Um die 2000er-Jahre wurden viele Anime-Serien der alten Schule ausgestrahlt. In dieser Zeit hat sich auch die Serie Kickers in die Herzen vieler Fußballfreunde und Anime-Fans geschlichen, die viele wichtige Werte vermittelt und inzwischen auf Blu-ray Disc erhältlich ist.

Handlungstechnisch setzt die 26 Episoden umfassende Fußball-Anime-Serie da ein, wo das junge Nachwuchstalent Gregor mitsamt seiner kleinen Familie in die Stadt zieht. An seiner neuen Schule angekommen, möchte er sich auch gleich der hiesigen wie titelgebenden Fußballmannschaft anschließen. Die Kickers sind aber alles andere als gut, nicht sonderlich motiviert und am Training eindeutig desinteressiert. Kapitän und Torwart der Kickers, Mario, steht kurz davor, das Handtuch zu werfen. Gregor steht damit vor der Aufgabe, in den Köpfen der munteren Truppe neuen Kampfgeist zu wecken. Fortan trainieren sie jeden Morgen und jeden Abend, um ihre Stärke zu verbessern und ihre Techniken zu verfeinern. Mit der Zeit ist es ihnen möglich, gegen verschiedene stärkere Mannschaften anzutreten, um ihren Namen reinzuwaschen, später gar an einem großen Turnier der besten Teams teilzunehmen. Meistens verhält es sich dann so, dass ihre Gegner eine Spezialtechnik gemeistert haben, welche sie zunächst erkennen müssen, um anschließend Fehler auszumerzen, sodass sie das Match dennoch gewinnen können. Unter anderem müssen sich die Kickers dem Teufelsdreier der Teufel stellen oder sich gegen ein Team durchsetzen, das die Taktiken der Kickers im Voraus mittels Computertechnik berechnen kann. Das ist sowohl abwechslungsreich als auch unterhaltsam!

Freundschaft und Teamgeist

Ebenfalls sehenswert sind die Nebenhandlungen in den meist abgeschlossenen und circa 25 Minuten umfassenden Episoden. So gibt es unter anderem neue Kameraden, die das Zusammenspiel nicht ganz so ernst nehmen, und auch sanfte Liebesgeschichten zwischen Mario und Gregors Schwester Elsa sind Bestandteil der Erzählstruktur. Wichtiger sind jedoch die Aussagen, welche die Serie formuliert. Die Geschichte vermittelt in erster Linie Freundschaft, sodass die Figuren zueinander finden und sich gemeinsam für eine gute Sache entscheiden. Auch, dass der Spaß am Sport nicht zu kurz kommen soll und Fairness ein wichtiger Faktor ist, gehört zu den Kernbotschaften der Anime-Serie. Dies geschieht auf lustige Art und Weise durch die überzeichneten Charaktere. Der stets optimistische wie muntere Gregor, der Vielfraß Sascha, die liebreizende Conny oder auch ihr zielorientierter Bruder Victor tragen zum heiteren Gesamtbild bei. Bei den Namen der Figuren fällt auf, dass die Figuren in der deutschen Vertonung andere Namen als im japanischen Original tragen. Aus Masaru wurde Mario, aus Hideo Tino und Shinsuke wurde in Benjamin umbenannt. Bei der Aussprache orientierte sich die Dialogregie entweder an der deutschen Aussprache wie bei Sascha oder fügte einen leicht englischen Akzent hinzu, wie es unter anderem an Gregor zu hören ist.

Vollständige Veröffentlichung auf Blu-ray Disc

Wer es authentischer mag, kann bei der Blu-ray-Version aus dem Jahr 2018 im Gegensatz zur alten DVD-Fassung von 2008 zur japanischen Synchronisation mit deutschen Untertiteln wechseln. Die deutsche Vertonung ist gelungen, zumal die Sprecher gut zu ihren Rollen passen. Unverzeihbar ist, dass Synchronstimmen von wichtigen Protagonisten wie Victor, Sascha, Philipp oder Tinos Vater auch für andere Nebencharaktere genutzt werden – oft sogar in ein und derselben Episode. Dieser Umstand stört teilweise die Atmosphäre. Bei der Bildqualität ist eine deutliche Steigerung zu bemerken. Charaktere, Hintergründe und Umgebungen sind deutlich schärfer. Auch Bildfehler sind nicht auszumachen. Änderungen zur ursprünglichen Veröffentlichung gibt es beim Austausch des Intros, denn selbst in der deutschen Version gibt es nur den japanischen Song zu hören. Das deutsche Lied von Erika Bruhn liegt als Bonus bei, jedoch lieblos aufbereitet als Tonzusammenschnitt aus der Serie und nicht als Opening, wie es die Angabe auf der Verpackung suggeriert. Enthalten ist auch die 87-minütige Original Video Animation, bei der es sich um eine Zusammenfassung der Serie mit Fokus auf die Spiele gegen die Teufel mit alternativem Ende handelt. Der Ton wurde weitgehend aus der Serie rekonstruiert. Nur neue Szenen sind auf Japanisch mit Untertiteln vor. Somit ist die 1987 frühzeitig abgesetzte Serie Kickers für Fans erstmals vollständig verfügbar. Toll!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der DVD- und der Blu-ray-Fassung): An meiner Einstellung zu Fußball hat sich seit meiner letzten Sichtung der Anime-Serie im Jahr 2011 nichts geändert. Der Sport ist für mich nach wie vor genauso interessant wie ein in China umfallender Sack Reis. Dennoch gefällt mir die Anime-Serie Kickers, da die Sportart ähnlich wie in Spielen wie Inazuma Eleven übertrieben dargestellt wird. Einzelne Spieler springen meterhoch in die Luft, feuern den Ball mit Lichtgeschwindigkeit ins Tor und die aberwitzigen Taktiken machen das Ganze schnell wieder interessant. Wäre Fußball so in der Realität, wäre der Sport gleich viel spannender. Darüber hinaus fokussiert sich die Serie stark auf die verschiedenen Charaktere, über die ich mehr und mehr herausfinden möchte. Leider erstrecken sich nur wenige Handlungsstränge über mehr als eine Episode. In einem Großteil aller Fälle ist es so, dass nach einer Folge die Nebenhandlung ihr Ende findet und in der nächsten Episode ein neues Kapitel beginnt. Wer sich zwischendurch schnell eine Folge anschauen will, dürfte an dieser Struktur schnell Gefallen finden. Mehrere Episoden am Stück können aber schnell langweilig werden, wie mir erneut aufgefallen ist. Solltet ihr aber ein Faible für den Sport haben, könnt ihr diese Anmerkung getrost ignorieren und euch auf 26 wunderbare Episoden einlassen. 

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Kickers (Gesamtausgabe)!

Obwohl Rurōni Kenshin eine Marke ist, die seit den 1990er-Jahren existiert, dürfte sie zumindest in Europa nur wenige Fans haben, die dann auch eher die Realfilme als den Manga oder den Anime kennen dürften. Immerhin steht auf Crunchyroll jetzt die Neuauflage der Anime-Serie zur Verfügung.

Zwischen 1994 und 1999 arbeitete Manga-Zeichner Nishiwaki Nobuhiro, auch bekannt unter seinem Künstlernamen Watsuki Nobuhiro, an seinem Werk Rurōni Kenshin, mit dem er auch drei Jahrzehnte später noch in Verbindung gebracht wird. Bereits in den 1990er-Jahren erfolgte eine Anime-Umsetzung mit 95 Episoden, die weitere Filme und Original Video Animations nach sich zog. Fans der japanischen Geschichte und Kultur schätzen sein Werk auf der ganzen Welt, auch wenn sowohl die Manga-Vorlage als auch die Anime-Umsetzung hierzulande eher unbekannt sind. Dieser Umstand könnte sich allerdings ändern, denn 2023 entstand bei Animationsstudio Liden Films eine weitere Anime-Serie zu Rurōni Kenshin, die auf dem Manga von Nishiwaki respektive Watsuki basiert. Im Gegensatz zum Original, das mitunter für seinen Humor bekannt ist, handelt es sich bei der Serie aus dem Jahr 2023 um eine eher ernste Umsetzung des Stoffes. Grundsätzlich eine gute Entscheidung, ist die Epoche, in der die Geschichte angesiedelt ist, doch durchaus eine wichtige Veränderung in der japanischen Gesellschaft. Wer zum Beispiel das im März 2024 veröffentlichte Action-Rollenspiel Rise of the Rōnin für die PlayStation 5 gespielt hat, das den Schwanengesang der Samurai-Ära in der Populärkultur repräsentiert, kann in Rurōni Kenshin die Auswirkungen der Restauration in Anime-Form erleben.

Schnelle Charaktereinführungen

Beginnend im Jahr 1878 erreicht Protagonist Himura Kenshin nach Jahren des Umherziehens als Rōnin, also herrenloser Samurai, Japans Hauptstadt Tōkyō. Inzwischen wurde das Tragen von Schwertern gesetzlich untersagt, weshalb Kenshin natürlich die Aufmerksamkeit auf sich lenkt. In Tōkyō angelangt lernt er Kamiya Kaoru kennen, die mit Mühe und Not ein Dōjō zu betreiben versucht. Es wird versucht, ihr das Dōjō abzuluchsen und sie auf die Straße zu setzen. Kenshin möchte das nicht zulassen und greift ihr unter die Arme. Währenddessen taucht ein Mann im Dōjō auf, der behauptet, er sei der legendäre Mörder Hitokiri Battōsai. Dass dies aufgrund Kenshins eigener persönlicher Vergangenheit nicht der Fall sein kann, weist ihn der Protagonist schnell zurecht. Rurōni Kenshin setzt auf die Struktur, nach und nach abgeschlossene, aber dennoch miteinander verzahnte Geschichten zu erzählen. So kommen bereits in den ersten Episoden weitere Charaktere wie der aus einer Samurai-Familie entsprungenen Taschendieb Myōjin Yahiko, das ehemalige und inzwischen als Söldner arbeitende Sekihōtai-Mitglied Sagara Sanosuke oder die Ärztin Takani Megumi hinzu, die dazu gezwungen wird, für eine kriminelle Organisation Opium herzustellen. Auf diese Weise lernt der Zuschauer die Charaktere peu à peu kennen, was bis auf die mysteriöse Hauptfigur wirklich gut funktioniert.

Schwieriges Porträt des Protagonisten

Grundsätzlich lässt sich der Geschichte beziehungsweise den einzelnen Handlungsbögen von Rurōni Kenshin sehr gut folgen, ohne den Manga gelesen oder die ursprüngliche Anime-Serie gesehen zu haben. Dennoch fällt es schwer, sich so ein vernünftiges Bild von Kenshin zu machen. Es gibt zwar gelegentliche Rückblenden, doch sind diese nichts weiter als zweckmäßig. Daher wäre es auf jeden Fall empfehlenswert, sich vorher die aus dem Jahr 1999 stammende Original Video Animation Rurōni Kenshin: Trust & Betrayal anzuschauen, welche als Vorgeschichte zur Anime-Serie dient. In diesem Falle macht es auch mehr Spaß, sich auf die verschiedenen Kämpfe einzulassen, die in der Anime-Serie präsentiert werden. In der Regel laufen diese anders ab, wie es Fans von Samurai-Epen womöglich gewohnt sind. Das liegt vor allem daran, dass Kenshin pazifistisch veranlagt ist und seine Feinde nach Möglichkeit nicht tötet. Ihm ist eine Auseinandersetzung mit den Antagonisten auf sprachlicher Ebene wichtiger. Zudem ist die Klinge seines Schwertes umgedreht, in diesem Sinne also stumpf. Somit kommt es zwar immer wieder zu verschiedenen Kämpfen, die in aller Regel aber nicht mit dem von Kenshin verursachten Tod des Gegners enden. Spannend bleibt das Schwertgefuchtel trotzdem, da Kenshins recht heikle Vergangenheit ihn immer wieder versucht einzuholen.

Farbenfrohe wie schillernde Samurai-Action

Beim Vergleich aller Werke des Franchises fallen die verschiedenen Stilrichtungen auf. Während die angesprochene Original Video Animation Trust & Betrayal zum Beispiel nicht nur inhaltlich, sondern auch inszenatorisch eher düster gestaltet ist, gehört die erste Staffel von Rurōni Kenshin von 2023 zu den farbenfroheren Varianten. Zwar sind die zahlreichen Umgebungen bis auf verschiedene Handlungsorte eher trist und stellenweise sogar entsättigt gestaltet, doch die von Nishī Terumi gestalteten Charaktere mit ihrem schillernden Design bei Kleidung, Haaren und Augen stechen dagegen besonders hervor. Bis auf die Tatsache, dass die Animationen der Figuren in den meisten Szenen sparsam und teils auch 3D-Modelle eingesetzt werden, die bei Weitem nicht an die Klasse von Attack on Titan herankommen, gefällt das von der Umgebung mal und mal weniger stark absetzende Charakterdesign dennoch. Auditiv gibt es den Soundtrack von Takami Yū zu hören, der den Zuschauer in die frühe Meiji-Zeit versetzt, aber ebenso davon unabhängig genug Raum für die Charaktere und den gelegentlich durchdringenden Humor lässt. Zum Testzeitpunkt am 26. Mai 2024 lag die Serie bei Crunchyroll zudem nur auf Japanisch, Englisch, Spanisch und Portugiesisch mit deutschen Untertiteln vor. Wer nicht viel lesen will, muss also noch auf eine deutsche Synchronisation hoffen. Unter der Regie von Yamamoto Hideyo und dem Zutun von Nishiwaki beziehungsweise Watsuki entstand unterm Strich eine angenehme erste Staffel der Neuauflage, die zwar durchaus nicht perfekt ist, gerade Fans von Rurōni Kenshin aber sicherlich gefallen dürfte.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Stream bei Crunchyroll): In den 2010er-Jahren habe ich Rurōni Kenshin vor allem durch verschiedene Filme und Original Video Animations kennengelernt. Diese haben mir weitgehend auch gut gefallen, sodass die Marke mir nachhaltig im Gedächtnis geblieben ist. Als ich die Neuauflage der Anime-Serie bei Crunchyroll durch einen Zufall im Programm entdeckt habe, konnte ich einfach nicht anders und musste mir die erste Staffel direkt zu Gemüte führen. Inhaltlich weicht die Handlung meines Erachtens nicht vom Original ab, sodass sich gerade Kenner der Vorlage sofort heimisch fühlen dürften. Wer bisher aber noch nie von Rurōni Kenshin gehört hat und sich auch nicht mit der japanischen Geschichte auskennt, könnte jedoch gerade bei der Charakterisierung der Hauptfigur Kenshin und verschiedenen historischen Hintergründen seine Probleme haben. Abgesehen davon lässt sich dem Plot aber jederzeit folgen. Neben dem Szenario gefällt mir das gezeichnete Bild Tōkyōs der frühen Meiji-Zeit, das ein wunderbares Setting für die Geschichte abgibt. Lediglich bei den Animationen der Figuren hätte ich mir persönlich mehr erhofft. Hier kann Liden Films bei der zweiten Staffel noch einmal ansetzen. Wer den Defiziten nichts entgegenzusetzen hat oder Fan der Marke ist, kann sich in Rurōni Kenshin 24 Episoden lang verlieren!

Vielen Dank an Crunchyroll für die freundliche Bereitstellung des Zugangs zum Streaming-Angebot!

Auch im Jahr 2023 gehört Death Note zu den beliebtesten Anime-Serien aller Zeiten. Während die erste Serienbox auf Blu-ray Disc den Zuschauer wunderbar ins Geschehen einführt, verflechtet sich die Story in den Folgen der zweiten Box zu einem Katz-und-Maus-Spiel.

Zugegeben – es ist schon verlockend, ein Notizbuch zu besitzen und die uneingeschränkte Macht zu haben, einen unliebsamen Menschen nach dem anderen aus dem Verkehr zu räumen. Ausgerechnet Yagami Light, ein hochintelligenter Oberschüler, kommt per Zufall in den Besitz solch eines Buches. Als er das titelgebende Death Note berührt, taucht urplötzlich auch der Shinigami Ryūku auf. Die beiden wollen aus der Welt der Menschen einen besseren Ort zum Leben machen, doch nur Light kann das so genannte Death Note dazu benutzen, um Menschen zu töten. Dazu muss er einfach nur den Namen der Zielperson ins Buch schreiben und innerhalb von vierzig Sekunden stirbt diese an Herzversagen – es sei denn, Light bestimmt die näheren Todesumstände, sofern diese für die Zielperson möglich sind. Nicht nur in Japan bangen Verbrecher um ihr Leben, sondern bald schon auf der ganzen Welt. Light nutzt das Death Note aus und bestraft auch Leute mit dem Tod für geringe Vergehen. Das Phänomen der mysteriösen Tode geht durch die Nachrichten um den Globus. In Internetforen erhält Light von seinen Anhängern den Namen Kira, vom englischen Wort für Killer abgeleitet, um der Ursache einen Namen zu geben. Auf die Idee, dass ein Oberschüler hinter Kira stecken könnte, kommt die Polizei erst dann, als der mysteriöse L ins Rampenlicht tritt und der Polizei seine Unterstützung zusichert. Es dauert nicht lange, bis sich L und Kira gegenüberstehen.

Duell auf psychologischer Ebene

Die neunzehn Episoden der zweiten Box führen die Story der Anime-Serie nahtlos fort. Das Team der Sonderkommission ist in zwei Lager gespalten. Auf der einen Seite steht L, der Light die meiste Zeit über verdächtigt. Dieser beteuert ständig seine Unschuld, da er die Rechte am Death Note mit einem hinterhältigen Plan vorübergehend abgetreten hat und so niemals auch nur zugeben könnte, Kira zu sein. Auf der anderen Seite stehen Light, sein Vater und dessen Kollegen, die an die Unschuld des betrügerisch handelnden Oberschülers glauben. Damit Light respektive Kira seinen Plan durchsetzen kann, ist er auf die Hilfe von seiner quirligen Freundin Amane Misa angewiesen. Diese ist ebenso im Besitz eines Death Notes und kann von Light wunderbar ablenken. Kurz bevor L den beiden auf die Schliche kommt, ist Kira dem genauso jungen Kontrahenten immer einen Schritt voraus. Schon nach wenigen Episoden kommt es in den vorliegenden Folgen zum Ausscheiden einer elementaren Figur, was Nachahmer, neue Kontrahenten und undurchsichtige Verbündete mit sich bringt. Der Kampf zwischen L und Kira, der fast durchgehend auf einer psychologischen Ebene abläuft, wird erst zum Schluss durch Entführungen und den Einsatz von Schusswaffen blutiger. Hier merken wir, dass sich Death Note in erster Linie eher an ein erwachsenes Publikum richtet.

Zeitraffende Dynamik

Während die ersten achtzehn Folgen einen kurzen Zeitraum behandeln, ist die Geschichte in der vorliegenden Serienbox auf mehrere Jahre gestreckt. Ohne an Dynamik zu verlieren, wird die gesamte Handlung zeitraffend erzählt. Das vieler neuer Figuren finden wir zwar gut, doch verliert sich die Anime-Serie schnell in verschiedenen Handlungssträngen, die sich viel Zeit nehmen, um die Akteure vorzustellen. Zum Ende hin läuft aber alles auf ein packendes Finale hinaus. Besonders die letzten Episoden zeigen, wie tiefgründig Death Note eigentlich ist. Viele Figuren entwickeln sich zu tragischen Charakteren, die aus ihrer Rolle einfach nicht ausbrechen können und das Drama ausharren müssen. Unterstützt wird die Kulisse durch viele dunkle und oft leicht verschwommene Farben – zumindest in der DVD-Fassung. Die Blu-ray-Variante fällt technisch wesentlich besser aus. So ist die Anime-Serie im bildschirmfüllenden 16:9-Format auch 2023 ansehnlich und kann mit ihrer dystopischen Gestaltung punkten. Selbiges gilt für die beiden Tonspuren in DTS-HD Master Audio 2.0. Sowohl die deutsche, als auch die japanische Synchronfassung ist gelungen und stellt Verfechter beider Sprachen zufrieden. Schade ist nur, dass auch die zweite Blu-ray-Box ähnlich der DVD-Veröffentlichung von 2014 gänzlich ohne Bonusmaterial auskommen muss. Sehr gerne hätten wir Einblicke in die Produktion genommen. An der sonst sehr intelligenten Serie ändert das aber nichts.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray- und DVD-Fassung): Da ich die beiden Realverfilmungen von Death Note vor dem Ansehen der Serie bereits kannte, kannte ich auch viele Szenen aus den ersten achtzehn Episoden schon. Die zweite Serienbox hat jedoch den Vorteil, dass die Realverfilmung stark von der Vorlage abweicht und ich bis zum Schluss in den Genuss der originalen Story kommen kann. Diese gefällt mir sehr gut, da sowohl Kira, als auch L, und natürlich auch ihre Verbündeten und Kontrahenten, sich fantastisch entwickeln und sich ein spannendes Katz-und-Maus-Spiel liefern. Death Note ist ein intelligenter Anime, der mit einer interessanten (und fiktiven) These spielt und somit natürlich kaum reale Nachahmer finden wird. Mir gefällt das Konzept einfach sehr, sehr gut, welches sich aber vorwiegend an Erwachsene richtet. Selbst Nebencharaktere haben ihre Daseinsberechtigung und bringen die Story zu einem guten, wenn vielleicht auch nicht für jeden, befriedigenden Finale. Das Ende ist zum Glück so ausgelegt, dass es wohl nie eine Fortsetzung im Stile von Death Note – L: Change the World geben wird, die für mich bekanntermaßen enttäuschend hat. Wer sich auf den Anime einlässt, bekommt es 37 Folgen lang mit interessanten Charakteren, tiefgründigen Dialogen und einer spannenden Story zu tun. Death Note sollte sich niemand entgehen lassen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Death Note – Blu-ray-Box 2!

Fast ein ganzes Jahr mussten Fans von Detektiv Conan auf die Fortführung der Serie warten – zumindest im Rahmen der physischen Veröffentlichung im deutschsprachigen Raum. Am 23. Februar 2023 erschien die 17. Serienbox, die aber erneut weitgehend ein Lückenfüller bleibt.

Ganze zehn Jahre hat die Anime-Serie Detektiv Conan im Jahr 2006 auf dem Buckel. Dass die Reihe derart lange laufen würde, hätte sich Erfinder Aoyama Gōshō, der seit dem Debüt der Manga-Vorlage 1994 quasi an kaum etwas anderem arbeiten kann, in seinen kühnsten Träumen nicht vorstellen können. Wie dem auch sei, wird im neuen Intro, das in der zweiten Hälfte der 25 enthaltenen Episoden greift, auf das Jubiläum unter dem Titelschriftzug kurz und knackig hingewiesen. Allerdings wird der zehnjährige Geburtstag der Anime-Serie nicht oder zumindest noch nicht mit einem besonderen Fall gefeiert. Abermals bekommen Fans der titelgebenden Spürnase verschiedene Fälle vorgesetzt, die nacheinander abgearbeitet werden. Das ist besonders deshalb so schade, da auf dem Cover der 17. Serienbox hinter dem kleinen Protagonisten drei Mitglieder der schwarzen Organisation lauern. Hier spielt der Herausgeber Crunchyroll ganz fies mit der Erwartungshaltung der Fans, denn schließlich sind es gerade die Folgen der Anime-Serie, in denen Conans ärgste Feinde auftreten, wahre Publikumsmagnete. Im Umkehrschluss heißt das natürlich nicht, dass die enthaltenen Geschichten keinerlei Spaß machen, aber sie bringen die eigentliche Handlung der Serie eben nicht voran. Allerhöchstens Mōri Rans jüngste Entdeckung bringt ein wenig Schwung in das alltägliche Leben von Conan.

Nicht absehbare Entwicklungen

Wie jeder Zuschauer seit den allerersten Folgen von Detektiv Conan weiß, handelt es sich bei Conan in Wirklichkeit um den Schülerdetektiv Kudō Shin’ichi, der jedoch von der schwarzen Organisation geschrumpft respektive verjüngt wurde. Seither arbeitet er an einem Weg, seine alte Form zurückzuerlangen. Bis dahin lebt Shin’ichi unter dem Decknamen bei seiner Freundin Ran und ihrem Vater Kogorō, ohne den beiden jedoch seine wahre Identität zu enthüllen. Durch kleinere Missgeschicke und verräterische Aktionen bemerkt Ran jedoch immer mehr auffällige Ähnlichkeiten zwischen Conan und Shin’ichi. Das führt in den vorliegenden Folgen sogar dazu, dass sie Conans Mobiltelefon überprüft, um endlich sicherzugehen, dass es sich bei Conan in Wahrheit um Shin’ichi handelt. Wie Rans wilde Deduktion schlussendlich ausgeht, soll an dieser Stelle nicht verraten werden. Allerdings werden damit neue Möglichkeiten aufgestoßen, die für die Zukunft der Serie noch von starker Bedeutung sein könnten. Sonderlich viel passiert diesbezüglich in der 17. Serienbox von Detektiv Conan aber leider nicht. Ob die neuen Entwicklungen also tatsächlich einen Mehrwert für die Serienhandlung bringen, ist ganz und gar nicht abzusehen. Shin’ichi alias Conan bewegt sich damit aber auf ganz dünnes Eis, wie auch sein Freund und Rivale Hattori Heiji in einer Episode korrekterweise anmerkt.

Angenehmer Einfluss von Nebenfiguren

In sämtlichen anderen Belangen bleibt die Anime-Serie ihrer Struktur treu, hat aber zumindest gefühlt etwas an Biss verloren. Wie immer laden sämtliche Fälle zum Mitraten ein. Es macht Spaß, vor dem Fernseher sitzend mitzurätseln, wer denn nun schon wieder der Täter ist. Dass diese Fälle gewissenhaft konstruiert sind, dürften Kenner von Detektiv Conan wohl wissen – gerade das macht aber auch wieder den Charme aus. Häufig sind es diesmal jedoch die Dialoge bei der Aufklärung des Verbrechens, die etwas holprig geschrieben oder zumindest leicht salopp ins Deutsche übersetzt worden sind. Auf die andere Sprachfassung lässt sich übrigens nicht wechseln, denn die DVD-Version von Detektiv Conan ist nach wie vor nur mit der deutschen Tonspur ausgestattet. Hierbei geben sich die Sprecher aber größte Mühe. So unterhalten die verschiedenen Fälle, die sich unter anderem um einen Juwelenraub oder eine Schatzsuche drehen. Ebenfalls behandelt wird der Mord von Drehbuchautoren, Komikern und Industriellen. Nebenfiguren wie Inspektor Takagi Wataru, der in seine Kollegin Satō Miwako verliebt ist, oder Professor Agasa Hiroshi, der noch Gefühle für seine erste Liebe aus Kindheitstagen hegt, bekommen in der 17. Volume ein bisschen Bildschirmzeit. Auch wenn die Episoden der 17. Serienbox die Handlung nicht so stark vorantreiben, machen diese die Charaktere sehenswert.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 434 bis 458 der Serie): Blieb in der 16. Serienbox noch die Hoffnung, dass langsam aber sicher ein neuer großer Handlungsstrang anbricht, ist in den Episoden der 17. Volume nichts mehr davon zu erkennen. Rans Verdacht wird in aller Eile abgehandelt und danach kaum mehr aufgegriffen. Allerdings lässt sich die Anime-Serie durch diese Entwicklung neue Möglichkeiten offen, die in Zukunft eine Behandlung erfahren könnten. Wer also darauf gehofft hat, dass die Rahmenhandlung fortgeführt wird, denn immerhin prangen Mitglieder der schwarzen Organisation auf dem Cover, dürfte wohl oder übel enttäuscht sein. Es ist schade, dass Crunchyroll hier mit falschen Versprechungen lockt. Der restlichen Struktur der Serie tut dies allerdings keinen Abbruch. Hier kommen auch abermals einige Nebenfiguren zur Geltung, welche die vielen kleinen Geschichten mit persönlichen Anekdoten und Kommentaren aufwerten. Fans der Serie, wenn sie nicht gerade darauf pochen, dass die eigentliche Handlung endlich wieder fortgeführt werden sollte, kommen in der 17. Serienbox von Detektiv Conan also einmal mehr auf ihre Kosten.

Wenn ein Autor, ein Regisseur oder ein Geschichtenerzähler mit einer speziellen Handlung beginnt, so ist ihr Ausgang oft ungewiss und es dauert nicht selten Jahre, bis der entstandene Konflikt gelöst wird. So geschah es auch mit Mobile Suit Gundam: Char’s Counterattack.

Nachdem die Rechte an Mobile Suit Gundam durch die bei der Erstausstrahlung nur wenig erfolgreiche Anime-Serie an Bandai abgetreten worden sind, entwickelte sich über die Jahre ein regelrechtes Franchise heraus. Nach und nach wurde und wird das von Tomino Yoshiyuki erdachte Universum mit neuen Fernsehserien, Kinofilmen und Videospielen gefüllt. Obwohl mit Mobile Suit Zeta Gundam und Mobile Suit Gundam ZZ zwischen 1985 und 1988 zwei weitere Anime-Serien erschienen, die noch dazu in derselben Zeitlinie angesiedelt sind, kam 1988 mit Mobile Suit Gundam: Char’s Counterattack der erste eigenständige Kinofilm in die japanischen Lichtspielhäuser. Auch wenn die vorherigen Serien zur Einordnung der Geschehnisse helfen, ist es nicht erforderlich, diese auch tatsächlich konsumiert zu haben. Nichtsdestotrotz ist es zumindest angebracht, sich vorher Mobile Suit Gundam von 1979 anzusehen, da Char’s Counterattack maßgeblich auf die Rivalität zwischen Protagonist Amuro Ray und Antagonist Char Aznable setzt. Wer nicht gespoilert werden will, sollte das Review an dieser Stelle abbrechen, sich unserer Rezension der Serie widmen und diese im besten Falle gleich nachholen. Mobile Suit Gundam ist, sobald einmal der Zugang gefunden wurde, ein wahrer Klassiker, dessen Magie auch im acht Jahre später entstandenen Kinofilm noch zu spüren ist.

Von Hass und Ehrgeiz geplagt

Vierzehn Jahre nach den Geschehnissen von Mobile Suit Gundam stellt sich heraus, dass das besiegte Fürstentum Zeon im Geheimen eine Armee aufgestellt hat. Unter der Führung von Char, dem der Anspruch auf den Thron in Kindheitstagen durch einen Putsch verwehrt wurde, soll Neo-Zeon zu neuem Glanz erstrahlen. So geschieht es, dass in Char’s Counterattack der Krieg gegen die Erdföderation neu entfacht wird. Getrieben von Ehrgeiz und Hass setzt Char alles daran, seinen Gegenspieler Amuro zu besiegen und im selben Atemzug alles Leben auf der Erde zu vernichten. Hierzu plant der ehemals als roter Planet bekannte Char einen Asteroiden auf die Erde stürzen zu lassen. Wie passend! Er bezweckt damit nach wie vor sein Ziel, den sogenannten Newtypes, Menschen mit übernatürlichen Kräften, den Weg in die Zukunft zu bahnen. Eingewickelt ist die Geschichte abermals in verschiedenen zwischenmenschlichen Beziehungskonstrukten auf beiden Seiten der Kampfparteien, die aber teilweise miteinander verbunden sind. So zieht Char Quess Paraya, die Tochter des Vize-Außenministers der Erdföderation auf seine Seite und instrumentalisiert sie aufgrund ihrer Kräfte, gegen ihre eigene Nation in den Krieg zu ziehen. Durch das Auftreten ihres Vaters, der einen Waffenstillstand aushandeln will, bleibt der Konflikt in Char’s Counterattack durchweg politisch verankert.

Kämpfe bis zum bitteren Ende

Wer alles verstehen will, sollte aber Japanisch- oder zumindest gute Englischkenntnisse mitbringen, denn weder gibt es eine deutsche Synchronisation noch Untertitel bei Crunchyroll. Im circa zweistündigen Film bekommt es der Zuschauer aber wie in der Anime-Serie überwiegend mit Gefechten zu tun, die über die gesamte Laufzeit ausgetragen werden. Es bleibt kaum fünf Minuten still, da rücken Amuro und Co zum  nächsten Kampfeinsatz aus. Hieran ist exemplarisch festzustellen, dass die Technik kontinuierlich voranschreitet. In den vierzehn Jahren innerhalb des Serienuniversums werden Gundams inzwischen, mit gewissen Abstufungen, massentauglich auf beiden Seiten produziert, sodass in gewisser Weise ein Gleichgewicht zwischen den Kriegsparteien besteht. Newtypes wie Amuro sind jedoch klar im Vorteil, weshalb Neo-Zeon offenbar interveniert und Amuros Möglichkeiten auf Bewusstseinsebene einschränkt. Es ist jedoch nicht nur auf inhaltlicher Ebene viel passiert. In den acht Jahren zwischen Serie und Film gab es auch große Sprünge in der Anime-Industrie, wodurch sich computeranimierte Rotationen zu den auch so schon recht flüssigen handgezeichneten Animationen hinzugesellen. Es macht wirklich Spaß, den Schlachten bis zum bitteren Ende zu folgen, was nicht zuletzt an der tollen Musik liegt. Es kommen zwar keine Stücke aus der Serie vor, doch Komponist Saegusa Shigeaki verleiht der Dramatik seine ganz persönliche Note.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Stream bei Crunchyroll): Nachdem ich Mobile Suit Gundam gesehen habe, wollte ich unbedingt wissen, wie die Geschichte um Amuro Ray und Char Aznable weitergeht. Davon ist zwar auch etwas in den beiden Nachfolgeserien zu sehen oder zu hören, doch die Auflösung des Konflikts gibt es erst in Mobile Suit Gundam: Char’s Counterattack. Tatsächlich wird die ikonische Auseinandersetzung zwischen beiden Akteuren bis zur letzten Filmminute ausgetragen. Ich möchte nicht verraten, wie diese ausgeht, doch bin ich mit der Lösung zufrieden, obwohl sie mich etwas traurig stimmt. Mit dem Gesamtpaket sieht das aber ein wenig anders aus. Ich mag die Geschichte und die Geschwindigkeit, in der sie erzählt wird. Der Umgang mit Nebencharakteren ähnelt zwar auch der Struktur der Serie, doch wenn in einem Kinofilm neue Charaktere hinzukommen, die wichtig für das Voranschreiten der Story sind, dann sollten deren Momente größeres Gewicht haben oder zumindest nicht störend sein. Quess Paraya ist beispielsweise so eine Figur, die inhaltlich funktionieren mag, aber als unfassbar nerviger Charakter eher Ballast für den Film ist. Audiovisuell gibt es aber nichts zu beanstanden, denn sowohl die gezeichneten Grafiken, die flüssigen Animationen als auch die Musik und die Soundeffekte stehen einmal mehr für sich. Wer Mobile Suit Gundam als Serie schon mochte, wird auch viel Freude mit Char’s Counterattack haben!

Vielen Dank an Crunchyroll für die freundliche Bereitstellung des Zugangs zum Streaming-Angebot!

Kaum zu glauben, aber wahr: Manche Anime-Serien werden dem deutschsprachigen Publikum jahrzehntelang vorenthalten. Dazu zählt auch Lupin III. – Part 1, eine Serie, die mit 23 Episoden den Auftakt für viele weitere Staffeln und Filme im Anime-Korsett gelegt hat.

Angesiedelt in den Jahren 1971 und 1972, dem Produktionszeitraum der Anime-Serie, erzählt Lupin III. – Part 1 die Abenteuer des gleichnamigen Meisterdiebs Arsène Lupin III. Obwohl die Marke im deutschsprachigen Raum bereits durch den Film Das Schloss des Cagliostro und weiteren Anime-Umsetzungen bereits bekannt war, hat es bis 2023 gedauert, dass Crunchyroll auch die erste Anime-Umsetzung des Manga-Stoffes ins hiesige Programm aufgenommen hat. Fünfzig Jahre nach der Erstveröffentlichung in Japan gibt es aber keinen Grund, die Erwartungen runterzuschrauben. Nicht nur Fans des Meisterdiebs kommen auf ihre Kosten, sondern auch alle neugierigen Zuschauer, die bisher noch nicht mit dem Franchise in Berührung gekommen sind. Gerade der erste Teil der Anime-Serie eignet sich hervorragend dazu, in die Handlung einzusteigen, was an einem ganz besonderen Faktor liegt. So beginnt die Geschichte trotz etablierter Grundlagen nahezu bei Null. Lupin ist mit seinem Komplizen Jigen Daisuke immer auf der Suche nach dem nächsten Coup. Ihnen meist dicht auf den Fersen ist Inspektor Zenigata Kōichi von der Tōkyōer Polizei. Damit könnte die Ausgangslage nicht eindeutiger sein, doch werden Lupin und Jigen, die sich in der deutschen Vertonung liebevoll Grummelbärchen und Gürkchen nennen, von zwei weiteren wichtigen Figuren unterstützt.

Kunterbuntes Heldenquartett

Mit von der Partie in Lupin III. – Part 1 sind auch die beiden vielschichtigen Charaktere Ishikawa Goemon XIII. und Mine Fujiko. Bei Goemon handelt es sich um einen Samurai, der wie ein Anachronismus in die Anime-Serie passt. Altertümliche Kleidung, immer die Hand am Schwertgriff und ein übertriebenes Ehrgefühl zeichnen die Figur aus. Fujiko ist hingegen Lupins große Liebe oder zumindest das, was er dafür hält. Sie kann durchaus als eine Art der Femme Fatale gesehen werden. Ihr ist bewusst, dass sie mit ihren weiblichen Reizen Lupin dazu verführen kann, genau das zu tun, was ihr von Vorteil ist – und das, obwohl Lupin ständig von Jigen und Goemon vor diesem „Weibsbild“ warnen. Ständig hat Fujiko Hintergedanken und schlägt die Gruppe aufgrund Lupins Gutgläubigkeit mehrmals in die Pfanne oder haut sogar mit der gestohlenen Beute ab. Auf dieser Basis baut Lupin III. – Part 1 immer und immer wieder auf. Hier zeigt sich ein Charakteristikum, das für Anime-Serien eher untypisch ist. Zwar wird immer mal wieder auf vorhergehende Ereignisse hingewiesen, wenn Zenigata beispielsweise erwähnt, dass er Lupin zweimal eingebuchtet hat, dieser aber jedes Mal entkommen ist, doch genau genommen liegt zu Beginn jeder Episode der Status quo vor. Alles auf Anfang gesetzt lockt jede einzelne Folge auf diese Weise mit einer eigenständigen Story.

Abwechslungsreiche Geschichten

Obwohl abgeschlossene Handlungsstränge für den einen oder anderen Zuschauertyp durchaus anstrengend sein können, sind sie in Lupin III. – Part 1 aber alles andere als langwierig oder gar langweilig. In den jeweils circa 25 Minuten langen Episoden gelingt es dem im Jahr 2024 als TMS Entertainment bekannten Animationsstudio viele tolle Geschichten zu erzählen, die abwechslungsreicher wirklich nicht sein könnten. Mal rauben die Figuren ein Juweliergeschäft aus und mal möchte Lupin die Tochter eines Freundes seines verstorbenen Vaters aus den Fängen ihres Onkels retten. Auch das Überlisten eines Supercomputers, der Lupins nächste Schritte allesamt vorhersehen kann, steht in einer Folge auf der Tagesordnung. All das macht richtig viel Spaß, denn oft genug werden Lupin und seine Freunde durch Zenigata und weiteren Antagonisten, die gerade den klassischen, ikonischen und fast schon stereotypischen Bösewichten aus James Bond alle Ehre machen, in die Ecke gedrängt. Als Zuschauer ist es eine wahre Freude mitzufiebern, auf welche Art und Weise Lupin seinen Gegenspielern zuvorkommt. Das ist zwar manchmal leicht vorhersehbar, doch in vielen Fällen bleibt die Lösung kreativ, was aber vor allem am Anime-Erscheinungsbild liegen dürfte. Im japanischen Zeichentrick ist einfach so vieles möglich, ohne dass es gleich zwangsläufig albern sein muss.

Humorvolle Anime-Serie

Nichtsdestotrotz bleibt in Lupin III. – Part 1 jede Menge Platz für Humor, denn ganz ohne komische Slapstick-Einlagen oder flotte Sprüche geht es dann doch nicht. Hiervon profitiert ganz klar die deutsche Synchronisation, die sehr salopp wirkt und in manchen Punkten die Grenzen des Schnodderdeutschs tangiert, wie es vor allem Fans von Bud Spencer und Terence Hill kennen. Wenn eine weibliche Figur halbwegs abwertend als Mullemaus bezeichnet wird oder Sprüche geklopft werden, die so eher in den 1970er- und 1980er-Jahre verankert sind, dann ist das nicht nur witzig, sondern passt auch zum Zeitgeist beziehungsweise dem Entstehungszeitraum der Anime-Serie. Dementsprechend muss das Werk auch in technischer Hinsicht betrachtet werden. Für das Fernsehen produziert liegt die Serie nur im 4:3-Format vor. Links und rechts rahmen schwarze Balken das Bild auf Breitbildfernsehern ein. Hinzu kommt, dass die Farben häufig etwas blass und die Animationen gelegentlich ein wenig holprig wirken. All das ist aber nur der Tropfen auf den heißen Stein, denn abgesehen von diesen Defiziten, die definitiv der Zeit geschuldet sind, kann die Anime-Serie auf ganzer Linie überzeugen. Lupin III. – Part 1 ist ein Kind seiner Zeit und ein echter Klassiker, der auch viele Jahrzehnte später seine Fans erfreut und immer noch viele neue Anhänger finden dürfte.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Stream bei Crunchyroll): Anime-Serien, die weitestgehend mit abgeschlossenen Handlungssträngen in jeder Episode aufwarten, gibt es gar nicht mal so viele. Lupin III. – Part 1 ist eine solche Serie, der es aber dennoch in jeder Folge aufs Neue gelingt, spannende und unverbrauchte Geschichten zu erzählen. So bereiten Lupin und seine Freunde immer wieder frische Coups vor, bekommen sich dabei mitunter gegenseitig in die Haare, schlagen der Polizei aber mindestens genauso oft ein Schnippchen. Überforderte Polizisten, überzeichnete Antagonisten und überdrehter Humor sind genau die Punkte, die neben den unterhaltsamen Protagonisten und Geschichten für die Serie stehen und sie so sehenswert machen. Es bereitet mir jede Menge Spaß, den Figuren bei der „Arbeit“ zuzusehen und mit ihnen mitzufiebern, da die Episoden häufig aus auktorialer Sicht geschildert werden und ich daher beide Seiten der Medaille kenne. Loben möchte ich auch die deutsche Synchronisation, bei der gerade Peter Flechtner in seiner Rolle als Lupin auffällt. Es ist ihm wirklich anzumerken, wie viel Spaß ihm die Vertonung gemacht hat. Ich würde mich sehr darüber freuen, auch die weiteren Parts von Lupin III., die zudem deutlich länger ausfallen, im Angebot von Crunchyroll sehen zu dürfen. Lupin III. – Part 1 legt eine großartige Grundlage, die Jahrzehnte nach der Erstveröffentlichung in Japan mit weiteren Staffeln endlich gewürdigt werden muss!

Vielen Dank an Crunchyroll für die freundliche Bereitstellung des Zugangs zum Streaming-Angebot!

Nachdem die 31. Serienbox im Dezember 2022 für Furore sorgte, folgte die 32. Ausgabe nur einen Monat später am 23. Januar 2023. In den Episoden wird der Handlungsstrang auf Wa no Kuni leicht fortgeführt, bietet dabei aber leider nicht viele Überraschungen und Wendungen.

Mit der Anime-Serie One Piece ist es, zumindest in der Aufteilung in verschiedene Serienboxen, ein Auf und Ab. Nachdem die Jubiläumsausgabe ein wenig enttäuscht hat, überraschte in puncto Storytelling die wendungsreiche 31. Ausgabe. Beim 32. Episodenpaket müssen wieder ein paar Abstriche gemacht haben, die aber nicht so stark ins Gewicht fallen, wie Fans an dieser Stelle befürchten könnten. Die auf dem Manga von Oda Eiichirō basierende Anime-Serie greift die offenen Handlungsfäden der letzten Serienbox auf und führt diese auf stringente Art und Weise fort. Allen voran erhält der Zuschauer einen Einblick in den beschwerlichen Alltag in der Häftlingsmine von Udon. Hier sitzt Protagonist Monkey D. Ruffy seit seinem gescheiterten Auflehnen respektive einem verlorenen Kampf gegen seinen bisher wohl stärksten Antagonisten Kaidō der hundert Bestien ein, muss Steine abbauen und sich für einen Hungerlohn abmühen. Hier lernt er auch den älteren Herrn Hyōgorō kennen, der am Ende seiner Kräfte ist. Freundlich wie Ruffy nun mal ist, gibt er ihm einen Teil seiner Essenmarken ab und die beiden schließen Freundschaft. Den Gefängniswärtern ist dieses Verhalten natürlich ein Dorn im Auge, wodurch sie Hyōgorō auf dem Kieker haben. Als ein Aufstand droht, schreitet Gefängnisdirektor Queen ein, der Ruffy und Hyōgorō in einen Kampf auf Leben und Tod verwickelt.

Aufgeteilte Handlung für ein gemeinsames Ziel

Währenddessen machen sich in den Episoden der 32. Serienbox von One Piece der Schiffsarzt Chopper, die kleine Tama, die Schwertkämpferin Kikunojō und der rechtmäßige Herrscher über Wa no Kuni Kōzuki Momonosuke auf in die Gefängnismine von Udon. Mit der zumindest temporär an Amnesie leidenden Big Mom, der sie süße Bohnensuppe versprechen, wollen sie die Mauern und Tore des Gefängnisses einreißen, um Ruffy zu befreien. Dass zu dieser Zeit auch der Ninja Raizō durch die düsteren Gänge der Verliese schleicht, um an die Schlüssel für die Seesteinhandschellen zu kommen, ahnen sie da noch nicht. Wie es für die Anime-Serie üblich ist, findet die Handlung häufig an verschiedenen Orten statt. Beispielsweise wird ein Bankett für den unrechtmäßig regierenden Shōgun Orochi ausgerichtet. Auch hier ist eine Kunoichi, genauer gesagt die Kunoichi Shinobu, am Werk. Zusammen mit der getarnt arbeitenden Nico Robin, dem für Aufruhr sorgenden Skelett Brook und der Navigatorin Nami wird versucht, an verschiedene Informationen zu gelangen, um die Revolution zielgerichtet starten zu können. Der Abend verläuft nicht wie geplant, denn zwischen Shōgun Orochi und der Oiran Komurasaki entbrennt ein Streit, bei dem die Kurtisane vermeintlich ihr Leben verliert. So zeigen die Folgen, dass das meist heitere One Piece teils ganz schön erbarmungslos sein kann.

Bekanntes wie gewohntes Gesamtbild

Auch wenn die Handlung weitgehend stringent verläuft und es keine unvorhersehbaren Wendungen gibt, die den Kiefer nach unten klappen lassen, lüftet die Serie in diesen 25 Episoden dennoch das eine oder andere Geheimnis. Unter anderem erfährt der Zuschauer mehr über die Smile-Früchte, bei denen es sich um künstlich erzeugte Teufelsfrüchte handelt, die aber in so gut wie neunzig Prozent aller Fälle starke Nebenwirkungen haben. Auch gibt es ein paar neue Verknüpfungen zwischen verschiedenen Charakteren des Wa-no-Kuni-Handlungsstrangs, die dem Zuschauer ein verständlicheres Bild der Charakterriege geben. Ansonsten setzt One Piece abermals auf die bekannte Formel. Es werden schlagfertige Sprüche ausgeteilt, welche die kämpferischen Auseinandersetzungen aufwerten. Zudem versucht Ruffy über seine Grenzen hinauszuwachsen, um schließlich gegen Kaidō gewappnet zu sein. Auch unterhalb der Figuren bleibt es meist munter. Besonders wenn Chopper seine Angst äußert zur Gefahr, dass sich Big Mom an alles erinnern könnte, bleibt absolut kein Auge trocken. Audiovisuell bleibt alles beim Alten. Lediglich ein maximal zwei Sekunden anhaltender Tonfehler bei der deutschen Tonspur in Episode 941 schmälert das sonst positive Gesamterlebnis. Die physische Verkaufsfassung der 32. Serienbox ist zudem einmal mehr mit einem Booklet ausgestattet. Fein!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 927 bis 951 der Serie): Nach dem etwas schwachen Auftakt der 30. Serienbox und der deutlich besseren 31. Ausgabe von One Piece war ich natürlich gespannt, wie es im 32. Episodenpaket weitergeht. Grundsätzlich kann ich sagen, dass ich nicht enttäuscht wurde. Ich erhalte einen besseren Einblick in das Leben auf Wa no Kuni, verschiedene Handlungsplätze erhalten für mich ein greifbareres Bild und verschiedene Charakterkonstellationen verbessern das Verständnis. Hinzu kommt das Lüften ein paar weniger Geheimnisse, wunderbar kurzweilige Kämpfe und der gewohnt tolle Humor. Es ist jedoch schade, dass die großen Überraschungen oder Wendungen ausbleiben. Vielmehr bilden die 25 Folgen dieser Serienbox den stringenten Übergang zum nächsten Höhepunkt. Zumindest habe ich durchweg das Gefühl. Davon sollten sich Fans des Franchises aber nicht abhalten lassen, denn inszenatorisch wie inhaltlich sind  die Episoden definitiv sehenswert!

Wer Ende der 1980er-Jahre geboren wurde, wird wahrscheinlich mehr als ein Jahrzehnt später auf die Anime-Serie Dragon Ball aufmerksam geworden sein. Nachdem die Serie 2012 hierzulande bereits auf DVD erschien, folgte 2013 die Blu-ray-Veröffentlichung – ungeschnitten.

Deutschsprachige Fans der ersten Stunde erinnern sich noch gut daran, wie der Einsiedler Son Gokū alleine und auf sich gestellt in den Bergen einen recht vergnügliches Alltag führt. Jeden Tag trainiert der Junge, angelt und ist schlichtweg mit seinem Leben zufrieden. Eines Tages verschlägt es in den Sommerferien die junge Buruma in die Wildnis, denn sie ist auf der Suche nach den mysteriösen wie titelgebenden Drachenkugeln, von denen es insgesamt sieben Stück geben soll. Hat jemand alle Dragon Balls gefunden, darf er sich von dem daraufhin erscheinenden Drachen Shénlóng einen Wunsch erfüllen lassen. Wie es der Zufall so will, ist genau jener Einsiedler im Besitz einer dieser Kugeln. Gokū ist zunächst davon überwältigt, auf ein Mädchen und somit einen anderen Menschen zu treffen, kannte er zuvor doch nur seinen verstorbenen Großvater. Obwohl auch er die Geschichte von den Drachenkugeln faszinierend findet, möchte er sie nicht hergeben, da es für ihn das einzige Andenken an seinen Großvater ist. Er willigt jedoch ein, Buruma auf ihrer Reise zu begleiten und ihr die Kugel zu leihen. Sie verschweigt ihm jedoch, dass die Kugeln, nachdem der Wunsch in Erfüllung gegangen ist, sich in Stein verwandeln und erst ein ganzes Jahr später wieder sichtbar werden. Da Buruma bisher nur zwei Dragon Balls gefunden hat, macht sie sich mit Gokū kurzerhand auf die Suche nach den anderen Kugeln – nur um in ein noch größeres Abenteuer zu schlittern.

Illusteres Charakterensemble

Buruma und Gokū wissen nicht, dass noch jemand anders auf der Suche nach den Dragon Balls ist. In einem entfernten Land lebt der kleine, reiche und fiese Prinz Pirafu, der von seinem Schloss aus seine zwei Lakaien Mai und Shū ebenso auf die Suche nach den Kugeln schickt. Somit stoßen Gokū und Buruma des Öfteren unweigerlich auf ihre beiden Gegenspieler, die ihnen mit hinterhältigen Tricks die Dragon Balls vor der Nase wegschnappen wollen. Eine Konfrontation mit Prinz Pirafu ist ebenfalls unumgänglich, da dieser ebenfalls im Besitz einer der legendären Kugeln ist. Auf ihrer gemeinsamen Reise schließen sich Gokū und Buruma weitere illustre Gefährten an, beispielsweise das humanoide Schweinswesen Ūron, welches sich jederzeit, aber nur gerade einmal für fünf Minuten, in alle möglichen Erscheinungsformen verwandeln kann. Später gesellt sich auch noch der Räuber Yamucha hinzu, der fürchterliche Angst vor Frauen hat. Das sorgt an der einen oder anderen Stelle zwischen ihm und Buruma für lustige Momente. Der für Dragon-Ball-Erfinder Toriyama Akira bekannte Humor kommt ebenfalls nicht zu kurz, doch das dürften die Serienkenner bereits wissen. Wenn Buruma von einem Monster entführt und nach ihrer Rettung erst meilenweit aus der Luft hinunterfällt, um von Gokū schlussendlich gerettet zu werden, muss sie aus Verzweiflung urinieren. An anderer Stelle ist es dann der Held selbst, der einfach so zwischendurch pinkeln muss.

Viel Humor und etwas nackte Haut

Sicherlich ist dies der natürliche Lauf der Dinge, aber Toriyama Akira hat es geschafft, die Natürlichkeit des Lebens mit viel Witz zu unterlegen. Das sehen wir dann auch an Muten Rōshi, dem Herrn der Schildkröten, der an einigen Stellen trotzt seiner Reife und großen Kampfkraft als notgeiles Großväterchen dargestellt wird. So passiert es gelegentlich, dass Geschlechtsmerkmale wie Burumas Brüste auftauchen. Handelte es sich bei der DVD-Veröffentlichung von 2012 noch um die gekürzte Fassung der RTL2-Ausstrahlung, ist die Blu-ray-Ausgabe von 2023 tatsächlich ungeschnitten. Endlich dürfte auch der letzte Zuschauer verstehen, warum es witzig ist, wenn Gokū Buruma im Schlaf ihr Höschen auszieht, bevor sie in derselben Folge auf Muten Rōshi trifft. Während Gokū sich in der gekürzten Fassung nämlich nur darüber wundert, dass Buruma keinen Hoden hat, erfährt der Zuschauer in der einstmals geschnittenen Szene, dass Buruma kurz ihren Rock hochziehen soll, damit er Gokū und ihr den Dragon Ball überlässt. In den 1990er-Jahren war dies für das deutsche Nachmittagsprogramm vielleicht zu heftig. Die erste Serienbox, die neben der ersten Suche nach den Kugeln auch das Training bei Muten Rōshi und Gokūs Teilnahme am 21. Tenkaichi Budōkai, dem großen Kampfsportturnier umfasst, bei dem beispielsweise die Kämpferin Ran Fuan nur leicht bekleidet über ihre Gegner triumphieren will, ist weiterhin ab 12 Jahren freigegeben.

Charmante Vertonung

Obwohl Anime hierzulande bereits in den Jahrzehnten zuvor ausgestrahlt wurden, ist Dragon Ball um das Jahr 2000 herum eines der Werke, die den Begriff erst salonfähig gemacht haben. Dennoch wirkt die Übersetzungspolitik etwas befremdlich, denn bei vielen japanischen Begriffen wurde eine regelrechte Eindeutschung vorgenommen. Das Kamehame Ha, die Kampftechnik von Muten Rōshi, wird in der deutschen Vertonung als Schockwelle der alten Ahnen bezeichnet, was von der direkten Übersetzung abweicht. Trotzdem entwickelte die deutsche Synchronisation seinerzeit eine besondere Atmosphäre, was auch an den tollen Synchronsprechern liegt. Diese verleihen den Akteuren im Deutschen reichlich Charme. Unter anderem ist Corinna Dorenkamp als Gokū, Katja Liebing als Buruma, der 2012 verstorbene Heinz Ostermann als Muten Rōshi, Heinz Baumeister als Pirafu und Norman Matt als Gokūs Freund und Rivale Kuririn zu hören. Szenen, die bei der ursprünglichen Lokalisierung wegfielen, wurden damals nicht synchronisiert. Das heißt, dass diese auf den drei enthaltenen Blu-ray-Discs nur im japanischen Originalton mit deutschen Untertiteln vorliegen. Wer will, kann die Serie auch gleich komplett auf Japanisch anschauen respektive anhören. Während Dorenkamp Gokū als unschuldigen Jungen interpretierte und vertonte, machte die Stimme der Japanerin Nozawa Masako aus ihm einen recht aufgeweckten, aber dennoch schwerfälligen Heranwachsenden.

Technische Anpassungen

Bei der Musik des 2021 verstorbenen Komponisten Kikuchi Shunsuke gibt es hingegen kein Vertun, denn seine Melodien verleihen den heiteren, lustigen und spannenden Geschichten die richtige Stimmung. Da ist es egal, ob der Held auf seiner Überschallwolke von einem Ort zum anderen reist, für das große Turnier trainiert oder einen Übeltäter vermöbelt – der Soundtrack passt stets zum Geschehen. Schon nach kurzer Zeit kann der Zuschauer die Melodien mitsummen. Für die Blu-ray-Veröffentlichung wurde darüber hinaus entschieden, auf das deutsche Opening und Ending zu verzichten und stattdessen auf das japanische Original zu setzen. Die deutsche Variante liegt aber zumindest auf jedem Datenträger als Bonus vor. Beim Tonformat gab es ein Upgrade auf DTS-HD Master Audio 2.0, wovon aber eher die ältere japanische Tonspur profitiert haben dürfte. Alles ist klar zu verstehen, wenn auch eine asynchrone Szene in der deutschen Vertonung der 21. Episode den sonst guten Eindruck schmälert. Die auffälligste Verbesserung dürfte aber wohl das Bild im 4:3-Format sein, denn das beanstandete Bildwackeln in der ursprünglichen Version hat endlich ausgedient. In 1080p sieht zudem alles viel schärfer und schlichtweg besser aus. Als Bonusmaterial liegt der Box auch ein Episodenguide in Booklet-Form vor. Das ist hilfreich, denn das spartanische Menü der Blu-ray-Version weist wie schon die DVD lediglich nummerierte Episoden vor. Ein kleiner Dämpfer!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den ersten 28 Episoden der Serie): Dragon Ball ist und bleibt für mich eine der besten Anime-Serien aller Zeiten. Durch die Blu-ray-Veröffentlichung kann nun auch jeder deutschsprachige Fan die Serie so erleben, wie sie in ihrer Gänze ist, nämlich unzensiert und ungeschnitten. Die Übersetzungspolitik mag zwar befremdlich wirken, wenn die vor allem aus späteren Dragon-Ball-Serien bekannte Kampftechnik Kamehame Ha als Schockwelle der alten Ahnen bezeichnet wird, doch schaue ich darüber gerne hinweg. Gerade im Vergleich mit Dragon Ball Z fällt die ursprüngliche Serie noch recht harmlos aus, doch ist das gerade das, was ich mir für das Franchise immer wieder wünsche. Eine tolle Handlung ohne Kämpfe in Überlänge, in der ein Gegner ständig stärker als der andere ist und seine Kampfkraft mit modernen Mitteln der Technik miteinander vergleicht. Da finde ich den Humor,  die vielen Geschichten und die Charaktere der ursprünglichen Serie viel besser. Es gibt mit der Blu-ray-Veröffentlichung auch gar keinen Grund mehr, nicht zuzuschlagen. Hier bekommt ihr tatsächlich die bisher qualitativ hochwertigste Umsetzung des Klassikers!