Dragon-Ball-Fans haben in der ersten Volume von Dragon Ball Super nur wenig Neues erlebt, die ersten 18 Folgen basieren im Grunde auf dem Film Dragon Ball Z: Kampf der Götter. Bei der zweiten Volume sieht es sehr ähnlich aus, denn auch hier gab es einen Film als Vorlage.

Ein Großteil der Ereignisse in den gerade einmal zehn Folgen der zweiten Volume von Dragon Ball Super ist dem Film Dragon Ball Z: Resurrection ’F’ entnommen. Wirklich schlimm ist das nicht, da die Story auch in Serienform wunderbar funktioniert, mit ein paar erweiterten Szenen überzeugt und zudem neue Figuren einfügt, die in Resurrection ’F’ nicht aufgetreten sind. So wird die Geschichte in ein wesentlich greifbareres Gesamtpaket gepackt, das inhaltlich sehr wohl überzeugen kann, auch wenn beinharte Fans, die den vierzehnten Dragon-Ball-Z-Film bereits gesehen haben, hier und da etwas gelangweilt von der logischerweise gestreckten Handlung sein dürften. Handlungstechnisch knüpft das zweite Episodenpaket an die Folgen der ersten Volume nahtlos an. Nach langem Flehen und Betteln und Burumas freundlichen Einladungen zum Essen, willigte Uisu schließlich ein, Son Gokū auf Birusus Planeten zusammen mit Bejīta zu trainieren. Das Training gestaltet sich für die beiden kampfeslustigen Saiyajin jedoch ganz anders als sie es erwartet haben. Anstatt sofort neue Kampftechniken zu erlernen, ihre Angriffe zu verfeinern oder ihre Körper zu stählen, sollen sie für Uisu und Birusu die Hausarbeit erfüllen: Unter anderem müssen sie den Rasen mähen und Birusus Bett machen – während dieser darauf schläft und unter keinen Umständen geweckt werden darf.

Alter Feind mit neuer Stärke

Anderorts verlagert sich die Geschichte auf Sorube, den Kommandanten von Furīzas verbleibenden Truppen. Dieser begibt sich mitsamt dem Führungsstab, nachdem er die Bewohner des Planeten Namekku nicht ausfindig machen konnte, auf die Erde. Dort angekommen sammeln sie die sieben irdischen Dragon Balls und lassen den toten Tyrannen wieder auferstehen. Furīza ist sichtlich froh, den Qualen der Heiterkeit in der Hölle entkommen zu sein. Aufgrund dessen, dass Gokū in den letzten Jahren sehr viel mächtigere Feinde wie Majin Bū besiegt hat, begibt sich Furīza auf eine mehrmonatige Reise, um zu trainieren und seine Kampfkraft zu steigern. Anstatt auf dutzende Filler-Episoden zu setzen, überspringt Dragon Ball Super ein paar Monate und setzt kurz darauf mit der Ankunft des Bösewichts auf der Erde ein. Da Gokū und sein ewiger Kontrahent Bejīta Millionen von Lichtjahren entfernt trainieren, ahnen sie nichts von dem, was auf der Erde geschieht. Somit müssen Gokūs Sohn Son Gohan, sein wohl bester Freund Kuririn und sein alter Lehrmeister Muten Rōshi zusammen mit Pikkoro, Tenshinhan und Burumas neuen Freund Jako für die beiden Saiyajin einspringen. Die Lage scheint aufgrund Furīzas neuer Stärke allerdings aussichtslos, sodass Buruma den Entschluss fasst, mit einem Erdbeereisbecher Uisu und Birusu auf den Stand der Dinge aufmerksam zu machen.

Solide Fortsetzung mit bekannten Mängeln

Wie in Resurrection ’F’ funktioniert die Handlung auch in der Serie mit einigen Überraschungen sehr gut. Unter anderem erfährt der Zuschauer etwas mehr über Birusus Familie beziehungsweise dessen Bruder Shanpa. Leider können diese frischen Inhalte nicht über die technische Qualität hinwegtäuschen. Das farbenfrohe Design der Serie weiß zwar zu gefallen, doch an Animationen und einigen Charakterzeichnungen hätte das Animationsstudio nicht sparen dürfen. Ulkigerweise wird diese Kontinuität hier und da unterbrochen, um Rückblenden aus Dragon Ball Z samt der älteren und der damaligen Zeit entsprechend besseren Qualität auf das 16:9-Format hochskaliert unterzubringen. Das geht an einer Stelle sogar so weit, dass ein Flashback aus einer in diesem Episodenpaket enthaltenen Folge eingespielt und die Bildqualität verschlechtert wird, was stilistisch jedoch auch nicht mit den Ausschnitten der Szenen aus den frühen 1990er-Jahren zusammenpasst. Hier bleibt für die Fans also zu nur hoffen, dass die Erfahrung der Köpfe hinter dem Projekt mit den nächsten Episoden wächst. Ansonsten bietet die zweite Volume von Dragon Ball Super nicht mehr und nicht weniger als das Seriendebüt. Das heißt auch, dass es neben einem – aufgrund der halbierten Episodenzahl – wirklich sehr kurzen Episodenguide kein Bonusmaterial gibt. Schade, aber dennoch verschmerzbar.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nachdem die ersten Episoden von Dragon Ball Super ein immerhin noch gutes Seriendebüt aufs Parkett gelegt haben, ist die zweite Volume leider nur gehobener Durchschnitt. Auf jeden Fall weiß die Story zu gefallen, denn auch wer Resurrection ’F’ bereits gesehen hat, kommt an ein paar Stellen in den Genuss einer kleinen Überraschung oder zumindest zusätzlicher Szenen, die vor allem mit lauter Dragon-Ball-Humor und –Charme überzeugen. Negativ fällt hingegen die Qualität der Animationen und einigen Charakterzeichnungen auf, was bereits in den vorherigen Episoden bemängelt wurde. Insbesondere im Vergleich mit den eingespielten Flashbacks aus Dragon Ball Z, die nicht neu animiert worden sind, fällt die etwas schlechtere Qualität deutlich auf. Ebenso ist es schade, dass gerade einmal zehn Episoden in der zweiten Volume vorhanden sind. Da es keinerlei digitales Bonusmaterial und abermals nur ein kurzes und knappes Booklet mit Episodenguide gibt, bleibt von Dragon Ball Super dieses Mal nur ein kleiner Genuss übrig. Bleibt zu hoffen, dass sich die Serie ab der dritten Volume, die dann keine Filmvorlage mehr hat, auf bildtechnischer Ebene deutlich besser entfalten kann.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Dragon Ball Super (Vol. 2, Episoden 18–27)!

In der fünfzehnten Serienbox der Anime-Serie One Piece hat sich die Erzählung voll und ganz auf Monkey D. Ruffy konzentriert. Fans der anderen Strohhut-Piraten müssen aber nicht verzagen, denn in der sechzehnten Serienbox gibt es ein Wiedersehen mit Nami, Sanji und Co.

Mit dem Tod von Ruffys Bruder Ace und Edward Newgate, besser bekannt als Kapitän Whitebeard, schien der Krieg zwischen den Piraten und der Marine endgültig zu eskalieren. Hinzu kam, dass sich die aussichtslose Lage mit dem Eintreffen von Kapitän Blackbeard erst in dem Moment relativierte, als auch noch der rote Shanks, einer der vier Kaiser, in den Kampf eingriff und den Krieg für beendet erklärt hatte. Davon mitbekommen hat Ruffy allerdings nichts, denn der Tod seines geliebten Bruders hat seine Psyche zum Einsturz gebracht. Mit Trafalgar Laws Unterseeboot sowie mit der Hilfe von Fischmensch Jinbee und der unsterblich in Ruffy verliebten Boa Hancock konnte der Anführer der Strohhut-Piraten in Sicherheit gebracht werden. Während er sich auf der Insel Amazon Lily ausruht und seine Wunden kuriert, erinnert er sich an seine Kindheit. Das heißt, dass die Anime-Serie einen Zeitsprung von zehn Jahren in die Vergangenheit macht. In einer mehreren Folgen umfassenden Geschichte erfährt der Zuschauer, wie Ruffy von seinem Großvater Garp zu Dadans Bergräuberbande in der Nähe des Windmühlendorfes auf der Insel Dawn im Eastblue gebracht wird und dort erstmals auf Ace trifft. Obwohl Ace anfangs kein Interesse daran hat, sich mit Ruffy anzufreunden, lässt dieser nicht locker und schafft es nach einigen Wochen, Ace im Dschungel der Insel aufzuspüren.

Kindheitserinnerungen

Hauptsächlich konzentriert sich diese etwas längere, aber absolut nicht langweilige Rückblende mit der zwischenmenschlichen Beziehung von Ace und Ruffy. Wie schon in den Episoden der fünfzehnten Serienbox bekannt wurde, handelt es sich bei den beiden Hitzköpfen nicht um leibliche Brüder. Daher ist es auch umso interessanter zu sehen, wie sich diese beiden ungleichen Charaktere zusammenraufen und sich Brüderlichkeit schwören. Alleine sind die Freunde jedoch nicht, denn die Anime-Serie nimmt sich ebenso die Zeit, auch noch eine weitere Figur einzuführen. Hierbei handelt es sich um den blonden Jungen Sabo, der Ace seit ein paar Jahren dabei hilft, einen durch mehrere Raubzüge ergatterten Schatz anzuhäufen. Sabo, der sich ebenso mit seinen beiden Freunden verbrüdert, hat eine sehr tragische Hintergrundgeschichte, über die aus Spoiler-Gründen allerdings nicht so viel verraten werden soll. An dieser Stelle sei nur gesagt, dass der Konflikt zwischen ihm und seiner eigenen Familie einen Einfluss auf das Fortbestehen ihrer Freundschaft hat, die mit Schmerzen unterschiedlichster Art behaftet ist. Alle drei Kinder schwören sich, eines Tages als Pirat in See zu stechen. Dass dieses Unterfangen zumindest für Ruffy und Ace geglückt ist, sollte für Fans keine Neuigkeit sein. Ob Sabo diesen Traum ebenfalls verwirklichen konnte, muss der Zuschauer aber selbst herausfinden.

Wiedersehen mit den Strohhüten

In den weiteren Erzählsträngen der gerade einmal 27-teiligen Serienbox rückt Ruffy in den Hintergrund, damit auch der weitere Verbleib seiner Freunde geklärt werden kann. Während Navigatorin Nami beispielsweise auf Wheateria Forschung über das Wetter betreibt, trifft Smutje Sanji auf Ruffys Verbündeten Emporio Ivankov nach dessen Rückkehr in sein Königreich, und Lorenor Zorro darf auf eine Revanche mit Mihawk Falkenauge hoffen. Über die Zeitung erfahren sie unabhängig voneinander, was mit Ace geschehen ist und wollen sich von überall auf der Welt unverzüglich auf den Weg machen, um ihren Kapitän in dieser schwierigen Zeit zu unterstützen. Ruffy wird von Silvers Rayleigh jedoch davor gewarnt, sofort zum Sabaody-Archipel zurückzukehren, da er und auch seine Freunde im Kampf gegen die Marine und andere Piraten in der neuen Welt noch viel zu schwach seien. Es bleibt also durchaus sehr spannend und die verzahnte Erzählstruktur sorgt dafür, dass selbst weit zurückliegende Erlebnisse wie der Kampf gegen Enel auf Skypia eine Bedeutung haben. Inhaltlich sind die Folgen zwar nicht mehr ganz so stark wie die Episoden der fünfzehnten Serienbox, doch immer noch gut und detailliert gestaltet. Auch dass ab Episode 505 auf das 16:9-Format umgestellt wird, dürfte jeden One-Piece-Fan erfreuen, denn wie heißt es doch so schön: Besser spät als nie!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 490 bis 516 der Serie): One Piece erreichte mit den Episoden der fünfzehnten Serienbox eine inhaltliche als auch emotionale Tiefe, welche die Anime-Serie zuvor nur selten erreichte. Von der sechzehnten Serienbox darf dies – wenig überraschend – daher nicht erwartet werden. Dies ist aber auch gar nicht schlimm, denn mit einer sich über drei Datenträger ziehende Rückblende in die Kindheit von Ruffy und Ace kann das Phänomen One Piece mit einem durchaus sehr frischen Handlungsstrang ergänzt und somit ein paar Lücken gefüllt werden. Auch das Wiedersehen zwischen dem Zuschauer und den anderen Strohhüten kommt genau zur rechten Zeit, wenn auch das Einfinden in die einzelnen Geschichten zunächst etwas mühselig ist, da auch in jeder einzelnen Episode von einem Charakter zum nächsten gesprungen wird. Die verzahnte Erzählweise muss dem Aufbrechen der Handlungsstränge allerdings erneut zugutegehalten werden – und vor allem die letzte Episode der vorliegenden Serienbox stellt die Weichen für einen gänzlich neuen Handlungsstrang, auf den sich jeder Zuschauer und Fan von One Piece freuen darf.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece: Box 16 (Episoden 490-516)!

Nachdem Kazé Anime im September 2018 die erste Volume der Anime-Serie aus dem Jahr 2016 veröffentlicht hat, folgte im November 2018 das zweite Episodenpaket. Dieses führt die Story der ersten vier Folgen nicht nur fort, sondern stellt die Helden auch vor neue Probleme.

Inhaltlich knüpft die Handlung von Grimgar, Ashes and Illusions nahtlos an die Episoden der ersten Volume an. Die Gruppe rund um Haruhiro und Co muss einen herben Rückschlag in Kauf nehmen. Nur wenige Wochen nach ihrer rätselhaften Ankunft im Fantasy-Reich Grimgar ist ihr Anführer Manato an den Folgen einer schweren Verletzung, die er sich im Kampf gegen einen Goblin zugefügt hat, gestorben. Nach der Einäscherung seines Leichnams wissen die verbliebenen Gruppenmitglieder nicht, wohin ihre Reise führt. Damit sind die Charaktere im Übrigen nicht alleine, denn auch der Zuschauer weiß zu Beginn der zweiten Volume noch nicht, worauf die Anime-Serie eigentlich abzielt. In ihrer Hoffnungslosigkeit verkriechen sich der Dieb Haruhiro, der Krieger Moguzō und der schwarze Ritter Ranta in die nächstgelegene Kneipe und ertränken sich Abend für Abend in ihrem Suff. Dennoch erhalten sie dort den Tipp, sich einen neuen Heiler zu suchen. Ohne Magierin Shihoru und Jägerin Yume zu fragen, heuern sie die Priesterin Mary an und versuchen an ihrer Seite zu kämpfen. Trotz der neuen Hilfe fällt es der Gruppe schwer, gemeinsam im Kampf zu agieren. Auch als Renji auftaucht und ihnen eine Goldmünze für den Verlust ihres Freundes schenkt, macht das die Situation nicht besser. Nach den letzten Geschehnissen bleibt die Stimmung in der Gruppe gespalten.

Verlust und Zugewinn

Auf Basis des Trauerfalls können sich die Figuren auf zwischenmenschlicher Ebene annähern. Zum einen untereinander, zum anderen auch in Bezug auf Mary, die in der Heldengruppe zunächst kaum aufgenommen wird. Es fällt den Charakteren schwer, mit ihr im Team zu arbeiten, sodass sie gemeinsam versuchen, eine Lösung für das Problem zu finden. Hierbei wird ein interessanter Aspekt in der Geschichte behandelt, denn während in typischen Rollenspielen ein Charakter mit der Zeit durch eine andere Figur leicht ersetzt werden kann, müssen sich die Gefährten in Grimgar, Ashes and Illusions tatsächlich zusammenraufen und miteinander agieren. Hier zeigt sich auch, wie gut die einzelnen Protagonisten ausgearbeitet sind: Egal ob es nun um Hitzkopf Ranta, um den weltverbessernden Haruhiro oder sogar um die introvertierte Mary geht – alle Figuren haben ihre eigene Persönlichkeit. Im Falle von Mary kommt sogar eine ausgetüftelte Hintergrundgeschichte hinzu, da sie schon länger in Grimgar unterwegs ist als die anderen. Das macht die wichtige Gruppendynamik um ein ganzes Stück glaubhafter. Schade ist allerdings, dass es auch die zweite von drei Volumes nicht schafft, der Geschichte ein Ziel zu verpassen. Im Fokus steht dieses Mal lediglich die Verarbeitung von Manatos Tod und die Aufnahme von Mary in die Gruppe. So tritt die Handlung auf der Stelle!

Fortführung von Bekanntem

Optisch weiß Grimgar, Ashes and Illusions auch in den Episoden der zweiten Volume absolut zu überzeugen. Nach wie vor arbeitet die Anime-Serie mit blassen Farben und den dazugehörigen seichten Übergängen, die hervorragend zur mittelalterlichen Fantasy-Welt passen. Der Stil ist erwachsen und harmoniert sehr gut mit den Charaktermodellen, für dessen Design nach wie vor Hosoi Mieko verantwortlich ist. Einzig und allein die Animationen könnten noch etwas abwechslungsreicher sein, zumal die Helden bis auf eine Ausnahme einzig und allein nur gegen Goblins kämpfen. An anderen Stellen ist das meist ruhige Bild jedoch notwendig, da die facettenreichen Charaktere mit ihren einzigartigen Beweggründen in den Dialogen die langsame Erzählweise unterstützen. Hinzu kommt ein gelungener Soundtrack, der sowohl die ruhigen Momente, als auch die hektischen Kämpfe nachvollziehbar unterlegt. Sowohl die deutschen als auch die japanischen Sprecher wurden für ihre Rollen passend ausgesucht. Ranta wird in der deutschen Fassung beispielsweise von Patrick Bach gesprochen, den Fans der Peter-Jackson-Verfilmung von Der Herr der Ringe als deutsche Stimme von Samweis Gamdschie kennen. Als Bonus gibt es laut Herstellerangaben ein 40-seitiges Booklet. Zum Test lag es nicht vor, doch ist hier von der typischen Kazé-Anime-Qualität auszugehen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Obwohl Grimgar, Ashes and Illusions in den ersten vier Episoden einiges über die Charaktere und das Fantasy-Reich erzählt hat, sind einige Details dennoch recht kryptisch. Die Folgen der zweiten Volume führen dieses Konzept in genau dieser Form weiter und vergessen dabei nach wie vor, den Helden eine Motivation zu geben oder gar ein Ziel vor Augen zu führen. In einem Monolog findet sich der Protagonist Haruhiro sogar damit ab, dass sie jetzt in Grimgar sind und dort als Freunde zusammen leben. Damit schwindet die Chance, die Geschichte – zumindest an dieser Stelle – zu einem runden Ende zu erzählen. An der technischen und akustischen Umsetzung der Anime-Serie ist aber erneut nichts auszusetzen, denn sowohl die Zeichnungen der Hintergründe als auch die der Charaktere harmonieren in Einklang mit einem angemessenen Soundtrack. Es bleibt dennoch spannend, wie Animationsstudio A-1 Pictures die Serie in der dritten und damit letzten Volume zu einem Ende führen wird.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Grimgar, Ashes and Illusions (Vol. 2)!

Während sich die erste Volume der Superhelden-Anime-Serie My Hero Academia nahezu voll und ganz auf die Aufnahmeprüfung konzentrierte, schilderte die zweite Ausgabe den Alltag an der Yūei-Akademie. Auf diesen Grundlagen baut das Staffelfinale der ersten Season auf.

Im Mittelpunkt der Handlung steht nach wie vor Protagonist Midoriya Izuku, der es mittlerweile halbwegs geschafft hat, nicht nur von der äußerst berühmten Yūei-Akademie aufgenommen, sondern auch noch von seinen Mitschülern nach der einen oder anderen Startschwierigkeit akzeptiert worden zu sein. In theoretischen und praktischen Übungen hat Izuku es geschafft, sich einen Namen zu machen und seine Fähigkeiten als Superheld zumindest ein ganz klein wenig weiterzuentwickeln. Zu Beginn der dritten Volume stehen die Nachwuchshelden jedoch vor einem gänzlich neuen Problem. Während der Schulzeit tauchen Anhänger der ominösen Schurken-Liga auf, die auf der Suche nach All Might sind. Dieser hat aufgrund einer privaten Angelegenheit den Unterricht in letzter Zeit allerdings ausfallen lassen, was den Schurken aber natürlich egal ist. Sie machen es sich ganz einfach in den nicht gerade überschaubaren Räumlichkeiten der Yūei-Akademie breit, woraufhin sich rasch ein nach und nach ausufernder Kampf zwischen den Schurken und Helden entfaltet. Zeitweise zieht sich dieser Kampf ganz schön in die Länge, da die Schurken mit allen Wassern gewaschen sind und sie von ihrem Anführer die Warnung erhalten haben, die Schüler der Akademie aufgrund ihres jungen Alters nicht zu unterschätzen. So werden die Spezialitäten der Figuren auf andere Art beleuchtet.

Ernsthaftigkeit bis zum Schluss

Demnach nehmen die Kämpfe und die Vorstellung der Spezialfähigkeiten auch in der dritten und letzten Volume der ersten Staffel einen besonderen Stellenwert ein. Ein Charakter kann wie eine Spinne an Wänden hinauflaufen, noch dazu sehr hoch springen, die Zunge bis zu zwanzig Metern rausstrecken und sogar den eigenen Magen nach außen öffnen. Dieser nicht wirklich appetitliche Anblick bleibt dem Zuschauer zwar glücklicherweise erspart, zeigt jedoch wunderbar die durchaus vielfältige Ausarbeitung der Helden und Schurken. In den vorherigen Volumes war das zwar nicht anders, erreicht in der dritten Ausgabe allerdings einen gänzlich neuen Höhepunkt. Grundsätzlich nimmt sich die Handlung von My Hero Academia im ersten Staffelfinale überraschend ernst, denn wenn in den abschließenden Folgen üble Schurken auf strahlende Helden treffen, knacken einerseits nicht selten die Knochen und andererseits wird die Yūei-Akademie als zentraler Handlungsort zu einem Schauplatz der Verwüstung. Für den serientypischen Humor ist tatsächlich nur an sehr wenigen Stellen Platz, kann dann aber mit dem einen oder anderen Knaller regelrecht zünden. Das beste Beispiel dürfte wohl der Rektor sein, der sich All Might bei einem privaten Besuch ausgiebig vorstellt und dabei gar das wohl bekannteste Superman-Zitat in abgewandelter Form zur Selbstdarstellung ausschlachtet.

Ausbau der gelegten Grundlagen

My Hero Academia bleibt der bisherigen Serienstruktur treu. Das heißt, dass die zahlreichen Nebenfiguren nicht sonderlich intensiv vorgestellt werden und sich die Story weiterhin auf die wichtigsten Hauptfiguren konzentriert. Insbesondere All Might nimmt durch seine Vorreiterrolle einen wichtigen Platz in den abschließenden vier Episoden dieser Staffel ein. In stilistischer Hinsicht baut die dritte Volume vor allem auf der zweiten Ausgabe und viel weniger auf den Serienauftakt auf. Die US-amerikanischen Einflüsse, die in den ersten Folgen noch an allen Ecken und Enden deutlich waren, manifestieren sich jetzt nur noch in der Figur von All Might. Das restliche Bild zeigt dennoch einen wunderbaren japanischen Anime, der in 1080p und im bildschirmfüllenden 16:9-Format vor allem während der Kämpfe fantastische Animationen und Effekte ausspielt. Hinzu kommt eine grandiose Musik, die alle Situationen sehr stimmungsvoll unterlegt. In puncto Synchronisation können beide Tonspuren in DTS-HD Master Audio 2.0 überzeugen, wobei den japanischen Sprechern so manche Betonung einfach besser gelingt. Digitales Bonusmaterial liegt auf der Blu-ray Disc abermals nicht vor, dafür entschädigt Kazé Anime mit einer Character Card, einem Sticker und einem Booklet. Diese Materialien standen zu Testzwecken nicht zur Verfügung, es ist aber von der Qualität der ersten beiden Volumes auszugehen, über die sich Fans des Franchises sicherlich ebenfalls freuen dürfen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Dem Animationsstudio Bones ist 2016 die Anime-Umsetzung der seit 2014 laufenden Manga-Serie My Hero Academia wirklich sehr gut gelungen, zumindest in der ersten und dritten Volume der ersten Staffel. Nach ein paar etwas langatmigen Episoden konnten die Folgen der dritten Ausgabe mit dem Staffelfinale wirklich begeistern. My Hero Academia überrascht dieses Mal mit einer ernsten Erzählweise, die nur wenig Platz für den serientypischen Humor lässt. Wirklich schlimm ist das aber nicht, da das Anschauen der Episoden so noch wesentlich besser funktioniert, zumal sich die Story in der dritten Volume voll und ganz um All Might dreht und die Handlung so stringent zu einem Ende erzählt werden kann. Zwar gibt es ein paar Punkte, an denen sicherlich in der zweiten Staffel angeknüpft werden wird, doch auch wer auf eine Fortsetzung keine Lust mehr hat, wird mit dem Finale der ersten Staffel einen äußerst runden Abschluss erleben können.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von My Hero Academia (Vol. 3)!

Nachdem Kazé Anime im September 2018 die erste Volume der tiefgründigen und intelligent erzählten Anime-Serie Mirai Nikki veröffentlicht hat, folgte einen Monat später das zweite Episodenpaket, das auf dem Grundgerüst mit dem einen oder anderen genialen Kniff aufbaut.

Zu Beginn der siebten und damit ersten Episode der zweiten Volume bekommen Protagonist Amano Yukiteru und seine Freundin Gasai Yuno Probleme mit einem neuen Rivalen im Spiel auf Leben und Tod. Der gerade einmal vierjährige Hōjō Reisuke wurde nach dem Tod seiner Eltern von Yukiterus Mutter aufgenommen, sodass er mit Yukiteru und Yuno in Kontakt treten kann. Obwohl die frische Familie anfangs in Harmonie miteinander zu leben scheint, bröckelt die Fassade schnell und Reisuke zeigt sein wahres Gesicht. Er ist ebenso im Besitz eines der titelgebenden Zukunftstagebücher und will seine Kontrahenten ausschalten. Auf diverse Art und Weise versucht er, Yukiteru und Yuno zu töten. Dabei fällt auf, dass die Gedanken eines Vierjährigen ganz schön finster und durchtrieben sein können. Unter anderem überlegt er sich, Yuno mit einem elektrischen Schlag zu töten und schreckt außerdem nicht davor zurück, Giftgas zum Bekämpfen seiner Feinde einzusetzen. Bei all dem Trubel kommt auch Yukiterus Mutter zu schaden. Wie glaubhaft das sein soll, sei einmal dahingestellt – definitiv bleibt die Story in Mirai Nikki auf diesem Wege stets unvorhersehbar und sehr spannend. Wie der Kampf gegen Reisuke ausgeht, soll an dieser Stelle ebenfalls nicht verraten werden. Kurz darauf bekommen es Yukiteru und Yuno allerdings mit noch größeren Problemen zu tun.

Facettenreiche Charakterisierung

Kaum besuchen Yukiteru und Yuno eine neue Schule, lernen sie neue Freunde kennen, mit denen sie am Nachmittag einen Ausflug ins Grüne machen. Dort werden sie von einem Rudel wild gewordener Hunde in ein leerstehendes Gebäude gejagt und fürs Erste dort festgehalten. Um vorherzusehen, durch welche Fenster die gefräßigen Vierbeiner ins Haus eindringen wollen, muss Yukiteru regen Gebrauch von seinem Tagebuch machen. Das kommt für die eine Hälfte der Gruppe überraschend, für die andere Hälfte ist diese Enthüllung jedoch ausreichend, um sich selbst als Tagebuchbesitzer vorzustellen. In den Szenen der achten und neunten Episode überschlagen sich die Geschehnisse regelrecht, was vor allem für Yukiterus und Yunos zwischenmenschlicher Beziehung wichtig ist. Eifersucht, Freundschaft und Liebe gehen hier Hand in Hand und zeigen sehr gut, wie vielschichtig die einzelnen Figuren in Mirai Nikki sind. Es werden allerdings nicht nur Yukiteru und Yuno stärker charakterisiert, auch die zahlreichen Nebenfiguren haben ihre eigene Persönlichkeit, die in der zweiten Volume stark beleuchtet werden. Hinzu kommen Hintergrundgeschichten, die das Spiel auf Leben und Tod stark intensivieren: Zum Beispiel steht in der zehnten Episode Minene Uryū im Mittelpunkt der Handlung. Angereichert wird die Story relativ häufig mit düsterem und seichtem Humor.

Erwachsenes Erscheinungsbild

An der technischen Gestaltungsweise hat sich seit dem Seriendebüt glücklicherweise nichts verändert. Auf der optischen Seite besticht der Anime aus dem Jahr 2011 in der Auflösung von 1080p im bildschirmfüllenden 16:9-Format mit dunklen Farben, schaurig-schönen Effekten und mit diffusem Licht. Dennoch gibt es in der zweiten Volume einige Szenen, die bei Tageslicht oder in der Freizeit der Charaktere spielen, sodass auch genügend Raum für heitere Momente bleibt. Diese stehen im starken Kontrast zur düsteren Handlung, sind aber vor allem für die Entwicklung der Persönlichkeiten absolut notwendig. Die Musik im Tonformat DTS-HD 2.0 passt sich dem Geschehen jederzeit an, sodass die absolut düstere Atmosphäre durchgehend spürbar ist. Sowohl die deutschen als auch die japanischen Sprecher wissen zu gefallen; hier sollte die Wahl schlicht nach persönlichen Präferenzen getroffen werden. In puncto digitales Bonusmaterial sieht es leider noch düsterer aus als bei der ersten Volume, da es schlicht nicht existiert. Laut Herstellerangaben liegen jedoch Memo-Karten, ein 12-seitiges Booklet und ein Handy-Hintergrund zum Downloaden als physisches Bonusmaterial bei. Mirai Nikki bleibt in der zweiten Volume unterm Strich nach wie vor eine sehr tiefgründige und spannende Anime-Serie, die mit seiner erwachsenen Erzählstruktur für offene Münder sorgt.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Mit der zweiten Volume von Mirai Nikki geht das Spiel auf Leben und Tod in die nächste Runde. Dieses Mal müssen sich Gasai Yuno und Amano Yukiteru nicht nur mit alten Feinden auseinandersetzen, sondern sich außerdem mit neuen Ärgernissen herumschlagen. Vertrautes wird mit Ungewohntem vermischt, was die Handlung frisch hält. Auch wenn diverse Charaktere wie der vierjährige Hōjō Reisuke stark überzeichnet sind und den Rand der Glaubwürdigkeit „knapp“ überschreiten, bleibt die Geschichte dennoch spannend und dank der erwachsenen Erzählung ist die Anime-Serie durchgehend stimmungsvoll. Letzteres liegt aber auch am düsteren Setting und der optischen und akustischen Gestaltungsweise, die der Qualität der ersten Episoden in Nichts nachsteht. Wer sich mit Mirai Nikki anfreunden konnte, darf auch gerne bei der zweiten Volume zuschlagen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Mirai Nikki (Vol. 2)!

Nachdem die vierte Serienbox der Anime-Serie Fairy Tail im September 2018 veröffentlicht wurde, mussten Fans der Reihe bis Anfang Februar 2019 auf die Fortsetzung warten. Dieses Mal steht eine sehr wichtige Prüfung und ein auswirkungsreicher Kampf gegen dunkle Magier im Mittelpunkt der Handlung.

In der 99. Episode von Fairy Tail wird der Handlungsbogen, der in den letzten beiden Folgen der vierten Serienbox begonnen wurde, nahtlos fortgeführt. Für die Helden der Gilde Fairy Tail hat die Aufstiegsprüfung zum mächtigen S-Rang-Magier begonnen. Damit einer von ihnen am Ende diesen Test bestehen kann, reisen die Auserwählten zusammen mit den drei amtierenden S-Rang-Magiern Elsa Scarlet, Gildarts Clive und Mirajane Strauss auf die Insel Tenrō, einem überaus heiligen und von der Außenwelt verborgenen und abgeschnitten Ort. Hauptfigur Natsu Dragneel ist selbstverständlich hellauf begeistert und will der nächste S-Rang-Magier werden. Hierbei ist er allerdings nicht alleine, denn auch seine Kontrahenten Cana Alberona, Elfman Strauss, Freed Justine, Gray Fullbuster, Juvia Loxar, Levy McGarden und Mest Gryder möchten dieses Ziel unter allem Umständen erreichen. Was anfänglich nach einem Abenteuer auf der Suche nach dem magischen Grab von Fairy Tails erster Gildenmeisterin Mavis Vermillion klingt, entpuppt sich schon kurz nach ihrem Eintreffen auf Tenrō als Aneinanderreihung an hitzigen Kämpfen. Schon in der ersten Folge der fünften Serienbox trifft Natsu auf Gildarts, wobei Protagonist Natsu feststellen darf, dass der S-Rang seinen Titel nicht von ungefähr hat. Der dazu geografisch limitierte Schauplatz ist wahrhaftig gut gewählt, da so das Aufeinandertreffen der Figuren vorprogrammiert ist und stets spannend bleibt.

Actionreiche Handlung

Um der S-Rang-Prüfung noch ein wenig Würze zu verleihen, haben sich die Köpfe hinter dem Projekt, allen voran Manga-Zeichner Mashima Hiro, gedacht, noch ein paar Bösewichte auf die heilige Insel zu schicken. Kaum haben sich Natsu und Co an die Beschaffenheit von Tenrō gewöhnt, taucht am Horizont ein Luftschiff auf. Das fliegende Vehikel gehört Hades, dem Anführer der dunklen Magiergilde Grimoire Heart. Diese hat kaum Interesse an der Prüfung oder Fairy Tails Absolventen, doch sind letztere ihnen bei ihrem Unterfangen ein Dorn im Auge. Auf der Insel soll sich Zeref begraben liegen, der angeblich stärkste und bösartigste Magier aller Zeiten, den sie wiederbeleben wollen. Das können die Magier der Gilde Fairy Tail selbstverständlich nicht zulassen und setzen sich gegen Hades und seine Verbündeten zur Wehr. Es entbrennen weitere Kämpfe, die Natsu und seinen Freunden arg zusetzen. Hinzu kommt, dass bei einem dieser Kämpfe der magische Tenrō-Baum gefällt wird – was dazu führt, dass die Fairy-Tail-Magier ihre Unsterblichkeit auf der der Insel verlieren. So zieht sich die Schlinge immer mehr um die Charaktere zu, wodurch die ausweglose Situation sowohl für die Charaktere als auch für den Zuschauer durchweg spürbar ist. Auf diesem Weg werden die actionreichen Kämpfe wunderbar mit der eigentlichen Handlung verbunden, sodass es sowohl inhaltlich als auch inszenatorisch niemals auch nur eine einzige Minute langweilig wird.

Bekannte und geliebte Optik und Akustik

In den vorliegenden Episoden hat sich Fairy Tail letztendlich zu einer Anime-Serie entwickelt, die an vielen Stellen in einem Atemzug mit Dragon Ball und One Piece genannt werden kann. Vor allem in optischer Hinsicht kann Fairy Tail mit letztgenannter Serie konkurrieren, da der Stil mehr als ähnlich ist, was Fans aber eh seit der ersten Folge wissen. Daher ist es auch nicht verwunderlich, dass nach wie vor auf das technische Grundgerüst der bisherigen vier Volumes aufgebaut wird: Alle Szenen werden in Full-HD-Auflösung und im bildschirmfüllenden 16:9-Format wiedergegeben. Die trüben Hintergründe, das manchmal diffuse Licht, die grellen Lichteffekte und das charmante Charakterdesign fügen sich gut zusammen, einzig und allein an den zu einfachen Bewegungen sollten die mittlerweile vier an der Produktion beteiligten Animationsstudios ein wenig schrauben. Akustisch können die beiden Tonspuren in DTS-HD Master Audio 2.0 immer noch überzeugen, was besonders am facettenreichen Soundtrack liegt, der sämtliche Situationen grandios mit passender Musik unterlegt und die Emotionen der vielschichtigen Charaktere ausdrückt. Die Synchronsprecher, sowohl in der japanischen als auch in der deutschen Tonspur, tun ihr Übriges, um durchweg Atmosphäre aufzubauen. Digitales Bonusmaterial gibt es in der fünften Serienbox leider nicht, dafür gibt es wieder ein Booklet mit Episodenguide, ein Klebe-Tattoo und einen Magneten mit Lucy-Heartfilia-Motiv.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Fairy Tail ist eine Anime-Serie, die sich oft in kleineren Handlungssträngen verliert, die nur mäßig begeistern können. Anders sieht es bei der fünften Serienbox aus, denn hier wird an das offene Ende des vorherigen Episodenpakets wirklich gut angeknüpft. Die Storyline rund um die S-Rang-Prüfung ist spannend und mit überraschenden Wendungen gespickt. So und auch gar nicht anders darf sich Fairy Tail auch gerne in Zukunft entwickeln. Vor allem die vielschichtigen Charaktere, die auch in den vorliegenden Folgen ein weiteres Mal im Kampf gegen durchtriebene und bösartige Feinde zusammenhalten müssen, tun ihr Übriges, damit es nicht langweilig wird. Viel Humor gibt es aufgrund der dieses Mal ein wenig düsteren und somit auch gereiften Handlung zwar nicht, doch ist das zur Abwechslung nicht so schlimm und zeigt Fairy Tail aus einem ganz neuen, vielleicht sogar deutlich besseren Blickwinkel.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Fairy Tail (Box 5, Episoden 99–124)!

Als am 19. November 1997 auf japanischen Fernsehgeräten zum letzten Mal der Abspann der Anime-Serie Dragon Ball GT flimmerte, ahnte wohl niemand, dass es bis Mitte 2015 dauern sollte, bis gänzlich neue Abenteuer mit Son Gokū und Anhang ausgestrahlt werden konnten.

Im deutschsprachigen Raum mussten Dragon-Ball-Fans sogar noch ein wenig tapferer als ihre japanischen Pendants sein, denn hierzulande wurde mit der Ausstrahlung erst zwei Jahre später begonnen, die Veröffentlichung auf Blu-ray Disc zog sich sogar bis Ende 2018 hin. Wer damit rechnet, dass es sich bei Dragon Ball Super um eine Fortsetzung von Dragon Ball GT handelt oder zumindest nach dem Ende von Dragon Ball Z spielt, irrt sich gewaltig. Stattdessen hat sich der Autor der Manga-Vorlage gedacht, die Geschichte von Dragon Ball Super in den zehnjährigen Zeitsprung kurz vor Ende der Serienhandlung von Dragon Ball Z zu packen. Toriyama Akiras Gedanke ist äußerst gewagt, zumal auch neue Figuren auftreten, auf die im Finale von Dragon Ball Z logischerweise nicht eingegangen werden konnte. Ob der Anime-Serie der Spagat gelingt, die zehnjährige Erzähllücke zu schließen, kann an dieser Stelle noch nicht beantwortet werden. Sehr wohl ist es jedoch möglich, die Erzählweise der ersten siebzehn in dieser Volume enthaltenen Episoden einzuschätzen. Vier Jahre nachdem Majin Bū die Erde terrorisiert hat, ist endlich wieder Frieden eingekehrt. Dementsprechend behandeln die ersten Folgen von Dragon Ball Super vor allem Gokū und seine Freunde beziehungsweise wie ihr Leben sich seither entwickelt hat. Am Horizont ist aber bereits der nächste Feind zu sehen.

Typischer Dragon-Ball-Charme

Bei diesem Widersacher handelt es sich um Birusu, den Gott der Zerstörung. Wer neben den Serien des Franchises auch die Filme im Blick hat, wird diesen Charakter sehr wohl aus Dragon Ball Z: Kampf der Götter und Dragon Ball Z: Resurrection ’F’ bereits kennen. Ähnlichkeiten gibt es auch in der Erzählstruktur, denn der vorliegende Handlungsstrang orientiert sich inhaltlich an den Eckpunkten des erstgenannten Films. Ein paar Zuschauern dürfte diese Entscheidung womöglich negativ auffallen, doch wer die Filme noch nicht gesehen hat, kommt in den Genuss einer durchaus interessanten Geschichte. Diese kann mit vorhersehbaren Wendungen zwar nicht gerade überraschen, punktet dafür jedoch mit umso witzigeren Momenten. Insbesondere wenn es um den Verzehr von Mahlzeiten geht, sind Birusu und sein Begleiter Uisu nicht mehr zu halten. Je exquisiter oder deliziöser ein Gericht ist, desto eher ist es nicht vor ihnen sicher. Von solchen Szenen ist der Auftakt der Anime-Serie durchzogen – und auch alle Fans von Lüstling Muten Rōshi, der aufbrausenden Chichi oder Großmaul Misutā Satan kommen voll auf ihre Kosten. Grundsätzlich wird jeder der zahlreichen Charaktere auf angemessene Art und Weise ins Rampenlicht gerückt. Hauptsächlich beschränkt sich die Handlung jedoch auf Gokū, der immer noch nicht an die Grenzen seiner Kräfte gestoßen ist.

Wenig pompöser Kampf der Götter

Einen Großteil der Story nimmt der Kampf zwischen Gokū und Birusu ein: Obwohl der Gott der Zerstörung seinen Kontrahenten Gokū bei ihrer ersten Begegnung in Sekundenbruchteilen krankenhausreif schlägt, entsteht im Handlungsverlauf eine Legende um den ominösen Super-Saiyajin-Gott, der die Auseinandersetzung zwischen den beiden anreichert. Um welchen Mythos es sich dabei handelt und wie dieser erweckt werden kann, sollte der Zuschauer aber mit eigenen Augen erleben. Ganz so pompös wie die Kämpfe aus Dragon Ball Z ist der Kampf der Götter überraschenderweise nicht. Erklärt wird das insofern, dass es unter Birusus Würde wäre, gegen einen unterlegenen Gegner mit voller Kraft zu kämpfen. Optisch gibt es im bildschirmfüllenden 16:9-Format und in Full-HD-Auflösung daher nur ein paar Hingucker, wenn hier und da mit effektreichen Techniken gekämpft wird. Schade ist auch, dass die Animationsqualität stark nachgelassen hat: Viele Bewegungen wirken unfreiwillig komisch. Unter akustischen Gesichtspunkten lässt Dragon Ball Super in DTS-HD Master Audio 2.0 auch zu wünschen übrig. Manche Musikstücke erinnern wunderbar an Dragon Ball Z, andere Tracks fühlen sich unpassend an, beispielsweise wenn chinesische Melodien bei diversen Nebensächlichkeiten aus den Lautsprechern trällern. Unterm Strich bleibt ein gutes Seriendebüt, das sich in den folgenden Episodenpaketen aber noch arg verbessern muss, um alte Stärke zu zeigen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Zwei Jahrzehnte lang mussten Dragon-Ball-Fans auf eine Fortsetzung in Serienform warten. In der ersten Volume von Dragon Ball Super wird thematisch zwar der Film Dragon Ball Z: Kampf der Götter behandelt, inhaltlich wird dieser jedoch stark mit vielen neuen Szenen erweitert. Das Wiedersehen mit Son Gokū wird in den ersten Minuten sicherlich jedem zusagen, mit der Zeit fallen aber ein paar negative Punkte auf, die vermeidbar gewesen wären. Damit ist absolut nicht die Adaption der Filmhandlung, die bewusst für die Serie übernommen wurde, gemeint. Viel eher stört es, dass der erste große Kampf nicht ansatzweise die Qualität der vorherigen Kämpfe aus Dragon Ball Z erreicht, was hier und da auch an den etwas schwachen Animationen liegt. Im direkten Vergleich und unter Berücksichtigung des technischen Fortschritts wirkt Dragon Ball Super nicht ganz so rund wie die Vorgängerserie. Auch dass an manchen Stellen unpassende Musik ausgewählt wurde, schmälert die eigentlich tolle Atmosphäre, die sich vor allem über den typischen Humor des Franchises hervorragend identifiziert. Das Seriendebüt lässt sich zwar auch mit diesen Defiziten immer noch 17 Episoden lang genießen, in den nächsten Ausgaben muss sich Dragon Ball Super aber unbedingt noch einmal steigern.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Dragon Ball Super (Vol. 1, Episoden 1–17)!

In der vierzehnten Serienbox der Anime-Serie One Piece setzte eine Entwicklung ein, die sich im Handlungsverlauf hauptsächlich auf Monkey D. Ruffy konzentriert hat. Dieser Erzählkniff setzt sich im fünfzehnten Episodenpaket fort und vergisst dabei alle anderen Strohhut-Piraten.

Mit dem Fischmenschen Jinbee, seinem alten Rivalen Mister Three, dem überaus gefürchteten Sir Crocodile, Großmaul Buggy, dem Clown, und über zweihundert anderen Sträflingen ist es Ruffy nach einigen nervenaufreibenden Strapazen endlich gelungen, aus dem Unterwassergefängnis Impel Down zu fliehen. Seinen geliebten Bruder Puma D. Ace konnte er in der Strafanstalt allerdings nicht befreien, dieser wurde inzwischen von der Marine nach Marineford gebracht, wo auch das Hauptquartier der Seeflotte liegt. Dort soll er um 15 Uhr unter allen Umständen hingerichtet werden, was Ruffy selbstverständlich nicht zulassen kann. Es bleiben ihm gerade einmal drei Stunden, Marineford zu erreichen und seinen Bruder vor dem Schafott zu retten. Aces Tod wollen allerdings nicht nur Ruffy und seine neue „Crew“ verhindern: Im Angesicht der aussichtlosen Situation hat sich auch Kapitän Whitebeard mit all seinen Kommandanten nach Marineford aufgemacht. Kaum ist Whitebeard mitsamt seinen Männern angekommen, eskaliert die Situation: Admiral Aokiji startet einen ersten Angriff auf den älteren Kapitän, wird dabei jedoch ins Meer geschleudert, wodurch dieses vereist wird und den Weg zur mondsichelförmigen Insel freilegt. Whitebeards Piraten stürmen auf das Schlachtfeld und verwickeln ebenso viele Marine-Soldaten in zahlreiche und sehr chaotische Kämpfe.

Bekannte Fehde und neue Hintergründe

Hauptsächlich drehen sich die 33 enthaltenen Episoden der mittlerweile fünfzehnten Serienbox um genau diese Schlacht, die als Wendepunkt in die Geschichte des großen Piratenzeitalters eingeht. Wer jetzt denkt, dass dermaßen viele auf einen Haufen kumulierte Kämpfe langweilig seien, irrt sich gewaltig. Mit jeder einzelnen Folge steigert sich nicht nur der Gewaltgrad, der die Sinnlosigkeit des Krieges zwischen den Piraten und der Marine ausdrückt, sondern auch die unvorhersehbaren Wendungen, die mit einigen Überraschungen gespickt sind. Ständig erreichen neue Figuren das Schlachtfeld, die im Kampfgetümmel mitmischen wollen – und offenbaren dabei ihre ganz besonderen Absichten. Hierbei bedient sich die Erzählweise ebenso gelegentlichen Rückblenden. Auch hier entstehen kaum Ermüdungserscheinungen, denn in der Tat beziehen sich nur sehr wenige Flashbacks auf Ereignisse, die im Verlauf der auf über 450 Episoden angewachsenen Serie geschehen sind. Dementsprechend kommen immer mehr Details ans Tageslicht, von denen besonders Ruffys und Aces familiären Verhältnisse wichtig für die Handlung sind und dabei erklären, warum Aces Hinrichtung unbedingt vollzogen werden soll. Ebenfalls spielt auch das legendäre One Piece, dessen Existenz in diesem Episodenpaket sogar angezweifelt wird, eine keinesfalls zu unterschätzende Rolle in der Storyline.

Überraschend tiefgründig erzählte Geschichte

Da sowohl Whitebeards als auch die Admiralität der Marine ihre stärksten Männer und Frauen in die Schlacht führen und das Machtverhältnis sich dabei stets verschiebt, bleibt es in jeder Folge durchweg spannend, da der Ausgang ungewiss ist. Ob Aces Hinrichtung vollzogen werden oder Ruffy seinen Bruder diesmal retten kann, soll jetzt nicht verraten werden. Fakt ist jedoch, dass One Piece spätestens mit dieser Serienbox eine emotionale Tiefe erreicht, bei der auch hartgesottene Kerle eine Träne vergießen dürfen: Nicht nur unzählige kleine Nebenfiguren lassen als Kanonenfutter ihr Leben, auch wichtige Charaktere segnen in den Episoden 457 bis 489 das Zeitliche. Da der einige Stunden anhaltende Krieg zwischen den Piraten und der Marine überraschenderweise mit einem stringenten Handlungsstrang und keinen lästigen Filler-Episoden erzählt wird, kommen Fans von Lorenor Zorro, Nami und Co dieses Mal leider nicht auf ihre Kosten, da für die parallelen Geschichten einfach keine Zeit bleibt. Was im ersten Moment etwas schade klingt, entpuppt sich beim Anschauen der vorliegenden Folgen jedoch als absolut richtige Entscheidung, denn selten hat One Piece mit so tiefgründigen und so facettenreichen Charakteren innerhalb einer spannenden und aufregenden Story begeistern können. Hier wird kein einziger One-Piece-Fan auch nur eine Kleinigkeit zu maulen finden.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 457 bis 489 der Serie): Ruffys Ausflug in das Unterwassergefängnis Impel Down gehörte nicht unbedingt zu den besten, aber definitiv auch nicht zu den schlechtesten Handlungssträngen von One Piece. Ganz anders sieht es bei den Episoden der fünfzehnten Serienbox aus, die sich allesamt um den Krieg zwischen den Piraten und der Marine drehen und mit ihrer stringenten und spannenden Erzählweise absolut punkten können. Als Dreh- und Angelpunkt der Schlacht wurde Marineford ausgesucht, da dort der Charakter Ace hingerichtet werden soll, was nicht nur dessen Bruder Ruffy, sondern auch Whitebeards Piratenbande unbedingt verhindern möchten. Der Schwerpunkt wird diesmal auf die Kämpfe gelegt, die jedoch niemals langweilig sind. Sie gehen Hand in Hand mit Rückblenden, die die Absichten der einzelnen Kampfteilnehmer verdeutlichen und häufig neue Details aufwerfen, die den Zuschauer stets anspornen, sich eine Episode nach der anderen anzuschauen. Obwohl es in One Piece nur selten Tote gibt, muss sich der Zuschauer in dieser Serienbox auf mehrere Verluste wichtiger Figuren einstellen, die jedoch dafür sorgen, dass die Anime-Serie eine ungeahnte emotionale Tiefe erreicht, die ohne sie so nicht zu erwarten wäre. Um die fünfzehnte Serienbox kommt definitiv kein einziger One-Piece-Fan herum!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece: Box 15 (Episoden 457-489)!

Amagi Brilliant Park aus dem Jahr 2014 ist eine heitere Anime-Serie, die den Wiederaufbau eines heruntergekommenen Vergnügungsparks in Japan behandelt. Damit dabei kein Auge trocken bleibt, wurden die zahlreichen Comedy-Einlagen noch dazu mit Fantasy-Elementen angereichert.

Protagonist Kanie Seiya ist ein gut aussehender wie eingebildeter Oberschüler, der direkt zu Beginn der ersten Episode von seiner Mitschülerin Sento Isuzu zu einem Date eingeladen wird. Damit er nicht fliehen kann, hält sie ihm gleich die Pistole auf die Brust. Er hat also keine andere Wahl, als ihre Einladung zum Rendezvous anzunehmen. Ihr gemeinsames Treffen soll im titelgebenden Amagi Brilliant Park stattfinden, der jedoch seinen einstigen Glanz als beliebter Vergnügungspark längst verloren hat. Die verbleibenden beziehungsweise überhaupt noch geöffneten Attraktionen sind allesamt heruntergekommen, die letzten Mitarbeiter durchweg apathisch und selbst Isuzu ist dermaßen „begeistert“ vom Park, dass sie Broschürentexte auswendig gelernt hat und Teile des Parks absolut emotionslos vorstellt. Irgendwann platzt Seiya der Kragen und posaunt laut heraus, dass jemand den Themenpark überarbeiten müsste, damit hier überhaupt noch Kinder zum Lachen gebracht werden können. Enttäuscht vom Amagi Brilliant Park möchte er das Date abbrechen, doch dann erklärt Isuzu ihm, dass sie von seiner Vergangenheit als Kinderstar weiß und sie – als insgeheime Mitarbeiterin des Parks – von ihm verlangt, am Wiederaufbau des Parks zu helfen. Trotz Bedenken wird Seiya von Isuzus Vorgesetzter Latifa Fleuranza überredet, die Leitung des Parks zu unterstützen.

Fortbestand eines Vergnügungsparks

Obwohl Isuzu keinen Hehl daraus macht, dass manche Mitarbeiter des Vergnügungsparks magische Lebewesen seien, glaubt Seiya das erst, als er selbst von Latifa geküsst und so mit Magie gesegnet wird. Fortan hat er die Fähigkeit, einmalig die Gedanken eines Mitmenschen zu lesen. In den ersten beiden Episoden wird das primäre Ziel der 13-teiligen Anime-Serie unmissverständlich erklärt. Innerhalb von fünf Jahren muss der Amagi Brilliant Park eine Besucherzahl von einer halben Million erreichen, da er ansonsten geschlossen wird. Blöd nur, dass diese fünf Jahre mittlerweile fast verstrichen sind und nur eine viertel Million Menschen den Park besucht haben. Es bleiben lediglich drei Monate, um den heruntergewirtschafteten Park zu retten und Antagonist Kurisu Takaya den Park schließen wird. Besonders schlimm ist die drohende Schließung aber vor allem für die magischen Lebewesen, deren Existenz von ihrer Bekanntheit abhängt. Sollten sie in Vergessenheit geraten, werden die einstigen Bewohner des Fantasy-Reiches Maple Land verschwinden respektive sich in Luft auflösen. Obwohl Seiya sich den Problemen des Amagi Brilliant Parks zunächst überhaupt nicht widmen will, sorgen vor allem Gedanken an seinen persönlichen Lebensweg dafür, dass er sich zumindest in den nächsten drei Monaten für den Fortbestand des Parks einsetzen will. Herzerweichend!

Witzigkeit kennt keine Grenzen

Humor wird in Amagi Brilliant Park tatsächlich großgeschrieben – und das auf vielfältige Art und Weise. Isuzu bleibt meistens monoton und stellt Andenken und Mitbringsel des Parks als die neuesten Produkte vor, während Seiya trocken kommentiert, dass die Artikel schon etwas älter seien. Ebenfalls lustig ist, wenn die Maskottchen in Kneipen gehen, das Bier vom Fass bestellen und auch noch schlüpfrige Bemerkungen gegenüber der Kellnerin fallen lassen. Auch kriminelle Tätigkeiten, in denen Besucher des Parks angegriffen und anschließend ihr Gedächtnis gelöscht wird, oder auch Teambesprechungen, in denen unter anderem die Öffnungszeiten um ein paar Stunden verlängert und der Ruhetag gestrichen wird, gehören zu den witzigsten Momenten der Serie. Unter optischen Gesichtspunkten gibt es ebenso nichts zu bemängeln, denn die Charaktermodelle als auch die Hintergründe wirken wie aus einem Guss. Auch die teils überzeichneten Animationen passen wunderbar zum Humor der Serie. Akustisch werden alle Szenen mit der passenden Musik unterlegt und die Synchronsprecher wurden sowohl für den japanischen Originalton als auch für die deutsche Übersetzung sehr passend ausgewählt. Digitales Bonusmaterial gibt es in Form eines Clear Opening, eines Clear Endings und zwei lustigen Miniclips á fünf Minuten Laufzeit. Laut Herstellerangaben liegen als physischer Bonus noch ein Spielposter und ein Stickerbogen bei. Ein netter Zusatz!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Amagi Brilliant Park ist grundlegend eine sehr lustige Anime-Serie. An allen Ecken und Enden haben Regisseur Takemoto Yasuhiro und sein Team humorvolle Elemente aus Light Novel und Manga in den Anime übertragen – und diese Rechnung geht durchweg auf. Zwar sind viele Witze sehr seicht, doch hier und da verstecken sich einige Brüller, die das kleine Manko wieder wettmachen. Obwohl es in den ersten Minuten vielleicht nicht vermutet werden kann, steckt unter der Oberfläche ebenso eine sehr mitreißende und herzerweichende Geschichte, die in erster Linie von den manchmal etwas melancholischen, leicht reizbaren, überaus höflichen oder überdrehten Maskottchen getragen wird. Die ersten fünf Episoden von Amagi Brilliant Park machen Lust auf mehr, zumal am Ende einer jeden Folge die aktuelle Besucherzahl und die Zeit bis zur Deadline angezeigt werden. Es bleibt also spannend, wie die Serie auf dem gelungenen Einstand aufbauen wird!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Amagi Brilliant Park (Vol. 1)!

Im September 2018 veröffentlichte Kazé Anime die erste Volume von Grimgar, Ashes and Illusions. Zweieinhalb Jahre nach der Erstausstrahlung im japanischen Fernsehen kommen so auch Fans im deutschsprachigen Raum in den Genuss der zwölfteiligen Fantasy-Reihe.

Angesiedelt ist Grimgar, Ashes and Illusions im titelgebenden Fantasy-Reich Grimgar. Die Handlung dreht sich um eine Heldengruppe, die sich zwangsläufig mit sehr verschiedenen Problemen auseinandersetzen muss. Allen voran wollen sie ihre Herkunft klären, denn ihre Erinnerungen reichen zu Beginn der Serie gerade einmal zwei Wochen zurück. So sprechen die Charaktere von Mobiltelefonen oder Videospielen, wissen dabei aber gar nicht, um was es sich bei diesen ominösen Objekten handelt. Kurioserweise gewöhnen sie sich an ihr neues Leben recht schnell und kämpfen für die Red-Moon-Streitkräfte im Grenzland von Grimgar. Fiese Goblins wollen besiegt und Materialien gesammelt werden, damit sie in den Städten veräußert werden können. Bei der Erzählung wird häufig zwischen der Gegenwart und den ersten Tagen nach Ankunft in Grimgar gesprungen. So erfährt der Zuschauer beispielsweise, wie sich die zwei Gruppen der Ankömmlinge gebildet haben. Draufgänger Renji hat sich am ersten Tag mit den vermeintlich stärksten Figuren zusammengetan, während Manato sich für die im direkten Vergleich deutlich schwächeren Gruppenmitglieder entschieden hat. Ebenso ist die Wahl der Gilden der einzelnen Charaktere ein wichtiger Aspekt der Erzählweise, da so schon in der ersten Episode der Anime-Serie eine klare Rollenverteilung vermittelt wird.

Philosophische Fragen

Obwohl Manato, der sich für eine Ausbildung als Priester entschlossen hat, der Anführer der Gruppe ist, wird das Geschehen hauptsächlich aus der Sicht von Haruhiro erzählt. Dieser hat sich für einen Werdegang als Dieb entschieden. Weitere Berufe gibt es in Form des Kriegers oder des schwarzen Ritters, die von Moguzō und Ranta verkörpert werden. Yume ist hingegen die Jägerin der Gruppe und Shihoru die Magierin. In den ersten Episoden der Serie lernen sie, wie sie ihre Waffen einsetzen, Seite an Seite kämpfen und sich aufeinander einspielen. Während des einen oder anderen Kampf stellen sich die Figuren auch philosophische Fragen, warum es beispielsweise in Ordnung sei, Goblins zu töten. Diese wollen, wie auch im Kampf deutlich wird, ebenfalls nur überleben. Insbesondere durch den etwas höheren Gewaltgrad in solchen Momenten wird diese Philosophie, wer über das Recht auf Leben urteilen darf, noch einmal verstärkt. In ein paar anderen Momenten hinterfragen die Charaktere hingegen neben ihrer Herkunft auch die geografische Lage von Grimgar oder warum der Mond rötlich strahlt. Dennoch bleibt auch Zeit für die zwischenmenschlichen Beziehungen, die schließlich in einer durchaus sehr starken Charakterisierung der verschiedenen Persönlichkeit münden. Während Haruhiro eher mitfühlend ist, erscheint Ranta eher schamlos und teils sogar durchtrieben.

Wunderschönes Design

Obwohl die einzelnen Geschichten, die vor allem auf die Entwicklung als Gruppe abzielen, sehr interessant gestaltet sind und hier und da mit ein wenig mit Humor aufpoliert werden, fehlt es Grimgar, Ashes and Illusions noch an einem Ziel. So amüsant die zahlreichen Details im alltäglichen der Charaktere sind, so sehr schmerzt der fehlende Plan. Es ist schlicht und einfach nicht ganz klar, worauf die Story eigentlich hinarbeitet. Deutlich mehr überzeugt da schon die technische Ausarbeitung der Anime-Serie, denn das ansehnliche Charakterdesign von Hosoi Mieko passt hervorragend zu den natürlichen Umgebungen der Fantasy-Welt. Diese ist mit recht blassen Farben und eher seichten Übergängen sehr angenehm für das Auge gestaltet. An der einen oder anderen Stelle arbeitet Animationsstudio A-1 Pictures sogar mit dem Verdecken der Sicht, sodass die Neugier des Zuschauers durch diese Art der Kameraführung durchweg aufrechterhalten wird. Schade, dass das Bonusmaterial lediglich aus einem Clear Opening besteht. Immerhin liegt laut Herstellerangaben noch ein 40-seitiges Booklet in physischer Form bei, sodass zumindest hier noch Hintergrundinformationen über Grimgar, Ashes and Illusions gesammelt werden können. Unterm Strich bleibt zu hoffen, dass die erste Volume lediglich als stabiles Fundament für die detailreiche Handlung dienen sollte.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Grimgar, Ashes and Illusions ist eine sehr detaillierte Serie über eine Heldengruppe in einem Fantasy-Reich, in dem recht viele Fragen aufgeworfen, aber kaum welche beantwortet werden. Obwohl die einzelnen Geschichten durchaus interessant sind und den Alltag der Gruppe wunderbar und vor allem detailliert beleuchten, fehlt es einfach an einem Ziel für die Handlung. Es ist kaum verständlich, welche Motivation hinter dem Abenteuer steckt und wie sich die Geschichte noch entwickeln soll. Hier müssen die nächsten Folgen zeigen, dass die Episoden der ersten Volume lediglich als Grundlage für die Serienhandlung genommen wurden. Im Gegensatz dazu gibt es in technischer und akustischer Hinsicht nichts zu bemängeln, weil Optik und Musik eine Einheit bilden und so ein glaubhaftes Gesamtbild erzeugen. Da A-1 Pictures aber mit anderen Serien wie Blue Exorcist und Co schon ähnliches bewiesen hat, können Zuschauer zuversichtlich sein, dass die Serie mindestens ihre Qualität halten wird.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Grimgar, Ashes and Illusions (Vol. 1)!

Cyberpunk und Science Fiction sind zwei fantastische Kategorien, von denen insbesondere Genre-Kenner nicht genug bekommen können. Dimension W ist eine intelligente Anime-Serie, die sich Anhänger zukunftsorientierter Geschichten nicht entgehen lassen dürfen.

Dimension W spielt in einer denkbaren Zukunftsvision unserer Realität ohne dabei konkret eine Utopie oder Dystopie vorzustellen. Nachdem im Jahr 2036 die vierte Dimension, das heißt neben den Achsen X, Y und Z die titelgebende Dimension W entdeckt wurde, konnten sich die Energieprobleme weitgehend in Luft auflösen. Der Energiekonzern New Tesla Energy nutzt die neue Dimension als unerschöpfliche Quelle, um die Länder der Erde durch die Errichtung bestimmter Türme mit Energie zu versorgen. Das führt wiederum dazu, dass der Preis für Benzin im Jahr 2072 in ungeahnte Höhen schießt. 2800 Yen pro Liter sollen Besitzer alter Kraftfahrzeuge ohne Elektromotor berappen. Davon betroffen ist auch der Collector Mabuchi Kyōma, um den sich die Handlung von Dimension W dreht. Wie auch die Menschen in seiner Umwelt feststellen, lebt Kyōma gedanklich in der Vergangenheit. Für seine Aufträge lässt er sich deshalb auch nur zur Hälfte in bar auszahlen, die andere Hälfte der Bezahlung erfolgt in Benzin. Zu Beginn der Anime-Serie erhält Kyōma den Auftrag, Jagd auf zwei Kriminelle zu machen und gestohlene Spulen, genauer gesagt interdimensionale elektromagnetische Induktionseinheiten, umgangssprachlich auch Coils genannt, aus ihren Händen zu entreißen. Bei diesem Abenteuer lernt er die zielstrebige Androidin Yurisaki Mira kennen, die Tochter von Doktor Yurisaki Shidō, dem Entwickler der lebenswichtigen Induktionseinheiten.

Ungleiches Paar

Durch ein bestimmtes Ereignis am Ende der ersten Episode, auf das aus Spoiler-Gründen an dieser Stelle jedoch nicht genau eingegangen werden soll, will Mira dem mürrischen Kyōma folgen und beschließt, ebenfalls ein Collector zu werden. Kyōmas Vorgesetzte Mary erlaubt es Mira, in ihrem Team zu arbeiten und stellt sie Kyōma zur Seite, der allerdings alles andere als davon begeistert ist. Gemeinsam beginnen sie, auch auf Wunsch von Miras Schöpfer, der Spur illegaler Coils nachzugehen. Während Kyōma selbst keine Coils verwendet, somit auf Modifizierungen in seinem Körper verzichtet und gerne mal im Alleingang agiert, nutzt Mira ihre programmierten Fähigkeiten und damit alle digitalen Möglichkeiten, um den Einzelgänger Kyōma wieder aufzuspüren. Unterwegs treffen die beiden separat voneinander auf weitere Figuren, die an illegalen Coils Interesse zu haben scheinen. Die zwischenmenschliche Beziehung von Kyōma und Mira gehört zu den wohl wichtigsten Aspekten der Anime-Serie, da sie mit jeder Folge weiter ausgebaut wird. Vor allem wie sich Mira in der Gesellschaft als einzelnes Individuum entwickelt und Kyōma mit ihr auch nach dem einen oder anderen Fehltritt agiert, ist ein wichtiges Erzählelement in der ersten Volume. Auch die regelmäßige Einführung von neuen Charakteren, wie dem undurchschaubaren Polizisten Albert Schumann, hält die Geschichte von Dimension W stets frisch und macht sie nur sehr selten vorhersehbar.

Sorgfältig erarbeitetes Gesamterlebnis

Regisseur Kamei Kanta zeigt mit der Anime-Adaption von Dimension W ein facettenreiches Szenario, das aus sehr vielen Perspektiven sehr interessant dargestellt wird. Ähnlich wie in der Anime-Serie Psycho-Pass wollen alle Details des Science-Fiction-Settings an allen Ecken und Enden aufgesaugt und miteinander verbunden werden. Im direkten Vergleich mit dem Franchise von Production I.G. ist Dimension W von Beginn an eher seicht gestaltet und daher selbst für Laien wesentlich einfacher zu verstehen. Unter optischen Gesichtspunkten können die Episoden der Anime-Serie in der Auflösung von 1080p und im 16:9-Format vor allem mit den hübschen Umgebungen und den hier und da recht detaillierten Charaktermodellen punkten. Akustisch überzeugt hingegen der Soundtrack von Fujisawa Yoshiaki und Shīna Gō in DTS-HD Master Audio 2.0, der alle heiteren und auch düsteren Szenen wunderbar einfängt. In puncto Synchronisation können die japanischen und die deutschen Sprecher gleichermaßen überzeugen und hauchen ihren Charakteren durchaus glaubhaft Leben ein. Neben einem Clear Opening und einem Clear Ending sind im digitalen Bereich noch vier Produktionstagebücher zu finden, in denen unter anderem recht spannend auf die Umsetzung vom Manga zum Anime oder die Erstellung von Soundeffekten eingegangen wird. Laut Herstellerangaben liegt ebenso physisches Bonusmaterial in Form eines 16-seitigen Booklets, zwei Artcards und einer Leseprobe bei. Unterm Strich bleibt nichts anderes als ein sorgfältig erarbeitetes Gesamterlebnis!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Dimension W ist eine sehr spannende und an einigen Stellen auch sehr intelligent ausgearbeitete Anime-Serie. Der Zuschauer fiebert mit den beiden Hauptfiguren Mabuchi Kyōma und Yurisaki Mira in jeder einzelnen Episode mit, ist stets wissbegierig darauf, wie sich ihre zwischenmenschliche Beziehung entwickelt und verschlingt regelrecht jedes einzelne aufgeworfene Detail des Science-Fiction-Szenarios. Diese Einzelheiten sind zwar nicht ganz so clever versteckt wie in Psycho-Pass, dafür aber von Beginn an wesentlich besser zu verstehen und werden so von jedem Zuschauer automatisch in einen Kontext gesetzt werden können. Mit den ersten vier Folgen konnte Dimension W hervorragend in das Universum einführen und da die vierte (und damit letzte) Episode dieser Volume mit einem gemeinen Cliffhanger ändert, könnte die Vorfreude auf die Fortführung der Handlung im zweiten Episodenpaket nicht größer sein!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Dimension W (Vol. 1)!

In der ersten Volume von Inō Battle within Everyday Life wurden die Grundlagen der ulkigen Handlung gelegt, ein roter Faden konnte sich aber dennoch nicht entwickeln. Das Konzept der losen Verknüpfung einzelner Geschichten wird in der zweiten Ausgabe immerhin ausgebessert.

Seit einiger Zeit verfügen die fünf Mitglieder des Literaturklubs an der Senkō-Oberschule über Superkräfte. Zwar gab es in den ersten sechs Episoden ein Indiz, woher diese magischen Fähigkeiten stammen, doch wirklich gelüftet wurde der Ursprung bisher noch nicht. Somit ist es nach wie vor unklar, weshalb Andō Jurai eine schwarze Flamme beschwören kann, mit der grundsätzlich gar nichts anfangen kann. Immerhin können seine Freunde ihn so ärgern, wenn er mal wieder den Einfall hat, ein Problem mit seiner Superkraft zu lösen. An den anderen Spezialfähigkeiten hat sich seit den ersten Folgen ebenfalls nichts geändert. Nach wie vor kann Kanazaki Tomoyo, die – wie inzwischen herausgekommen ist – insgeheim wie Jurai ein Nerd ist, die Zeit anhalten oder verlangsamen. Kushikawa Hatoko hat hingegen die Fähigkeit, sich den Elementen zu bemächtigen und Takanashi Sayumi repariert mit purer Gedankenkraft zerbrochene Dinge. Himeki Chifuyu kann sich und andere von einem Ort zu einem anderen teleportieren. Dass die Superkräfte nach der ersten Folge der Serie mehr oder weniger in den Hintergrund gerückt sind, macht jedoch nichts. So stehen sie mindestens stellvertretend für die Persönlichkeiten der Charaktere, die unterschiedlicher nicht sein könnten. Da jede Folge einen anderen Schwerpunkt legt, kann die Anime-Serie mit Abwechslungsreichtum punkten.

Spiel mit der Liebe

Ein Thema, das immer wieder behandelt wird, ist Liebe. Jedes der vier Klubmitglieder scheint etwas für Jurai übrig zu haben. Eifersucht kommt somit immer mal wieder direkt oder indirekt zur Sprache. Beispielsweise nähern sich Jurai und Tomoyo an, da diese gerne Light Novels schreiben will und Inspiration von Jurai benötigt. Hatoko, die die beiden bei ihrem eventuellen Date schon in der ersten Volume von Inō Battle within Everyday Life heimlich beobachtet hat, platzt in dem Moment, in dem Jurai ihr nicht alles erzählt, offensichtlich der Kragen. Obwohl Tomoyo leugnet, dass sie Gefühle für Jurai hat, sehnt sie sich im Geheimen dennoch nach ihm. Grundschülerin Chifuyu merkt auch, dass sie sich zu Jurai hingezogen fühlt und drängt ihn dazu, mit ihr in den Sommerferien ins Schwimmbad zu gehen. Mit Sayumi trifft sich Jurai ebenfalls im Schwimmbad, doch hat ihr Bekannter Sagami Shizumu ihren Bikini vorher ausgetauscht. Angeblich wird der Bikini durchsichtig, wenn er mit Wasser in Berührung kommt. Das sorgt natürlich dafür, dass Sayumi partout nicht ins Becken springen will, was sich wiederum zu einer der lustigsten Szenen der Serie entwickelt. Dementsprechend ist auch Humor immer noch ein wichtiger Bestandteil der Handlung, die sich trotz so manchem ernsten Thema vor allem darauf stützt. Da der Humor fantastisch funktioniert, wird es kaum langweilig.

Atmosphärisches Gesamtbild

Auf der technischen Ebene orientiert sich die Anime-Serie von Animationsstudio Trigger an der Qualität der vorherigen Volume. Im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p können Hintergründe und Charaktere in fast schon symbiotischer Form überzeugen. Hinzu kommen sehr hübsche Licht- und Schatteneffekte, beispielsweise wenn die Szenerien ins Abendrot gehüllt werden. Die Animationen der facettenreichen Charaktermodelle können ebenfalls überzeugen und unterstützen sowohl die Dynamik, als auch den zumindest zum Teil überzeichneten Humor. Neben dem kristallklaren Bild können auch die beiden Tonspuren im Format DTS-HD Master Audio 2.0 überzeugen. Der Soundtrack unterlegt die oft heiteren und düsteren Szenen mit den passenden Klängen und untermauert so die gelungene Atmosphäre. Positiv fällt auch die deutsche Synchronisation auf, da die Synchronsprecher den Charakteren reichlich Leben einhauchen und die meistens ganz schön durchgedrehten Dialoge fast schon so gut wie die japanischen Sprecher betonen. Der Originalton hat die Nase dennoch leicht vorn. Wer des Japanischen nicht mächtig ist, freut sich über nicht abschaltbare deutsche Untertitel. Digitales Bonusmaterial ist bei der zweiten Volume von Inō Battle within Everyday Life leider nicht vorhanden, ein Booklet entschädigt Fans der Anime-Serie zumindest im physischen Bereich.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Warum Inō Battle within Everyday Life die zu Beginn eingeführten Superkräfte bei den Charakteren tatsächlich gebraucht hat, ist beim Ansehen der Episoden in der zweiten Volume die große Frage. Zwar gibt es gelegentlich die eine oder andere Szene, in denen Nebenfiguren mit anderen Superkräften auftreten und die Freunde als Rivalen betrachten, doch verschwinden diese merkwürdigen Handlungsstränge so schnell wie sie gekommen sind. Hauptsächlich drehen sich die abschließenden Folgen um das Thema Liebe und welche Gefühle die Mädchen für Jurai haben. Genau dieses Konzept funktioniert sehr gut, da die Geschichten tatsächlich alltäglich und somit auch sehr glaubhaft sind. Die Kernhandlung kann jedoch getrost ignoriert werden, denn vor allem in den Seitensträngen der Story überzeugt die Anime-Serie mit Humor und tollen Charakteren!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Inō Battle within Everyday Life (Vol. 2)!

Mit der fünften Volume von Pretty Guardian Sailor Moon Crystal konnte die Anime-Serie eine neue Geschichte einleiten, die sich rasch zu einem neuen Kampf gegen das Böse entwickelt hat. In der sechsten Ausgabe wird dieser Handlungsstrang zum Abschluss gebracht.

Noch immer kämpfen die Sailor-Kriegerinnen gegen die durchtriebenen Death Busters. Zwar mag dies aufgrund der verkürzten Struktur der Serie überraschend sein, doch entsteht dieses Mal so zumindest eine bestimmte Dynamik. Gemeinsam versuchen die Kriegerinnen gegen ihre Feinde zu bestehen, doch benötigen sie dafür wesentlich mehr Kraft, als sie sich hätten vorstellen können. In dem Moment der Zusammenarbeit entwickelt Tsukino Usagi alias Sailor Moon eine unvorstellbare Macht, die jäh zerbricht, als das Vertrauen zueinander bröselt. Das liegt daran, dass sich die Sailor-Kriegerinnen uneins sind, was mit Tomoe Hotaru geschehen soll. In den letzten Episoden lernten die Zuschauer sie als einfühlsames Mädchen kennen, mit dem sich Chibiusa angefreundet hat. Nun soll sie jedoch auch eine Sailor-Kriegerin namens Sailor Saturn sein, die Unheil und Zerstörung mit sich führt. Angeblich sei die Vernichtung der Erde ihr großes Ziel, das die Sailor-Kriegerinnen natürlich verhindern wollen. Allerdings gehen sie auseinander, denn während der einen Hälfte der Kämpferinnen jedes Mittel recht ist, um den blauen Planeten zu retten, ist die andere Hälfte davon überzeugt, dass es einen anderen Weg geben muss, damit Hotarus Leben verschont werden kann. Chibiusa ist erzürnt und will ihre Freundin nicht aufgeben – und wird daraufhin von dieser in gewisser Weise getötet.

Austauschbare Beweggründe

Was es mit der ominösen Sailor Saturn auf sich hat und warum sie die kleine Chibiusa umbringt, wird an dieser Stelle aus Spoiler-Gründen natürlich nicht verraten. Für die Sailor-Kriegerinnen gibt es jedenfalls reichlich Motivation, um das Böse in Form der Death Busters zu bekämpfen. Zentrale Themen der vorliegenden Episoden sind der Glaube aneinander, das Vertrauen unter Gefährtinnen und selbstverständlich der Mut, alles zu geben, um die Erde ein weiteres Mal zu retten. Das kann ganz schön ermüdend sein, da die Bösewicht allesamt Stereotypen sind und kaum mit intelligenten Beweggründen punkten wollen. Beispielsweise ist Professor Tomoe Sōichi einzig und allein daran interessiert, seine so genannten Über-Organismen zu züchten, um außerirdisches Leben mit der menschlichen Existenz zu verknüpfen. Er will nicht nur Gott spielen, sondern als solcher über seine neuen Untertanen herrschen. So etwas war schon in vielen anderen Geschichten zu sehen und erreicht in Pretty Guardian Sailor Moon Crystal keinerlei Tiefe. Fans wird das aber nicht stören, sind sie an die bekannten Strukturen der Anime-Serie doch seit bereits fünf Volumes gewöhnt. Somit gibt es im Verlauf der Handlung auch nur sehr wenige Überraschungen oder Wendungen, was besonders beim Finale der dritten Staffel ein wenig schade ist. Weniger unterhaltsam sind die letzten Episoden deswegen aber nicht.

Bekannte Serienstruktur

Erzähltechnisch bleibt die Anime-Serie hinter ihrem Potenzial zurück, es wirkt meistens alles auf das absolut Nötigste reduziert. Zwar mag dies vom Animationsstudio gewollt sein, doch bei Titeln wie Dragon Ball Z Kai, die die gleiche Intention haben, eine existierende Serie ohne Filler-Episoden neu aufzulegen, funktioniert das deutlich besser. So sind die Kämpfe auch in der sechsten Volume von Pretty Guardian Sailor Moon Crystal nicht überwältigend. Das Böse wird mehr mit dem guten Willen und ein paar deftigen Wortduellen als hitzigen Attacken bekämpft. Wirklich spannend ist das nicht, aber wenigstens bleibt die Serie hier der Tradition treu. Ähnliches gilt auch für die technische Gestaltung. Im bildschirmfüllenden 16:9-Format ist das Geschehen jederzeit gestochen scharf und auch die Lichteffekte sind schön anzusehen. Einzig und allein so manche Animation hätte etwas umfangreicher sein dürfen. Unterlegt wird der Kampf gegen die Death Busters mit toller Musik im DTS-HD-Master-Audio-2.0-Format, die die zumeist düstere Handlung passend unterlegt. Auch die Synchronsprecher helfen stets dabei, dass die Szenen unterhaltsam bleiben. Physisches Bonusmaterial gibt es in Form von Postkarten und einem Poster, digitales Material gibt es in dieser Volume leider gar nicht. Fans werden diesbezüglich dank des halbwegs gelungenen Abschluss der Staffel hinwegsehen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): In den letzten Volumes war abzusehen, dass sich die Anime-Serie Pretty Guardian Sailor Moon Crystal in ihren Grundstrukturen nicht sonderlich verändern wird. Nach wie vor wirkt der gesamte Handlungsstrang aufs Nötigste reduziert und lässt kaum Raum für die Entwicklung der Charaktere. Schade ist auch, dass der Kampf gegen die austauschbaren Death Busters kaum mit Angriffstechniken, sondern vor allem mit dem guten Willen und Wortgefechten gewonnen wird. Pretty Guardian Sailor Moon Crystal hat so viel ungenutztes Potenzial, das die Serie einfach nicht ausspielt. So bleibt die sechste und somit letzte Volume der dritten Staffel der Tradition treu. Fans greifen unbedacht zu, alle anderen werden wohl eher zu anderen Anime-Titeln greifen wollen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Pretty Guardian Sailor Moon Crystal (Vol. 6)!