Nach den Abenteuern in Alabasta und beim Dead End Rennen (welches der Bestandteil vom vierten Film der Reihe ist), müssen sich die Strohhüte in einem weiteren Kino-Abenteuer behaupten. Diesmal dreht sich alles um ein magisches Schwert.

Die Strohhutpiraten sind auf der Insel Asuka angekommen und möchten sich nach den Strapazen der letzten Wochen erst einmal erholen und ordentlich die Bäuche vollschlagen. Zorro sieht das anders, denn als plötzlich zwei Mitarbeiter der Marine auftauchen und ihm mitteilen, dass sein alter Freund Saga auf der Insel ist und ihn sehen möchte, lässt er alles stehen und liegen. Damit ist die Flying Lamb gemeint, die somit unbeaufsichtigt in der Bucht von Asuka herumsteht. Als die Strohhüte aufbrechen wollen, greift sie unterdessen die Marine an. Das Auftauchen von Zorro wird natürlich unlängst bemerkt, als sie mit der Flying Lamb in See stechen. Weit kommen sie jedoch nicht und werden über Umwege in eine andere Bucht der Insel getrieben. Als sie eine hübsche junge Frau erblicken, möchten Ruffy und Lysop von ihr erfahren, ob sie vielleicht ihren Freund Zorro gesehen haben möchte. Das einzige was die allerdings macht, ist die drei Kristallkugeln auf dem Altar zu greifen und die Beine in die Hand zu nehmen. Wäre das noch nicht alles, verfolgen die Strohhüte das Mädchen bis in ihr Dorf, wo sie flugs von der Marine angegriffen werden. Unter den Angreifern der Marine ist auch Zorro, der jetzt angeblich für Saga arbeitet. Obwohl Sanji sich ihm in den Weg stellt, ist es Zorro möglich, die Kristallkugeln einzusammeln und aus dem Dorf zu verschwinden.

Blutroter Mond

Lysop und Ruffy sind unterdessen immer noch im Dschungel unterwegs, fallen mehr oder weniger versehentlich in eine Höhle und versuchen von dort aus den Weg zurück zu finden. Von Maya erfährt die Gruppe, dass sie einst Saga geliebt hat. Diese Liebe zerbrach jedoch, als Saga ihr Leben gerettet hat. Was ziemlich merkwürdig klingt, ist eigentlich ziemlich logisch. Maya sollte eigentlich geopfert werden, doch da sie ihr Opfer nicht erbringen konnte und Saga in den Besitz des heiligen Schwertes gekommen ist, verlor dieser seine Moral und wartet seitdem auf die Nacht des roten Mondes. Dieser wird – wie könnte es auch anders sein – in der kommenden Nacht erwartet. Sollte der rote Mond seinen höchsten Punkt erreicht haben, wird Saga so viel Macht erlangen, dass er mit einer göttlichen Kraft die Welt verändern könnte. Das kann nur verhindert werden, wenn die drei Kristallkugeln auf den drei Türmen der Insel positioniert werden und Maya ein Gebet zu den sieben Sternen spricht. Zum Glück tauchen nach ein paar Stunden Ruffy und Lysop wieder auf, die natürlich rein zufällig in der Höhle jene Kristallkugeln gefunden haben, die Saga dort eigentlich für alle Zeit versteckt haben wollte. Trotzdem bleibt ihnen nicht viel Zeit, denn damit Saga neue Kräfte erlangt, muss auf alle Fälle ein großer Krieger sterben. Dass dieses Los auf Zorro fällt, dürfte jedem klar sein.

One Piece erobert die Blu-ray

Die Handlung beziehungsweise ihre Zusammensetzung kann sicherlich keinen Blumentopf gewinnen, denn dafür passen die Zufälle wieder zu gut zusammen. Trotzdem kann die Story über 95 Minuten wieder wunderbar unterhalten, da man sich abermals an den Eigenschaften unserer Helden orientiert hat. Dementsprechend besteht der Film aus vielen Action-Szenen und lustigen Dialogen. Wenn Ruffy beispielsweise lachend angelaufen kommt und Lysop erzählt, dass er gerade an einem Seil gezogen hat, welche etwas Tolles ausgelöst haben soll und im nächsten Moment ein riesiger runder Felsbrocken, der just in diesem Moment auf sie zurast, zu sehen ist, dann kann man einfach nicht anders und muss mit Ruffy mitlachen. Das sind wir zwar nicht anders vom Franchise gewöhnt, doch darf es keinesfalls unerwähnt bleiben. Unerwähnt sollte auch nicht die Blu-ray-Fassung bleiben, denn der fünfte Film ist der erste Film der Reihe, welcher in hoher Auflösung hierzulande auf Blu-ray erschienen ist. Kennt man One Piece sonst nur in SD-Qualität, ist das erstmals ein richtiger Genuss für die Augen. Zudem ist es der erste Film, der im 16:9-Format vorliegt. Als Bonusmaterial liegt ein fünfminütiger Kurzfilm bei, in dem One-Piece-Charaktere Baseball spielen. Abschließend sei gesagt, dass der Film zwar gut ist, aber nicht ganz an den vorherigen Film heranreicht.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nachdem One Piece: Das Dead End Rennen ein richtig toller Film war, kommt der hier vorgestellte Filmableger der Serie nicht ganz an dessen Niveau heran. Das ist aber auch nicht schlimm, denn wenn man von der doch zu sehr auf Zufällen basierten Handlung absieht, kann diese samt Action-Einlagen und den witzigen Momenten absolut überzeugen. Ich finde es sogar ein wenig schade, dass One Piece: Der Fluch des heiligen Schwertes nur ein Film und nicht Bestandteil der Serie ist. Vor allem da auf die Vergangenheit von Zorro aufgebaut wird und der Charakter facettenreicher wird, ist es in meinen Augen schon reine Verschwendung, darüber einen Film zu machen. So etwas möchte ich in der Serie erleben und ich denke nicht, dass dort Saga mal mit einem Wort zukünftig noch erwähnt wird. Das macht den Film natürlich nicht schlechter, doch schade finde ich es dennoch. Da freue ich mich sogar mehr darüber, dass der fünfte Film der erste Ableger der Filmreihe ist, der hierzulande auf Blu-ray erschienen ist. Da ich die Serie bisher nur in einer bescheidenen SD-Qualität kenne, ist es für mich wahrlich ein Genuss, die Helden der Grandline erstmals in HD zu erleben. Ich bin schon sehr gespannt darauf, was man in Zukunft auf technischer Ebene in Verbindung mit One Piece noch erreichen wird und freue mich daher schon auf die weiteren Filmableger!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece: Der Fluch des heiligen Schwertes!

Langsam aber sicher geht es auf das große Finale der ersten Serienveröffentlichung auf DVD zu. In weiteren 32 Episoden müssen sich Ruffy und seine Crew auf allerlei Gefahren und neue Feinde einstellen, die ihnen das Leben schwer machen wollen.

Es hätte eigentlich so schön sein können. Gerade sind die Strohhüte vom Königreich Alabasta aufgebrochen, um weiter die Grandline zu befahren. Dann taucht plötzlich Nico Robin auf der Flying Lamb auf und beschließt, dass sie ab sofort das siebte Mitglied der Piratenbande ist. So wirklich bringt sich Robin allerdings nicht in die Crew ein, denn während Ruffy, Zorro, Sanji, Lysop, Chopper und gelegentlich auch Nami ziemlich verrückte Dinge anstellen, bleibt die Neue eher im Hintergrund und konsumiert viel lieber das eine oder andere Sachbuch. Relativ schnell wird die Reise der Strohhüte schon wieder unterbrochen. Sie landen auf einer Insel, auf welcher der alte Geldverleiher Zheny Zuflucht gesucht hat und dort mit einer Herde Ziegen im Einklang der Natur zusammenlebt. Als die Marine ausgerechnet zu diesem Zeitpunkt erfährt, dass der alte Mann Gold auf der sichelförmigen Insel versteckt haben soll, wollen diese natürlich abkassieren und stellen sich in einem Kampf der Gruppe entgegen. Es dauert nicht lange, da gehen die Freunde im Hafen von Ruruka von Bord und müssen sich mit Bürgermeister Wetton auseinandersetzen, der die Bürger mit hohen Steuern terrorisiert. Außerdem machen sie die Bekanntschaft mit dem Wissenschaftler Henzo, der seit mehr als fünfzig Jahren den Regenbogennebel erforscht und auf der Suche nach seinen Freunden ist.

Himmelfahrtskommando

Damit nehmen die Abenteuer jedoch nicht ab. Nach zwei kurzen Abenteuern, die eigentlich nur als Überbrückung dienen und teilweise sogar zur Charakterisierung von Zorro, Nami und Lysop beitragen, zeichnet sich so langsam das nächste große Ziel der Reise ab. Die Strohhüte (oder zumindest ihr Kapitän) wollen nach Skypia segeln. Das Problem dabei ist jedoch, dass Skypia ein Ort über den Wolken ist und es anscheinend nur einen Weg dorthin gibt. Um den Knock-Up-Stream nutzen zu können, brauchen sie jedoch erstmal einige Informationen und zudem technische Modifikationen für die Flying Lamb. Ihr Schiff muss in den vorliegenden Episoden übrigens einiges überstehen und sieht quasi von Folge zu Folge ramponierter aus. Ob Ruffy und seine Crew tatsächlich ihr Ziel erreichen, verraten wir euch an dieser Stelle noch nicht, doch dürft ihr euch sicher sein, dass es kein gutes Omen ist, wenn man sich mit einer göttlichen Macht anlegen will. Es tauchen in den vorliegenden Episoden zwar wieder einige Bösewichte auf, doch diese kann man nur selten ernst nehmen, da sie sich mit Ruffy und seinen Freunden eigentlich nicht messen können. Oftmals haben sie wie Bellamy nur ein loses Mundwerk, sind aber nicht in der Kampfkunst geübt. Natürlich kann das Böse nicht immer so mächtig wie Sir Crocodile sein – dennoch ist es ein wenig schade.

Alte Bekannte und neue Freunde

Dafür tauchen abermals viele lustige Charaktere auf, wie die beiden affenähnlichen Menschen Masira und Shojo. Da diese sehr gerne albern sind, ist es selbstverständlich, dass sie sich auf Anhieb mit Ruffy verstehen. Da bleibt selten ein Auge trocken. Wir bemängeln jedoch, dass die Handlung in der ersten Hälfte dieser Episodensammlung schwächelt. Die so genannten Filler-Episoden wären in einer richtigen Fernsehserie das Todesurteil, doch da uns One Piece in den ersten 130 Episoden bereits gezeigt hat, dass erstmals als unwichtig gezeigte Elemente später dennoch noch an Bedeutung gewinnen, sind wir hier guter Hoffnung, dass wir in Zukunft auf diese Folgen zurückblicken und dabei lächeln werden. Zudem finden wir es nicht sonderlich gut, dass man Robin nicht mehr in die Story interagiert hat. Wir hätten uns ganz besonders in den ersten Episoden über wesentlich mehr Informationen über sie gefreut. Immerhin gibt es beiläufig ein kurzes Wiedersehen mit Buggy, Ace und dem Roten Shanks. Zudem erhalten wir kurze Einblicke in das Machtspiel der Weltregierung und wie es nach dem Verlust von Sir Crocodile als einen der sieben Samurai nun weitergehen soll. Obwohl viele der Episoden eher schwach sind, kommen One-Piece-Fans um die Box nicht herum.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 131 bis 162 der Serie): Nachdem die Episoden, die im Wüstenstaat Alabasta stattgefunden haben, in meinen Augen bereits etwas in die Länge gezogen waren, ist es bei den vorliegenden Folgen noch ein ganzes Stück schlimmer. In der ersten Hälfte dieses Episodenpacks passieren eigentlich nur beiläufige Sachen, die für die Handlung bisher noch nicht von Relevanz sind. Die Betonung liegt dabei jedoch auf bisher, denn One Piece hat mir schon oft genug gezeigt, dass Filler-Episoden für spätere Folgen noch von Bedeutung sein können. Allerdings fehlt mir zu Beginn ein neues Ziel. Zwar möchte Ruffy nach wie vor der König der Piraten werden und auch die anderen Crew-Mitglieder möchten ihre persönlichen Träume realisieren, doch ist diese Planlosigkeit etwas zu viel des Guten. Die zweite Hälfte der vorliegenden Episoden können mich hingegen aber wieder einmal mehr begeistern, denn hier baut sich langsam, aber sicher wieder eine Handlung auf, die ich auch weiterhin verfolgen möchte. In diesem Sinne hoffe ich, dass die schwachen und aneinander gereihten Episoden ein einmaliger Ausrutscher sind und One Piece wieder an alten Stärken gewinnt und die letzte Box der ersten DVD-Veröffentlichung die Serie zu einem vorerst guten und runden Abschluss bringt.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece: Box 5 (Episoden 131-162)!

Animes, die auf einem Videospiel beruhen, sind eher selten. Noch seltener erscheinen sie im westlichen Raum, denn oftmals erscheint das zugehörige Spiel hier ebenfalls nicht. Canaan, welches auf 428: Fūsasareta Shibuya de basiert, ist eine der Ausnahmen.

Jenes Videospiel, welches damals unter anderem für die Wii erschienen ist, beschäftigt sich jedoch nicht vollständig mit dem Charakter Canaan, denn nur das zweite Bonus-Szenario dreht sich um sie. Das Kapitel dieses japanischen Adventures wurde damals zwar von Type-Moon (unter anderem bekannt durch The Garden of Sinners) beigesteuert, doch der Anime ist ein pures Werk von P.A. Works. Das macht jedoch nichts, da die Handlung des Animes auch so sehr gut zu verstehen ist. Canaan dreht sich um die titelgebende Heldin Canaan, die damals noch als Kind und nach einem Krieg zu einer Soldatin beziehungsweise Attentäterin von dem mysteriösen Siam ausgebildet wird. Dieser hat jedoch neben ihr noch eine andere Schülerin gehabt, die sich schlussendlich für seinen Tod verantwortlich zeichnen muss. Während diese Schülerin den Hass in sich aufleben lässt, verliert Canaan ihren Lebenswillen. Diesen erlangt sie erst wieder, als sie auf die junge Maria Ōsawa stößt und diese ihre beste Freundin wird. Es dauert nicht lange, dann werden die beiden wieder getrennt. Das Schicksal führt sie jedoch in der ersten Episode des Animes wieder zusammen, denn Maria arbeitet mittlerweile mit ihrem Kollegen Minoru Minorikawa als Fotografin. Ihr Auftrag führt sie ins chinesische Shanghai, doch statt ihre Arbeit zu erledigen, werden die beiden in einen Komplott hineingezogen.

Innerer Konflikt

Dreizehn Episoden umfasst der Anime und bietet uns in dieser Zeit einen recht interessanten Einblick in das Leben einer beziehungsweise mehrerer Attentäterinnen. Ihre Arbeit erinnert jedoch nicht an Agent 47 (Hitman: Absolution), sondern ist weitaus brachialer und bei weitem nicht so taktisch. Der Anime legt dabei größeren Wert auf eine ausgeklügelte Handlung, die sich erst einmal zusammensetzen muss. Von Beginn an wissen wir nämlich nur wenig von den einzelnen Charakteren und ihrer (gemeinsamen) Vergangenheit. Der Großteil erschließt sich uns erst beim Ansehen der Episoden. So schafft es der Anime die Spannung aufrecht zu erhalten, doch kommt die Handlung dabei leider nicht über das Mittelmaß heraus. Das liegt vor allem daran, dass die Charaktere unterschiedliche Werte verkörpern und diese nach außen demonstrieren. Die zwischenmenschlichen Beziehungen sind zwar ebenfalls zu spüren, doch sind diese eher zweitrangig. Auf ein gemeinsames Ziel arbeiten die Charaktere leider nicht hin. Bis zum Schluss gibt es zwar deutliche Antagonisten, welche sich selbst zum Teil auch nicht riechen können, doch der Konflikt zwischen den Charakteren bleibt auf einem geringen Niveau. Viel mehr ist es der innere Konflikt, den Canaan und ihre Gegenspielerin überwinden müssen. Ob ihnen das gelingen wird, verraten wir euch an dieser Stelle nicht.

Beklemmende Atmosphäre

Durchgehend schafft es der Anime eine beklemmende Atmosphäre zu erzeugen. Nur selten, beispielsweise wenn Maria und Minoru eine Bar besuchen oder Yunyun auftritt, lockert sich die Stimmung. Passenderweise wird die Atmosphäre mit einem erwachsenen Anime-Stil in den dreizehn Episoden dargestellt. Dieser erinnert uns, obwohl der Anime nicht von Sunrise stammt, an Cowboy Bebop. Das heißt somit, dass die grafischen Elemente der Serie zwar alle hübsch gezeichnet, aber mit einer leichten Unschärfe überzogen sind. Unterlegt wird die Serie mit einem bedrückenden Soundtrack, welcher die Atmosphäre nochmals um eine Stufe beklemmender erscheinen lässt. Bekannte Synchronsprecher wie Ozan Ünal, Natasche Geisler oder Kristina Tietz bereichern die deutsche Tonfassung. Ebenfalls zu hören ist übrigens Stefan Gossler in der Rolle des Siam. Die meisten von euch werden ihn sicherlich als den oft genutzten Synchronsprecher von Jackie Chan kennen. Die deutsche Synchronisation wirkt nie aufgesetzt, doch das japanische Original ist ein klein wenig ergreifender. Als Bonusmaterial liegen auf den drei DVDs (auf Blu-ray erscheint die Serie aus unerklärlichen Gründen nicht) ein textfreies Opening und Ending, diverse Trailer zu anderen Animes und eine Übersicht zu den Charakteren nach Episode 9 vor. Besonders nach einer Unterbrechung ist diese hilfreich.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der DVD-Fassung): Ich finde es sehr schade, dass so manche Animes hierzulande nur auf DVD erscheinen, obwohl die Werke in Japan bereits auf Blu-ray vorliegen. Trotzdem habe ich mich an Canaan gewagt und wurde nur wenig enttäuscht. Die Handlung von Canaan gehört sicherlich nicht zum Besten, was man im Anime-Bereich kennt. Dennoch können die unterschiedlichen Charaktere unterhalten. Das liegt vor allem an immer wieder auftauchenden Nebenfiguren, wie zum Beispiel den Taxifahrer, der mit diversen und nicht immer passenden Kommentaren die Hauptdarsteller unterhält und sozusagen als kurze Überbrückung zwischen einzelnen Stationen dient. Die Orte sind ebenfalls vielfältig, denn die Reise führt Maria und ihre Freunde nicht nur nach Shanghai, sondern auch ins Umland, wo eine zerstörte Stadt, ein geheimes Forschungslabor und ein eigentlich ausrangierter Zug auf sie warten. Abwechslung und Action sind durchgehend gegeben, doch gefällt es mir nicht so gut, dass die Handlung dabei leider nicht über das Mittelmaß hinausragt. Das gleichen die Charaktere aber locker wieder aus, denn diese müssen meist jeweils einen inneren Konflikt überwinden. Auf diesem Weg erlangt der Anime zwar doch noch Herz und Seele, aber falls ihr mehr Wert auf eine ausgeklügelte Handlung statt Ästhetik und Metaphorik legt, dann solltet ihr euch Alternativen suchen.

Vielen Dank an Universum Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Canaan (Komplettbox)!

Nachdem der dritte Film des Franchises ordentlich für Verwirrung gesorgt hat, schafft es das vierte Kino-Abenteuer, sich mit den Fans wieder zu versöhnen. Das funktioniert verdammt gut, denn One Piece: Das Dead End Rennen bleibt bis zur letzten Minute spannend.

Wie es sich für anständige Piraten gehört, ankern sie mit ihrem Schiff offen im Hafen einer Stadt und schlagen sich in einem Lokal ordentlich die Bäuche voll. Zumindest Ruffy, der für das Haushaltsdefizit der Strohhut-Bande verantwortlich ist. Nami fragt, mit Betonung ihrer zwei unschlagbaren Argumente, in eben jenem Lokal nach Arbeit, damit die Strohhüte beim nächsten Anlegen nach dem Auffüllen ihrer Vorräte auch wieder ein bisschen Kleingeld in der Reisekasse haben. Ihr gelingt es, Informationen über ein geheimes Ereignis in Erfahrung zu bringen, doch wenn sie an diesem teilnehmen wollen, gibt es danach kein Zurück mehr. In einer riesigen unterirdischen Höhle stoßen sie schließlich auf viele andere Piraten, die nur aus einem Grund anwesend sind: Sie wollen am legendären Dead End Rennen teilnehmen. Die Strohhüte schreiben sich mit der Flying Lamb für dieses Rennen natürlich ebenfalls ein und freuen sich schon darauf, am Rennen teilnehmen zu können. Immerhin gibt es dreihundert Millionen Berry für den Sieger und die Piraten hätten somit ein Leben lang ausgesorgt oder zumindest fast. Man denke nur an Ruffys meist unersättlichen Magen! Das Dead End Rennen wird jedoch von anderen Einflüssen bestimmt, mit denen die Piraten nicht gerechnet hätten. So taucht während dem Rennen plötzlich ein blinder Passagier auf der Flying Lamb auf.

Wenn sich Ereignisse überschlagen

Der Junge, der eigentlich ein Mädchen ist, gibt sich der Crew als Anaguma zu erkennen. Er ist der Helfer vom alten Biera, der auf Gasbades Schiff im Maschinenraum arbeitet. Nicht ganz liebevoll wird Biera von Gasbades Männern Maulwurf und Anaguma Dachs genannt. Respekt wird ihnen nicht entgegen gebracht und als Biera schwer krank ist, will ihm niemand außer Anaguma helfen. Es sei denn, dass Anaguma einen beliebigen Piraten für Gasbade tötet. Die Wahl fällt ausgerechnet auf Ruffy, doch da dieser ein Gummimensch ist, können Kugeln ihm nichts anhaben. Nach anfänglichen Zögern schließt die Gruppe mit Anaguma Freundschaft, doch dann überschlagen sich die Ereignisse. Der Log Port, der die Flying Lamb zum Ziel des Dead End Rennen führen sollte, ist manipuliert, führt die Piraten schon fast in die Hände der Marine, dann taucht auch noch ständig der mysteriöse Shuraiya (ein gefürchteter Piratenjäger) auf und zu guter Letzt lässt sich auch Gasbade blicken, der sich mit Ruffy einen sehr glitschigen Kampf liefert, da dieser von der Candy-Frucht gegessen hat. Wie es der Zufall so will, bleibt am Ende des Films auch noch Platz für ein Familientreffen. Damit ist nicht ein Gastauftritt von Puma D. Ace gemeint, sondern zwei Nebenfiguren, die sich lange nicht mehr gesehen haben. Ein Zufall, der so gut in die Handlung passt und das Gesamtbild bereichert.

Wenn Elemente zusammenpassen

One Piece: Das Dead End Rennen bietet alles, was wir von einem Piratenfilm erwarten. Eine obligatorische Kneipenprügelei ist ebenso mit an Bord, wie ein gefürchteter Piratenkapitän, ein Unwetter, genügend Ansporn und jede Menge Action, sowie Humor, den wir genauso aus der Serie zu One Piece kennen. Angesiedelt ist Film übrigens unmittelbar nach Episode 130, die letzte Folge aus der vierten Serienbox. Dementsprechend ist auch Nico Robin endlich mit an Bord, die jedoch sehr zurückhaltend charakterisiert wird und eigentlich gar nicht zur Story des Films beiträgt. Die Motivation, Ruffy gerade jetzt zu schnappen, ist größer denn je, da das Kopfgeld für den Gummimenschen gerade nach den Ereignissen in Alabasta von dreißig auf einhundert Millionen Berry erhöht wurde. Optisch hat man sich nach dem dritten Film, der in vielen Momenten zu künstlich wirkte, wieder mehr am Stil der Serie orientiert. 95 Minuten kann One Piece: Das Dead End Rennen daher nicht nur inhaltlich, sondern auch optisch und akustisch mit dem bekannten Soundtrack unterhalten. Leider liegt der Film im 4:3-Letterbox-Format vor, doch mit der entsprechenden Technik kann auch dieses Manko leicht umgangen werden. Die deutsche als auch die japanische Synchronfassung weiß zu überzeugen. Fans freuen sich abschließend wie beim dritten Film über ein kleines faltbares Poster.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der DVD-Fassung): Nachdem ich den dritten Film und jetzt im Vergleich auch die ersten beiden Film etwas schwächer fand, hat mich One Piece: Das Dead End Rennen tatsächlich vom Hocker gehauen. Von der ersten bis zur letzten Minuten zieht mich das Spektakel magisch in seinen Bann. Das beginnt mit Ruffys üblicher Fressorgie, die mich mit ein paar tollen Sprüchen wunderbar zum Lachen bringt, über dem zugleich spannend und ebenfalls verrückt inszenierten Auftakt zum Dead End Rennen und endet mit der Action, die auf einem sinkenden Schiff in ihrem Höhepunkt gipfelt. Zwar gibt es in einigen Folgen der Serie deutlich mehr Action, doch hält sich im vierten Kino-Abenteuer um Ruffy und seiner Crew einfach die Waage. Das ist fantastisch, denn genauso hätte der Film auch als Teil der Serie, aufgeteilt auf mehrere Episoden, funktionieren können. Zudem gibt es auch Nebenfiguren, die zwar nur in wenigen Szenen vorkommen, doch in diesen hervorragend charakterisiert werden. Es passen einfach alle Elemente sehr gut zusammen, die 95 Minuten über auch nicht aus ihrem Mosaik herausfallen. Diese Harmonie dürfen sich One-Piece-Fans auf keinen Fall entgehen lassen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece: Das Dead End Rennen!

Nach ihren ersten Abenteuern auf der Grandline ist noch lange nicht Schluss und Monkey D. Ruffy will immer noch König der Piraten werden, doch die vierte Staffel der Serie findet nicht mehr auf dem Meer, sondern überwiegend in der sandigen Wüste von Alabasta statt.

Der Auftrag der Strohhüte ist eindeutig. Sie müssen Prinzessin Vivi unbeschadet nach Hause, in den Wüstenstaat Alabasta, bringen. In Alabasta angekommen wird Ruffy und seiner Crew jedoch klar, dass dies nicht das Ende der Reise ist. Seit Jahren hat es in Alabasta nicht mehr geregnet. Nur in der Hauptstadt Arbana hat es zum Teil geregnet. Zunächst als Königswunder beschrien, wird einigen Leuten schnell klar, dass der König anscheinend Nebelin, ein Pulver, welches den Wolken in einem großen Umkreis die Feuchtigkeit entzieht und es dafür an Ort und Stelle regnen lässt, benutzt, obwohl dieser es selbst verboten hat. Zumindest ist Mr. Zero, der in Alabasta eher als Sir Crocodile bekannt ist, dieser Auffassung und streut in allen Ecken des Landes Gerüchte. Zudem hilft er der Bevölkerung mit Banditen und Revolutionären, um als Volksheld angesehen zu werden. Der Anführer der Baroque-Firma verfolgt jedoch nur das Ziel der Weltherrschaft. Wie er das jedoch anstellen will, bleibt jedoch bis zur letzten Minute ein Geheimnis. Vivi möchte unterdessen mit dem Anführer der Rebellen verhandeln, um ein mögliches Blutbad zu vermeiden. Gemeinsam mit Ruffy, Zorro, Nami, Sanji, Lysop, Chopper und ihrer Rennente Karuh durchkämmt sie die Wüste, um das Rebellenlager zu finden. So zieht sich die Handlung zwar in die Länge, doch der Unterhaltungswert ist gleichbleibend gut.

Gefahren der Wüste

Ruffy macht nämlich zum ersten Mal Bekanntschaft mit Wüstenpiraten, kleinen Skorpionen, großen Skorpionen und gefährlichen Sandstürmen. Die wohl wichtigste Bekanntschaft ist aber die Zusammenkunft mit Ruffys Bruder Puma D. Ace, der schon zwei Jahre vor seinem Bruder das Nest verlassen hat, um zur See zu fahren. Mit seiner Feuerfaust greift er den Strohhüten nicht nur einmal unter die Arme. Schade ist aber, dass wir nur sehr wenige Einblicke in seine und Ruffys Vergangenheit bekommen. Interessant wäre es doch zu wissen, wie er zum Roten Shanks steht und was ihn eigentlich antreibt. Einzelheiten bleiben hier also aus, doch sind wir guter Hoffnung, dass die Piraten Ace mindestens noch ein weiteres Mal über den Weg laufen werden. Ansonsten kann die Serie ihre Qualität halten, auch wenn der Humor aufgrund einer sehr ernst inszenierten Revolution ein wenig darunter leidet. Hin und wieder gibt es dann aber auch Momente, die uns so sehr im Gedächtnis bleiben und dann können wir über das Manko auch hinwegsehen. Beispielsweise die Kung-Fu-Robben, die als Ruffys neue Schüler nur zu gerne mit ihm durch die Wüste gezogen wären oder wie die beiden Brüder Ruffy und Ace in der Hafenstadt Nanohana sich andauernd verpasst haben. Mit Episode 116 wird zudem noch das Intro ausgetauscht, was leider schon ein wenig auf die letzte Episode der Box spoilert.

Unschöner Produktionsfehler

Man kann sich also denken, welches neue Crew-Mitglied die Piratenbande bekommt. Warum das so ist, wird in dem neuen Intro natürlich noch nicht verraten und so bleibt es bis zum Ende spannend, wo auch Prinzessin Vivi eine folgenschwere Entscheidung treffen muss. Wie jeder von euch sicherlich schon festgestellt hat, liegen dieser Serienbox ganze 38 Episoden bei. Das sind beispielsweise sieben Folgen mehr als bei der dritten Box. Das hat zufolge, dass die Box statt sechs nun sieben Discs enthält, welche allerdings mehr schlecht als recht untergebracht worden sind. Während man die Datenträger vier bis sieben wie gehabt unkompliziert und sehr einfach entnehmen kann, ist bei den ersten drei DVDs Fingerspitzengefühl gefragt. Wir haben es sogar geschafft, einen kleinen Halterungshaken bei normaler Benutzung abzubrechen. Bei einer zukünftigen Nachproduktion sollte Kazé Anime unbedingt eine Überarbeitung der Box in Betracht ziehen, da dieser Produktionsfehler auch schon von anderen One-Piece-Fans stark bemängelt wird. Ansonsten kann man aber auch an dieser Serienbox nichts bemängeln, denn nach wie vor erstrahlen die Episoden mit satten Farben, werden mit toller Musik unterlegt und haben eine ebenso wunderbare Synchronisation. Wer sich darüber hinaus über Hintergründe der Serie informieren will, freut sich abermals über ein aussagekräftiges beiliegendes Booklet.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 93 bis 130 der Serie): Nachdem die Geschehnisse in den letzten Episoden richtig spannend und abwechslungsreich waren, empfinde ich nun die Folgen der vierten Serienbox als ein wenig eintönig. Sicherlich ist eine Wüste eintönig, denn schließlich liegt dort meilenweit Sand, doch bis es hier ordentlich zur Sache geht, vergehen gerne mehr als 25 Episoden. Das ist für meinen Geschmack etwas zu lang, doch kann ich der Serie dafür nicht sonderlich böse sein. Der Humor kommt immer noch gut, wenn auch nicht mehr ganz so prägnant, zur Geltung und die anschließende Action und auch die Dialoge sind wieder einmal das Aushängeschild der vorliegenden Episoden. Dass man eine Nebenfigur wie Vivi so stark charakterisieren kann, hätte ich vor dem Anschauen allerdings nicht gedacht. So hat sie sich schnell zu meinem Lieblingsnebencharakter entwickelt. Das gilt selbstverständlich auch für den kleinen Karuh, der mit seinem Gequake auf eine ganz subtile Art und Weise zum Humor der Serie beisteuert. Zudem wird wieder einmal wunderbar das Thema Freundschaft einmal mehr in den Mittelpunkt gerückt. Der Zuschauer kann unter Umständen etwas davon auf sein eigenes Leben reflektieren. Trotzdem bleibe ich dabei, dass die Handlung hier leider etwas zu langsam abläuft und man dies hätte besser regeln können. Sammler sollten eventuell auf eine mögliche Nachproduktion hoffen, bei der die im Text angesprochene Verarbeitung in besserer Form vorliegen könnte. Derzeit ist es leider eine absolute Qual, die einzelnen Discs herauszunehmen. Das hätte bei der Qualitätskontrolle unbedingt auffallen müssen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece Box 4 (Episoden 93-130)!

Während sich die Handlungen der ersten zwei One-Piece-Filme hervorragend zwischen einzelnen Episoden entfalten konnten, ist das beim dritten Kino-Abenteuer gar nicht so einfach, denn diverse Tatsachen sorgen bei Kennern der Serie ordentlich für Verwirrung.

Ruffy und seine Crew sind auf der Suche nach einem neuen Abenteuer, nachdem sie Chopper auf der Insel Drumm in ihre Bande aufgenommen haben. Einige von euch werden sich jetzt sicherlich denken, dass die Strohhüte doch eigentlich dringend Prinzessin Vivi nach Alabasta eskortieren sollten, um die dortige Revolution aufzuhalten. Vivi kommt in One Piece: Auf der Insel der seltsamen Tiere aber nicht vor. Nun könnte man natürlich denken, dass der Film so wohl eher nach den Ereignissen in Alabasta angesiedelt ist. Dementsprechend würde jedoch Nico Robin mit von der Partie sein, doch auch diese taucht in diesem Film nicht auf. Obwohl diese Unstimmigkeiten Sinn und Logik der Handlung von One Piece überdecken, kann diese für sich allein genommen aber dennoch unterhalten. Schiffsarzt Chopper geht über Bord und strandet auf einer Insel, wo die mysteriösesten Tiere leben, die ihr wohl jemals gesehen habt. Panzer-Büffel und Felsen-Nashörner leben hier in Frieden und Harmonie, wenn da nicht die drei gefährlichen und ebenso skrupellosen Typen gäbe, die auf der Insel für Unruhe sorgen. Butler, Hotdog und Heavy, so die Namen der drei Spießgesellen, wollen nämlich auf der Insel nämlich einen Schatz finden und dieser soll, so die Legende, aus den kraftgebenden Hörnern bestehen, die Butler nur zu gerne verputzen will. Lebende Tiere müssen darunter leiden.

Der König der Tiere

Da der alte König der Tiere kurz vor Choppers Eintreffen gestorben ist, brauchen die Tiere einen neuen König. Mobambi, ein kleiner Junge, dessen Vater vor einiger Zeit von Butler ermordet wurde, ist ebenso auf der Kroneninsel gestrandet. Seine Freunde, die Tiere, die alle friedlich miteinander leben und einige von ihnen auch die Sprache der Menschen sprechen, helfen ihm durch die schwere Zeit. Durch unglückliche Vorfälle wird Chopper von Mobambi zum neuen König der Tiere ernannt. Währendessen suchen ihn seine Piratenfreunde, doch auf die sind die Tiere nicht gut zu sprechen. Das liegt unter anderem daran, dass Ruffy ziemlich oft seinen Hunger nach Fleisch offen kundtut. Als die Bösewichte herausfinden, dass nur die Hörner des Königs der Tiere Butler auf ein neues Energieniveau hieven kann, wird Chopper zum Ziel der drei Ganoven. Diese hetzen die Tiere auf und so werden die Piraten ein weiteres Mal voneinander getrennt und müssen wieder zueinanderfinden. Dass sie dabei rohe Gewalt anwenden müssen, sollte einem jeden Fan der Serie klar sein. Zorro greift somit wieder zu seinen Schwertern, Sanji zu seinen Fäusten und Lysop nimmt lieber die Beine in die Hand, um daraufhin einen Bumerang zu werfen, der im wahrsten des Wortes eine Einwegwaffe ist. Der Humor bleibt somit auch in Chopper auf der Insel der seltsamen Tiere erhalten. Gut so!

Fußballkönig der Träume

Neben dem 56 Minuten langen Kinofilm liegt auf dem Datenträger zudem noch ein weiterer Kurzfilm bei. In den sechs Minuten nimmt der Humor der Serie nicht ab, denn hier treten die Charaktere in einem Fußballmatch gegeneinander an. Da schießt Sanji einen Fußball einfach mal eben rund um den Planeten und dann taucht plötzlich ein Fußballer auf, der seinen Ball Torwart Corby, der sonst keinen Ball halten kann, einfach mal in die Hände schießt. Wie die sechs Minuten von Fußballkönig der Träume ins Gesamtbild passen, wird am Ende des Films eindeutig geklärt. Das ist plausibel, denn schließlich wurde auf der Grandline bisher noch nie über Sport geredet. Beide Filme liegen auf der DVD im 4:3-Letterbox-Format vor. Das heißt, dass das Bildformat zwar in 4:3 wiedergegeben wird, allerdings mit schwarzen Streifen am oberen und unteren Bildschirmrand. Die Technik einiger Fernseher oder Abspielprogrammen lassen es aber zu, das Bild an einen 16:9-Bildschirm mit einem Qualitätseinbruch anzupassen. Dieser ist bei entsprechendem Abstand vom Bild allerdings verkraftbar und fällt so kaum ins Gewicht. Sowohl die deutsche als auch die japanische Synchronisation geht in Ordnung, doch schade ist, dass der Synchronsprecher von Chopper nicht mehr Florian Halm, sondern Martin Halm ist, der mit seiner (verstellten) hohen Stimme nicht immer ganz glaubhaft wirkt.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der DVD-Fassung): Nachdem ich bereits im Vorfeld einiges zur Handlung von One Piece: Chopper auf der Insel der seltsamen Tiere gelesen habe, war ich schon sehr gespannt darauf, wie man den Film im Serienkontext erklären will. Fakt ist, dass dies wohl nicht möglich ist, da sich der Film auf diverse Begebenheiten bezieht, die so nicht nachvollziehbar sind. Beispielsweise taucht weder Prinzessin Vivi, noch Nico Robin im Film auf. Dann loben sich Sanji und Zorro in unterschiedlichen Kämpfen, was es so in der Serie noch nicht gab. Immerhin herrscht in gewisser Weise ein Konkurrenzdenken unter den beiden. Ich kann über diese Logikfehler allesamt hinwegsehen und stelle mir einfach vor, dass der Film in einer Art Paralleluniversum stattfindet, das anderen Grundregeln entspricht. Die 56 Minuten, die der Film andauert, konnte mich der Streifen zwar gut, aber nicht überragend unterhalten. Ich mag es zwar, wenn ich meine liebgewonnen Charaktere auch mal unabhängig von der Serie erleben kann, allerdings läuft der Film fast durchgehend nach dem Gut-Böse-Schema ab, das so zwar auch teilweise in der Serie vorhanden ist, aber nicht ganz so stark. Gar nicht gefällt mir übrigens der Synchronsprecherwechsel von Chopper. Seine neue Stimme ist mir oftmals einfach einen Tick zu hoch und dann hat man sich ausgerechnet noch einen Sprecher gewählt, der bereits unzähligen Nebenfiguren (unter anderem auch dem Roten Shanks) seine Stimme geliehen hat. One-Piece-Fans, die neues Futter suchen, dürfen zuschlagen, können sich aber ebenso einen anderen Film der Reihe  anschauen und werden so eventuell besser unterhalten.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece: Chopper auf der Insel der seltsamen Tiere!

Nach den ersten beiden Serienboxen, die laut Kazé Anime zusammen die erste Staffel bilden, tauchen wir in der dritten Serienbox in die Episoden der zweiten und dritten Staffel ein. Die Qualität der Serie steigert sich dabei teilweise enorm.

Nach den ersten Abenteuern auf dem Eastblue geht es in den Episoden 62 bis 92 endlich auf der sagenumwobenen Grandline zur Sache. Die Strohhutpiraten haben mit der Flying Lamb, also ihrem Schiff, Rivers Mountain passiert und segeln gerade auf die Grandline zu. Am Fuß des Berges erwartet sie allerdings bereits das nächste Hindernis. Ein riesiger Wal versperrt der Piratenbande den Weg. Während Ruffy sich noch auf den Rücken des Wales retten kann, wird die Flying Lamb mit seinen Freunden verschlungen. Komischerweise entdeckt Ruffy einen mechanischen Eingang ins Walinnere und trifft dort wenig später seine Crew wieder. Dabei bleibt es aber nicht, denn Leuchtturmwärter und Arzt Krokus muss um seinen Patienten, den Wal La Boum, fürchten. Zwei Mitarbeiter der Baroque-Firma wollen diesen nämlich nur zu gerne töten, um die Einwohner ihrer Stadt Whiskey Peak zu ernähren. Das gelingt ihnen zwar nicht, doch Ruffy und seine Freunde eskortieren Miss Wedneyday und Mister 9, so die beiden Decknamen der Baroque-Mitarbeiter, zu diesem Ort. Dort angekommen wird Zorro allerdings klar, dass die Baroque-Firma aus Kopfgeldjägern besteht und sie in einer Falle gelandet sind. Es gibt jedoch Streit in den eigenen Reihen, denn Miss Wedneyday wird als Prinzessin Vivi des Wüstenstaats Alabasta entlarvt, welche nur versucht, ihre Heimat zu beschützen.

Eine ungewollte Route auf der Grandline

Schnell wird den Freunden klar, dass sie Vivi bei ihrem Vorhaben unterstützen müssen. Das hat zur Folge, dass die Strohhutpiraten von nun an auf der Abschussliste der Baroque-Firma stehen und ebenfalls um ihr Leben fürchten müssen. So machen sie der Reihe nach mit den verschiedenen Agenten des Unternehmens Bekanntschaft und bereisen die Grandline auf der Route, die sie so wohl am allerwenigsten gewählt hätten. So erleben sie auf der Insel Little Garden eine faszinierende Fauna und Flora, die aus dichtem Dschungel, gefräßigen Tieren, Dinosauriern und zwei sich seit einhundert Jahren bekämpfenden Riesen besteht. Später gilt es dann das Land ohne Namen vor einem König zu beschützen, der hier jahrelang als Tyrann regiert hat und beim Auftauchen vom Piraten Blackbeard geflohen ist. Da das Reisen auf der Grandline ein wagemutiges Unterfangen ist und nur mit Hilfe eines Log-Port oder gar eines Eternal-Ports (speziell angefertigte Kompasse) möglich ist, hat sich seine Rückkehr nun viele Jahre hingezogen und fällt ausgerechnet mit der Ankunft der Strohhüte zusammen. Neben vielen neuen Gegnern, die nahezu fast alle von irgendeiner Teufelsfrucht genascht haben, ist die Crew am Ende der 31 vorliegenden Episoden um ein weiteres Crew-Mitglied reicher. Der neue Charakter Chopper bereichert die Serie um eine kräftige Portion Dramatik und Trauer.

Der Fokus liegt auf der Handlung

Die Vergangenheit des kleinen sprechenden Elchs ist sehr tragisch inszeniert und die Serie erreicht hier einen Punkt des Mitgefühls, welches wir sonst eher nur von erwachsenen Animes kennen. Mit Rückblicken wird nicht nur das Leben von Chopper, sondern auch das Leben der Nebenfiguren erläutert, damit wir deren Handlungsweise nachvollziehen können. Nebenher tauchen ebenfalls wieder Charaktere auf, die wir schon fast vergessen haben. So gibt es unter anderem auch ein Wiedersehen mit Corby und Helmeppo, die jetzt gemeinsam Karriere im Hauptquartier der Marine machen. Wir finden diesen Schritt gut, da wir so nebenher schon Handlungsstränge mitbekommen, die im späteren Verlauf des Animes sicherlich noch stark an Bedeutung gewinnen werden. Die Folgen der dritten Serienbox setzen wieder verstärkt auf Dialoge und Charakterisierungen. Die Action kommt dabei aber ebenso wenig zu kurz wie der typische One-Piece-Humor, auf den stellenweise sogar Bud Spencer und Terence Hill neidisch wären. An die 730 Minuten kann die dritte Serienbox von One Piece mit 31 tollen Episoden glänzen. Der gut verarbeiteten DVD-Box liegt abermals ein kleines Booklet bei, welches Informationen über die wichtigsten Charaktere zusammenfasst und einen Überblick über alle enthaltenen Episoden gibt. Da bleibt fast keine Frage offen!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 62-92 der Serie): Nachdem ich die ersten Folgen der Serie regelrecht verschlungen habe, stellte sich bei den Episoden der zweiten Serienbox eher Ernüchterung ein. Ich bin sehr froh, dass die Serie wieder die Kurve bekommen hat und mit den 31 vorliegenden Episoden nahezu wieder das abgeliefert hat, was mich an der Serie von Beginn an gefesselt hat. Eine tolle Handlung, illustre Charaktere, gewiefte Dialoge und jede Menge Action. Insbesondere dann, wenn Ruffy und Zorro ausrasten, kann One Piece mit seinem Humor punkten. Welche lustigen Wörter sich die beiden Charaktere an den Kopf schmeißen und sich dabei eben diesen gegenseitig abreißen wollen, würden mir nie im Traum einfallen. Zudem finde ich es gut, dass die Crew fast über die ganzen Episoden hinweg von den Figuren Vivi und Karuh unterstützt werden. Letztere Figur ist eine überproportional große Rennente und somit zwar nicht so besonders wichtig für den Verlauf der Geschichte, doch alleine ihre Anwesenheit ist in manchen Szenen so verrückt, dass sie wesentlich zu den lustigen Momenten der Serie beiträgt. Nachdem die Strohhüte jetzt um ein weiteres Mitglied reicher sind, freue ich mich schon sehr darauf, wie die Geschichte in Alabasta weitergeht und ob ihnen die Rettung des Wüstenstaates gelingen wird. Es bleibt bis zum Ende spannend!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von der One Piece Box 3 (Episoden 62-92)!

Während in der Handlung nur drei Jahre vergangen sind, liegt die Produktion des ersten Films nun bereits vier Jahre zurück. Das heißt also, dass man sich vom Charme der Achtziger Jahre verabschieden muss und der Beginn der Neunziger charakterisiert wird.

Nach den Vorfällen im Jahr 1999, welche die Polizei mitsamt ihren Labors aufhalten konnte, war es eine Zeit lang still um etwaige Ereignisse der Maschinen betreffend. Nachdem sie einen Vortrag gehalten hat, begibt sich Shinobu Nagumo auf den Heimweg, doch der verzögert sich aufgrund eines Staus. Polizeifahrzeuge, die auf einer stelzenähnlichen Technik die sich stauenden Autos unbeschadet überfahren können, rasen über ihr Vehikel hinweg. Ehe sie gänzlich die Lage versteht, düst eine Rakete auf die Yokohama Bay Bridge zu und macht eine Überfahrt unmöglich. Da niemand eine Forderung stellt oder sich zu dem Anschlag bekennt, sind Polizei und Regierung ratlos. Während die Medien Aufnahmen von einem japanischen Kampfflugzeug zeigen, ist das japanische Militär der Auffassung, dass es sich um einen US-amerikanischen Düsenjäger handeln muss. Zumindest beweisen dass die Bilder, die Shigeki Arakawa der Polizei in einem Gespräch vorlegt. Die US-amerikanische Regierung streitet die Vorfälle jedoch ab, weshalb das japanische Militär weiterhin als der Sündenbock herhalten muss. Öffentlich wird dementsprechend ein Militärputsch vermutet, da es laut Arakawa eine nationalistische Organisation geben soll, die mit der Politik ihres Landes sehr unzufrieden ist. Es stellt sich die Frage, welches Spiel Arakawa tatsächlich spielt.

Weltpolitisches Handeln

Dass sie dieses Spiel nicht mitspielen wollen und Arakawa etwas verheimlicht, ist sich die Polizei unter der Leitung von Kiichi Goto sicher. Das Sammeln von Indizien und Beweisen ist in der Handlung von Patlabor: Der Film 2 wieder einmal ein zentraler Anhaltspunkt, doch der zweite Film konzentriert sich diesmal stärker auf die Action. Bereits in der Mitte des Films ist es unumgänglich, dass sich das Militär einschalten muss, denn es sind bereits weitere Raketen nach Tokio unterwegs. Die japanische Hauptstadt steht somit erneut im Fadenkreuz und muss unter allen Umständen beschützt werden. Anders als im ersten Teil wird Tokio durch ein viel realistischeres Stadtbild dargestellt. Das Zeigen des Tōkyō-to Chōsha, das Regierungsgebäude der Präfektur Tokio im Stadtteil Shinjuku, ist eines der Bilder, die uns im Gedächtnis bleiben. Faszinierend sind auch die Kämpfe zwischen den Labors, die aber in den Hintergrund gerückt sind. Dafür kombinieren sich die Teams in einer Szene mit menschlichen Bodentruppen und tatkräftigen Labors. Patlabor: Der Film 2 möchte viel lieber politische und gesellschaftliche Themen ansprechen, wie beispielsweise Krieg und Frieden. Es wird hinterfragt, ob Kriege einen Sinn ergeben und für was die Regierung, das Militär und die Polizei einstehen. Darauf gibt es keine klare Antwort, doch werden sie als Hüter des Friedens bezeichnet.

Haltung zur Geschichte

Der Film trägt die Botschaft, dass Kriege nicht berechtigt seien. Da macht man auch nicht vor der japanischen Geschichte halt. So stellt der Charakter Arakawa den Zweiten Weltkrieg aus Seiten der Alliierten gegen die Nationalsozialisten als berechtigt dar und dass obwohl das Kaiserreich Japan mit dem deutschen Reich zwischen 1940 und 1945 verbündet war. Diese Aussage zeigt deutlich, welche Haltung der Film (und dessen Produzenten) gegenüber jenem Ereignis einnimmt. Es ist jedoch schade, dass für den erhöhten inhaltlichen Anspruch das Auftauchen der Labors auf ein Minimum reduziert wird und diese erst gegen Ende wichtig werden. Mit 108 Minuten fällt der Film zudem acht Minuten kürzer als sein Vorgänger aus. Dadurch, dass der Film erst 1993 fertiggestellt wurde, merkt man allen Enden und Ecken an, dass auch der Fortschritt nicht Halt gemacht hat. Von zu vielen blinkenden Lichtern ist in Patlabor: Der Film 2 so gut wie nichts mehr zu sehen und auch gezeigte Betriebssysteme wirken jetzt sehr viel moderner. Ebenso häufig geraten die Medien in den Mittelpunkt der Handlung, um die aktuellen Geschehnisse zu demonstrieren. Abschließend kann man sagen, dass sowohl die deutsche als auch die japanische Synchronisation sehr gut gelungen sind. Schade ist wieder einmal nur, dass Bonusmaterial nicht auf der Blu-ray vorhanden ist.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nachdem ich von Patlabor: Der Film 1 so sehr überzeugt war, habe ich mir Patlabor: Der Film 2 direkt im Anschluss angesehen. Obwohl es auch hier sehr viele action-lastige Szenen gibt, rücken diesmal politische Themen stark in den Vordergrund. Es wird von Krieg und von Frieden gesprochen und dabei gezeigt, welche Einstellung man dazu einnimmt oder als Zuschauers eventuell auch einnehmen sollte. Die Dialoge sind dementsprechend intelligent, spannend und unterhaltsam. Schade finde ich nur, dass die Charakterisierungen der verschiedenen Personen nicht so gut gelungen sind, wie noch im ersten Film. Es sind viel mehr die Einstellungen, welche diese in Patlabor: Der Film 2 ausdrücken, die mich beeindrucken. Selten habe ich in einem Anime dermaßen gute Kommentare zu politischen Themen gehört. Wer den ersten Film bereits mochte und wissen möchte, wie die Geschichte um die Labors weitergeht, der kommt auch um den zweiten Film nicht herum. Jedoch sollte man sich bereits vorab bewusst sein, dass die Labors in Patlabor: Der Film 2 nur eine untergeordnete Rolle einnehmen und Platz für Politik und Gesellschaft machen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Patlabor: Der Film 2!

1988 legte Masami Yuki mit dem Manga Patlabor den Grundstein für ein großes Universum, denn der Manga sollte nicht lange allein für das Franchise stehen. Ein Jahr später wurde es von Mamoru Oshii in Form eines ersten abendfüllenden Films ergänzt.

Angesiedelt im damals noch zukünftigen Jahr 1999 lebt die Menschheit in Einklang mit den so genannten Labors. Mit dieser fortschrittlichen Technik gelingt es ihnen, die tägliche Arbeit zu meistern und im japanischen Staat für Recht und Ordnung zu sorgen. Das müssen sie auch, denn wie sich herausstellt, sind einige der Maschinen fehleranfällig und rebellieren ohne Sinn und Verstand. In der Bucht Tokios soll derweil ein gigantisches Bauprojekt realisiert werden. Künstliche Inseln sollen den begrenzten Lebensraum der Japaner erweitern. Damit die Arbeit an diesem Projekt ungehindert und schnell durchgeführt werden kann, wurde in der Mitte des Meeres eine riesige Fabrik errichtet. In dieser Fabrik, die auch Arche genannt wird, werden die roboterähnlichen Labors erschaffen. Alles läuft reibungslos, doch dann stürzt sich jener Programmierer von der Arche in den Tod, der das neue (fehlerhafte) Betriebssystem für die Labors erstellt hat. Eiichiro Hoba hat anscheinend mit Vorsatz gehandelt und ein Virus in das Hyper Operating System eingepflanzt. Eine Gruppe, bestehend aus jungen Polizisten, sind nun an der Reihe, die mysteriösen Vorfälle und Aussetzer der Labors aufzuklären. Bei ihrer Ermittlung stellen sie fest, dass einzelne Aussetzer zwar noch vertretbar sind, doch der angekündigte Tsunami könnte nicht nur als Naturkatastrophe schlimme Auswirkungen haben.

Ermittlungsarbeit

Wie ein Tsunami in das Konzept der Handlung passt, verraten wir an dieser Stelle natürlich nicht. Jedoch ist diese Idee klug und geschickt in die Story eingearbeitet. Ebenso klug ist die Ermittlung der Polizei inszeniert. Langsam und sicher führt uns die Handlung in die Welt von Patlabor ein und stellt uns die unterschiedlichen Charaktere vor. Einen echten Antagonist gibt es jedoch nicht und so steht die Geschichte vor allem im Zeichen von Schadensbegrenzung und Ermittlungsarbeit. Dass das nicht weniger spannend ist, beweisen tiefgründige Dialoge und die unterschiedlichen Charaktere. Die zwischenmenschlichen Beziehungen zwischen den Polizisten und ihren Familien, sowie ihrer Auffassung von Gerechtigkeit bereichern den Film stark. Action ist aber nicht weniger stark vertreten, denn direkt in den ersten Minuten drehen genügend Labors durch, welche unbedingt aufgehalten werden müssen. Da der Film aus dem Jahr 1989 stammt, ist die Präsenz der Achtziger Jahre noch deutlich zu spüren. Vor allem sehr weiße und silberne Töne dominieren die verschiedenen Labors, die gegeneinander kämpfen. Ebenso leuchten viele Bildschirme in einem einheitlichen Ton hell auf. Selbiges gilt für die Effekte, welche die Schüsse der Labors demonstrieren. Das erinnert ein wenig an Serien wie Gundam Wing, ist bei Patlabor: Der Film 1 aber auf einem irdischen Niveau gehalten.

Zeitbild der Achtziger Jahre

Irdisch ist dementsprechend auch die Kulisse gehalten, denn in den Achtziger Jahren war es noch nicht so wie heute möglich, alles digital am Computer zu erstellen. Dennoch sehen alle Charaktere, Labors, Umgebungen und Hintergründe sehr gut aus. Wenn die Kamera zum Beispiel von links nach rechts fährt, bewegen sich vier Bildebenen in jeweils zwei entgegen gesetzte Richtungen. Einzig und allein in einer Szene tauchen kurz mehrere Bildartefakte in einer Reihe auf. Bei der digitalen Nachbearbeitung, die für das Bild der Blu-ray in 1080p erfolgt sein muss, hätte man hier das Bild ausbessern können. Ihr dürft uns aber glauben, dass dieser kleine Fehler zwar in dem Moment unschön aussieht, im Gesamtwerk aber absolut unbedeutend ist. Stellvertretend für die Achtziger Jahre steht auch die kultverdächtige Musik. Mit dem Soundtrack werden unserer Meinung nach alle Kämpfe und Szenen hervorragend zum Ausdruck gebracht und passen eindeutig zu den Achtzigern, auch wenn die Handlung ja eigentlich zehn Jahre später angesiedelt ist. Zeitmaschinen gab es damals ebenso wenig wie heute! Die deutsche Synchronisation ist absolut geglückt und wer genau hinhört, der entdeckt die eine oder andere Stimme aus anderen Animes. Der japanische Originalton mit deutschen Untertiteln ist mit dem natürlich auf einer Ebene. Bonusmaterial liegt der Blu-ray nicht bei.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Viel erhofft habe ich mir von diesem Anime nicht, doch wurde ich beim Ansehen eines Besseren belehrt. Es ist beeindruckend, wie Mamoru Oshii das Gleichgewicht zwischen Action, Gewalt, Dialogen und Humor hält. Der gesamte Film bleibt dadurch durchweg spannend. Jeder Charakter, seien es die wichtigen Protagonisten Noa Izumi, Asuma Shinohara, Kichi Goto oder auch Nebencharaktere wie Detective Matsui fügen den Film wie ein Mosaik zusammen. Das Zwischenmenschliche wird durch die Action der Patlabors ergänzt. Ich möchte gar nicht zwischen den verschiedenen Richtungen dieser Szenen wechseln, denn beide Teile ziehen mich magisch in ihren Bann und sobald der Wechsel vollzogen ist, wünsche ich mich zwar in die letzte Szene zurück, doch werde ich kurz darauf durch einen witzigen Kommentar oder einen spannenden Dialog in die Handlung abermals hineingezogen. Schade nur, dass anscheinend kein Bonusmaterial zu dem Film vorhanden ist. Gerne hätte ich mich über die Ideen, Gedanken und Zukunftsvisionen des Produktionsteams von damals informiert. So bleibt Patlabor: Der Film 1 trotzdem ein tolles Zeitbild der Animes der Achtziger Jahre. Fans und all jene, die es werden wollen, greifen zu!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Patlabor: Der Film 1!

Zwölf Jahre nach dem Ende der kurzlebigen Serie von 1998 hat Regisseur Satoshi Nishimura die Möglichkeit erhalten, einen Kinofilm zum Trigun-Franchise auf die Beine zu stellen. Ende 2012 erschien der Film hierzulande auf Blu-ray und DVD.

Die Handlung von Trigun: Badlands Rumble beginnt so plötzlich wie eine Kurzgeschichte. In einer Bank findet gerade ein Überfall statt oder viel mehr hat dieser bereits stattgefunden, da die Angestellten mittlerweile mit Seilen geknebelt in der Ecke liegen. Die Bankräuber haben leichtes Spiel, bis sich zwei der Banditen gegen ihren Boss auflehnen. Bankräuber Gasback ist von dem Verrat seiner Männer alles andere als begeistert, doch im Angesicht des Todes kann er hier nichts ausrichten. Als die Kugel den Lauf verlässt, trifft diese komischerweise nicht ihr Ziel. Der Grund dafür dürfte Kennern der Serie sofort klar sein. Der als humanoide Taifun bezeichnete Vash the Stampede befand sich unter den Gefangenen, hat sich befreit und ist auf der Suche nach seinem Doughnut, auf diesen Gasback allerdings just in diesem Moment getreten ist. Im Eifer des Gefechts können Gasbacks ehemalige Komplizen entkommen und als die Polizei eintrifft, gelingt ihm ebenfalls gerade noch die Flucht. Zwanzig Jahre später ist Gasback immer noch auf freiem Fuß und terrorisiert die Welt von Trigun mit Überfällen, bis er herausfindet, dass einer seiner ehemaligen Komplizen zum Bürgermeister von Macca City ernannt wurde. Gasback sinnt auf Rache, doch wie es der Zufall will, hat es auch Vash in die Wüstenstadt verschlagen. Eine Auseinandersetzung scheint abermals unausweichlich.

Pazifismus

Unausweichlich ist zudem der Konflikt zwischen der hübschen Amelia und Gasback, denn die beiden verbindet ebenfalls eine gemeinsame Vergangenheit, an die sich aber nur Amelia zu erinnern scheint. Außerdem wimmelt es in der Stadt nur so von Kopfgeldjägern und da auf Protagonist Vash the Stampede eine Belohnung von ganzen sechzig Milliarden Doppeldollar ausgesetzt ist, bieten diese Verstrickungen genügend Abwechslung und die Vorlage für sehr viele lustige Momente. Der Humor erinnert dabei an typische Italo-Western. Die Sprache ist also sehr dreckig, aber ebenso humorvoll. Insbesondere die Szene im Saloon, wo sich alle Kopfgeldjäger sich gegenseitig die Birne einschlagen und Vash im Gerangel ungesehen alle Patronen der Revolverhelden stiehlt, ist für sich genommen eine Wucht. Hier zeigt sich auch der pazifistische Charakter von Vash, denn während fast alle Personen in Trigun: Badlands Rumble zu erst den Abzug betätigen und dann die Fragen stellen, geht Vash the Stampede an sämtliche Auseinandersetzungen anders heran. Er schießt mit seiner Waffe nur, wenn es sich absolut nicht vermeiden lässt. Kurz vor Ende wird seine pazifistische Einstellung nochmals genauer deutlich, denn jeder Tod und jedes Leben verändert den Verlauf der Geschichte stark und so ist es auch bei diesem Anime der Fall.

Digitalisierung

Viele der vorkommenden Charaktere haben allerdings ein Problem. Dadurch, dass der Film gerade einmal eine Laufzeit von circa neunzig Minuten aufweist, werden sie nicht sehr stark charakterisiert. Es empfiehlt sich vorher also unbedingt den Manga zu lesen oder sich die Serie anzuschauen. Dann können Verknüpfungen leichter erkannt und Schlussfolgerungen eher gezogen werden. So ergibt Trigun: Badlands Rumble zwar durchgehend Sinn, aber die vollständige Charakterisierung bleibt aus. Immerhin liegt (der Blu-ray) ein kleines Booklet bei, in dem wenige Informationen zu Charakteren und zum Stil des Films zusammengetragen wurden. Der Zeichenstil hat sich seit 1998 nur rudimentär verändert. Es sind nach wie vor alle Charaktere zu erkennen, doch großartige Neuerungen sucht man im Detail. Außerdem ist der Film in 1080p vollständig digital entstanden, was in einigen Szenen stark und in anderen Szenen weniger stark zu erkennen ist. Letzteres wollte das Produktionsteam erreichen, um die Atmosphäre eines Italo-Westernfilms zu erzeugen. Atmosphärisch ist vor allem die japanische und die englische Sprachausgabe, die deutsche Synchronisation fällt befriedigend aus. Dabei kann man wie gehabt die japanische Tonspur nur mit deutschen oder englischen Untertiteln erleben. Die englische Tonspur kommt optional auch ohne Untertitel aus. Nach dem Abspann eignen sich 125 Minuten Bonusmaterial (Interviews, Making-of, Filmpremiere) hervorragend dazu, weitere Einzelheiten über den Anime und seine Produktion zu erfahren.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Ähnlich wie bei Rurouni Kenshin: Trust & Betrayal kannte ich die Serie zuvor nicht (und habe sie auch noch nicht gesehen) und so habe ich darauf gehofft, der Handlung ohne Vorwissen folgen zu können. Das hat soweit auch ganz gut funktioniert, doch sind die Charaktere teilweise zu stereotypisch aufgebaut. Das liegt vielleicht sogar der Intention des Animes, doch so kann ich mich nur selten in die Charaktere hineinversetzen. Zudem sind viele Anhaltspunkte einfach zu eindeutig, wodurch einiges an der suggerierten Spannung verloren geht. Dafür hat mir der Stil des Animes ganz gut gefallen, denn wenn Humor und Dialoge an die eines Italo-Westerns heranreichen, dann habe ich hier eine gute Alternative zum Vorbild gefunden. An das Einbinden amerikanischer Elemente hat man ebenfalls gedacht, denn so wirken die Wanted-Poster und einige der Nebencharaktere wie aus der Zeit des Wilden Westens beziehungsweise des späten neunzehnten Jahrhunderts entnommen. Das gepaart in Verbindung mit modernen Errungenschaften und einer deftigen Portion Action ergibt ein illustres Gesamtbild, welches man mal gesehen haben sollte. Wer sich aber tatsächlich für Trigun: Badlands interessiert, sollte meiner Meinung jedoch schon Vorwissen mitbringen, um die bestmögliche Unterhaltung gewährleistet zu bekommen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars zu Trigun Badlands Rumble!

Makoto Shinkai ist einer der Regisseure, der mit so gut wie jedem Film ein beeindruckendes Werk abliefert. Sein neuestes Werk Children who chase lost Voices beschäftigt sich mit dem Thema Tod und das auf eine tragische und zugleich fantastische Weise.

Asuna ist ein einzigartiges Mädchen. Nach dem Tod ihres Vaters wird sie bereits in jungen Jahren erwachsen, denn sie unterstützt ihre Mutter wo sie nur kann. Nach der Schule trifft sie sich deshalb nicht mit Freundinnen, sondern kümmert sich um den Haushalt und bereitet sich auf die nächsten Schulstunden vor. Jedoch benötigt auch sie einmal eine Auszeit und begibt sich deshalb des Öfteren in die umliegenden Wälder und Berge. Eines Tages wird sie jedoch von einem seltsamen Wesen angegriffen und in jenem Moment, wo sie dem Tod bereits ins Auge blickt, taucht ein mysteriöser Junge auf, der die Bestie attackiert und töten muss. So schnell der Junge aufgetaucht ist, so schnell verschwindet er wieder aus dem Blickfeld von Asuna. Am darauffolgenden Tag verändert sich für das Mädchen sehr viel, denn zum einen stellt sich ihr der neue Lehrer in der Schule vor, der eine Geschichte von einem Liebespaar erzählt, welches durch den Tod getrennt wurde und zum anderen wird die Leiche des Jungen gefunden. Asuna erinnert sich an die Geschichte ihres Lehrers, sucht diesen auf und macht sich dann auf den Weg, die unterirdische Welt Agartha zu finden. In den Bergen taucht Shin auf, welcher der Bruder des Verstorbenen Shun ist. Beide Jungen stammen noch dazu aus Agartha. Das nutzt Asunas Lehrer aus. Der will nämlich seine tote Geliebte wiedersehen.

Trauerphasen

Das Thema Tod ist der Anhaltspunkt in Children who chase lost Voices. Jeder wird mit hoher Wahrscheinlichkeit einmal einen geliebten Menschen verloren haben und jeder wird den einen oder anderen verstorbenen Menschen gerne noch einmal wiedersehen. In Agartha soll dies möglich sein und Lehrer Ryūji Morisaki drastisches Vorgehen können wir daher sehr gut nachvollziehen. Die Welt Agartha ist jedoch kein friedlicher Ort, denn nachts lauert hier die Gefahr in Form von Wesen, die sich nur im Dunkeln fortbewegen können und Asuna und ihre Begleiter sehr gerne verspeisen möchten. Selbst in jenem Moment, als sie eine bewohnte Siedlung in Agartha finden, werden sie dort wieder weggeschickt. Zudem werden sie von den Soldaten der Stadt verfolgt, als die von ihren Plänen erfahren. Der zentrale Konflikt entbrennt. Wir stellen uns selbst die Frage, ob es richtig ist, einen toten Menschen wiederzubeleben oder ob die Natur beziehungsweise der Kreislauf des Lebens unangetastet bleiben soll. Letzterer ist ebenfalls in Form einer Metapher zu sehen, als das Katzenwesen Mimi nach Erfüllen ihrer Aufgabe in der Welt an einen Quetzalcoatl, einem Wächter der Welt, übergeben und ein Teil von diesem wird. Die Handlung von Children who chase lost Voices kann grundsätzlich als Aneinanderreihung und Gemisch von verschiedenen Trauerphasen gewertet werden.

Ernste Thematik

Nachdem sich Makoto Shinkai zuletzt mit 5 Centimeters per second der Liebe und dem Leben zugewandt hat, versucht er mit Children who chase lost Voices gegenteilige Gefühle bei den Zuschauern hervorzurufen. Es ist wirklich beeindruckend, wie schnell er die Emotionen eines Menschen beeinflussen kann. Children who chase lost Voices ist somit kein lustiger Anime und stellenweise hatte er auf uns auch eine depressive Wirkung. Das macht ihn jedoch nicht schlechter, denn schließlich behandelt er ein ernstes Thema, mit dem sich jeder früher oder später leider einmal befassen muss. Es gehört zum Leben dazu und wenn man so gleichzeitig jüngere und ebenso erwachsene Anime-Fans ansprechen kann, dann hat Makoto Shinkai nach seinem letzten Werk ebenfalls wieder großartige Arbeit geleistet. Diese Arbeit spiegelt sich natürlich in der des ganzen Produktionsteams wieder. Die Zeichnungen beeindrucken mit sehr weiten und leeren, dafür umso farbenfroheren Landschaften, die noch dazu mit den typischen Lichteffekten beleuchtet werden. Die Charaktermodelle fallen diesmal jedoch kindlicher aus und erinnern mehr an Studio-Ghibli-Produktionen. Die deutsche Synchronisation funktioniert, doch hat die japanische Tonspur die Nase deutlich vorn. Neben dem 116 Minuten langen Film liegen auf der Blu-ray mehr als einhundert Minuten Bonusmaterial (Interview, Making-of und die originalen Trailer) bei. So sieht eine gute Anime-Veröffentlichung aus!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nach The Voices of a Distant Star und vor allem dem Meisterwerk 5 Centimeters per second bin ich ein großer Bewunderer von Makoto Shinkai geworden. Es scheint so, dass er mit Leichtigkeit jedes Thema in einem Anime hervorragend vorstellen und den Zuschauer dazu bewegen kann, sich mit diesem auch nach dem Ansehen zu beschäftigen. Jeder von uns wird sicherlich schon einmal die Erfahrung gemacht haben, dass ein geliebter Mensch gestorben ist und man ihn nur zu gerne wiedersehen möchte. In Children who chase lost Voices haben die Charaktere diese Option und versuchen sie zunutzen – zumindest einer von ihnen. Wie sich die Story entwickelt und wie sich die vor allem auf die betreffenden Personen auswirkt, ist nochmals ein Thema für sich, doch psychologische Abhandlungen führen hier zu weit. Fakt ist, dass die Entscheidungen der Personen nachvollziehbar sind, auch wenn ich mir für Asuna als Schlüsselfigur noch tiefgründigere charakteristische Merkmale gewünscht hätte. Noch dazu endet der Anime für mich zu abrupt, denn kaum wurde der zentrale Konflikt gelöst, läuft auch schon der Abspann über den Fernseher. Über diese Mankos kann ich jedoch hinwegsehen, denn der Titel, der laut Film komplett eigentlich Children who chase lost Voices from Deep Below heißen müsste, regt mit seiner ernsten Thematik von Anfang bis Ende zum Nachdenken an.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Children who chase lost Voices!