Zunächst 1982 als Spielzeugreihe entstanden, wurde mit Masters of the Universe in den darauffolgenden Jahren ein ganzes Franchise geschaffen. 1987 kam es sogar zu einem Spielfilm, der heute kultverdächtig ist, an den Kinokassen allerdings den Abgesang der Marke befeuerte.

In den frühen 1980er-Jahren war US-amerikanisches Spielzeug, das sich vornehmlich an eine männliche Zielgruppe richtete, voller hargesottener, aber stets dem Guten verschriebener Soldaten und Muskelprotze, die sich gegen finstere Mächte oder das Unrecht auflehnten. Hierzu zählte auch die Spielzeugreihe Masters of the Universe, in der allen voran der muskelbepackte wie strahlende blonde Held He-Man den Kampf gegen Skeletor aufnimmt, einen bösartigen Zauberer mit blauer Haut und Totenkopfgesicht. Hier zeigt sich, dass in Mattels Spielzeugwelt kein Platz für Graustufen blieb, sodass sich der klare Konflikt zwischen Gut und Böse zunächst einmal bis in die frühen 1990er-Jahre zuspitzen konnte, auch wenn die Marke bereits ab Mitte der 1980er-Jahre ins Stottern geriet und darunter auch die Produktion des Films litt. Unter anderem heißt es, dass Mattel zwischenzeitlich Teile des ausgehandelten Budgets nicht zahlte. Auch Cannon Films, das Studio hinter der Verfilmung des Stoffes aus dem Jahr 1987 kam finanziell ins Straucheln und sorgte dafür, dass Teile des Werks erst nicht gedreht werden konnten. Regisseur Gary Goddard, der an Spielfilmen einzig und allein Masters of the Universe zu verantworten hat, musste beispielsweise den Endkampf aus eigener Tasche zahlen. Geholfen hat es nicht viel, denn an den Kinokassen konnte der Film keine Erfolge feiern.

Flucht zur Erde

Zugegebenermaßen macht der Actionfilm, der sich fröhlich an Fantasy- und Science-Fiction-Elementen bedient, schon beim Einstieg einiges falsch. Der Zuschauer erfährt lediglich Einzelheiten über die Ausgangslage, aber keine richtige Einführung in die Story. So hat Skeletor mit seinen Truppen Castle Grayskull erobert und die Sorceress, die Wächterin über das Universum, gefangen genommen. Er zapft ihre Energie ab, was sie in wenigen Stunden altern, die Macht von Skeletor hingegen ansteigen lässt. Dieser Umstand würde dazu führen, dass der Antagonist die politische wie militärische Macht über den fiktiven Planeten Eternia an sich reißen würde. Auf diese Weise würde er ebenso dazu bemächtigt, andere Planeten einzunehmen. Vielleicht ist es ihm gerade deshalb so wichtig, den Zwerg Gwildor in seine Hände zu bekommen, da er als Schlüsselmeister Dimensionstore öffnen kann. Ein Glück sind He-Man und seine Freunde Man-at-Arms und Teela zur Stelle. Ihr Versuch, gemeinsam mit Gwildor Castle Grayskull zu infiltrieren und die Zauberin zu retten, schlägt jedoch fehl und die Gruppe muss durch ein Dimensionstor zur Erde fliehen. Von der Erde aus müssen sie den Weg zurück nach Eternia finden, um das der Sorceress drohende Unheil rechtzeitig abzuwenden. Sie werden jedoch auch von Skeletors Handlangern verfolgt, die ihr Vorhaben sabotieren wollen.

Temporeiches Actionwerk

Wer sich mit den Spielzeugen oder der Hintergrundgeschichte auskennt und vielleicht sogar die von 1983 bis 1985 laufende Zeichentrickserie He-Man and the Masters of the Universe gesehen hat, findet sicherlich schnell einen Einstieg. Ohne dieses Wissen ist es aber schwer, sich mit den Protagonisten zu identifizieren, da sie nicht ausreichend charakterisiert werden. Es sind zwar auch in der Vorlage keine ausgefeilten Helden, aber der Spielfilm erzählt fast schon comicartig eine etwas längere Handlung, die irgendwo in der Serie hätte angesetzt oder zum Teil sogar von Kindern mit den Spielzeugen inszeniert werden könnte. Positiv fällt so aber auf, dass der Streifen durchweg ein hohes Tempo an den Tag legt. Verfolgungsjagden, Schwertkämpfe und Ballerorgien wechseln sich munter ab und machen Masters of the Universe auf diese Weise zu einem schnellen und an keiner Stelle langatmigen Film. Nicht nur aufgrund der holprigen Einleitung für Nichtkenner der Vorlage und der fehlenden Charakterisierung ist dies jedoch mit Problemen behaftet, denn auch manche der Kostüme, Kulissen und Effekte lassen zu wünschen übrig. Mit 22 Millionen US-Dollar stand Cannon Films im Jahr 1987 eine stattliche Summe zur Verfügung, die jedoch für die Ambitionen von Goddards Werk nicht ausgereicht haben. Hier hätte der Film liefern müssen – hat er aber leider nicht.

Prominente Auftritte

Dass Cannon Films ihr Werk als Star Wars der 1980er-Jahre betitelt haben, kommt nicht von ungefähr. So wirken die Szenen um Castle Grayskull fast wie Orte auf Tatooine, Skeletors Truppen waren offenbar von Darth Vader inspiriert und auch die von William „Bill“ Conti komponierte Musik erinnert frappierend an so manche Klänge von John Towner Williams. Das fügt sich kurioserweise alles gut zusammen, doch fehlt es Masters of the Universe auf diese Weise ein wenig an Eigenständigkeit. Für Protagonist He-Man wurde der Schwede Hans „Dolph“ Lundgren gecastet, der hier in seiner ersten Hauptrolle zu sehen ist. Durch sein charismatisches Lächeln und seinem Körperbau verfolgt der Zuschauer sein Treiben, ohne dass er zu stereotypisch wirkt. Sein Gegenspieler Skeletor wird hingegen hervorragend von Frank Alexander Langella Junior gespielt. Obwohl er hinter der Maske eigentlich nie zu sehen ist, verkörpert er auf beeindruckende Weise die Bösartigkeit des Antagonisten. In weiteren Rollen sind unter anderem Margaret Foster als Evil-Lyn, der aus Star Trek: Raumschiff Voyager wohlbekannte Robert Duncan McNeill as Kevin Corrigan, der für seine kurzen Auftritte in Zurück in die Zukunft in Erinnerung bleibende James Stewart Tolkan und die damals noch blutjunge Courteney Bass Cox zu sehen. Das macht die Defizite schon fast wieder wett!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Stream bei Amazon Prime): Masters of the Universe von 1987 habe ich irgendwann einmal als Kind oder Jugendlicher in den frühen 2000er-Jahren in einer Ausstrahlung in den frühen Morgenstunden im linearen Fernsehen gesehen. Sonderlich beeindruckt war ich damals nicht, hatte ich die Zeichentrickserie doch ganz anders in Erinnerung. Jahrzehnte später ist das Franchise gereift – vielleicht nicht unbedingt wie guter Wein, aber es ist zu etlichen neuen Spielzeugen, Comics, Zeichentrickserien und sogar einen weiteren Anlauf im Kino gekommen. Damit kann es Masters of the Universe natürlich nicht ganz aufnehmen, aber inzwischen gilt der Film als Kult und ich kann sehr gut verstehen, warum Gary Goddards Werk diesen Status unter Fans hat. Die Dynamik zwischen He-Man und Skeletor beziehungsweise Dolph Lundgren und Frank Langella ist einfach klasse. Auch die vielen Auftritte von weiteren Talenten wie Courtney Cox, Robert McNeill oder James Tolkan passen hervorragend in das Gesamtwerk, das mit Kulissen, Kostümen und Musik aber stark an Star Wars erinnert. Wer darüber und auch über die schwachen Effekte hinwegsieht und sich aufgrund der holprigen Einführung und der schwachen Charakterisierung vorher hilfreiches Hintergrundwissen aneignet, kann mit Masters of the Universe durchaus seinen Spaß haben!

Eigentlich galt die Scream-Reihe mit dem dritten Film aus dem Jahr 2000 als abgeschlossen. Wie das aber bei erfolgreichen Filmserien der Fall ist, werden diese früher oder später reaktiviert. So geschah es 2011 auch mit Scream 4, das stilisiert als Scre4m in die Kinos kam.

Obwohl die Scream-Reihe im Jahr 2000 zu einem runden Abschluss geführt wurde, bleibt bei Horrorfilmen wohl oder übel immer ein Hintertürchen offen. Als Filmreihe nehmen sich die Werke rund um verschiedene Serienmörder, die sich die gleiche Maske teilen, aber ohnehin nicht allzu ernst, weshalb es auch für Scream 4 keinerlei Grenzen des Machbaren gibt. Seit den Geschehnissen in Scream – Schrei! sind inzwischen ganze fünfzehn Jahre vergangen. Da das Massaker von Woodsboro offenbar keine Verjährungsfrist kennt und die Erlebnisse noch immer in den Köpfen der Bewohner der fiktiven Kleinstadt verankert sind, kommt es auch im vierten Film zu Nachahmungstaten. Die Oberschülerinnen Marnie Cooper und Jenny Randall werden als erstes vom maskierten Mörder umgebracht, was das Leben von Protagonistin Sidney Prescott gehörig durcheinander wirbelt. Erstmals innerhalb der Reihe als Ghostface bezeichnet, muss sich Sidney abermals ihrer Vergangenheit stellen. Auch diesmal scheint es sich der Täter zum Ziel gesetzt zu haben, Sidney mental zu quälen. Hierbei muss sie jedoch nicht nur auf sich selbst Acht geben, sondern auch auf ihre Tante Kate Roberts und ihre Nichte Jill. Letztere hat inzwischen genauso wie ihre Freundinnen schon einen der markanten Anrufe von Ghostface erhalten, sodass das sich mit jeder Minute ein weiteres Massaker anbahnt.

Lauf der Dinge

Zwischen den Dreharbeiten von Scream 3 und Scream 4 sind zehn Jahre vergangen – in der Filmwelt ist dies durchaus eine lange Zeit, denn nicht nur Geschmäcker ändern sich. Neue Filme können ganze Genres prägen und die Erwartungshaltung bei den Zuschauern bestimmen. Unter anderem haben gleich mehrere Episoden von Saw und Final Destination die Kinoleinwände erobert. Zum Teil ist dieser Einfluss, dass es schneller, gewaltiger und nicht zuletzt überraschungs- und wendungsreicher zugehen muss, auch in Scream 4 zu spüren. Anfangs kommt der Film verhältnismäßig noch langsam in Gang und lässt sich Zeit, die Helden aus den ersten drei Teilen in ein neues Licht zu rücken. Sidney, gespielt von Neve Adrianne Campbell, ist inzwischen eine erfolgreiche Buchautorin und hat die Morde aus den ersten drei Teilen halbwegs gut verarbeitet. Ihre Charakterentwicklung ist zudem glaubhafter als noch im dritten Teil und erinnert zumindest leicht an Laurie Strode aus der Halloween-Reihe, aber noch nicht ganz so kompromisslos. Courteney Bass Cox’ Verkörperung von Gale Weathers-Riley hat es mit Buchprojekten deutlich schwerer. Sie trauert ihrer Vergangenheit als Reporterin hinterher und versucht daher wieder journalistisch Fuß zu fassen. David Arquette hat es in Scream 4 in der Rolle des Dewey Riley wiederum vom Deputy zum Sheriff geschafft.

Schauspieler zum Abmurksen

Nichtsdestotrotz gibt es auch einige Neuzugänge im Cast, die aus Film und Fernsehen relativ bekannt sind. Emma Rose Roberts, die 2013 in Empire State – Die Straßen von New York mitspielen sollte, ist hier in der Rolle von Jill zu sehen, die ihre Umwelt ruhig und analysierend wahrnimmt. An ihrer Seite glänzt mit einer gewollten Unscheinbarkeit auch Rory Hugh Culkin als Charlie Walker, einem der führenden Köpfe des Kinoclubs. Für die Cop-Comedy sorgen anstelle von Arquette nun Adam Jared Brody und Anthony Anderson, die Serienkenner unter anderem aus O. C., California oder Law and Order kennen. Somit ist auch der vierte Teil der Filmreihe mit starken Namen besetzt, von denen jedoch einige ein blutiges, aber zumeist rasches Ende finden. Ghostface macht kurzen Prozess mit seinen schreienden Opfern und jagt sie quer durch Haus und Garten. Sonderlich originell ist das Werk also nicht. So zieht die 2015 verstorbene Horrorfilmlegende Wesley Earl „Wes“ Craven in seiner letzten Regiearbeit noch einmal das Standardprogramm durch. Dennoch ist dem Film zu attestieren, dass es auch beim vierten Mal immer noch spaßig ist, mitzurätseln, wer von all den illustren Figuren der Mörder ist. Wenn am Ende die Maske fällt, ist das auch in Scream 4 ein richtig magischer Moment der Filmgeschichte. Manche Szenen verlieren einfach nicht an Wirkungskraft!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Mit der Scream-Reihe ist es offenbar ein Auf und Ab, denn nicht jeder Film kann die Qualität aufrechterhalten. Scream 4 braucht etwa richtig lange, um in Gang zu kommen. So nimmt sich der Film anhand der immer noch präsenten fiktiven Stab-Reihe im Werk selbst gleich mehrfach auf die Schippe. Bis sich die Mörderjagd in einen Horrorfilm verwandelt, braucht es einiges an Sitzfleisch. Da überrascht es schon, dass die Wendungen im Verlauf der Story dafür sorgen, dass der Zuschauer den Film nicht abschaltet. Gegen Ende wird es zunehmend besser und erreicht auch den Genrestandard, den das verwöhnte Publikum zu Beginn der 2010er-Jahre sehen will. Auch bei mir springt im letzten Filmdrittel der Funken endlich über, denn dann schreitet Ghostface in kurzen Intervallen zur Tat. Auch die Schauspielriege kann mich begeistern, zumal ich genügend bekannte Gesichter aus Filmen und Serien erkenne. Dies nützt den Nebenfiguren aber nicht viel, segnen die meisten von ihnen doch ohnehin das Zeitliche im Film. Am Ende des Tages liefert Scream 4 mit seinem wenig originellen Aufbau aber nicht mehr und nicht weniger als das ab, was sich Fans von Wes Cravens letzter Regiearbeit aber wohl erhoffen.

Nachdem sich der zweite Teil der Alien-Filmreihe aus dem Jahr 1986 mehr als Action- denn als Horrorfilm entpuppte, ruderte Filmemacher David Andrew Leo Fincher 1992 bei Alien 3, seinem Regiedebüt, wieder ein wenig zurück. Der Film litt jedoch mehr an anderen Stellen.

Ein wenig schade ist es schon, wenn eine Filmreihe im Rahmen ihres Genres nicht konstant bleibt, mit den Erwartungshaltungen der Zuschauer spielt und am Ende nicht jeder glücklich aus dem Kinosaal geht. So war es wohl zwischen 1979 und 1992 mit den ersten drei Filmen der Alien-Reihe. Während Alien: Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt noch als Science-Fiction-Horrorfilm für Spannung im Weltraum sorgte, verkam Aliens: Die Rückkehr mehr als ein halbes Jahrzehnt später zur stumpfen Actionorgie mit chaotischem Schnitt. Das Spektakel hat bis heute durchaus seinen Charme und seine Fans, muss aber natürlich nicht jedem schmecken. Alien 3, das stilisiert auch als Alien³ vermarktet wird, versucht wieder an die Anfänge des Franchises zurückzukehren. Dies gelingt dem Science-Fiction-Film allerdings nur bedingt, was jedoch nicht direkt mit der Filmhandlung zusammenhängt, sondern an etlichen Faktoren, die mit der Produktion des Streifens in Verbindung stehen. Seit 1987 wurde versucht, mit William Ford Gibson, Eric Joseph Durdaller und David Neil Twohy verschiedene Drehbuchfassungen zu realisieren. Im Endeffekt arbeiteten jedoch Larry Ferguson, David Kevin Giler und Walter Hill am finalen Drehbuch. Dieses war zu Beginn der Dreharbeiten im Januar 1991 aber noch gar fertiggestellt. So verliefen die Arbeiten an Alien 3 etwas chaotisch.

Horrorprogramm im Knast

Nichtsdestotrotz bietet die Geschichte eigentlich alles, was es für einen spannenden Science-Fiction-Film braucht: Mutige Charaktere, eine schier ausweglose Situation und ein Monster, das es zu bekämpfen lohnt. Inhaltlich spielt Alien 3 kurze Zeit nach Aliens. Hauptfigur Ripley ist mit Newt, Hicks und Bishop vom Exomond LV-426 entkommen. Der Rückflug zur Erde, den die Figuren eigentlich im Kälteschlaf sicher überstehen sollten, entwickelt sich jedoch zum Höllentrip. Ein Alien hat sich klammheimlich an Bord geschlichen und eine Notlandung ausgelöst, durch welche die Rettungskapsel auf den Planeten Fiorina 161 abstürzen lässt. Als Ripley erwacht, erfährt sie, dass es sich bei dem Planeten um eine Strafkolonie handelt, in der nur männliche Straftäter inhaftiert sind. Noch dazu wird ihr erklärt, dass Newt und Hicks im Zuge des Absturzes verstorben sind. Die für nutzlos beurteilten Überreste des Androiden Bishop wurden hingegen auf die Müllkippe verfrachtet. In etwa einer Woche soll Ripley zwar von Fiorina 161 evakuiert werden, doch geschehen in der Strafkolonie verschiedene Morde, die auf die Existenz eines Aliens hinweisen. So beschließen Gefängniswärter und die Inhaftierten in Alien 3, gemeinsam Jagd auf die Kreatur zu machen. Problematisch erscheint jedoch der Umstand, dass es auf dem Planeten trotz höchster Sicherheitsstufe keinerlei Waffen gibt.

Klaustrophobische Jagd aufs Alien

Die Tatsache, dass sich die Akteure dem Alien mit Köpfchen statt mit purer Waffengewalt erwehren müssen, ist 1992 wie retrospektiv in Anbetracht einer Übersättigung des Actionkinos wirklich erfrischend. Auch an der Kulisse ist grundsätzlich nichts auszusetzen, denn die vielen Röhren, schmalen Gänge und fast durchweg grünlich wirkenden Räumlichkeiten sorgen zusammen mit dem stimmungsvollen Soundtrack von Elliot Bruce Goldenthal für eine klaustrophobische Atmosphäre. Es braucht aber auch in Alien 3 wieder ewig, bis die Handlung ins Rollen gekommen ist. Zudem wiederholt sich die Story im Sinne von Verfolgungsjagden durch die Architektur. Kurios ist zudem, dass das Alien durch maue Computeranimationen als flinker Killer inszeniert wird, den Menschen aber zu häufig die Flucht in diesem Katz-und-Maus-Spiel gelingt. Neben Susan Alexandra „Sigourney“ Weaver als Ripley, die ihre Rolle eher anteilslos spielt, können immerhin der vor allem aus Game of Thrones bekannte Walter Charles Dance als Arzt Jonathan Clemens und Charles Stanley Dutton als inhaftierter Priester Leonard Dillon überzeugen. Vielleicht liegt Letzteres daran, dass der Darsteller selbst mehr als ein Jahrzehnt seines Lebens im Gefängnis abgesessen hat. So schlimm wie eine Gefängnisstrafe ist Alien 3 zwar nicht, pendelt sich aber höchstens im Mittelmaß an.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Tatsächlich bin ich kein allzu großer Fan davon, wenn das Genre innerhalb einer Filmreihe wechselt. Selbst alternierende Züge nehme ich nur zögerlich in Kauf. Bei Alien 3 finde ich es grundsätzlich aber gut, von der in meinen Augen durchschnittlichen Ballerorgie mit ihren wilden Schnitten wieder zurück zu einem bodenständigen Science-Fiction-Film zu wechseln. Allerdings war die Produktion von Alien 3 von mehreren unfertigen Drehbuchentwürfen bei Drehbeginn überschattet, was sich im Film in Form von Wiederholungen, eher als lahm einzustufenden Verfolgungsjagden und etwaigen Logiklücken widerspiegelt. Der Assembly Cut aus dem Jahr 2003 wertet den Film meines Erachtens zumindest mit ein paar Szenen deutlich auf, kaschiert zuweilen sogar besagte Defizite wie Logiklücken und nicht zuletzt kommen ein paar der Nebencharaktere deutlich mehr zur Geltung. Regisseur David Fincher distanziert sich von dieser Schnittfassung aber genauso wie Ridley Scott seinerzeit vom erlogenen Director’s Cut des ersten Films. Schlecht ist Alien 3 allerdings auch in der Kinofassung nicht, zumal der Film wieder mehr den Horror in den Mittelpunkt rückt und fast schon provokativ auf Actionszenen aufgrund fehlender Schusswaffen verzichtet. Fans der Reihe dürften definitiv zufrieden sein.

Während Scream 2 als Nachfolger von Scream – Schrei! nach nur einem Jahr abgedreht sein musste, haben sich die Verantwortlichen für den dritten Teil gleich zwei Jahre Zeit gelassen. Scream 3 aus dem Jahr 2000 fällt daher qualitativ deutlich und durchgehend viel besser aus!

So manche Wege im Horrorfilmgenre sind unergründlich. Scream 2 aus dem Jahr 1997 hat zwar seine Momente, fühlt sich aber streckenweise beliebig und belanglos an. Bei Scream 3 ist das anders! Möglicherweise mag dies am Drehbuchautorenwechsel liegen, denn statt Kevin Meade Williamson zeichnet sich Ehren Kruger verantwortlich. Anstatt sich mit Nonsens zu beschäftigen, ist die schaurige Mordserie, die im fiktiven Woodsboro begann, wirklich Dreh- und Angelpunkt des Geschehens. Das fängt sogar damit an, dass es der von Isaac Liev Schreiber gespielte Exsträfling Cotton Weary und seine von Kelly Rutherford verkörperten Freundin Christine Hamilton direkt in der ersten Szene des Films mit dem neuen Mörder hinter der ikonischen Maske zu tun bekommen. Anschließend erstrecken sich die Morde und Mordversuche auf weitere Zielpersonen, bei denen es sich einerseits um bekannte Helden aus den vorherigen beiden Serienteilen handelt. Andererseits stehen auf der Todesliste des Mörders genau jene Schauspieler, die am Dreh von Stab 3, dem fiktiven Werk im fiktionalen Film, beteiligt sind. Sie verkörpern allen voran die sensationsgeile Reporterin Gale Weathers, den etwas tollpatschigen Deputy Dwight „Dewey“ Riley und nicht zuletzt Hauptfigur Sidney Prescott. Diese finden sich einmal mehr am neuen Handlungsort in Los Angeles zusammen.

Überraschende Stimmenverzerrung

Einige Zeit nach den Geschehnissen von Scream 2 mehren sich die Anrufe eines Unbekannten, der es einmal mehr auf Sidney abgesehen hat. Um sie aus der Reserve zu locken, macht der Mörder in aller Seelenruhe Jagd auf Menschen, die ihr entweder nahestehen oder auch ihre Aufmerksamkeit erwecken können, sollte deren Ableben in den Nachrichten bekannt werden. Gale riecht einmal mehr eine große Story und landet am Set von Stab 3, wo ihr Seelenverwandter Dewey als Berater tätigt ist, mit dem es auf Beziehungsebene einfach nicht klappen will. Obwohl der Film mit den typischen Motiven spielt, die aus den beiden Vorgängern und anderen Horrorfilmen zugenüge bekannt sind, gelingt es Scream 3 hier und da dennoch zu überraschen. Beispielsweise versteht es der neue Mörder mit einem Hightech-Stimmenverzerrer auch die Stimmen der Helden zu imitieren, was diese als Schlussfolgerung natürlich immer wieder in die Falle lockt, beabsichtigt in Sicherheit wiegt oder auf der psychischen Ebene terrorisiert. Detektiv Conan lässt grüßen – nur eben mit Terror, Angst und Schrecken. Während Gale und Dewey ihren Rollen treu bleiben, kommt die inzwischen als Telefonseelsorgerin arbeitende Sidney etwas zu ängstlich daher. Das mag menschlich sein, aber ihre Charakterentwicklung hat sich nach Scream 2 wirklich spürbar zurückentwickelt.

Verdächtigungen und Unvorhersehbarkeiten

Inszeniert wurde der Film abermals von Regisseur Wesley Earl „Wes“ Craven, dem Cast und Crew über vier Jahre hinweg ans Herz gewachsen sind. Das ist Scream 3 im Gegensatz zum hastig produzierten zweiten Teil auch anzumerken. Positiv fällt auch auf, dass der Humor an den entscheidenden Momenten zurückgeschraubt wurde. Da der Mörder mal wieder eine gänzlich andere Person ist, ist diese auch nicht so tollpatschig. Auch wirken Schreckmomente nicht mehr unpassend komisch. Zeit für Humor bleibt dennoch, zumal auch der in Scream 2 frühzeitig verheizte und von James Harvey „Jamie“ Kennedy gespielte Randy Meeks noch einmal in Form einer stilecht vom Videoband abgespielten Botschaft auftaucht und wichtige Regeln des Horrorfilmgenres erklärt. Auch dass das fiktive Filmset von Stab 3 frappierend an den ersten Serienteil erinnert, spricht sarkastisch Bände. Beim Schauspiel sieht es ebenfalls gut aus, denn Scott Kellermann Foley spielt mit Roman Bridger einen exzentrischen Regisseur und Patrick Galen Dempsey verleiht Detective Mark Kincaid ein adrettes Äußeres. Mit weiteren illustren Figuren, die sich teils derart verdächtig machen, bleibt es abermals bis zum Schluss unklar, wer denn nun der Mörder in Scream 3 ist. Der Film endet ähnlich rund wie die beiden Vorgänger. Trotz des Abschlusses als Trilogie ging es 2011 aber noch einmal weiter.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Vom zweiten Teil der Scream-Reihe bin ich etwas enttäuscht, weshalb ich mit noch geringeren Erwartungen an den einstigen Abschluss der Trilogie gegangen bin. Scream 3 hat mich jedoch sehr positiv überrascht, da für eine Fortsetzung so gut wie alles richtig gemacht wurde. So konzentriert sich die Story gänzlich auf die neue Mordserie und hält sich nicht mit Albernheiten wie Aufnahmen in Studentenverbindungen auf. Auch wurde der Humor zurückgeschraubt, der meiner Meinung nach schon Überhand genommen hat. Zwar arbeitet Scream 3 den Umständen entsprechend mit witzigen Situationen, doch fügen sich diese wesentlich organischer in das Gesamtwerk ein. Zuweilen wird auch ein sarkastischer Unterton angenommen, wenn Protagonistin Sidney sich zum Beispiel auf einmal an einem ihr wohlbekannten, aber rekonstruierten Ort wiederfindet. Ein paar Albernheiten wie ein Hightech-Stimmenverzerrer sind zwar auch im dritten Teil enthalten, doch passt dies hervorragend in die nicht ganz so ernste Filmlogik. Ein herausragender Film wird aus Scream 3 deshalb zwar nicht, aber Fans des Debüts kommen hier auf ihre Kosten.

Nachdem Ridley Scott im Jahr 1979 mit dem Film Alien: Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt erfolgreich Science-Fiction- und Horrorfilm verbunden hatte, versuchte sich James Francis Cameron 1986 mit Aliens: Die Rückkehr an einem actionreicheren Nachfolger.

Obwohl schon in den frühen 1980er-Jahren über eine Filmfortsetzung zu Alien: Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt nachgedacht wurde, dauerte es sieben Jahre, bis eine Filmfortsetzung realisiert wurde. Anstatt das erdachte Konzept des Filmseriendebüts mit seinen durchaus passablen Horror-Elementen fortzuführen, drehte Regisseur James Cameron den Anteil an Schockmomenten und psychologischen Tricks wesentlich zurück. Stattdessen legte der Filmemacher, auf dessen Konto wenige Jahre zuvor der erste Teil der Terminator-Reihe ging, seinen Fokus auf die Action. Dementsprechend dürfte es wenig verwunderlich sein, dass der englische Originaltitel des Debüts für die Fortsetzung clever pluralisiert wurde. Für den deutschen Filmtitel kam ein wenig innovativer Untertitel hinzu. Aliens: Die Rückkehr führt die Geschichte des Vorgängers nahtlos fort, wobei sich Cameron, der auch das Drehbuch verfasst hat, sich einfachen Mitteln des Science-Fiction-Genres bedient hat. Hauptfigur Ripley, abermals gespielt von Susan Alexandra „Sigourney“ Weaver, hat sich in den Kälteschlaf begeben. Seither treibt ihr Raumgleiter planlos im Weltall umher. Ein Glück, dass durch Zufall ein Rettungstrupp auf ihr Raumschiff aufmerksam wird und sie befreit – nach 57 Jahren. Für die Filmhandlung ist dies in den folgenden 137 Minuten von entscheidender Bedeutung.

Pluralisiertes Alien-Grauen

In Aliens: Die Rückkehr ist Ripleys Karriere am Ende, denn durch die Sprengung des Raumschiffs Nostromo, um die titelgebende außerirdische Lebensform zu vernichten, hat sie ihrem Arbeitgeber hohen finanziellen Schaden zugefügt. Beweise hat sie nicht. Darüber hinaus erfährt sie, dass auf dem Exomond LV-426, auf dem der womöglich erste Kontakt zwischen Mensch und Alien stattgefunden hat, seit zwei Jahrzehnten inzwischen besiedelt ist. Als zufällig die Verbindung zu den dortigen Siedlern abbricht, steht für die Betreibergesellschaft fest, dass Ripleys Geschichte wohl doch der Wahrheit entsprechen könnte. Deshalb entsendet die Betreibergesellschaft unter Leitung von Carter Burke insgesamt elf Marines, den Androiden Bishop und nicht zuletzt Ripley, um der Sache auf den Grund zu gehen. Auf der Oberfläche des Exomondes angekommen, muss das Team eine erschreckende Entdeckung machen. Von menschlichem Leben fehlt nahezu jede Spur und innerhalb der Siedlung scheint das Chaos ausgebrochen zu sein. Schnell steht fest, dass Aliens für die Situation verantwortlich sind und nicht davor zurückschrecken, auch das mit Flammen- und Raketenwerfern, Gewehren und Granaten, sprich bis an die Zähne bewaffnete Team um Ripley gnadenlos zu jagen. Wer den Vorgänger gesehen hat, der weiß, dass die Aktien für die Helden nicht gerade gut stehen.

Lobenswerter Director’s Cut

Aliens: Die Rückkehr ist ein Film, der wirklich langsam beginnt. Nach der spannenden Enthüllung, wie viel Zeit verstrichen ist und zunächst im Sande verlaufender diplomatischer Gespräche zwischen Ripley und der Betreibergesellschaft, dauert es tatsächlich eine Dreiviertelstunde, bis das als Actionfilm konzipierte Werke von Cameron ein wenig Fahrt aufgenommen hat. Genrefans attestierten in den späten 1980er-Jahren, dass sie es hier mit einem der besten Actionfilme aller Zeiten zu tun hätten. Durchaus ist die Action gerade in der zweiten Filmhälfte omnipräsent, aber zu schnelle Schnitte und zu hastig verwischte Effekte mindern sie zugleich wieder ab. Hier gibt es tatsächlich nur wenige Highlights zu bestaunen, auch wenn die Konfrontation mit den Aliens nicht ganz so steif wie im ersten Teil verläuft. Für die Musik, die gerade bei Actionszenen zur Geltung kommt, zeichnet sich der 2015 verstorbene Komponist James Roy Horner verantwortlich. Bild und Musik ergeben eine stimmige Einheit, auch wenn gerade der Ton altersbedingt etwas abfällt. Wenige Jahre nach der Uraufführung entstand 1991 darüber hinaus ein Director’s Cut. Diese Schnittfassung erweitert den Film um ganze 16 Minuten mit sinnvollen Szenen, welche Hauptfigur Ripley in ein neues Licht rücken. Wer die Wahl hat, schaut sich Aliens: Die Rückkehr besser gleich im Director’s Cut an.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nachdem ich mir erst kürzlich Alien: Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt angeschaut habe, hat es nicht lange gedauert, bis ich auch dem Nachfolger Aliens: Die Rückkehr endlich nachholen musste. Während ich beim ersten Teil durchweg bei Laune gehalten wurde, auch wenn ich mir mehr Auftritte des Aliens gewünscht hätte, stellt sich bei mir bei der Fortsetzung schon schnell eine Sättigung ein. Bitte nicht falsch verstehen: Die Konfrontation mit den Aliens fühlt sich weniger steif wie noch im Debüt an, aber die Kreaturen kommen nun fast schon inflationär zum Einsatz und können bei mir nicht so richtig ihre Wirkung entfalten, da die Szenen für meinen Geschmack viel zu hektisch geschnitten und die Bewegungen der Aliens abgehakt sind. Darüber hinaus sind die meisten Charaktere platte Figuren, die nur aus Eigensinn handeln, Schusswaffen frönen oder die Realität im Rahmen der Filmwelt vollkommen aus den Augen verloren haben. Das ist mir trotz des Genres einfach viel zu anstrengend. Für mich bleibt der Film daher recht durchschnittlich. Wer jedoch keinen so hohen Anspruch an Actionfilme hat, wird mit Aliens: Die Rückkehr gerade im Director’s Cut aber mindestens zweieinhalb Stunden Freude haben.

Nach dem Siebenjährigen Krieg besteuerte England die amerikanischen Kolonien, gab ihnen jedoch kein Mitspracherecht im britischen Parlament. Dies löste eine Kettenreaktion aus, die zum Unabhängigkeitskrieg führte – dieser Konflikt wird in Der Patriot einseitig geschildert.

Im Mittelpunkt der Erzählung steht der titelgebende Patriot und Plantagenbesitzer Benjamin Martin, der mit seinen sieben Kindern in South Carolina lebt, eine der dreizehn britischen Kolonien. Seit zwei Jahren wütet der Unabhängigkeitskrieg zwischen den Kolonien und Großbritannien. Im nahen Charles Town findet eine Abstimmung statt, die darüber entscheidet, ob South Carolina in den Krieg eintritt. Obwohl Martin als Familienvater einen Kriegsbeitritt in keiner Weise befürworten kann, entscheidet sich die Mehrheit für die Mobilmachung. Gegen seinen Willen tritt auch Martins ältester Sohn Gabriel der Kontinentalarmee bei. Kurze Zeit später findet der Krieg nur wenige Meter vor der Haustür von Martins Plantage statt. So kehrt an einem Abend auch Gabriel, der im Krieg Freunde hat sterben sehen, verwundet zurück nach Hause. Obwohl sein Vater auch Verletzte der britischen Streitkräfte versorgen lässt, nimmt der skrupellose Colonel William Tavington Gabriel gefangen und will ihn hängen lassen. Sein Bruder Thomas möchte ihm beistehen, was Tavington ausnutzt und ihn erschießt. Dies führt dazu, dass Martin seine wenig glanzvolle Vergangenheit im Siebenjährigen Krieg nicht weiter verdrängen kann. Er schreitet zur Tat, legt den abrückenden Soldaten einen Hinterhalt, befreit Gabriel und ist ab diesem Zeitpunkt den Briten als „Geist“ ein Dorn im Auge.

Einseitig gestrickter Pathos

Hauptsächlich dreht sich Der Patriot um einzelne Scharmützel, welche die ins Leben gerufene und von einfachen Männern gebildete Miliz gegen die Truppen der britischen Armee ausführt. Es entwickelt sich zudem ein Konflikt zwischen Martin und Tavington, der immer mehr persönliche Züge annimmt und den Weg zur Unabhängigkeit der Kolonien mit Leichen pflastert. Nebenher bleibt ein wenig Zeit für Romantik, denn Martin geht eine Beziehung mit Charlotte Selton ein, der Schwester seiner verstorbenen Ehefrau. Auch Gabriel verliebt sich und feiert mit der hübschen Anne Patricia Howard Hochzeit. Obgleich der Historienfilm einen ernsten Unterton hat, sind die Dialoge im Drehbuch von Robert Rodat häufig schlicht geschrieben und lassen damit Raum für Humor. Leid, Hass und Glück bergen im Werk von Regisseur Roland Emmerich also jede Menge Pathos. Trotz des historischen Hintergrunds ist Der Patriot aus dem Jahr 2000 in erster Linie ein unterhaltsamer Film geworden, der mit seinen heiteren Momenten, romantischen Szenen und actionreichen Schlachten durchaus überzeugt. Problematisch ist in diesem Zusammenhang jedoch, dass die gesamte Geschichte sehr einseitig erzählt wird. Das heißt, dass der Film stets Partei für die amerikanische Seite ergreift, Wahrheiten verfälscht und ihre Gräueltaten ausklammert, während die Briten nur als Feindbild dienen.

Mit Mäkeln behaftete Historizität

Zwar wird im Film der von Mel Colm-Cille Gerard Gibson gespielte Martin durch seine tragische Vergangenheit nicht als Unschuldslamm präsentiert, und auch seine Verbündeten verweigern zumindest anfänglich noch das Pardon bei sich ergebenden Briten, aber im Grunde wird nur Jason Michael Isaacs’ Tavington und seinen Leuten stellvertretend für die Königstreuen die Rolle der Mörder und Brandschatzer zugeschrieben. Zudem spielt der Film mit dem Gründungsmythos der Vereinigten Staaten von Amerika, sodass alle Menschen gleich wären. So wird dem von Jay Arlen Jones gespielten afroamerikanischen Sklaven Occam angeblich die Freiheit geschenkt, wenn er zwölf Monate in der Kontinentalarmee kämpfen würde – am Ende kämpft er sogar freiwillig für die Sache. So wichtig die Botschaft auch ist – hier verdreht der Film die historischen Tatsachen. Dafür wurde an Originalschauplätzen gedreht und auch die Kleidung des 18. Jahrhunderts an der Smithsonian Institution akribisch studiert. Herausgekommen sind Bilder, die für das Jahr 2000 durchaus beeindruckend sind. Unterlegt wird das Geschehen musikalisch von Komponist John Towner Williams, was von den Noten her teils wie Der Pate, Der Herr der Ringe oder Star Wars klingt. Trotz etwaigen Makeln in der Historizität ist der im Extended Cut 175 Minuten lange Der Patriot einen Blick wert.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): In meiner Jugend war ich ein großer Fan der Vereinigten Staaten von Amerika, was vor allem an Fernsehserien und Filmen lag – auch die historischen Hintergründe zur Bildung einer Demokratie haben mich immer sehr beeindruckt. Allerdings zeigten mir weder populärkulturelle Werke noch der Geschichtsunterricht sämtliche Aspekte. Dass das Land der unbegrenzten Möglichkeiten gar nicht so prächtig ist, wurde mir erst im Verlauf meines Lebens klar. Mehr als zwanzig Jahre nachdem ich Der Patriot das erste Mal gesehen habe, fällt mein Fazit leider ernüchternd aus. Nach wie vor bin ich zwar nach der Auffassung, dass der Film mit seinen romantischen und romantisierten Anleihen, den actionreichen Schlachten und Scharmützeln und seinem gesund eingestreuten Humor durchaus unterhaltsam ist, aber gerade Geschichtsfanatiker dürften mit dem Werk bis auf die gut recherchierten Kostüme wenig Gefallen finden, da die Handlung sehr einseitig erzählt wird und historische Details verdreht oder ausgelassen werden. Hier zeigt sich, dass der Film vor allem für ein US-amerikanisches Publikum gedreht wurde, um fast durchweg positiv auf die eigene Vergangenheit blicken zu können.