Resident Evil wurde anderthalb Jahrzehnte lang von Paul William Scott Anderson als Regisseur beziehungsweise Drehbuchautor regelrecht vergewaltigt. Für Resident Evil: Welcome to Racoon City aus dem Jahr 2021 hat der Brite Johannes Roberts das Ruder übernommen.

Als Paul Anderson zu Beginn der 2000er-Jahre beim Dreh der allerersten Realverfilmung von Capcoms Videospielreihe Resident Evil seine Hauptdarstellerin Milica „Milla“ Jovovich kennenlernte, ahnte wohl niemand, dass die folgenden Filme als Arbeitsbeschäftigungsmaßnahme für die Schauspielerin dienen sollten, die Anderson 2003 sogar geehelicht hat – Vetternwirtschaft wie sie im Buche steht! Wäre darüber noch hinwegzusehen, entfernte sich die Resident-Evil-Filmreihe bis hin zu Resident Evil: The Final Chapter aus dem Jahr 2016 immer mehr von der Videospielvorlage. Spätestens ab dem dritten Film war wohl jeder Resident-Evil-Fan verprellt. Für das schlichte Popcornkino hat es aber wohl gereicht, schließlich haben die Filme mit verhältnismäßig geringem Budget ein Vielfaches davon eingenommen. Nichtsdestotrotz legte die Filmreihe keine sonderlich lange Pause ein, denn bereits 2017 wurde beschlossen, ein Reboot zu starten, welches sich deutlich näher an den Survival-Horror-Spielen orientieren sollte. 2020 wurde schließlich gedreht – mit einem deutlich kleineren Budget als bei der The Final Chapter. Es ist nicht klar, ob es an diesem Geiz lag oder ob die Welt ab 2020 erst einmal die Schnauze voll hatte von tödlichen Viren, einschränkenden Pandemien und vor allem die durch Filme und Fernsehserien wie zum Beispiel The Walking Dead zunehmend ausgelutschten Zombies, aber sonderlich erfolgreich war das Reboot leider nicht.

Fanservice Deluxe

Dabei versucht Welcome to Racoon City, das im Grunde die ersten beiden Serienteile aus den Jahren 1996 und 1998 nacherzählt, unfassbar nahe an der Vorlage zu bleiben, was sich in so vielen Details widerspiegelt. Ganze Kamerafahrten entspringen eins zu eins dem Spiel wie etwa dem Lastwagenunfall mit Personen- respektive Zombieschaden zu Beginn des Films, oder auch dem mit dem Rücken zum Zuschauer gewandten Zombie, der bei seiner Mahlzeit gestört wird und sich langsam umdreht und in die Linse blickt. Selbst an feste Kamerawinkel wurde gedacht, um ein Gefühl der Machtlosigkeit von den Charakteren auf den Zuschauer zu übertragen. Hinzu kommen wunderbar detaillierte Kostüme, versteckte Anspielungen an die Videospiele wie etwa herumstehende Vasen oder die obligatorischen Schreibmaschinen. Die meiste Zeit über sind es aber die Schauplätze, die dank Chroma Keying so aussehen, als würden die Schauspieler sich durch die Spielwelt bewegen. Das Polizeirevier, seine Tiefgarage oder die Spencer-Villa sehen ihrem digitalen Pendant täuschend ähnlich. Was in Welcome to Racoon City an Fanservice abgeliefert wird, lässt sich kaum in Worte fassen. Da schmerzt es umso mehr, dass der Film von der Zielgruppe nicht angenommen wurde. Die große Leinwand ist wohl eben nichts für Detailfetischisten. Auch der Massenmarkt will bedient werden.

Geraffte Erzählung mit Zeitsprüngen

Leider, und das müssen auch die allergrößten Fans eingestehen, hat der Film so seine Problemchen, die ins Gesamtbild einfließen. In lediglich 108 Minuten Laufzeit werden gleich zwei ganze Handlungsbögen von zwei vollwertigen Videospielen gepresst, was dazu führt, dass der Film in der einzigen erzählten Nacht mit Zeitsprüngen arbeitet und auch noch Rückblenden in diese mit einbauen muss, um dem Zuschauer die Vorgeschichte der beiden Hauptfiguren Claire und Chris Redfield schmackhaft zu machen. Beide wuchsen im Waisenhaus des titelgebenden Racoon City auf, doch flüchtete Claire eines Nachts und ließ ihren Bruder zurück. Daraus resultiert ein schwieriges Verhältnis, was immerhin ganz passabel vermittelt wird. Als Claire davon erfährt, dass in Racoon City Experimente mit dem Trinkwasser angestellt werden, will sie ihren Bruder, der inzwischen bei der Polizei tätig ist, warnen. Schon auf dem Weg in die fiktive US-amerikanische Kleinstadt bekommt der Zuschauer mit, welchen Schaden das vergiftete Wasser bei den Menschen anrichtet. Dann wird auch noch eine Leiche in der bereits erwähnten Spencer-Villa gefunden, weshalb Chris und sein Team entsandt werden, den Hintergrund aufzudecken. Zu dem Team gehören unter anderem auch die beiden Resident-Evil-Ikonen Jill Valentine und Albert Wesker, wobei Letzterer seine ganz eigenen Ziele verfolgt.

Unvollständigkeiten

Somit konzentriert sich Welcome to Racoon City auf zwei Baustellen. Einerseits dreht sich alles um Chris, Jill und Albert, und andererseits muss Claire mit Hilfe des frisch gebackenen Polizeibeamten Leon S. Kennedy versuchen, ihren Bruder aufzuspüren. Grundsätzlich geht der Film dabei behutsam vor und integriert sogar ein Rätsel in die Storyline. Es ist noch nicht einmal schlimm, dass Dialoge und manche Situationen so gestellt wirken, zumal die Videospielvorlage sich hier auch nicht gerade mit Ruhm bekleckert. Allerdings wird der Zuschauer vor unvollendete Tatsachen gestellt. Die Umbrella Corporation wird in ein bis zwei Sätzen als gieriger und über Leichen gehender Konzern charakterisiert. Gerade die ersten Serienteile leben davon, dass immer mehr Geheimnisse nebenbei ans Licht kommen. Das fehlt dem Film ebenso wie dem Willen der Geldgeber, mehr Mittel in das Werk zu stecken. Herauskommen zuweilen echt miese Spezialeffekte, obwohl hier und da clever kaschiert wird. Auch wenn das Schauspiel nicht auf ganzer Linie überzeugt, punkten Kaya Rose Scodelario-Davis als Claire Redfield, Thomas Edward Hopper als noch nicht ganz so gewissenloser Albert Wesker und Neal McDonough als der Wissenschaftler William Birkin. Bei Schauspiel, Erzählweise und Spezialeffekten drücken Fans beide Augen zu und bekommen dann eine solide Filmumsetzung – alle anderen werden mit Welcome to Racoon City aber vermutlich nicht glücklich.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Obwohl ich nur wenige Videospiele der Reihe bislang (durch)gespielt habe, fand ich das Franchise aus dem Hause Capcom schon immer spannend. Auch wenn ich die Filmumsetzungen von Paul William Scott Anderson spätestens ab dem dritten Serienteil nur noch als erschreckendes Erlebnis wahrgenommen habe, bin ich froh, dass dieser Spuk wohl endgültig vorbei ist. Das Reboot war 2021 längst überfällig und in Anbetracht der Gräueltaten der vorherigen Jahre in meinen Augen eine wahre Erfrischung. Natürlich ist es schwierig, sich exakt an die Videospielvorlage zu halten, aber Regisseur Johannes Roberts ist dieser Spagat für meinen Geschmack weitgehend geglückt. Gerade was Kulissen, Kostüme und viele weitere Details angeht, welche die Kameraarbeit einschließt, kann ich nichts Negatives über den Film sagen. Ich finde es jedoch schade, dass Roberts, der auch das Drehbuch verfasst hat, einfach nicht verstanden hat, wie sich die Story entfalten sollte. So bleiben die Hintergründe viel zu flach. Selbst dem Zuschauer, der die Videospielvorlage nicht kennt, dürften manche Argumente viel zu banal und verschiedene Situationen zu gestellt vorkommen. Hinzu kommen unterdurchschnittliche Spezialeffekte und zumindest teilweise laienhaftes Schauspiel bei den kleineren Rollen. Nichtsdestotrotz bin ich der Auffassung, dass es sich hierbei um eine zumindest solide Filmumsetzung eines Videospiels handelt, die vielleicht nicht alle, aber zumindest manche Fans zufriedenstellen dürfte.

Bekannt ist der 2025 verstorbene Regisseur David Keith Lynch vor allem für seinen eigensinnigen und oft jeglicher Form entbehrenden Filmstil. Blue Velvet von 1986 ist erschütternd, verstörend, aber auch mitfühlend und versöhnlich, sowie ein Augenzwinkern auf das, was noch kommt.

Wer bei dem Filmtitel Blue Velvet an den gleichnamigen Song aus dem Jahr 1951 beziehungsweise in der von Bobby Vinton gesungenen Version von 1963 denkt, liegt schon vor dem Ansehen der ersten Szene des Films gar nicht mal so falsch. David Lynch wollte wissen, was sich hinter dem blauen Samt befindet und münzte dieses voyeuristische Gedankenspiel auf die Fassade einer typischen US-amerikanischen Kleinstadt um. Gedreht in Wilmington, spielt der Thriller mit seinen Erotik- und Mystery-Elementen jedoch in Lumberton. Im Fokus der Geschichte steht der Student Jeffrey Beaumont, der zeitweilig vom College nach Lumberton zurückkehrt, um seinen Vater in seinem Laden zu vertreten, da sich dieser bei der Gartenarbeit eine Wirbelkörperfraktur zugezogen hat. Nach einem Besuch im Krankenhaus, der das traurige Ausmaß der Fraktur zu Tage bringt, entdeckt Jeffrey auf einer Wiese ein abgerissenes Menschenohr. Er bringt es zur Polizei oder besser gesagt zu Detective John Williams. Dieser will Jeffrey jedoch nicht über die Ermittlung auf dem Laufenden halten. Angestachelt durch dessen Tochter Sandy erhält Jeffrey aber den Tipp, sich das Apartment der Sängerin Dorothy Vallens einmal genauer anzusehen. Um Zugang zu ihrer Wohnung zu erhalten, gibt er sich als Kammerjäger aus und gelangt bei seinem Besuch an einen Schlüssel zu Dorothys Apartment.

Brodelnde Geheimnisse unter der Oberfläche

Blue Velvet ist ein Film, der zwar durchweg linear erzählt wird, hier und da jedoch bewusst Logiklücken hat, sodass Teile des Films als Traum gewertet werden können, die jedoch alternierend zu den tatsächlichen Geschehnissen keinen Sinn ergeben würden. Lynch ist das offenbar egal – und trotzdem funktioniert der Film, da er mit jeder Szene Spannung aufbaut. Unter anderem erfährt Jeffrey das Geheimnis, das Dorothy verbirgt. Dieses steht in enger Verbindung mit dem Kriminellen Frank Booth, der Dorothy regelmäßig in ihren vier Wänden aufsucht. Peu à peu setzt sich für Jeffrey ein Bild zusammen, das er aber über weite Strecken des Films vor der Polizei verbirgt. Selbst Sandy, mit der er im Verlauf der Handlung eine Beziehung eingeht, erfährt nicht alle Details, was sich in der Wohnung von Dorothy abspielt und welche Rolle ihr Freund dabei einnimmt. Lumberton steht durch Dorothys Wohnung stellvertretend für all die Geheimnisse, die unter der Oberfläche einer nach außen hin positiven wie heilen Welt schlummern. Zentrale Themen sind sexueller Missbrauch, masochistische Gelüste, voyeuristisches Verlangen, Drogenkonsum bis ans Limit und all das, was nur symbolisch oder mit Farben an den Zuschauer vermittelt wird. Auch wenn Blue Velvet andere Töne anschlägt, sind im Film bereits die ersten Andeutungen für die Fernsehserie Twin Peaks spürbar.

Vierzig Jahre alt – und immer noch sehenswert

Dieser Umstand ist nicht nur am Kleinstadt-Setting, sondern auch an anderen Punkten wie der düsteren und stets spürbaren Atmosphäre zuerkennen. Erzeugt wird diese mitunter durch den 2022 verstorbenen Komponisten Angelo Daniele Badalamenti, mit dem Lynch auch bei weiteren Werken noch zusammenarbeiten sollte. Er sorgt dafür, dass Jeffrey, obwohl er eigentlich Student vom College ist, dem Zuschauer wie ein echter Ermittler vorkommt, der seinen Gegnern gedanklich zwei Schritte voraus ist. Gespielt wird Jeffrey im Übrigen konsequent fantastisch von Kyle Merritt MacLachlan, mit dem Lynch wenige Jahre zuvor schon bei Dune – Der Wüstenplanet zusammengearbeitet hat. Laura Elizabeth Dern ist hingegen als Sandy zu sehen und ergänzt MacLachlan bei den Ermittlungen rigoros. Isabella Fiorella Elettra Giovanna Rossellini kann im Film weniger mit ihren Gesangseinlagen, dafür aber in ihrer zerbrochenen Rolle der Dorothy überzeugen. Grandios geschauspielert ist hingegen der drogenabhängige, brutale und angsteinflößende Frank, für den Dennis Lee Hopper vor der Kamera stand. Das möglicherweise zum vierzigjährigen Jubiläum entstandene Mediabook enthält Blue Velvet in einer 4K-Abtastung und zudem im Full-HD-Format. Hinzu kommt eine Bonus-Disc mit Dokumentationen, Interviews und gelöschten Szenen und ein vom österreichischen Regisseur Paul Poet unnötig kompliziert geschriebenes Booklet, das die Faszination für den Film erklärt.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Blue Velvet hat, als der Film 1986 im Kino lief, durchaus verschiedene Gemüter erzürnt. Trotzdem hat David Lynch flächendeckend für Begeisterung gesorgt, auch wenn die Menschen nicht scharenweise in die Lichtspielhäuser gelaufen sind. Viel zu lange bin auch ich um Blue Velvet herumgekommen, doch spätestens beim Mediabook zum vierzigjährigen Jubiläum konnte ich mich Lynchs Werk nicht mehr entziehen. Handwerklich ist der Thriller unfassbar gut gemacht und bietet mir Symbolik, Farbenspiel, Metaphern, Andeutungen und nicht zuletzt Traumsequenzen, die eigentlich gar keine sind. Auch wenn durch das Vermischen von Traum und Realität manche Szenen überhaupt keinen Sinn mehr ergeben, lässt sich das aufgrund des Dramas, der Spannung und nicht zuletzt der Charaktere ausblenden. Zwei Stunden lang fesselt der Film nicht zuletzt aufgrund von Schauspieltalenten wie Kyle MacLachlan und vor allem Dennis Hopper an den Bildschirm. Lynchs Werk erschüttert und verstört mich, lässt mir aber auch genug Raum, um mit den Figuren mitzufühlen und mitzufiebern – und vermutlich ist Blue Velvet deshalb ein richtig guter Film, da er deutlich macht, dass es ein Happy End gibt, auch wenn nicht für jeden.

Vielen Dank an Plaion Pictures für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Blue Velvet!

Manche Sachen gehen einfach gewaltig schief. Damit meinen wir keineswegs den Kriminalfilm Caught Stealing aus dem Jahr 2025 als Gesamterlebnis, sondern vielmehr den Weg, welcher Protagonist Hank Thompson einschlägt – und das größtenteils nicht einmal wissentlich.

Angesiedelt ist Caught Stealing im New York City des Jahres 1998. In der Ostküstenmetropole lebt Hank Thompson fernab jeglicher Verwandtschaft und kommt als Barkeeper über die Runden. Mit Yvonne steht ihm wenigstens eine hübsche wie zielstrebige Freundin zur Seite und sein Nachbar Russ Miner scheint auch ein netter Kerl zu sein. Als dieser eines Abends überstürzt nach England aufbricht, um seinen todkranken Vater noch einmal zu sehen, zwingt Russ seinem Nachbarn seinen Kater Bud auf. Widerwillig wacht er ein paar Tage über die Katze, doch als Hank aus Russ’ Wohnung Futter für Bud holen will, tauchen zwei russische Mobster auf, die ihm mit ein paar Schlägen so sehr zusetzen, dass ihm gleich eine Niere entnommen werden muss. Kurz darauf treten mit Lipa und Shmully Drucker noch zwei jüdische Ganoven ins Rampenlicht, die den beiden Russen die Klinke in die Hand drücken, die auch noch den Puertoricaner Colorado mit zu Besuch bringen. Selbst die Polizei, an die sich Hank wendet, kann ihm nicht helfen, da niemand weiß, wonach die Kriminellen eigentlich suchen. Fakt ist jedoch, dass Russ alles andere als der nette Nachbar war und in der Unterwelt Karriere macht. Hank wird immer mehr in den Strudel des Verbrechens gezogen. 107 Minuten lang begleitet der Zuschauer Hank in Caught Stealing dabei, aus der Situation auszubrechen.

Düsterer Grundton mit schwarzem Humor

Überwiegend schlägt das Werk von Regisseur Darren Aronofsky, der unter anderem auch Black Swan aus dem Jahr 2010 zu verantworten hat, sehr düstere Töne an. Zwar gelingt es dem Kriminalfilm, gerade in der zweiten Filmhälfte, mit pechschwarzem Humor auch für ein Lächeln oder zumindest Schmunzeln im Gesicht des Zuschauers zu sorgen, doch ist die Stimmung zumeist ernst und nicht zum Lachen. Hank sieht sich zahlreichen Gefahren ausgesetzt, die nicht nur sein, sondern auch das Leben seiner Freundin, seiner Freunde und nicht zuletzt seiner Mutter an der Westküste bedrohen. So bleibt der Zuschauer durchweg nah bei Hank und folgt diesem sogar in seine Traumwelt, wenn er mal wieder mehr oder weniger freiwillig ausgeknockt wird. Dementsprechend behält der Streifen ein hohes wie angenehmes Tempo, wodurch das Werk weder langweilig noch langwierig erscheint. Lediglich dass der Film nicht ganz so gut in Fahrt kommt und den Haupthandlungsfaden erst einmal finden muss, fällt ein wenig negativ auf. Dies mag aber womöglich auch der Buchvorlage des US-amerikanischen Autors Charlie Houston geschuldet sein, die 2004 unter dem Titel Der Prügelknabe auch im deutschsprachigen Raum erschien. Da scheint die Filmadaption überfällig gewesen zu sein. Dass Houston direkt auch das Drehbuch geschrieben hat, war die richtige Entscheidung.

Tolles Schauspiel, aber schwache Technik

In der Hauptrolle von Caught Stealing ist Austin Robert Butler als Hank zu sehen, der dem Charakter zunächst Distanz verleiht, die Entfernung im Handlungsverlauf durch Rückblenden und diversen Entscheidungen aber verringert. Zoë Isabella Kravitz stand hingegen als Yvonne vor der Kamera, bereichert das Werk aufgrund zu kurzer Screentime aber nur bedingt. Deutlich besser funktioniert das Schauspiel bei Matthew Robert Smith, den die meisten vermutlich aus Fernsehserien wie The Crown oder House of the Dragon kennen. Seine Rolle ist abgedreht und genauso fantastisch gespielt. Nicht zu verachten sind auch Isaac Liev Schreiber und Vincent Philip D’Onofrio, die im Film quasi nur im Doppelpack vorkommen und sich alleine deshalb schon hervorragend ergänzen. Allerdings gibt es Abstriche in puncto Bild- und Tonqualität. Allen voran wirkt das Bild im Format 1,85:1 durchweg unscharf, wobei es egal ist, ob das Geschehen gerade in Innenräumen stattfindet oder unter freiem Himmel gedreht wurde. Das mag mitunter zum traumatisierten Hauptcharakter passen, doch so erreicht das Bild kaum mehr als dürftiges DVD-Niveau. Beim Tonformat in DTS-HD Master Audio 5.1  ist vor allem die zu viel hohe Lautstärke der Musik anzukreiden, in der die Stimmen der Darsteller respektive Synchronsprecher gerade zu Beginn von Caught Stealing leicht untergehen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nur durch Zufall bin ich über Caught Stealing im Geschäft gestolpert und hat mich rein vom Beschreibungstext nicht mehr losgelassen. Da bin ich froh, dass mir Plaion Pictures alsbald noch ein Rezensionsexemplar zur Verfügung stellen konnte. Der Film von Darren Aronofsky hat zwar hier und da ein paar Anlaufprobleme, doch sobald die eigentliche Handlung ins Rollen gekommen ist, funktioniert der Film bis zum Abspann tadellos. Mit seiner abstrusen Story, welche den von Austin Butler gespielten Hank Thompson mehr und mehr in die Scheiße reitet und dies sogar symbolkräftig im Film verarbeitet, kann mich der Film durchweg unterhalten. Das Werk profitiert aber auch von den zahlreichen Nebendarstellern, wobei mir Matt Smith am ehesten in Erinnerung bleiben wird, da seine Figur derart abgedreht geschrieben und mindestens genauso gut geschauspielert ist. Weniger schön ist hingegen das verwaschene Bild und die in meinen Augen beziehungsweise Ohren schlechte Tonabmischung, da die Stimmen vor allem in den ersten Minuten viel zu sehr in Musik und Umgebungsgeräuschen untergehen. Wer damit kein Problem hat, kommt bei Caught Stealing durchaus in den Genuss eines mitreißenden Kriminalfilms.

Vielen Dank an Plaion Pictures für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Caught Stealing!

Rache ist nicht nur ein Gericht, das am besten kalt serviert wird, sondern auch ein beliebtes Thema, das in etlichen Filmen, Fernsehserien und Videospielen bereits thematisiert wurde. Das als Kriminalfilm getarnte Drama Revolver – Back for Revenge schlägt in diese Kerbe.

Regisseur O Sŭnguk ist, obwohl er bereits 1963 geboren wurde, selbst im südkoreanischen Kino noch ein ungeschriebenes Blatt. Revolver – Back for Revenge aus dem Jahr 2024 ist tatsächlich erst sein drittes Werk, das er auf die Leinwand gebannt hat. Obwohl gerade das südkoreanische Actionkino im deutschsprachigen Raum seine Fans gefunden hat, dürfte es Os Werk hierzulande schwer haben, Anklang zu finden. Das liegt nicht etwa an der ostasiatischen Prämisse, denn der Film arbeitet mit grundsätzlich leicht verständlichen Themen und spielt vor spannenden Kulissen. Zunächst einmal ist es schwierig, den Film einem Genre zuzuordnen, denn während der hiesige Vertrieb den Film als Actionthriller bewirbt, sprechen andere Quellen eher von einem Kriminalfilm. Womöglich liegt die Wahrheit irgendwo dazwischen, lassen sich doch Elemente beider Kategorien im Film wiederfinden. Vielmehr wirkt der Film wie ein Drama, denn Protagonistin Ha Suyŏng nimmt eine Last auf sich, die sie in eine missliche Lage bringt, in der sie quasi vor dem Nichts steht. Das klingt spannend und motivierend zugleich, doch ist es das wirklich sehr langsame Erzähltempo, welches den geneigten Zuschauer vor unvollendete Tatsachen stellt. Revolver – Back for Revenge baut sich extrem langsam auf, zertrümmert die Erwartungen des Zuschauers und endet schließlich zu abrupt.

Eine Frau schwört Rache

Bei Protagonistin Ha handelt es sich um eine ehemalige Polizistin, die aufgrund eines Korruptionsskandals um den Sohn eines Politikers die Schuld auf sich nehmen und für zwei Jahre ins Gefängnis gehen muss. Als Entschädigung winken ihr eine luxuriöse Wohnung und eine größere Geldsumme – nicht unbedingt der schlechteste Deal für eine zweijährige Freiheitsstrafe. Kaum wird Ha aus dem Gefängnis entlassen, steht sie jedoch vor dem Nichts. Unter anderem wurde die Wohnung auf jemand anderes übertragen, einer ihrer Handvoll Schuldner sieht die Radieschen inzwischen von unten und ein anderer hat seine Anstellung im Unternehmen verloren, das für Has Finanzen zuständig ist. Im Hintergrund werkeln aber noch größere Mechanismen, denn Ha wird auf Schritt und Tritt von Chŏng Yunsŏn überwacht, die sowohl für die Polizei als auch das Verbrechersyndikat arbeitet. Mit der Zeit spannt sich die Lage in Revolver – Back for Revenge immer weiter zu. Ha macht dabei auch nicht Halt vor Gewalt und macht gelegentlich Gebrauch von einem Teleskopschlagstock, um sich ihren männlichen Peinigern erwehren zu können. Ebenfalls mit dabei ist das titelgebende Schießeisen, das im Film aber nicht für den eigentlichen Gebrauch konzipiert ist. Tatsächlich wird der Revolver in 114 Minuten nur einmal abgefeuert, was den Zuschauer wohl oder übel überraschen dürfte.

Zu langsam erzähltes Drama

Wer sich auf Os Revolver – Back for Revenge einlassen will, erwartet ein durchweg langsam wie zumeist ruhig erzählter Film. Wendungsreiche Überraschungen bleiben dabei aber aus, denn Ha wird in den meisten Fällen nur von einer Stelle zur nächsten geschickt und wartet zuweilen das Unausweichliche einfach ab. Das kann einem gefallen, muss es aber nicht, zumal auch das Schauspiel der Hauptdarstellerin zu wünschen übrig lässt. Ha wird reichlich apathisch von Chŏn Doyŏn gespielt, was der Rolle einfach nicht gerecht wird. Deutlich besser sieht es bei den Nebenrollen aus. Für Chŏng stand zum Beispiel Im Jiyŏn vor der Kamera, die mit ihrer überdrehten Art überzeugt. In weiteren Rollen sind unter anderem Chŏng Mansik, Kim Junhan und Chŏn Hyejin zu sehen, die ihren Teil zur Atmosphäre beitragen. Als Kulisse für den Film dienen zum einen ein städtisches Szenario mit Nachtclubs und Büros und zum anderen auch ein auf dem Land gelegener Tempel, der in seichtem Nebel gehüllt ist. Das ist nett anzusehen und unterstützt auch die Rachestory, die aber aufgrund ihres langsamen Tempos viel von der Spannung nimmt, die der Zuschauer spüren müsste. Immerhin überzeugt das knackscharfe Bild. Der Soundtrack von Cho Yŏnguk, der Jahre zuvor auch die Musik zu The Berlin File komponierte, ist ebenso toll, rettet das Drama aber nicht vor der Mittelmäßigkeit.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): In einer Zeit, in der Filme im Rahmen ihres Erzähltempos merkwürdigerweise immer schneller, schriller und nicht zuletzt belangloser werden müssen, kontert der südkoreanische Regisseur O Sŭnguk mit einer sich langsam aufbauenden Story, was zunächst positiv auffällt. Mit der Zeit geht dieser Geschichte aber die Puste aus. Hier und da ist diese durchaus dynamisch, es kommt sogar vereinzelt zu Höhepunkten, doch können diese an einer Hand abgezählt werden. Kaum schießt Adrenalin in die Venen des Zuschauers, ebbt die Spannung auch direkt wieder ab. Revolver – Back for Revenge ist unfassbar langsam erzählt und bietet mit seinen cleveren Zeitsprüngen in den Erzählebenen nicht genügend Gegengewicht, um den Zuschauer durchweg bei Laune zu halten. Auch der Einsatz von Gewalt fällt spärlich aus, sodass Os Werk höchstens mit dem tollen Bild, der angemessen dosiert genutzten Klaviermusik und ein paar Darstellern glänzt, wozu aber nicht die Hauptdarstellerin zählt, die ihre Rolle gemessen an ihrem Auftrag viel zu apathisch angeht. Revolver – Back for Revenge ist leider ein sehr durchschnittlicher Film geworden, der Fans des südkoreanischen Kinos nach dem Abspann ernüchtert zurücklässt.

Vielen Dank an Plaion Pictures für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Revolver – Back for Revenge!

Obwohl das organisierte Verbrechen im US-amerikanischen Film schon immer einen wichtigen Platz hatte, gab es in Hollywood bis in die 1970er-Jahre hinein kein Interesse daran, die japanischen Yakuza auf die Leinwand zu bannen. Sydney Irwin Pollack änderte dies 1974.

Bei den Yakuza handelt es sich um die Bezeichnung für japanische Kriminelle, die sich innerhalb organisierter Gruppen bewegen. Einst in großer Zahl vorhanden, schwinden sie in den letzten Jahrzehnten zunehmend. Im Jahr 1974, als Regisseur Sydney Pollack das Drehbuch von Paul Joseph Schrader und Robert Towne als Film umsetzte, war dies womöglich noch nicht absehbar. Gerade deswegen sind Yakuza-Filme und nicht zuletzt Pollacks Yakuza fast schon ein Relikt, die von dieser Zeit zeugen. Pollacks Film ist vor allem deshalb so wichtig, da er nordamerikanische Sehgewohnten auf die Feinheiten der japanischen Kultur prallen lässt. Das geht nicht für jeden Zuschauer immer auf, wirkt in diesem Kontext zuweilen sogar absurd, aber funktioniert für sich genommen gut. Dies mag vielleicht auch an den vielen Freiheiten liegen, die Pollack beim Dreh in Japan hatte. Beispielsweise konnte er Figuren nach seinem Gusto ausbauen, ohne mit Warner Bros. im Heimatland Rücksprache zu nehmen. Der mit Tōei koproduzierte Streifen zeigt möglicherweise deshalb die Dialoge und Aktionen der Schauspieler auf eine Art, die für den durchschnittlichen US-amerikanischen Zuschauer wohl nicht sonderlich zuträglich waren. Trotz etwaiger Szenen ist Yakuza kein Actionfilm geworden, sondern vielmehr ein richtiges Drama über Ehre und Verpflichtungen unter Männern.

Drama, Thriller, Actionfilm

Yakuza beginnt damit, dass der zwielichtige Geschäftsmann George Tanner Kontakt zu seinem alten Freund Harry Kilmer aufnimmt. Tanner sollte Waffen an den Yakuza-Boss Tōno Toshirō liefern, die jedoch niemals in Fernost angekommen sind – als Reaktion darauf hat Tōno offenbar Tanners Tochter entführt. Während der Besatzungszeit in Japan nach dem Zweiten Weltkrieg haben sich die beiden übers Militär kennengelernt. Kilmer soll nach Japan reisen und Tanners Tochter aus den Fängen der Yakuza befreien. Dort angekommen folgt ein Wiedersehen mit Tanaka Eiko, seiner damaligen Lebensgefährtin, und ihrer Tochter Hanako. Das zunächst freudige Treffen ist jedoch nicht rein zufällig, denn Kilmer braucht die Hilfe von Eikos vermeintlichem Bruder Ken, der sich nach seiner Heimkehr von den Philippinen vor zwanzig Jahren der Yakuza anschloss. Gemeinsam beschließen sie Tanners Tochter zu retten. Ihr Eingreifen in den Konflikt zwischen Tanner und Tōno setzt allerdings eine Kettenreaktion in Gang, wodurch plötzlich auch das Leben von Kilmer und den drei Tanakas auf dem Spiel steht. Das Drama entwickelt Züge des Thrillers, in dem offen und verdeckt mit Drohungen gearbeitet wird, und verwandelt sich stellenweise auch in genau den Actionfilm, den sich die Geldgeber in den Vereinigten Staaten von Amerika schließlich erhofft haben.

Gründe fürs unverdiente Scheitern

Vermutlich war Yakuza auch gerade deshalb kein großer Erfolg vergönnt, denn tatsächlich verschwand der Film nach seiner Uraufführung direkt wieder in der Versenkung. Dies liegt definitiv nicht an den Dialogen, die sich mit den Eigenheiten der japanischen Kultur mehr oder weniger oberflächlich auseinandersetzen. Auch das großartige Schauspiel von Größen wie Robert Charles Durman Mitchum als Harry Kilmer oder Takakura Ken als Tanaka Ken kann nicht schuld daran gewesen sein. Filme wie Der Pate haben es Jahre zuvor schon gezeigt, dass sich der geneigte Zuschauer auch ruhigen, aber dennoch spannungsgeladenen Filmen hingeben will. Im 112-minütigen Yakuza brodelt es aber lange vor sich hin, bis tatsächlich mal zur Knarre oder auch stilecht zum Schwert gegriffen wird. Kilmer und Tanaka sind für regelrechte Massenmorde verantwortlich, die aber recht blutfrei bleiben. Trotz herausragender Kamerafahrten von Okazaki Kōzō, die in allen Szenen das Geschehen vortrefflich einfallen, wirkt der wilde Schnitt von Don Guidice, Thomas Gerald Stanford und Fredric Steinkamp überladen. Zu viele Köche verderben eben doch den Brei. Schlussendlich lässt sich über diesen Fauxpas hinwegsehen, denn ansonsten ist der Film weder langweilig noch langwierig. Yakuza macht nicht alles richtig, unterhält aber zumindest vom Anfang bis zum Ende.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Vor ein paar Jahren habe ich Yakuza irgendwann einmal in der Nacht im linearen Fernsehen gesehen. Der Film hat sich bei mir eingebrannt, weshalb ich mich sehr darüber gefreut habe, dass Warner Bros. und Plaion Pictures den Film in einem wunderbaren Mediabook veröffentlicht haben. Inhaltlich erzählt der Film eine leicht verdauliche Geschichte, die mutmaßlich mit einer einfachen Entführung beginnt, sich mit der Zeit aufbauscht und für Tote auf beiden Seiten sorgt. Mit der Zeit dreht sich die Spirale der Gewalt immer schneller und sorgt für kompromisslose Action. Pollack hat richtig entschieden, als er auf Japan als Drehort bestand, denn nur so konnte er die Charaktere und manche Szenen genauso lenken, wie er es mit den Geldgebern im Nacken im Heimatland wohl nicht hätte umsetzen können. Bestimmte japanische Eigenheiten werden im Film aber überspitzt dargestellt, sodass ein wenig die Glaubhaftigkeit darunter leidet. Wer sich auf den Streifen aus dem Jahr 1974 einlässt, bekommt es stilistisch mit Elementen des Dramas, des Thrillers und des Actionfilms zu tun – eine dreistufige wie beachtliche Entwicklung.

Vielen Dank an Plaion Pictures für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Yakuza!

Cornelia Maria Funke, ihres Zeichens vor allem Kinder- und Jugendbuchautorin, blickt derzeit auf insgesamt vier Teile der Tintenwelt-Romanreihe zurück. Verfilmt wurde von diesen jedoch nur der erste Band Tintenherz von 2003 – mit Brendan James Fraser in der Hauptrolle.

Fantasyfilme hatten schon immer einen festen Platz in den Lichtspielhäusern dieser Welt. In einigen Fällen hatte dieser aber nicht die große Bedeutung, wie das Genre spätestens seit der Jahrtausendwende innehält. Als der neuseeländische Regisseur Peter Jackson in dieser Zeit das Fantasy-Epos Der Herr der der Ringe vom Roman zur Filmtrilogie umgesetzt hat, erlangte das Genre rasch an Popularität. Seither kommt es immer mal wieder zu kleineren wie größeren Fantasyfilmen, denen jedoch nicht unbedingt der Erfolg vergönnt war, wie sich dass die Filmstudios vorgestellt haben. Während beispielsweise das siebenbändige Werk Die Chroniken von Narnia zwischen 2005 und 2010 noch auf beachtliche drei Filme kommt, haben es andere literarische Erzeugnisse noch schwieriger. So wurden die Filmfortsetzungen zu Der goldene Kompass aus dem Jahr 2007 gestoppt und die filmische Interpretation von Cornelia Funkes Tintenwelt wirkt direkt so, als sei von Vornherein gar nicht an Fortsetzungen zu denken. Dies liegt womöglich, ohne die Romanvorlage zu kennen, an zig Änderungen, die der Filmhandlung widerfahren sind. Keinesfalls soll dies negativ sein, bietet das Werk somit doch auch für jene Menschen, welche die Buchvorlage in- und auswendig kennen, auf diese Art und Weise genügend Ansatzpunkte, dem Stoff noch einige weitere Facetten abzugewinnen.

Aus dem Buch in das Buch

Nichtsdestotrotz hat Tintenherz aus dem Jahr 2008 einen bleibenden Eindruck bei uns hinterlassen. Im Kern der Handlung steht der von Brendan Fraser gespielte Buchrestaurator Mortimer „Mo“ Folchart, der in einem Antiquariat in der Schweiz über das titelgebende Buch Tintenherz stolpert. Mit diesem Roman ist er bestens vertraut, wurde doch vor vielen Jahren seine Ehefrau Resa in die fiktive Welt von Tintenherz verbannt. Mo wird von einem eingeweihten Bekanntenkreis als sogenannte Zauberzunge bezeichnet, denn immer wenn er laut etwas vorliest, werden die Inhalte des Schrifterzeugnisses wahr. Dennoch fordert jedes aus einem Buch entsprungenes Lebewesen einen Ersatz. Als Mo vor Jahren eher durch Zufall als bewusst verschiedene Charaktere aus dem Roman Tintenherz befreite, geriet Resa in Gefangenschaft in demselbigen. Da es sich bei Tintenherz zudem um ein seltenes, da kaum gefragtes Buch handelt und Mos Werk abhanden kommt, beginnt für ihn und seine Tochter Meggie, die nach einem Zeitsprung zwölf Jahre alt ist, eine Reise durch die Schweiz und Italien. Um Resas Entführer Capricorn und seinen zahlreichen Handlangern das Handwerk zu legen, erhalten sie Unterstützung von Meggies buchbesessener Großtante Elinor Loredan, dem ungeduldigen Tintenherz-Charakter Staubfinger und nicht zuletzt Fenoglio, dem Autor von Tintenherz.

Viel Positives reicht nicht immer aus

Problematisch an dieser ganzen Geschichte ist, dass der Film schnell an Tempo zulegt. Daher bleibt kaum Zeit, dass sich die eigentlich sehr interessanten Charaktere richtig entfalten können. Zudem ist der Film zeitweise derart schnell geschnitten, dass keine Verschnaufpause bleibt, um so manchem starken Bild Anerkennung zu zollen. Dem Alter entsprechend gehen die Spezialeffekte in Ordnung, zumal sie ohnehin nur dezent eingesetzt werden. Darüber hinaus ist anzumerken, dass sich der Film in puncto Gewaltgrad eher an ein jüngeres Publikum richtet, denn mehr als Drohungen oder einen leichten Schlag auf den Hinterkopf gibt es in Tintenherz nicht. Dafür sind die Landschaften zuweilen beeindruckend. Besonders der größtenteils verlassene italienische Ort Balestrino, der im Film als Capricorns Unterschlupf herhält, ist beachtlich in Szene gesetzt. Auch Schauspielgrößen wie Helen Mirren als Elinor, Eliza Hope Bennett als Meggie, Andrew Clement „Andy“ Serkis als Capricorn und James „Jim“ Broadbent als Fenoglio machen sich neben Branden Fraser fantastisch. Selbst die Musik von Javier Navarrete sorgt für die richtige Stimmung. Dennoch reicht all das nicht aus, damit aus dem ansehnlichen Film ein herausragendes Werk wird. Nichtsdestotrotz bietet Tintenherz 106 Minuten seichte Fantasykost, die unterhält und hier und da ein wenig nachdenklich macht.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Obwohl ich den Film Ende der 2000er-Jahre wirklich gerne im Kino gesehen hätte, kam es leider nicht dazu. Auch in den nachfolgenden Jahren, als der Film gelegentlich im linearen Fernsehen ausgestrahlt wurde, habe ich aus unerklärlichen Gründen immer nur mal wieder bruchstückhaft reingeschaut. Erst Ende 2025 habe ich mir den Film auf Blu-ray zugelegt, um ihn endlich nachzuholen. Gerade die erste Hälfte der Heldenreise finde ich stark inszeniert. Sie macht neugierig und punktet mit netten Ideen. Danach ebbt die Faszination jedoch nach und nach ab. Dies liegt wahrhaftig nicht an den Kulissen, den Schauspielern oder der eigentlichen Stimmung. Viel eher ist es das viel zu hohe Erzähltempo, das den Charakteren die Luft nimmt, sich angemessen zu entfalten. Ich würde so gerne mehr über die Figuren erfahren und mehr vom Abenteuer haben. Auch aufgrund dessen, dass es nie zu einer Filmfortsetzung kam, die diesen Umstand eventuell aufgehoben hätte, hinterlässt der Film gemischte Gefühle bei mir. Einerseits mag ich all die positive Energie, die Regisseur Iain Softley und auch die zumindest teilweise am Film beteiligte Cornelia Funke in das Werk haben fließen lassen, doch andererseits reicht das eben nicht immer aus. Wenigstens weiß ich jetzt, dass ich auch den Romanen eine Chance geben möchte.