeckung. Ein Schoner scheint havariert zu sein. John gelingt es jedoch nicht, Funkkontakt zur Besatzung herzustellen. Plötzlich erkennen sie, dass auf einem Rettungsboot ein Mann heranrudert. Hughie Warriner, so der Name des unbekannten Mannes in Todesstille, schildert von einer Lebensmittelvergiftung und dass die ganze Crew dahingerafft wurde. Während er sich schlafend ausruht, will John seine Geschichte überprüfen und rudert zum Schoner hinüber. Dort erkennt er, was wirklich auf dem Schiff geschah. Noch während er den Rückweg antritt, erwacht Hughie aus seinen Träumen und sorgt dafür, dass John die Yacht nicht mehr erreichen kann. Noch dazu setzt er Rae außer Gefecht und entkommt in Richtung Sonnenuntergang – ein großartig inszenierter Auftakt.

Mörderische Spannung

Daraufhin spaltet sich Todesstille in zwei Handlungsstränge auf. Auf der einen Seite muss John den havarierten Schoner wieder auf Vordermann bringen, denn dieser ist im Begriff unterzugehen. Wasser abpumpen, den Motor anschmeißen und die Verfolgung aufnehmen – so lautet für ihn die Devise. Auf der anderen Seite ist Rae auf ihrer eigenen Yacht gefangen und sieht sich Hughie schutzlos ausgeliefert. Auch wenn es nicht sein Ziel ist, sie umzubringen, fürchtet sie sich vor dem Psychopathen. So kämpft auch sie ums Überleben, um rechtzeitig die Kontrolle über das Boot zurückzuerlangen und ihren Mann John zu retten. In den drei Hauptrollen zu sehen sind Nigel John Dermot „Sam“ Neill als John, William „Billy“ George Zane Junior als Hughie und Nicole Mary Kidman als Rae. Während Neill etwas blass bleibt, was mitunter der Situation geschuldet ist, dass er die meisten Szenen isoliert spielt, kann Zane als unberechenbarer Antagonist punkten. Herausragend gespielt ist Rae, denn Kidman gelingt es, eine wirklich starke Frauenfigur zu zeigen, die über den Schrecken auf der Yacht einfach triumphieren muss. Zwar sind nicht alle Entscheidungen der Charaktere nachvollziehbar, aber der klaustrophobische Rahmen wird dennoch bestens gefüllt. Albern ist höchstens der Abgang des Antagonisten von Todesstille. Das können sich auch echt nur Moralapostel ausdenken!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der DVD-Fassung): Todesstille ist Drama, Thriller, Kammerspiel und Katastrophenfilm in einem. Es ist eine Mischung, die zu meiner Überraschung auf ganzer Linie aufgeht. Ein großes Vorspiel braucht es nicht, denn in wenigen Szenen sind die Beweggründe, die zu dem Ausflug aufs offene Meer geführt haben, erklärt. So schnell diese im Film auf einmal vergessen sind, so sehr zieht der Film mit seinem hohen Tempo in den Bann. Sobald mit Hughie der Antagonist aufs Boot gelangt, geht alles ganz schnell. Aufgeteilt auf zwei voneinander unabhängige Handlungsbögen, die sich am Ende wieder vereinen, geht es dem Ehepaar Ingram ums nackte Überleben, dem Willen zum Leben und das Triumphieren über jedweden Schrecken. Der Zuschauer fiebert anderthalb Stunden bis zum Abspann mit, auch wenn nicht alle Entscheidungen der Charaktere logisch erscheinen mögen. Wären sie dies, so wäre der Film nach einer halben Stunde schon vorbei – und dann würde auch ein ansonsten absolut zufriedenstellender Thriller in der Filmlandschaft fehlen.

Vielen Dank an Plaion Pictures für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Todesstille!

Regisseur James Ashcroft ist als Macher von vollwertigen Filmen noch gar nicht so lange im Geschäft. Nachdem er mit dem 2021 veröffentlichten Coming Home in the Dark seinen Einstand als Filmregisseur feierte, folgte 2024 mit The Rule of Jenny Pen der nächste Streich.

Dem 1978 geborenen Neuseeländer ist es kaum anzumerken, dass es sich bei The Rule of Jenny Pen tatsächlich erst um sein zweites großes Filmprojekt handelt. Zusammen mit Eli Kent hat Ashcroft einen Film zusammengeschrieben, den es in dieser Form zuvor noch nicht gab. Ein abstoßender Antagonist und ein unverbrauchtes Setting sorgen trotz abscheuerregender Inhalte dafür, dass der Zuschauer angehalten wird, die Handlung bis zur letzten Minute auszukosten. Inhaltlich dreht sich der Film um den ehemaligen Richter Stefan Mortensen, der nach einem Schlaganfall in einem Pflegeheim untergebracht wurde. Da er wohl wie die meisten Bewohner die Hoffnung hegt, nicht sehr viel Zeit in der Einrichtung verbringen zu müssen, muss der gealterte wie geschwächte Protagonist der Realität ins Auge sehen. Vermutlich handelt es sich bei seinem neuen Zuhause um die Endstation in seinem Leben. Durch seine komatösen oder verwirrten Mitbewohner geprägt, möchte er in der Gruppe auch keinen Anschluss finden. Selbst seinen Zimmergenossen, den früheren Rugbyspieler Tony Garfield, will er nicht näher kennenlernen. Er zieht sich in sein Schneckenhaus zurück. In der Nacht macht er jedoch Bekanntschaft mit dem unsympathischen Dave Crealy und dessen Handpuppe Jenny Pen, welche die Bewohner des Altenstifts Nacht für Nacht aufs Schlimmste terrorisieren.

Terrorherrschaft im Pflegeheim

Was zunächst nach einem gestörten Verhaltensmuster von Dave aussieht, entpuppt sich mit der Zeit als bitterer Ernst. The Rule of Jenny Pen dreht sich um das Ausspielen von Macht über Schwächere. Es ist Mobbing auf hohem Niveau, das sich immer weiter steigert und zuweilen in schlimmeren Straftaten wie Vergewaltigung und sogar mehrfachen Mord gipfelt. Dave ist gefährlich, unberechenbar und hinterhältig. Wer sich weigert, anzuerkennen, dass Jenny Pen die Regeln aufstellt, macht er auf jede erdenkliche Art und Weise fertig, bis er oder sie seiner Handpuppe gehorcht. Da Stefan jedoch jahrelang als Richter gearbeitet hat, lässt er sich lange Zeit nicht vom Antagonisten einschüchtern und setzt sich sogar zur Wehr, was Daves Zorn auf ihn zieht. Noch dazu wird im Altenheim von der Belegschaft alles heruntergespielt. Stefan wird kein Glauben geschenkt, zumal auch Tony aus Angst die Wahrheit für sich behält. Es ist wahrlich ein ungutes Gefühl, welches den Zuschauer die ganzen 104 Minuten begleitet. Die Taten, zu denen Dave fähig ist, versetzen dem Zuschauer wahrhaftig einen Schlag in die Magengrube, der sich nachhaltig mulmig anfühlt – selbst nach dem Abspann. Damit verleiht Ashcroft seinem Werk eine sozialkritische Note. Es ist schlimm, dass Unrecht geschieht – und noch schlimmer, dass dem Opfer in der Sache kein Glauben geschenkt wird.

Drama voller Abscheulichkeiten

Nicht unschuldig daran, dass der Film so düster wirkt, sind auch die drei Hauptdarsteller. So spielt allen voran John Arthur Lithgow seinen Dave mit absolut abartiger Brillanz, die sich der Schauspieler im Vorfeld selbst nicht zugetraut hätte. Auch George Winiata Henare, dem als Tony die Angst vor Dave ins Gesicht geschrieben steht, überzeugt auf ganzer Linie. Ebenso ist der unter anderem aus Der Flucht der Karibik bekannte Geoffrey Roy Rush zu erwähnen, der den Schlaganfallpatienten nachvollziehbar inszeniert. Wer mehr über die Hintergründe der Produktion und zu den Schauspielern und ihre Motivation erfahren will, wirft einen Blick in das gelungene Bonusmaterial, das über eine weitere Dreiviertelstunde den wissbegierigen Filmfan begeistert. Inszenatorisch kann der Film gleich mehrfach als Horrorfilm punkten, denn sowohl der Antagonist und seine Abscheulichkeiten können überzeugen, als auch die Hilflosigkeit des Protagonisten und nicht zuletzt das Altersheim als mögliche letzte Station im Leben. Hier kommt auch der passende Soundtrack, der mit gestellter Fröhlichkeit den düsteren Alltag der Altenheimbewohner kaschiert. The Rule of Jenny Pen entwickelt sich im Verlauf des Films mehr und mehr zu einem Drama, das den Zuschauer nicht mehr loslässt. Selbst nach dem Abspann bleibt das Werk von Ashcroft weiterhin in prägender Erinnerung.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): The Rule of Jenny Pen ist ein Drama, das aufgrund seines ungewöhnlichen Settings und des von bösen Gedanken getriebenen Antagonisten über die gesamte Laufzeit nicht loslässt. Obwohl Mobbing eher an Handlungsorten wie einer Schule oder am Arbeitsplatz vermutet wird, transferiert Regisseur James Ashcroft die Tatsache in ein Pflegeheim. Hier terrorisiert Dave Crealy mit seiner Handpuppe Jenny Pen Nacht für Nacht mit Erfolg seine Mitmenschen. Auch den Neuzugang Stefan Mortensen will er brechen, doch als das nicht gelingt, macht es die Sache für alle Beteiligten und Unbeteiligten nur noch schlimmer. Selbst vor Mord und Vergewaltigung macht Dave keinen Halt mehr. Das ist bedrückend und beängstigend zugleich. Selbst Dave-Darsteller John Lithgow hatte Probleme damit, seine Rolle anzugehen. Am Ende ist es ihm aber genauso gelungen wie seinen Kollegen Geoffrey Rush und George Henare. Auch wenn der Film zuweilen ein paar kleinere Längen aufweist, sollte über diese einfach hinweggesehen werden. Das Horror-Drama spricht sozialkritische Themen an, die häufig viel zu kurz kommen. So hält The Rule of Jenny Pen der Gesellschaft einen Spiegel vor, was sich niemand entgehen lassen sollte.

Vielen Dank an Plaion Pictures für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von The Rule of Jenny Pen!

Seit den 1960er-Jahren ist Martial-Arts-Legende Jackie Chan in der chinesischen Filmwelt aktiv – und ein Ende ist noch nicht in Sicht. Im als Kriminalfilm und Thriller ausgelegten Shadow Chase: Im Netz der Diebe ist Chan als gewiefter polizeilicher Ermittler zu sehen.

Schauspieler aus dem ostasiatischen Raum, die vor allem für ihre Martial-Arts-Szenen bekannt sind, haben mit zunehmendem Alter das Problem, die von ihnen erwarteten Leistungen vollumfänglich auszuführen. Obwohl sich die Kampfszenen in Shadow Chase: Im Netz der Diebe, in denen Jackie Chan eingreift, sich an einer Hand abzählen lassen, ist es erstaunlich, wie fit und beweglich der bei Drehbeginn siebzigjährige Künstler noch war. Sämtliche Situationen, in denen Arm- und Beinkraft notwendig wurden, hat Chan selbst inszeniert. Vor diesen Szenen kann sich der geneigte Zuschauer nur verbeugen. Für den Rest des Films ist dies aber nicht unbedingt gänzlich der Fall, denn obwohl dieser mit seiner grundlegenden Story-Idee und zahlreichen Actionsequenzen durchaus zu überzeugen weiß, verliert der Streifen mit zunehmender Laufzeit an Biss. Vielleicht sind 142 Minuten für Diebstahl, Ermittlungsarbeit, Familiendrama, Ballereien und Explosionen etwas zu viel und womöglich auch zu bunt. Zuweilen wirkt der Film so, als sei er mit Inhalten nur so vollgestopft worden, um den Zuschauer möglichst lange seiner Freizeit zu berauben. Dabei ist gerade die erste Filmhälfte von Shadow Chase: Im Netz der Diebe richtig spannend inszeniert, durchaus gut geschrieben und mit ein paar herzerwärmenden Szenen genauso wie mit einem gesunden Actionanteil austariert.

Packende erste Filmhälfte

Regisseur und Drehbuchautor Yáng Zǐ, außerhalb Chinas wohl besser bekannt unter seinem englischen Pseudonym Larry Yang, hat durchaus Fingerspitzengefühl bewiesen, wie er die Handlung filmisch umsetzt. Zumindest für die erste Filmhälfte ist dies der Fall. Hier werden die Fronten geklärt und die Figuren porträtiert. Angesiedelt im Macau des Jahres 2025 stehen den Gesetzeshütern hocheffiziente Kamerasysteme und selbstverständlich auch künstliche Intelligenz bei der Verbrecherjagd zur Verfügung. Als bei einem Raub mit einem neunstelligen Betrag diese offenbar hochintelligenten Systeme versagen, muss die Polizei mit Huáng Dézhōng einen Ermittler aus dem Ruhestand zurückholen, der Jagd auf die Verbrecher macht. Ihm wird schnell klar, dass hinter dem Kopf der ominösen Diebesbande ein gewisser Shadow steckt, der bereits in den 1990er-Jahren aktiv war, dann aber von der Bildfläche verschwand. Huáng beginnt damit, ein Team von Polizisten zusammenzustellen, die Shadow finden und observieren sollen. Darunter fällt auch seine Nichte Hé Qiūguǒ, die mit ihrem Onkel aufgrund des von diesem verschuldeten Tod ihres Vaters nichts mehr zu tun haben will. Während sich die beiden mit der Zeit zusammenraufen, arbeiten Shadow und sein Team daran, nicht aufzufliegen und verdeckt zu bleiben, doch dann versucht das Team seinen Chef loszuwerden.

Mit Action durchzogene zweite Hälfte

Kaum sind jedoch die Masken in Shadow Chase: Im Netz der Diebe gefallen, verliert auch die bis dahin spannende Story an Zugkraft. Auf einmal nimmt der Actionanteil bis zum Finale exponentiell zu. Sowohl Huáng als auch sein Gegenspieler Shadow verlieren sich in zahlreichen Schlägereien mit der Gegenseite und Feinden aus den eigenen Reihen. Diese Szenen sind zudem so lapidar schnell geschnitten, sodass der Zuschauer kaum hinterherkommt und ihm irgendwann sogar egal ist, wer mit wem und warum überhaupt kämpft. Hier hätte sehr viel gekürzt oder zumindest besser geschnitten werden können. Der Soundtrack aus der Feder des französischen Komponisten Nicolas Errèra geht derweil in Ordnung und hält den Adrenalinspiegel in der zweiten Filmhälfte oben. Auch die Schauspieler, allen voran Jacke Chan als Huáng und Schauspiellegende Liáng Jiāhuī respektive Tony Leung als Shadow mimen ihre Rollen großartig. Ebenfalls überzeugend ist Zhāng Zǐfēng als Hé. Darüber hinaus wird der Film für Jackie-Chan-Fans des deutschsprachigen Raums auf alle Zeit einen melancholischen Nachgeschmack beibehalten, denn Chans Stammsynchronsprecher seit Mitte der 1990er-Jahre, Stefan Gossler, verstarb am 19. Januar 2026, womit Shadow Chase: Im Netz der Diebe leider der letzte Film ist, in dem Gossler Chan seine absolut charismatische Stimme lieh.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Jackie Chan hat in den letzten Jahren für mich immer mehr an Zugkraft verloren, konnten die meisten seiner Filme bei mir nicht so viel Anklang finden. Ich mag mehr die Filme der 1980er- und 1990er-Jahre mit ihm. Trotzdem ist es immer wieder ein kleines Erlebnis für mich, den inzwischen gealterten Chan in neuen Filmen erleben zu können. Shadow Chase: Im Netz der Diebe fängt für meinen Geschmack auch sehr stark an. Der Film setzt in der ersten Hälfte genau die richtigen Töne, stellt Charaktere und Handlungsorte vor und erklärt die Ausgangslage verständlich. Danach verliert sich der Film für meinen Geschmack aber viel zu sehr in hastig geschnittenen Actionszenen, bei denen zuweilen wild durcheinander geworfene Kämpfe an zwei Handlungsorten überlappend gezeigt werden, wodurch der eine oder andere Zuschauer sicher ganz kirre wird. Regisseur Yáng Zǐ gelingt zwar ein halbwegs runder Abschluss, der aber gerne eine halbe Stunde früher hätte einsetzen dürfen. Für mich ist der Film gefühlt zu lang. Als Befürworter deutscher Synchronisationen wird der Film für mich aber dennoch in Erinnerung bleiben, da hier Stefan Gossler ein letztes Mal seine berühmte Stimme für Jackie Chan erklingen ließ. Beinharte Fans des Martial-Arts-Schauspielkünstlers greifen zu, alle anderen sind mit früheren Filmen aber mindestens genauso gut beraten.

Vielen Dank an Plaion Pictures für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Shadow Chase: Im Netz der Diebe!

Mit dem unscheinbaren Namen Telefon sollte der Thriller mit Charles Bronson in der Hauptrolle 1977 in den Kinos für Furore sorgen, musste sich aber Filmen wie Krieg der Sterne oder Unheimliche Begegnung der dritten Art geschlagen geben. Der Kalte Krieg war out.

Gerade im Spionagefilm, wie es zum Beispiel an verschiedenen Serienteilen der James-Bond-Filmreihe abzulesen ist, war der Kalte Krieg ein beliebtes und funktionierendes Thema. Wenn sich Geheimagenten aus Zentraleuropa oder Nordamerika mit den Spionen des sowjetischen Komitees für Staatssicherheit einen Wettlauf um Geheiminformationen oder dem Verschaffen von Vorteilen geliefert haben, war das im Alltag erdrückend, im Film aber bis heute unfassbar faszinierend. Selbst in Videospielen, die nach dem Kalten Krieg auf Computern oder Konsolen veröffentlicht wurden, ist dieser düsteren Epoche des 20. Jahrhunderts dramaturgisch stets etwas abzugewinnen. Command & Conquer: Alarmstufe Rot von 1996 und das 2020 veröffentlichte Call of Duty: Black Ops – Cold War sind die besten Beispiele dafür, dass auch mit einer ordentlichen Prise Fiktion das Konzept immer noch funktioniert. Telefon aus dem Jahr 1977 ist zudem Fiktion in zweiter Instanz, denn trotz ein paar entschlackter Änderungen basiert das Werk grundsätzlich immer noch auf Walter Herman Wagers Roman Krieg per Telefon aus dem Jahr 1975. Trotz der US-amerikanischen Grundlage, in gleich zweifacher Hinsicht, ist der Thriller von Regisseur Donald „Don“ Siegel weder ein Lobgesang auf das Federal Bureau of Investigation noch eine Brüskierung des seinerzeit sowjetischen Pendants.

Bei Anruf Mord

Im Mittelpunkt des 103-minütigen Streifens Telefon steht Major Grigori Borzow, der von seinen Vorgesetzten in Moskau den Auftrag erhält, in die Vereinigten Staaten von Amerika zu reisen. Dort soll er Jagd auf den abtrünnigen Agenten Nicolai Dalchimsky machen. Dieser ist in Besitz einer 51 Namen umfassenden Liste von Schläferagenten gelangt, die er reihenweise reaktivieren will. Ertönt ein Anruf und nimmt einer der jeweiligen Agenten ab, hört er sanft von Dalchimsky vorgetragen ein paar Zeilen aus dem Gedicht Stopping by Woods on a Snowy Evening von Robert Frost. Kaum sind die Informationen im Ohr angelangt, sieht der Schläferagent rot und nimmt in hypnotischem Wahn alles auf sich, um Angst und Terror unter der US-amerikanischen Bevölkerung zu scheren, indem er oder sie militärische Anlagen sabotiert. Auch das Bureau wird peu à peu auf die merkwürdigen Fälle aufmerksam, wenn plötzlich ein Automechaniker oder ein Pfarrer zu Terroristen mutieren. Unterdessen erhält Borzow, der eine Kopie der Liste mit seinem lückenlosen fotografischen Gedächtnis in seinem Oberstübchen abgespeichert hat, Unterstützung von einer ominösen Agentin unter ihrem Decknamen Barbara. Borzows Auftrag führt die beiden quer durch die Vereinigten Staaten, wobei sie allerdings schnell lernen müssen, dass der Terror erst aufhört, wenn sie Dalchimsky töten.

Nationale Zerreißprobe

Obwohl es den Anschein haben könnte, wurden die in Moskau spielenden Szenen des Films nicht in der Sowjetunion gedreht. Stattdessen hielt 1977 Finnland für Telefon her, was die vorbelasteten finnisch-russischen Beziehungen ein wenig verschlechterte. Selbst Hauptdarsteller Bronson sah sich genötigt, den Film zu verteidigen und stellte klar, dass er kein Abziehbildchen dümmlicher Sowjetagenten verkörpere. Selbiges betrifft auch die anderen Figuren. Für Barbara stand Lee Ann Remick vor der Kamera, die genauso wie ihre Schauspielkollegin Ellen Tyne Daly in der Rolle von Dr. Dorothy Putterman als starke Frauenfiguren porträtiert werden, auch wenn der Chauvinismus der Zeit entsprechend die Oberhand gewinnt. Donald Pleasence ist hingegen als Dalchimsky zu sehen, erreicht aber kaum die schauspielerischen Höhen, wie er sie ein Jahr später als Dr. Samuel Loomis in Halloween – Die Nacht des Grauens aufs Parkett legte. Für die Musik zeichnet sich der 2025 verstorbene Lalo Schifrin aus, den manche vielleicht vom Soundtrack von Die große Keilerei kennen. Fast fünf Jahrzehnte nach der Uraufführung von Telefon würdigt Plaion Pictures den Thriller mit einem Mediabook, in dem sich neben dem Film auf Blu-ray-Disc und DVD auch ein Booklet von Christoph Kellerbach mit interessanten Fakten zur Entstehungsgeschichte lockt. Trotz der mittelmäßigen Bildqualität ist Telefon als zeitgenössischer Thriller definitiv einen Blick wert.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Es ist schade, dass dem Film kein größerer Erfolg beschert war, aber in einer Zeit, in der Krieg der Sterne ein halbes Jahr nach Veröffentlichung im Kino nicht einfach auf einem Datenträger erworben und zuhause unendlich oft angeschaut werden konnte, gingen die Menschen deswegen halt mehrfach ins Kino. Krieg verlagerte sich in den Weltraum, auf der Erde war der Kalte Krieg im wahrten Sinne des Wortes abgekühlt. Trotzdem würde ich mich zu weit aus dem Fenster lehnen, wenn ich behaupte, dass Telefon von Don Siegel langweilig oder uninteressant wäre. Das Gegenteil ist der Fall! So erzählt mir der Thriller eine spannende Geschichte mit einer zumindest damals unverbrauchten Idee, dass das Telefon als Sprachrohr für Hypnose mit darauffolgenden Attentaten diente. Charles Bronson spielt die Rolle als sowjetischer Major hervorragend, da er das Ziel niemals aus den Augen verliert – da kann selbst die toughe wie schöne Barbara bis kurz vor Schluss nichts ausrichten. Ein wenig überraschend ist jedoch der durchschnittliche Auftritt von Donald Pleasence, von dem ich in der wenige Jahre später gestarteten Halloween-Filmreihe ein wirklich großer Bewunderer seines Schaffens bin. Während die Tonqualität der Zeit geschuldet in DTS-HD Master Audio 2.0 noch in Ordnung geht, finde ich es jedoch schade, dass das Bild nicht mit mehr Aufwand restauriert wurde. Da gibt es ältere Filme in weitaus besserer Bildqualität. Nichtsdestotrotz kann ich Telefon allen Filmliebhabern empfehlen, die der Thematik des Kalten Kriegs nicht müde oder gar überdrüssig werden.

Vielen Dank an Plaion Pictures für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Telefon!

In vielerlei Hinsicht waren die 1980er-Jahre prägend, insbesondere für die Populärkultur. So gewannen Kinder und Jugendliche im Rahmen von Abenteuerfilmen rasant an Bedeutung. Eines der bedeutendsten Werke dieser Zeit ist zweifelsohne Die Goonies aus dem Jahr 1985.

Dass die 1980er-Jahre das wohl kultverdächtigste Jahrzehnt aller Zeiten sind, wissen wir nicht erst seit der von 2016 bis 2025 produzierten Fernsehserie Stranger Things. Die Netflix-Produktion bildet die Epoche in vielerlei Hinsicht hervorragend ab und stellt das Schicksal von Kindern und Jugendlichen in den Mittelpunkt der Erzählung. Filme und Serien dieser Machart lassen sich häufig auf einen einzigen Film zurückverfolgen: Die Goonies aus dem Jahr 1985 ist einer der ersten Abenteuerfilme, die sich vollumfänglich mit jungen Protagonisten beschäftigen. Wenn July Garland als Dorothy Gale tanzend und singend durch das Szenenbild von Der Zauberer von Oz aus dem Jahr 1939 hüpft oder Barret Oliver als Bastian Bux sein Abenteuer in Die unendliche Geschichte von 1984 erlebt, geht das zwar in eine ähnliche Richtung, klammert die jugendliche Dynamik innerhalb einer Gruppe aber vollkommen aus. Regisseur Richard Donner, der sich für Die Goonies verantwortlich zeigt, überrascht insofern, dass er sich zuvor von Drama, Komödie, Science-Fiction bis hin zum Horrorfilm in unterschiedlichen Genres ausgetobt hat. Auf Anhieb gelingt es ihm, das auf Steven Allan Spielberg und Christopher Joseph Columbus zurückgehende Drehbuch mit Feingefühl auf die Leinwand zu zaubern und 114 Minuten lang mit der Zeit geschuldeter Situationskomik zu überzeugen.

Spannende Schatzsuche

Angesiedelt in der US-amerikanischen Kleinstadt Astoria im Bundesstaat Oregon, berichtet der Film vom Schicksal der beiden Brüder Michael „Mickey“ und Brandon Walsh. Elgin Perkins will auf dem Land, auf dem auch das Haus von Familie Walsh steht, einen Country Club errichten. Da die Eltern von Mickey und Brandon nicht das Geld auftreiben können, um der Zwangsvollstreckung zu entgehen, müssen sie für den bevorstehenden Umzug packen. Beim Durchstöbern der Sachen auf dem Dachboden entdecken sie zusammen mit ihren Freunden Lawrence „Chunk“ Cohen, Clark „Mouth“ Devereaux und Richard „Data“ Wang eine ominöse Karte, die angeblich den Fundort des Piratenschatzes des einäugigen Willie zeigen soll. In ihrer Verzweiflung, dass der Bund der Goonies genannten Freunde zerbricht, beschließen sie, nach dem Schatz zu suchen. Ihre Suche beginnt bei einem Sommerrestaurant oberhalb einer Klippe. Mitten im Herbst sollte das Restaurant eigentlich geschlossen sein, doch haben sich dort die Fratellis eingenistet, eine vierköpfige Verbrecherfamilie auf der Flucht vor dem Gesetz. Beide Parteien stehen sich somit gegenseitig im Weg, denn weder wollen die Fratellis auffliegen, noch wollen die Kids den Schatz mit den Kriminellen teilen. Es kommt jedoch wie es kommen muss und am Ende ist jeder von ihnen auf der Suche nach Willies Piratenschatz.

Abenteuerfilm für Jung und Alt

Donners Werk hat einen entscheidenden Vorteil gegenüber früheren Abenteuerfilmen, denn mit Jäger des verlorenen Schatzes erschien 1981 bereits die Blaupause schlechthin, wie ein Abenteuerfilm inzwischen auszusehen hat. Da Steven Spielberg bei jenem Film die Regie übernahm, ist es kaum verwunderlich, dass manche Elemente auch in Die Goonies auffallen. Unter anderem müssen die Freunde verschiedene Rätsel lösen, Fallen überwinden und den Mut finden, weiterzugehen. Im Großen und Ganzen funktioniert das ordentlich, zumal die Gruppe sehr divers ausfällt. Chunk ist ein begnadeter Märchenerzähler, Mouth dient als Übersetzer aus dem Spanischen und bei Data handelt es sich um einen Tüftler, dessen Erfindungen aber noch nicht ganz marktreif sind. Mit Andrea „Andy“ Carmichael und Stefanie „Stef“ Steinbrenner kommen noch zwei Mädels hinzu, die mit ihrer Art Zündstoff für Romantik und Kreischanfälle liefern. All das spielt vor dem Hintergrund der nebligen wie windigen Atmosphäre des pazifischen Nordwestens und dem stimmungsvollen Soundtrack von David „Dave“ Grusin. Als kommerziell durchaus erfolgreicher Film diente das Werk 1985 rückblickend vor allem den beiden Darstellern Sean Astin und Josh James Brolin als Karrieresprungbrett. Bis auf den manchmal etwas flachen Humor ist Die Goonies damit wirklich ein großer Spaß!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Jahrzehntelang war Die Goonies für mich ein Film, den ich nur bruchstückhaft gesehen habe. Dass ich diesen Umstand unbedingt ändern musste, war mir schon länger bewusst, doch dass es mich dann mitten in der Nacht überkommt, hat mich dann doch selbst überrascht. Jedenfalls bin ich froh darüber, dass ich den Film inzwischen vollständig und an einem Stück angeschaut habe. Für den Abenteuerfilm markiert das Werk einen entscheidenden Wendepunkt, sind die wesentlichen Protagonisten doch allesamt Kinder beziehungsweise Jugendliche. Die jungen Schauspieler verkörpern ihre Rollen derart glaubwürdig, dass eine richtige Gruppendynamik bei Mickey, Brandon, Chunk und Co entsteht, die so schnell nicht langweilig wird. Jeder Charakter ist einzigartig geschrieben und selbst die Antagonisten, so hilflos sie gegenüber den Helden erscheinen, haben alle ihre eigenen Macken. Im Film werden Werte wie Freundschaft, Liebe und Zusammenhalt vermittelt, was auf ganzer Linie geglückt ist. Aus heutiger Sicht mag allerhöchstens der Humor nicht immer zünden, da er manchmal einfach zu flach ist und dann nicht einmal ein Schmunzeln hervorbringt. Auch die klischeebehaftete Darstellung des geistig behinderten und im Gesicht entstellten Lotney „Sloth“ Fratelli war schon 1985 nicht in Ordnung und sollte heute kritischer denn je betrachtet werden. Nichtsdestotrotz sind dies auch die einzigen beiden Punkte, die ich dem Film negativ ankreiden kann. Wer Abenteuerfilme mag, ein Faible für Filme der 1980er-Jahre mitbringt und zwei Stunden gute Unterhaltung sucht, schlägt zu!

Obwohl Super Mario Bros. aus dem Jahr 1993 tatsächlich nicht die allererste Videospielverfilmung ist, wird das Werk häufig als solche bezeichnet. Ende 2022 erschien der Kinofilm im deutschsprachigen Raum auf Blu-ray Disc – und überzeugt auch drei Jahrzehnte später noch.

2023 erschien mit Der Super Mario Bros. Film ein zumindest kommerziell unfassbar erfolgreicher Animationsfilm zu Nintendos wohl wichtigster Marke. Was jüngere Spieler nicht wissen und das japanische Traditionsunternehmen am liebsten aus dem kollektiven Gedächtnis aller Videospieler streichen will, ist die Tatsache, dass es drei Jahrzehnte zuvor bereits einen Kinofilm zum Super-Mario-Franchise gab – und zwar nicht in animierter Form, sondern mit echten Menschen. Der Film aus dem Jahr 1993 gilt zwar als Videospielverfilmung, lehnt sich im Grunde aber nur vage an der Vorlage an und nimmt sich mindestens genauso viele Freiheiten. Auch wenn dies den einen oder anderen Fan stören könnte, war dies damals beabsichtigt, um das in den frühen 1990er-Jahren in US-amerikanischen Medien negativ konnotierte Videospielmedium einem breiteren Publikum näherzubringen. Ob das funktioniert hat, ist eine andere Frage. Es war mutig von den beiden Regisseuren Annabel Jankel und Rocky Morton, diesen Weg einzuschlagen, um das Drehbuch aus den Federn von Parker Bennett, Terry Runté und Edward James Solomon auf die Leinwand zu bannen. Durchaus problematisch war jedoch, dass das Drehbuch wohl mehrfach überarbeitet, beim Dreh improvisiert, zeitweise Mitarbeiter ab- und wieder aufgesprungen und sich Gerüchten zufolge auch betrunken haben.

Dystopische Parallelwelt

Nun stellt sich die Frage, ob dies in Super Mario Bros. überhaupt auffällt. Die Antwort darauf ist nicht ganz einfach, denn grundsätzlich funktioniert der Spielfilm, der sich am ehesten dem Science-Fantasy-Genre zuordnen lässt und Merkmale des Abenteuerfilms aufweist, inhaltlich überraschend gut. Mario und Luigi, die titelgebenden Gebrüder Mario, betreiben im New Yorker Stadtbezirk Brooklyn eine Klempnerei, die allerdings alles andere als gut läuft. Durch einen Zufall lernt Luigi die Archäologiestudentin Daisy kennen. Kurz darauf tauchen die beiden Möchtegernganoven Iggy und Spike auf, welche Daisy durch ein ominöses Portal in eine Parallelwelt entführen. Mario und Luigi nehmen sogleich die Verfolgung auf und landen in einer dystopischen Version von Manhattan, in der die Kriminalitätsrate längst den maximalen Pegel gesprengt hat. Kaum angekommen, landen sie auf der Fahndungsliste vom regierenden Präsidenten Koopa – dieser ist auf der Suche nach einem ominösen Meteoritensplitter, den Luigi während Daisys Entführung an sich nehmen konnte. Sein Ziel ist es, die beiden Welten wieder zu vereinen und am Ende über alles und jeden zu regieren. Dementsprechend entwickelt sich die Rettungsaktion weiter und nimmt größere Züge an, bei denen sich Mario und Luigi mit dem Polizeiapparat anlegen und der angedrohten Devolution entkommen müssen.

Ausgefeilte Handlungsstrukturen

Zeitgenössische Rezensionen kritisierten in den 1990er-Jahren vor allem die plumpe Handlung des Streifens. Diese Kritiker haben vermutlich niemals auch nur irgendeines der damals erhältlichen Videospiele gespielt, denn ansonsten wären ihnen unzweifelhaft die Tiefe der Charaktere und die Tragweite ihrer Handlungen aufgefallen. Das soll nicht heißen, dass die Story bis ins letzte Detail ausgearbeitet ist, was alleine schon aufgrund der turbulenten Arbeiten am Drehbuch absurd erscheinen würde, aber die sozialkritisch dargestellte Dystopie, der Thronraub durch Koopa, das verzweifelte Aufbegehren des alten Königs, der als Pilz in der ganzen Stadt vor sich hin vegetiert, der Versklavung von unschuldigen Personen, die in der Devolutionskammer zu echsenähnlichen Humanoiden, genannt Gumbas, gemacht werden, und nicht zuletzt Daisys unaufhörliche Suche nach ihrer eigenen Identität sind alles Themen, die so keinesfalls in irgendeinem der Videospiele angesprochen wurden. Anstatt einfach nur die Prinzessin zu retten und den Bösewicht in die Schranken zu weisen, steht in Super Mario Bros. so viel mehr auf dem Spiel. Der Film ist storytechnisch durchaus ausgefeilt, auch wenn gerade die visuelle Inszenierung hier und da stark von den Spielen abweist. Der Zuschauer muss einfach nur in Metaphern lesen und die Symbole richtig identifizieren und einordnen.

Verständliche Symbolik

Mario und Luigis Gegner erwehren sich beispielsweise mit Flammenwerfern, die aber Feuerbälle durch die Gegend spucken können. Anstatt durch die Einnahme eines Pilzes zu wachsen, bläht sich dieser im entscheidenden Moment zu einem Schutzschild auf, um Mario einmalig vor einem Geschoss zu retten. Auch Sprungstiefel tauchen auf, lassen Mario und Luigi meterweit durch das Areal hüpfen und brauchen hin und wieder eine Energieladung, die wie ein Kugelwilli geformt ist. Das sind schlicht und einfach clevere Ideen, welche die Funktionen aus den Spielen aufgreifen, sie aber in das Science-Fantasy-Korsett zwängen, um Authentizität im Rahmen der Filmwelt zu erlangen. Fans der Vorlage verstehen das – und wer die Spiele nicht kennt, erlebt trotz allem einen großen Spaß. Die beteiligten Schauspieler sahen das, vor allem aufgrund des Chaos am Filmset, aber anders. Vor der Kamera standen mit dem 2014 verstorbenen Robert William Hoskins für Mario und dem 2010 verschiedenen Dennis Lee Hopper als Koopa gleich zwei große Namen vor der Kamera. Für Luigi-Darsteller John Alberto Leguizamo Peláez war es zudem der Durchbruch im Filmgeschäft und auch Samantha Mathis, die in der Rolle der Daisy zu sehen ist, ist heute auch keine Unbekannte mehr. Der 104-minütige Film, der auch im Full-HD-Format glänzt, ist mutig, zuweilen kreationistisch, wild, düster, turbulent, unterhaltsam – und tatsächlich alles andere als langweilig oder platt.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Warum es Menschen auf der Welt gibt, die den Film Super Mario Bros. aus dem Jahr 1993 nicht mögen, als platten und schlechten Film abstempeln und gleichzeitig den sterilen, eintönigen und mit müden Gags gefüllten Der Super Mario Bros. Film von 2023 in den Himmel loben, will mir nicht in den Kopf gehen. Beide Filme haben sicherlich ihre Stärken wie ihre Schwächen, aber im direkten Vergleich ist mir die mutige Leinwandadaption tausendmal lieber, selbst wenn die Schauspieler die Dreharbeiten als anstrengend empfanden und ihre Teilnahme bis an ihr Lebensende bereut haben. Ich finde den düsteren Anstrich super, denn vor dem Hintergrund der dystopischen Welt gelingt es dem Film Themen anzusprechen, die sich Nintendo zumindest in den Hauptteilen nicht trauen würde. Gerade für einen Film aus den 1990er-Jahren, bei dem das zugrunde liegende Franchise, ausgehend von Donkey Kong, noch nicht einmal anderthalb Jahrzehnte alt ist, finde ich die Umsetzung bemerkenswert. Die Handlung gibt den Figuren eine Bedeutung und lässt durch sie Sozialkritik in Form von Ungleichheit und Ungerechtigkeit sprechen. Zudem ist der Film näher an den Videospielen dran als es zunächst den Anschein hat, denn durch Metaphern und eine bewusste Symbolsprache tauchen einige Themen auf, um dem Streifen den nötigen Status einer Videospielverfilmung zu verleihen. Super Mario Bros. ist für mich seit den 1990er-Jahren ein Kultfilm, den Nintendo nicht leugnen, sondern feiern sollte!

Zeitreisen faszinieren die Menschen seit Jahrhunderten, vermehrt jedoch erst im Rahmen der Populärkultur des 19. bis 21. Jahrhunderts. Flucht in die Zukunft aus dem Jahr 1979 spielt mit der Thematik derart bedingt, dass andere Genres über die Fiktion die Oberhand gewinnen.

Flucht in die Zukunft von Regisseur Nicholas Meyer verbindet viele Filmgenres miteinander. Unter anderem fungiert der Streifen als Science-Fiction, Liebesfilm und Sozialkritik. Böse Zungen würden behaupten, dass der Film auf zu vielen Hochzeiten tanze. Durchs Marketing wurde dieser Umstand sogar verkompliziert, indem der Zuschauer beim Sehen des originalen Trailers der Auffassung sein könnte, im Film ginge es um wilde Verfolgungsjagden im Stile eines Kriminalfilms oder Thrillers. Tatsächlich bedient sich Meyers Werk aus dem Jahr 1979 auch diesen Genres. Die Struktur klarer Genregrenzen sind aufgebrochen und existieren in Flucht in die Zukunft nicht, sodass zu guter Letzt auch Platz für komödiantische Einlagen bleibt, die aber nicht nur aufgrund des Entstehungszeitpunkt auch heute noch mehr als charmant auf den Zuschauer wirken. Wer sich den Film einmal angesehen hat, wird aber sehr gut wissen, dass diese wilde Mischung aus verschiedenen Genres aber außerordentlich gut funktioniert. Diesen Ruck haben sich die Kinozuschauer in den späten 1970er-Jahren aber nicht gegeben. Obwohl sich der Film nicht zu einem finanziellen Flop mauserte, blieb er hinter den Erwartungen zurück, wofür wiederum das Marketing verantwortlich gemacht wurde. Da stellt sich auch uns eingehend die Frage, was für eine Art Film Flucht in die Zukunft eigentlich ist.

Reise durch Raum und Zeit

Direkt in der ersten Szene erfährt der Zuschauer die Identität des wohl berühmtesten Serienmörders der Welt: Jack the Ripper. Obwohl John Stevenson, so der bürgerliche Name des Killers, 1888 seinen vermutlich letzten Mord begangen hat, ersticht er 1893 eine Prostituierte – und geht danach in Seelenruhe zum Herrenabend bei Herbert George Wells. Diesmal ist die Polizei dem Killer jedoch dicht auf den Fersen. Als Wells seinen Freunden seine selbst konstruierte Zeitmaschine vorstellt, nutzt Stevenson die Gunst der Stunde und flieht, wie es der Titel des Films verrät, in die Zukunft. Da Stevenson jedoch nicht über einen speziellen Zeitreiseschlüssel verfügt, kehrt die Maschine nach seiner Ankunft im Jahr 1979 automatisch wieder ins Jahr 1893 zurück. Wells, der nicht von ungefähr den gleichen Namen wie der berühmte Schriftsteller trägt, sieht sich in der Verpflichtung und reist mit der Zeitmaschine hinterher. Durch Raum und Zeit gereist landet er in San Francisco und macht sich auf die Suche nach seinem Gegenspieler. Die damalige Gegenwart ist jedoch keineswegs die glänzende Zukunftsutopie, die er sich in seinen Gedanken immer ausgemalt hat. Um Stevenson aufzuhalten, geht er auf Spurensuche und hält überraschend Hilfe von der Bankangestellten Amy Robbins, die ihn in die ach so kleinen Feinheiten des Lebens des 20. Jahrhunderts einführt.

Liebesglück im Zeitreisestoff

Handlungstechnisch entwickelt sich der Film trotz der überschaubaren Anzahl an Haupt- und Nebencharakteren eher langsam. Der entschleunigte Stil ist jedoch gerade für die Romantik, die sich zwischen Wells und Robbins entwickelt, maßgebend. Gespielt werden die beiden von dem aus Uhrwerk Orange bekannten Malcolm McDowell und Mary Steenburgen, die hier in einer ihrer ersten Filmrollen zu sehen ist und lustigerweise ein Jahrzehnt später noch einmal im Zeitreisefilm Zurück in die Zukunft III eine tragende Rolle einnehmen sollte. Für Stevenson stand hingegen der 2022 verstorbene David Hattersley Warner vor der Kamera. Obwohl Warner seine Rolle mit krimineller Versiertheit spielt, glänzen vor allem McDowell und Steenburgen, die auch in der Realität eine Zeit lang ein Liebespaar werden sollten. Trotz aller Schauspielkünste ist dem Film anzumerken, dass es Meyers Regiedebüt war. Auch das Drehbuch stammt aus seiner Feder – und vielleicht hat er sich ein wenig übernommen. Trotzdem ist es lobenswert, wie kausal die Zusammenhänge in der Zeitreisegeschichte funktionieren. Im Mediabook findet sich der Streifen sowohl auf Blu-ray als auch auf DVD. Als digitale Boni winken ein Audiokommentar vom Regisseur, ein Einspieler von Alan Spencer, Trailer und eine prallgefüllte Bildergalerie. Physisch gibt es ein Booklet von Buchautor Tobias Hohmann obendrauf, das mitreißend geschrieben ist und tiefere Einblicke in Flucht in die Zukunft gibt.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Warum ich bis vor Kurzem noch nichts von dem Film Flucht in die Zukunft gehört habe, ist mir ein Rätsel. Ich mag Zeitreisen in allen erdenklichen Medien, da sie unfassbar großes Potenzial bieten, Fehlentscheidungen zu treffen und wieder zu korrigieren. Auch eine meiner, wenn nicht sogar meine allerliebste Filmreihe Zurück in die Zukunft hat sich von Flucht in die Zukunft an verschiedenen Stellen Inhalte frech abgeguckt. Wie Zurück in die Zukunft ist auch Flucht in die Zukunft eine wilde Mischung aus verschiedenen Filmgenres, die aber bestens harmoniert, sobald ich mich darauf einmal einlasse. So wird die Zeitmaschine im Film kaum angerührt. Stattdessen konzentriert sich der Film auf die Liebesgeschichte zwischen Wells und Robbins. Auch ein Fingerzeig auf die Sozialkritik, sprich dass sich die Menschheit eher zurück- statt weiterentwickelt hat, ist an einer Stelle klar gekennzeichnet. Daneben gibt es Elemente des Thrillers und der Komödie, welche gleichermaßen für Spannung als auch für Auflockerung sorgen. So bleibt Nicholas Meyers Flucht in die Zukunft durchgehend unterhaltsam, spannend und faszinierend, auch wenn der Film in handwerklicher Hinsicht und Tricktechnik heute etwas altbacken wirkt.

Vielen Dank an Plaion Pictures für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Flucht in die Zukunft!

Im Spionagefilm Reflection in a dead Diamond aus dem Jahr 2025 wird ein gealterter Agent mit seiner Vergangenheit konfrontiert. Peu à peu verschwimmen für ihn in dieser Hommage an das europäische Agentenfilmkino die Grenzen zwischen Wirklichkeit und Fiktion.

Wer heutzutage an das Genre des Spionagefilms denkt, dem wird vermutlich zunächst die seit 1962 laufende James-Bond-Filmreihe in den Sinn kommen. Als nächstes in der Rangliste stehen dann mit ziemlich hoher Wahrscheinlichkeit die Mission-Impossible-Streifen an, die aber eh die konsequente Filmfortführung der Fernsehserie Kobra, übernehmen Sie von 1966 bis 1973 beziehungsweise deren Serienfortsetzung In geheimer Mission aus den Jahren 1988 bis 1990 ist. Darüber hinaus gab es zumindest in den letzten Jahrzehnten mehr Klamauk als eine ernstzunehmende Bedrohung für die beiden erwähnten Franchises. Reflection in a dead Diamond setzt sich von diesen aber bewusst ab, zumindest weitgehend. Stattdessen interpretiert der Film des Ehepaars Hélène Cattet and Bruno Forzani den europäischen Agentenfilm, dessen Werke vornehmlich in den 1960er-Jahren zu verankern sind. Bereits wenige Jahre nach der Veröffentlichung der ersten vier James-Bond-Filme explodierte das Genre der ernsten Nachahmer und der parodistischen Imitate. Die beiden Regisseure, die auch das Drehbuch ihres Werks zu verantwortlichen haben, setzen sich mit Reflection in a dead Diamond zwischen die Stühle dieser beiden Extreme und lassen ihren gealterten Helden seine Vergangenheit zwischen spannenden Rückblenden und melancholischem Wahnsinn erneut durchleben.

Agenten im Alter

Im Mittelpunkt der Erzählung steht der vermutlich ehemalige, seiner tragischen Vergangenheit aber nach wie vor verbundene John Diman, gespielt von Fabio Testi. Seinen Lebensabend verbringt er zurückgezogen an der Côte d’Azur in einem Luxushotel. Eines Tages verschwindet seine Zimmernachbarin spurlos, wodurch er sich an die Abenteuer vergangener Tage erinnert. So erfährt der Zuschauer von einem Auftrag, der ihn in just dieses Luxushotel geführt hat, und eine Verbindung zum mysteriösen Markus Strand, der wiederum mit dem Verschwinden seiner damaligen Kollegin zu tun hat. Noch dazu steht der jüngere und von Yannick Renier verkörperte Diman vor neuen Herausforderungen, denn während ältere Kollegen aus dem Dienst ausscheiden, muss er weitermachen – bis auch er irgendwann ersetzt wird. Einen nicht unwesentlichen Aspekt des Films macht die ominöse Erscheinung der Serpentik aus, bei der es sich um eine in Leder gehüllte Killerin handelt, die ihre Gegner mit einem giftigen Stich in den Nacken tötet. Ihre Identität ist geheim und auch Diman wird vorgehalten, es niemals zu schaffen, hinter ihre Maske zu blicken. All das klingt äußerst spannend und könnte Reflection in a dead Diamond zu einem handlungsträchtigen Agentenfilm machen, aber Cattet and Forzani hatten andere Pläne und erzählen die Story eher über eine ausgetüftelte Bildsprache denn aus auktorialer Sicht über tiefsinnige Dialoge.

Filme sind Kunst

So reihen sich im Film dicht an dicht exquisite Kamerafahrten und abenteuerliche Tricktechniken, die in manchen Fällen durch den Gebrauch von unsinnigen Gadgets von Diman in Erscheinung treten. Beispielsweise kann er mit einem bestimmten Ring durch Wände oder sogar in das Gehirn seiner Zielpersonen blicken, um an Informationen zu gelangen. An anderer Stelle wird auf kleinen Spiegeln das Gesicht seiner Kollegin projiziert, sodass er Hinweise durch das Ablesen ihrer Lippen aufnehmen kann. Absurder wird es nur, indem sich Vergangenheit und Gegenwart für ihn weiter vermischen und der Zuschauer zuweilen das Gefühl hat, einen gealterten Schauspieler zu erleben, der neben seiner Leinwandheldenkarriere zusätzlich noch als Comicbuchfigur verwurstet wurde. So albern das erscheint, so wenig langweilig wird der Film trotz ordentlichem Handlungsaufbau. 87 Minuten gelingt es dem Film mit Tragik, einer möglicherweise ungewollten Prise Humor, aus zeitgenössischen Filmen zusammengeklaute Musik und herausragender Bildtechnik zu überzeugen. In erster Linie dürften aber wohl nur eine Handvoll Kunststudenten angesprochen sein, die sich wochenlang über die Machart des Films unterhalten dürften. Ansonsten richtet sich Reflection in a dead Diamond vornehmlich an Filmliebhaber mit einem erlesenen Geschmack, die den Film aber sicher lieben werden.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Herausgeber Plaion Pictures hat im Vorfeld mit dem Trailer ein ganz falsches Bild vom Film vermittelt – insofern kann ich gut verstehen, dass so mancher Zuschauer nach dem Ansehen enttäuscht sein könnte. Reflection in a dead Diamond ist definitiv kein Film für jedermann, denn dazu ist er zu speziell. Das liegt in erster Linie nicht einmal an der Handlung, die melancholische, gar tragische Züge annimmt und eigentlich genug Zündstoff für einen spannenden Agentenfilm liefert. Stattdessen setzt der Film auf eine Bildsprache, die es sonst womöglich nur in Werken wie Sin City gibt. Mit zahlreichen Anspielungen auf James Bond und vor allem den europäischen Spionagefilm, fließenden Übergängen zwischen Gegenwartsszenen und Rückblenden, die Wahrheit und fast schon fiebertraumähnliche Sequenzen vermischen, entpuppt sich Reflection in a dead Diamond mit jeder Minute mehr und mehr als intelligenter Film, der mit der Norm bricht und dadurch einzigartige Züge annimmt. Wer Experimente mag, sich intensiv mit filmischen Kunstwerken beschäftigt oder auch einfach nur dem europäischen Agentenfilm etwas abgewinnen kann, ist mit Cattets and Forzanis Reflection in a dead Diamond bestens bedient!

Vielen Dank an Plaion Pictures für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Reflection of a dead Diamond!