Kazé Anime veröffentlichte im Juli 2018 die erste Volume der Anime-Serie School-Live!, die sich mit dem „typischen“ Schulalltag an einer Oberschule beschäftigt, das ganze Spektakel aber mit einer kaum vorhersehbaren Wendung und einer traurigen Dystopie mischt.

Im Mittelpunkt der Anime-Serie School-Live! steht Oberschülerin Takeya Yuki, die sich jeden einzelnen Tag auf das quasi titelgebende Schulleben freut. So macht sie sich jeden Morgen hübsch, schnappt sich ihren kleinen Hund, den Shiba Tarōmaru, und läuft fröhlich zur Schule. Bevor der Unterricht beginnt, trifft sie sich in ihrem Klub mit ihren Freundinnen Ebisuzawa Kurumi, Wakasa Yūri und Naoki Miki, um Spaghetti Bolognese zu frühstücken. Dieses unbeschwerte Leben macht auch nicht davor Halt, wie Yuki mit ihren Lehrern umspringt. Auf dem Flur trifft sie beispielsweise auf ihre Japanisch-Lehrerin Sakura Megumi, die sie ganz einfach mit dem Vornamen anspricht und wird, auch weil sie auf den Gängen gelaufen ist, direkt dafür gerügt. Dass so ein stressiger Morgen ermüdend sein kann, äußert sich in der ersten Unterrichtsstunde: Die quirlige Yuki schläft neben ihrer Klassenkameradin Yuzumura Takae einfach ein. Damit nicht genug, reißt Miki während der Träumerei mit einer Hiobsbotschaft auch noch die Tür zum Klassenraum auf. Yukis putziger Shiba ist dem Klubraum entflohen und macht die Gänge der Schule unsicher. Anstatt also den Unterricht zu besuchen (oder währenddessen zu schlafen), machen sich die Freundinnen des Schulleben-Klubs auf die Suche nach Tarōmaru. Was nach einer lustigen Comedy-Serie klingt, zeigt am Ende der ersten Episode sein wahres Gesicht.

Zwischen Fantasie und Wirklichkeit

School-Live! ist nur auf den ersten Blick eine humorvolle Serie, da sie überwiegend aus der Sichtweise von Yuki erzählt wird. Diese hat die ernste Realität längst verdrängt und blendet die Untoten, die sich außerhalb der Mauern des im Vordergrund stehenden Handlungsortes tummeln, schlichtweg aus. Wie Kaihō Norimitsu, der Autor der Manga-Vorlage, 2012 auf diese verrückte Idee gekommen ist, mag zwar im Unklaren bleiben, frisch und unverbraucht ist das wahnwitzige Szenario aber allemal. Yukis Freundinnen, also die, die nicht ihrer Fantasie entsprechen, stellen in der postapokalyptischen Welt sozusagen ihre Familie dar und kümmern sich um sie. Das ist auch bitter nötig, denn überleben könnte Yuki in der mit Zombies bevölkerten Welt wohl kaum. Kurumi, Yūri und Miki bewundern ihre Oberschule, die für diese Notfallsituation wie gemacht zu sein scheint. Auch hoffen sie, dass sich die Seuche „nur“ auf Japan beschränkt und nicht die ganze Welt betrifft, sodass früher oder später jemand zur Hilfe schreiten kann. Irgendwann wird sie schon jemand aus dieser äußerst misslichen Lage befreien. Es hilft aber nichts, sich an diesen Strohhalm zu klammern: Die Charaktere müssen sich mit der bitteren Wirklichkeit abfinden und gewissermaßen hilft die realitätsferne Yuki ihnen dabei, den harten Alltag in der von der Außenwelt abgeschotteten Schule viel erträglicher zu machen.

Notwendige Erzählstruktur

Zu sehr ins Detail soll an dieser Stelle nicht gegangen werden, aber in der ersten Volume der Serie hat tatsächlich jede einzelne Episode ihre Daseinsberechtigung. So befasst sich die dritte Folge mit dem Zeitpunkt des Ausbruchs, der sehr gut dabei hilft, die Persönlichkeiten der Charaktere und das Universum zu verstehen. Die vierte Folge gibt hingegen Hinweise darauf, woher Tarōmaru eigentlich stammt. Teilweise erreicht School-Live! eine fast schon melancholische Stimmung, die überwiegend im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p gänzlich zu bemerken ist. Nur wenige Szenen, die aus verschiedenen Gründen ganz besonders betont werden sollen, wurden zusätzlich mit schwarzen Balken ausgestattet, um eine kinoreife Atmosphäre zu erzeugen. Hinzu kommt ein toller Soundtrack, der sämtliche Szenen stimmungsvoll unterlegt. Häufig sind die Melodien sehr fröhlich, um die oberflächlich sehr heitere Handlung auszudrücken. Daran sind aber auch die grandiosen Synchronsprecher beider Tonspuren in DTS-HD Master Audio 2.0 nicht ganz unschuldig. So können sowohl die japanischen Sprecher als auch die deutschen Stimmen den Charakteren reichlich Leben einhauchen und deren positive Energie bis zum Maximum aufladen. Digitales Bonusmaterial liegt in Form eines Clear Openings und eines Clear Endings vor. Obendrauf gibt es noch ein 20-seitiges Booklet, aus dem Fans weitere Informationen schöpfen können.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Wer sich die erste Folge von School-Live! anschaut, wird nicht direkt darauf schließen können, was sich hinter der Anime-Serie von Animationsstudio Lerche verbirgt. Anfänglich wird dem Zuschauer ein halbwegs normaler Schulalltag präsentiert, dessen Fassade jedoch fast unbemerkt mit jeder einzelnen Minute Laufzeit einbricht und am Ende der ersten Episode ungeschönt ein Bild der Wirklichkeit zeigt. Das Szenario, Yukis fantasievollen Schulalltag mit der von Untoten bevölkerten Außenwelt zu verbinden, ist frisch und unverbraucht. Es macht einfach Spaß, die Abenteuer der quirligen Charaktere zu erleben und sowohl heitere als auch düstere Momente mit ihnen zu teilen. Die erste Volume von School-Live! hat wunderbar gezeigt, wie diese kunterbunte Mischung funktioniert. Auch wenn die Serie wohl – wie die meisten Zombie-Serien – kaum einen roten Faden entwickeln wird, bleibt zu hoffen, dass dieser ulkige Ansatz in der zweiten Volume erneut aufgegriffen und eventuell sogar weiterentwickelt wird. Die Grundlagen dazu sind mit den ersten vier fantastischen Episoden auf jeden Fall schon einmal gelegt!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von School-Live! (Vol. 1)!

In der letzten Volume hat sich die sowohl spannende als auch intelligente Handlung der Anime-Serie Aldnoah.Zero konsekutiv weiterentwickelt – und an dieser Tatsache ändert sich in der siebten Ausgabe nichts, die sich vor allem um Sureins undurchsichtiges Vorgehen dreht.

Erneut sind in dieser Volume von Aldnoah.Zero drei Episoden, genauer gesagt die Folgen 19, 20 und 21 enthalten. Inhaltlich knüpfen die jeweils circa 24-minütigen Episoden an das Ende der 18. Folge an, in der Prinzessin Vāsu Envāsu Remurina die lebenserhaltenden Maschinen ihrer Schwester, deren Rolle sie mittlerweile dank Trugbildtechnologie mimt, fast vollständig abgeschaltet hat. Über eine visuelle Übertragung lässt sie den Rittern des Orbits und „ihrem“ Volk mitteilen, dass sie in Kürze Toroiyādo Surein heiraten wird und überträgt ihre Macht an ihren zukünftigen Ehemann, um gemeinsam ein neues Königreich auf der Erde zu errichten und später Hand in Hand über Vāsu zu herrschen. Gerade als der zum Graf ernannte Surein die Hoffnung aufgegeben hat, dass seine geliebte Prinzessin Aseiramu Vāsu Aryūshia aus dem Koma erwacht, erlangt diese das Bewusstsein wieder. Dies verschlechtert wiederum die Beziehung zu Remurina, die peu á peu an der Abwesenheit von Surein zerbricht. Obwohl in den letzten beiden Episodenpaketen Surein als Unsympath dargestellt wurde, ändert sich die Einstellung des Zuschauers zu seinen Taten in der siebten Volume etwas. Das lässt in jedem Falle Hoffnung aufkeimen, dass der Krieg zwischen Vāsu und der Erde noch beendet werden kann. Zwar sind alle Story-Abschnitte mit zahlreichen Wendungen und auch der einen oder anderen Überraschung gespickt, die wieder in einer neuen aussichtslosen Lage enden.

Dreiecksbeziehung mit Hindernissen

Graf Mazuūruka, der schon in der sechsten Volume von Aldnoah.Zero ein wichtiger Charakter war, spielt auch in den vorliegenden Episoden eine mittelgroße Rolle. Er geht auf Abstand zu den anderen Rittern des Orbits, um die Lage mit Weitsicht zu untersuchen, erkennt jedoch zugleich, dass die denkbar größte Machtfülle in Sureins Händen liegt. Hauptsächlich dreht sich die Story in der siebten Ausgabe um das Geschehen auf den Stützpunkten von Vāsu, die Erzählung um Kaizuka Inaho und Co wird in den Hintergrund verlagert und kaum beleuchtet. Dies ist allerdings die logische Konsequenz der vorherigen Entwicklung, denn nachdem der furiose Cliffhanger in der 18. Episode eine dermaßen große Erwartungshaltung aufgebaut hat, war es unbedingt nötig, die Handlung bewusst in dieser Form fortzuführen. Enttäuschungen gibt es dabei keine, denn die Geschichte um Surein und die beiden Prinzessinnen ist wirklich toll und mit vielen gelungenen Ideen gestaltet, sodass jeder Dialog und jede Entscheidung der drei Figuren zur Dramatik regelrecht beiträgt. Die wenigen Szenen, die auf der Erde spielen und vor allem das Kriegsgeschehen wiedergeben, können sich damit leider nicht so ganz rühmen. So wird in einer Szene der Einsatz des Schiffs Dyūkarion in Frage gestellt, da es nur aufgrund der Technologie des Feindes funktioniert. Ansonsten bleibt es bei diesem kurzen Handlungsstrang schlicht und einfach bei den Kämpfen gegen die feindlichen Kataphrakte.

Vermenschlichte Maschinen als Kriegswerkzeug

Obwohl die zwischenmenschlichen Dialoge bei Inaho und seinen Verbündeten auf der Strecke bleiben, ist auch hier die Darstellung der Kämpfe wichtig für die Atmosphäre. Es ist immer noch Krieg und auch dieser wird mit verschiedenen Stilmitteln eingefangen. Einerseits unterhalten sich die Charaktere bei den Kämpfen über ihre Taktik, die Feinde zu besiegen, die mit verschiedenen Fähigkeiten ausgestattet sind. Andererseits helfen die – vor allem in ihren Bewegungsmustern – vermenschlichten Kataphrakte bei der Vorstellung, dass jeder besiegte Kataphrakt ein Menschenleben fordert. Die computergenerierten Effekte könnten zwar nach wie vor etwas runder wirken, zeigen jedoch zumindest aus einer gewissen Entfernung ein dynamisches Bild vom Krieg. Am restlichen Gesamtbild im bildschirmfüllenden 16:9-Format ist wiederum nichts auszusetzen. Alle Charaktere sind schön animiert und passen wirklich gut zu den stets atmosphärischen Hintergründen in der Full-HD-Auflösung, die zudem mit sehr schönen Lichteffekten punkten. An einer Stelle ist die Dyūkarion zum Beispiel im Meer zu sehen, während im Hintergrund die Sonne untergeht und das Licht zudem noch auf der Wasseroberfläche reflektiert. Der Soundtrack ist nach wie vor gut, erreicht aber nicht immer die Qualität der vorherigen Volume, in der die Musikstücke prägnanter eingesetzt wurden. Alle Käufer freuen sich zudem über ein kleines Booklet mit zusätzlichen Informationen zur Serie.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): In der sechsten Volume konnte die Anime-Serie Aldnoah.Zero nicht gerade mit wirklich vielen Wendungen oder Überraschungen punkten. Dies macht die siebte Ausgabe schon wesentlich besser, zumal sich die Geschichte hauptsächlich auf drei Figuren stützt, die miteinander und gegeneinander agieren. So ist die Anspannung der verschiedenen Charaktere noch besser zu spüren als zuvor, was vor allem die Spannung beim Zuschauer in ungeahnte Höhen treibt. Dabei kommt der Handlungsstrang auf der Erde jedoch etwas zu kurz, hier wird „nur“ der dennoch wichtige Krieg thematisiert. Durch die vermenschlichten Kataphrakte wird die Bedrohung des Krieges, in dem Menschen ihr Leben lassen, nur noch einmal stärker beleuchtet. Schade ist nur, dass die Musik nicht mehr ganz so stark in den Vordergrund rückt, um die Wichtigkeit einzelner Szenen im wahrsten Sinne des Wortes zu betonen. Unterm Strich führt die siebte Volume die Geschichte gekonnt fort und liefert eine mehr als nur solide Grundlage, auf die das große Finale in der nächsten Volume aufbauen darf.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Aldnoah.Zero (Vol. 7)!

Nachdem Publisher Kazé Anime die erste Volume der Anime-Serie Parasyte: The Maxim im Juni 2018 veröffentlicht hat, folgte die zweite Ausgabe nur einen Monat später im Juli 2018. Diese bohrt die Grundlagen auf und erweitert die Serie gekonnt mit vielen neuen Einzelheiten.

In der ersten Volume der Anime-Serie Parasyte wurden die Grundlagen für die Handlung der Serie gelegt. Kleine außerirdische Lebensformen haben sich überall in Japan niedergelassen und versuchen die Menschheit erst zu infiltrieren, auszunutzen, auszubeuten und zudem auch zu einem gewissen Teil zu unterjochen und schließlich zu vernichten. Der Parasit, der sich in Izumi Shin’ichis Körper einnisten wollte, wurde jedoch von Shin’ichi aufgehalten, sodass er in dessen rechter Hand verblieb. Mit der Zeit freundeten sich Mensch und Parasit an und leben jetzt seit einigen Episoden in Symbiose. Migī, so wie Oberschüler Shin’ichi seinen ständigen Begleiter fortan nennt, erklärt ihm mit der Zeit alles über seine Rasse und worauf Shin’ichi im Kampf gegen seine neuen Feinde zu achten hat. An dieser interessanten Grundlage hat sich in der zweiten Volume von Parasyte zum Glück nichts geändert, sie wird sogar noch einmal mit neuen Ideen ausgebaut. Wer sich an die sich überschlagenden Ereignisse im Auftakt der Serie erinnert, wird wohl noch sehr gut wissen, dass Shin’ichi im Kampf gegen seine – ebenso von einem Parasiten übernommenen – Mutter fast gestorben wäre. Migī erklärt zu Beginn der zweiten Volume, dass er einen winzigen Teil seines Daseins in Shin’ichis Körper übertragen musste, um sein Leben zu retten. So verfügt dieser nun selbst über besondere Spezialkräfte, die in der Anime-Serie natürlich in passenden Momenten gut erklärt werden.

Vor- und Nachteile geschärfter Sinne

Unter anderem stehen in der zweiten Volume von Parasyte Shin’ichis geschärfte Sinne im Mittelpunkt. Beispielsweise bemerkt Shin’ichi, wenn sich Personen wie seine Freundin Murano Satomi ihm nähern und kann bereits im Vorfeld erkennen, um wen es sich dabei handelt. Es sind allerdings nicht nur positive Fähigkeiten, die die Übertragung der außerirdischen Desoxyribonukleinsäure mit sich bringt. Teilweise stumpft Shin’ichi dadurch auch ab. So rettet der mutierte Oberschüler in der achten Serienfolge zwar einen angefahrenen Hund, der mitten auf einer stark befahrenen Straße liegt und manövriert sich zu ihm, ohne von einem Auto angefahren zu werden, doch kann Migī das Leben des Tieres nicht mehr retten, da seine inneren Organe zu stark beschädigt wurden. Kaum hat das Hündchen seinen letzten Herzschlag getan, schmeißt Shin’ichi – zu Satomis Erstaunen – den leblosen Körper schlicht und einfach in einen Mülleimer, anstatt ihn ordentlich zu begraben. Hinzu kommen neue Charaktere, die Shin’ichi und Migī gut oder böse gesonnen sind. Während des erneuten Kampfes gegen Shin’ichis Mutter erhält er Unterstützung von Uda Mamoru, der wie der Protagonist ebenfalls mit einem Parasiten in Symbiose lebt. Mit Shimada Hideo tritt schon kurz darauf ein neuer Gegenspieler ins Rampenlicht, der Shin’ichi und Migī mit raffinierten Tricks das Leben schwer machen und ihre gemeinsame Denkweise auseinanderbringen will.

Ernste und düstere Grundstimmung

Inhaltlich gelingt es der Anime-Serie in einem sehr angenehmen Erzähltempo wunderbar, die Geschichte voranzutreiben, ihre Figuren auszubauen und diese mit ernsten Angelegenheiten zu konfrontieren. Während die Serie anfänglich noch auf seichten Humor setzte, ist davon in der zweiten Volume so gut wie gar nichts mehr zu erkennen. In allen Episoden herrscht eine düstere Grundstimmung vor, die vor allem durch blasse und kühle Farben ausgedrückt wird. Sowohl die ruhigen Momente, die meist in trübes Licht gehüllt werden, als auch die Kämpfe zwischen beziehungsweise mit den Parasiten sind im bildschirmfüllenden 16:9-Format bei der Auflösung von 1080p durchweg spannend inszeniert. Unterlegt wird ein Großteil aller Szenen mit einem stimmungsvollen Soundtrack, der insbesondere mit Klavierklängen und teilweise sogar mit Chorgesang ausgeschmückt ist. Beide auf der Blu-ray Disc vorliegenden Tonspuren im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 können mit klarer Musik, Effekten und natürlich auch verständlichen Synchronsprechern punkten, letzteres sowohl in der deutschen als auch in der japanischen Fassung. Digitales Bonusmaterial liegt bei der zweiten Volume diesmal nicht vor, dafür gibt es im physischen Bereich insgesamt sechs Tattoos. Für den Test lagen diese zwar nicht vor, es kann aber sicher auch so gesagt werden, dass dies nur ein kleiner Bonus für Fans ist.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Parasyte: The Maxim erzählt nach wie vor eine sehr interessante und vor allem spannende Geschichte in einem sehr, sehr angenehmen Erzähltempo. Selten trifft eine Anime-Serie mit der Geschwindigkeit so sehr ins Schwarze wie das Werk von Animationsstudio Madhouse, basierend auf dem Manga von Iwaaki Hitoshi. Die geschaffenen Grundlagen der ersten Volume werden in der zweiten Ausgabe storybedingt auf eine neue Ebene gehievt und mit neuen Informationen ausgeschmückt, die für den Verlauf der Handlung unabdingbar sind. Hinzu kommen neue Figuren, die die Geschichte der Serie stets frisch halten. Auch auf technischer Seite kann Parasyte überzeugen, denn das kühle Bild, die stimmungsvolle Musik und die hervorragend ausgewählten Synchronsprecher setzen sich zu einem atmosphärischen Gesamtbild zusammen, an dem es sich kaum sattzusehen gilt.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Parasyte: The Maxim (Vol. 2)!

Inō Battle within Everyday Life von Animationsstudio Trigger erzählt eine Geschichte über eine Gruppe Jugendlicher, die sich im täglichen Leben mit ihren Superkräften orientieren müssen. Trotz irrer Story beginnt die Anime-Serie aus dem Jahr 2014 mit einem holprigen Einstand.

In der allerersten Szene von Inō Battle within Everyday Life scheint noch alles in Ordnung, doch ändert sich für die Protagonisten nach der einleitenden Sequenz plötzlich alles: Eines Tages wachen die fünf Mitglieder des Literaturklubs der Senkō-Oberschule mit diversen Superkräften auf. Woher oder von wem sie diese magischen Fähigkeiten erhalten haben, ist zu Beginn der auf zwölf Folgen ausgelegten Anime-Serie aber noch nicht ersichtlich. Die fünf Freunde beschließen fürs Erste, die Situation zu akzeptieren und mit ihren Kräften zu leben beziehungsweise den Einsatz zu lernen und die Fähigkeiten zu verstehen. Hinzu kommt, dass sie einerseits ihren Kräften Namen geben und andererseits auch sich selbst Pseudonyme aussuchen wollen. Nur auf diesem Wege ist es schließlich möglich, auch weiterhin einen sozialen Umgang miteinander zu pflegen. Anhand dieses kaum spannenden Einstiegs und der noch dazu obskuren Einstellung ist ersichtlich, dass die Story an kaum einer Stelle sonderlich tiefgründig wird. Es ist eine Anime-Serie, die sich vor allem um ihre Charaktere dreht und einzelne Geschichten erzählt, die mit verschiedenen Thematiken überzeugen. Ulkigerweise rücken dabei die Fähigkeiten mehr und mehr in den Hintergrund, sodass diese – wenn überhaupt – nur noch als Werkzeug verwendet werden, um die einzelnen Probleme der Figuren zu lösen.

Fünf Freunde mit fünf Fähigkeiten

Hauptfigur Andō Jurai kann beispielsweise eine schwarze und höchstens lauwarme Flamme aus seiner Hand sprießen lassen. Wirklich viel anfangen kann er damit zwar nicht, aber das unterstreicht in gewisser Weise auch schon den Humor, der an ähnliche Anime-Serien wie Love, Chūnibyō & Other Delusions! erinnert. Kanazaki Tomoyo hingegen kann die Zeit auf Wunsch anhalten oder verlangsamen. Zurückspulen kann sie die Zeit allerdings nicht, was die Kraft nicht zu mächtig macht beziehungsweise abschwächt. Kushikawa Hatoko beherrscht dafür die Elemente und Takanashi Sayumi kann zerbrochene Dinge reparieren. Da in der Serie hin und wieder mal etwas zu Bruch geht, sind Sayumis Kräfte unter den Freunden gerne gesehen. Zu guter Letzt gehört zu den Mitgliedern des Literaturklubs noch Himeki Chifuyu, die jedoch gar nicht die Senkō-Oberschule besucht. Eigentlich ist sie eine Grundschülerin und ist nur durch Zufall in die Gruppe geschlittert. Ihre Auftritte lockern den Alltag auf, was auch an ihrer Fähigkeit liegen mag: Chifuyu kann sich und andere frei von einem Ort zum anderen teleportieren und sorgt damit für allerhand Trubel. Beispielsweise teleportiert sie Jurai – nur in Boxershorts bekleidet – in ihr Zimmer, wo Kuki Madoka, Chifuyus beste Freundin, wartet. Dass diese natürlich nicht erwartet, plötzlich einen Perversen mit angeblichem Lolitakomplex vor sich zu sehen, dürfte klar sein.

Abgedrehter Humor

Wie bereits angedeutet, konzentriert sich die Serie auf ihren abgedrehten Humor. Dieser ist nicht nur in vielen Dialogen der Charaktere zu erkennen, sondern auch in der übertriebenen Darstellungsweise. Oft werden die Figuren wie in der Manga-Vorlage in nahezu völlig starren Bildern mit offenen Mündern und leeren Augen eingefangen, zusammen mit ausdrucksstarken Strichfolgen im Hintergrund. Im – bis auf die Eröffnungsszene der Serie – bildschirmfüllenden 16:9-Format kommen alle Charaktermodelle gut zur Geltung, da sie hervorragend mit den toll gezeichneten Hintergründen harmonieren. Hinzu kommen schöne Licht- und Schatteneffekte sowie gelungene Animationen. Unterstützt wird die herausragende Bildqualität mit einem angenehmen Soundtrack, der die überwiegend heiteren Szenen im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 unterlegt. Sowohl die deutsche als auch die japanische Tonspur gehen in Ordnung, wobei die japanische Synchronisation ein wenig besser funktioniert. Beispielsweise klingt Chifuyu tatsächlich wie eine Viertklässlerin und nicht zehn Jahre älter wie in der deutschen Ausgabe. Die übertriebenen Betonungen funktionieren aber auch in der deutschsprachigen Version sehr gut. Digitales Bonusmaterial liegt neben drei Trailern zu Kazé-Anime-Titeln in Form eines Clear Openings und eines Clear Endings vor. In der physischen Ausgabe winkt laut Herstellerangaben noch ein Booklet mit zusätzlichen Informationen den Fans zu.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Inō Battle within Everyday Life mischt Comedy-Einlagen mit einer Coming-of-Age-Geschichte. Dieser nicht sonderlich schwierige Spagat gelingt der Anime-Serie sehr gut, denn die Charaktere sind sympathisch und ihre täglichen Probleme meistens für jeden Zuschauer nachvollziehbar. Alleinstellungsmerkmal sind jedoch die Superkräfte, über die die Figuren verfügen. Übertrieben oft werden diese ulkigerweise allerdings nicht eingesetzt, sie werden eher beiläufig erwähnt und als Werkzeug benutzt, um die Herausforderungen des täglichen Lebens zu meistern. In diesem Aspekt hätte sich die Serie ruhig mehr trauen dürfen, da sich so kein roter Faden entwickelt und eher eine kleine Story nach der nächsten abgearbeitet wird. Wer sich daran nicht stört und ohnehin Fan von Serien wie Waiting in the Summer oder Love, Chūnibyō & Other Delusions! ist, darf auch bei Inō Battle within Everyday Life einen Blick riskieren!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Inō Battle within Everyday Life (Vol. 1)!

In den Jahren 2016 und 2017 veröffentlichte Kazé Anime die erste Staffel der Anime-Serie Food Wars. Nur einige Monate nach der Fernsehpremiere in Japan schiebt der Publisher kurzerhand die zweite Season nach, um den Heißhunger der Fans erneut zu stillen.

Am eigentlichen Konzept der Serie hat sich auch in der zweiten Staffel, die auf den ulkigen Namen Food Wars: The Second Plate getauft wurde, nichts verändert. Genauer gesagt setzt die Handlung an den Ereignissen der vierten Volume der ersten Staffel an und führt damit die so genannte Herbstauslese fort, bei der die schlechtesten Köche ausgesiebt werden. Nach wie vor geht es hier um das Zubereiten von köstlichen Mahlzeiten durch die besten Schüler der Tōtsuki-Kochschule. Zwei dieser Schüler sind Protagonist Sōma Yukihira und seine Rivalin Nakiri Alice. In der ersten Episode sollen die beiden schlicht und einfach das vor allem in Japan bekannte und beliebte Gericht Bentō zubereiten. Was zunächst nach einem wirklich herkömmlichen Gericht klingt, entpuppt sich beim Kochduell als ganz schön anspruchsvolle Herausforderung. So kommt es stark auf die Zutaten beziehungsweise Bestandteile an, die für das Bentō ausgewählt werden. Für den Zuschauer mag das Gericht, das in der zweiten Folge der Serie gekocht wird, nicht wirklich anspruchsvoller klingen: Tadokoro Megumi und Kurokiba Ryō stehen sich in einem weiteren Duell gegenüber und müssen Ramen zubereiten. Wem die Gerichte gelingen, soll an dieser Stelle aber nicht verraten werden – ohnehin urteilen die Richter und nicht der Zuschauer über die besten Gerichte. Die stringente Story kann mit ein paar Wendungen und Überraschungen punkten und bleibt somit durchweg spannend.

Klischeebelasteter Humor

Ein wichtiger Bestandteil von Food Wars: The Second Plate ist der typische Humor der Serie. Das heißt, dass die Charaktere, die das zubereitete Essen schließlich kosten, vom Geschmack betört werden und das teilweise mit Entkleidungen unterlegen. Ganz so erotisch wie in den vier Volumes der ersten Staffel wird es in der zweiten Season allerdings nicht. Dafür gibt es noch weitere witzige Ausdrucksformen, Arato Hisako zaubert beispielsweise einen eigens kreierten Schildkröten-Burger aus dem Ärmel. Beim Probieren des Gerichts stellt sich einer der Richter vor, auf einmal eine riesige Schildkröte auf zwei Beinen in der Stadt zu sehen – eine Ähnlichkeit zu Kaijū-Filmen ist nicht von der Hand zu weisen. An einer Stelle baut der Humor der Anime-Serie sogar auf typischen Klischees auf. So wird die Intelligenz einer Figur darauf reduziert, dass sie eine Brille trägt und damit natürlich ganz besonders klug sein muss. Das Behandeln von Klischees kann aber nicht an jeder Stelle so lustig aufgenommen werden, denn in einer anderen Szene wird auf der Bühne tatsächlich Döner zubereitet – bei der beigefügten Erklärung, dass es sich dabei um ein türkisches Gericht handelt, wird ein türkisch aussehender Mann in traditioneller Tracht beim Abschneiden des Fleischs am Spieß gezeigt. Die Logik dahinter, das türkische Gericht zu unterstreichen, wird zwar jedem Zuschauer bewusst sein, fragwürdig ist diese überdeutliche Abbildung der Ethnie dennoch.

Bildqualität zum Anbeißen

In weiteren Punkten übertreibt die Serie bei der Umschreibung der einzelnen Zutaten maßlos, was die Unterhaltung und die Lust auf ein frisch zubereitetes Gericht aber nur noch einmal anheizt. Besonders fies für hungrige Zuschauer ist auch die wirklich schöne Darstellung des Essens im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p. Satte Farben, der Einsatz von Spezialeffekten, die Dampf suggerieren sollen, helfen dabei, den Blick nicht mehr vom Bildschirm zu lassen. Dadurch, dass die Kochduelle fast so ausufernd wie die Kämpfe im Dragon-Ball-Universum inszeniert werden, ist auch eine spannungsaufbauende Musik mit von der Partie. Peu á peu wird jeder Schritt bei der Zubereitung der Gerichte mit passenden Klängen unterlegt, sodass bedrohliche als auch heitere Musik die Präsentation im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 untermalen. Während die japanische Synchronisation wohl die erste Wahl für Fans der Serie ist, können jedoch auch die deutschen Sprecher überzeugen. Ihre Stimmen sind angenehm und drücken die Emotionen der Charaktere wirklich sehr gut aus, einzig und allein die Aussprache japanischer Begriffe reißt hin und wieder aus der sonst makellosen Atmosphäre. Wer auf Bonusmaterial hofft, wird im digitalen Bereich mit einem Clear Opening und einem Clear Ending fündig. Das laue Material entschädigen hingegen drei physische Booklets. Da diese nicht zum Test vorlagen, ist die Qualität der Heftchen unklar. Es ist jedoch von der typisch hochwertigen Verarbeitungsweise des Publishers auszugehen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Food Wars: The Second Plate funktioniert unterm Strich noch besser als die erste Staffel der Anime-Serie. Die stringenten und in einer angenehmen Geschwindigkeit erzählten Handlungsstränge wirken wesentlich kompakter und auch die Charaktere überzeugen einerseits mit ihrer liebevollen und andererseits mit ihrer aggressiven und konkurrierenden Art. So sind alle Kochwettbewerbe trotz ihrer Differenzen spannend inszeniert und die zubereiteten Gerichte selbst in der kunterbunten Anime-Form wirklich hübsch anzusehen. Hinzu kommt ein richtig toller Humor, der total abgedreht ist und sich nur selten etwas zu viel traut. Wer schon mit der ersten Staffel von Food Wars seinen Spaß hatte, wird das Gericht auf dem „zweiten Teller” regelrecht verschlingen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Food Wars: The Second Plate (Vol. 1)!

Nachdem im Oktober 2017 die erste Volume von Fairy Tail im deutschsprachigen Raum von Kazé Anime veröffentlicht wurde, reichte der deutsche Publisher die zweite Ausgabe schon im Januar 2018 nach, die die Geschichte um die titelgebende Magiergilde nahtlos fortführt.

Am Ende der ersten Volume wurden Natsu Dragneel, Lucy Heartfilia, Erza Scarlet und Co mit einem mächtigen Feind konfrontiert. Gemeint ist damit ein zerstörerischer Riese, der alles in der Nähe in Schutt und Asche legen könnte, wenn er nicht aufgehalten wird. Dieser Kampf wird in den vorliegenden Episoden nahtlos fortgeführt. Nach wie vor steht der Riese unter dem Einfluss der ominösen Element Four, die allesamt besiegt werden müssen, damit die Magie des riesigen Feindes gebrochen werden kann. Den Autoren gelingt es wunderbar, diesen Handlungsstrang zu einem zufriedenstellenden Ende zu erzählen. Danach verfällt die Serie allerdings wieder in den gewohnten Trott von vielen kleineren Geschichten, was diesmal aber nicht ganz so dramatisch ins Gewicht fällt, wie noch bei der ersten Volume von Fairy Tail. So steht vor allem der Wiederaufbau der Gilde im Mittelpunkt der Erzählstruktur, um die sich die anderen Handlungsstränge ranken. In dieser Zeit versuchen die Charaktere unter anderem die vergangenen Geschehnisse zu verdrängen, in dem sie beispielsweise ein Theaterstück aufführen. Da Natsu über Feuerkräfte verfügt, darf er hier den Drachen mimen, was sehr gut zum durchgeknallten Humor der Serie passt. Wenn sich die Charaktere anfauchen, sich streiten, über Situationen lachen oder sich anderweitig amüsieren, wird es in keiner Minute langweilig.

Heilloses Tohuwabohu

Fairy Tail verkommt jedoch auch in der zweiten Volume zu keinem humorvollen Abgesang, denn die erzählten Geschichten sind teilweise ganz schön tiefgründig und setzen sich mit den einzelnen Charakteren und ihrer Vergangenheit clever auseinander. So blickt die Anime-Serie in die Kindheit von Natsu, in der seine beschränkten Lesefähigkeiten thematisiert werden. An anderer Stelle wird Lucys Beziehung zu ihrer Mutter konkretisiert, da ihre Freunde auf der Suche nach ihr in ihrem Zimmer eine ganze Menge nicht abgeschickter Briefe finden, in denen Lucy über ihre Erlebnisse bei Fairy Tail berichtet. Sie macht sich starke Vorwürfe, da die Gilde ohne sie nicht so in Mitleidenschaft gezogen wäre. Gildenmeister Makarov Drea überlegt sich hingegen, sein Amt zu räumen, in den Ruhestand zu gehen und einen Nachfolger zu suchen. Da seine Schützlinge jedoch abermals die halbe Stadt zerstören, kommt er wiederum zu der Erkenntnis, dass es vielleicht doch keine gute Idee ist, als Gildenmeister zurückzutreten. Zu allem Überdruss wird auch noch die kleine fliegende Katze Happy entführt, sodass die Magier der Gilde auch hier eingreifen müssen. Am interessantesten dürften aber wohl die Entwicklungen sein, die Loki und Erza betreffen. Diese sind kaum bis gar nicht vorhersehbar und zeigen sehr gut, dass die Anime-Serie die Erwartungshaltung der Zuschauer übertrifft.

Stimmungsvolles Gesamtbild

Am technischen Grundgerüst hat sich im Vergleich zu den vorherigen Episoden gar nichts geändert, denn nach wie vor beträgt die Auflösung 1080p im bildschirmfüllenden 16:9-Format. Fairy Tail präsentiert sich vor allem mit satten Farben, die wunderbar zur wahnwitzigen Story passen. Die Charaktere sind schön gezeichnet, auch wenn die Animationen teilweise etwas zu einfach wirken. Dennoch harmonieren die Figuren wunderbar mit dem mittelalterlichen Handlungsort Fiore; vor allem in besagter Theaterszene greift diese Symbiose. Hinzu kommt eine sehr schöne Musik, die dank dem Einsatz von Flöten oder Fiedeln zum Mitsummen einlädt, ab der 36. Episode dürfen sich Fans sogar über ein neues Intro inklusive eines neuen Songs freuen. Sowohl die deutsche als auch die japanische Synchronisation liegen im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 vor. Beide Tonspuren können mit tollen Sprechern aufwarten, die die meist ganz schön übertriebenen Situationen sehr, sehr stimmungsvoll untermalen. Im digitalen Bonusbereich winkt ein wirklich sehr sympathisches Synchronspecial mit den deutschen Sprechern, das circa zwanzig Minuten unterhalten kann. Als physische Beilage gibt es zwei Postkarten und ein überschaubares Booklet mit einem Episodenguide zu allen enthaltenen Episoden. Ausgeliefert wird die zweite Volume in einer schmucken Box, die der Box der ersten Volume optisch und haptisch in Nichts nachsteht.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Fairy Tail hat von seinem Charme in der zweiten Volume nichts verloren. Nach wie vor erzählt die Anime-Serie von A-1 Pictures und Satelight eine spannende Geschichte, die mit reichlich übertriebenem Humor unterlegt ist, aber dennoch mit ernsten Angelegenheiten aufwarten kann. In diesem Zusammenhang ist positiv anzumerken, dass der begonnene Handlungsstrang am Ende der ersten Volume der Serie angenehm zum Abschluss gebracht wird und die nachfolgenden Geschichten sich alle um die zerstörte Gilde und deren anschließendem Wiederaufbau ranken. Hinzu kommen gelungene Rückblicke in die Vergangenheit der Charaktere oder in die Tiefen ihrer Seele. Auch wenn manche Übergänge innerhalb der Handlung etwas holprig gestaltet sind, ist die Serie jedoch auch in den Episoden 25 bis 48 wieder eine Empfehlung für, je nach Sehgewohnheit des Zuschauers, wenige bis viele entspannte Nachmittage oder Abende.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Fairy Tail (Box 2, Episoden 25-48)!

Nach der etwas längeren Pause der Anime-Serie Aldnoah.Zero, wurde die sechste Volume nur zwei Monate nach dem ersten Episodenpaket im April 2018 im deutschsprachigen Raum veröffentlicht. Die sechste Ausgabe knüpft nahtlos an den Auftakt der zweiten Staffel an.

Wie schon bei den fünf vorherigen Volumes befinden sich auch diesmal wieder drei Episoden auf dem Datenträger, genauer gesagt die jeweils 24-minütigen Folgen 16 bis 18. In der ersten Szene erlebt der Zuschauer, wie Protagonist Kaizuka Inaho das Bewusstsein nach den Vorfällen am Ende der ersten Staffel wiedererlangt. Eine Genesungsphase scheint für ihn kaum nötig zu sein, denn schon beim ersten Kampfeinsatz in der 16. Episode ist er wieder einsatzbereit. Sein Verhältnis zu seiner Schwester Kaizuka Inaho bleibt jedoch gespalten, denn ein Willkommensgruß während der Schlacht reicht für Inaho offenbar aus, um wieder seinen alten Posten einzunehmen. Des Weiteren wird auch das Schiff der Erdentruppen, die Dyūkarion, zurück zur Erde beordert und Hauptmann Marito Kōichirō muss sich immer noch mit seiner Vergangenheit auseinandersetzen, die ihn während der Schlacht einholt. Nicht nur die vereinten Kräfte der Erde müssen sich mit verschiedenen Problemen auseinandersetzen, sondern auch die Anhänger des Königreichs Vāsu. Dadurch, dass Prinzessin Aseiramu Vāsu Aryūshia im künstlichen Koma am Leben erhalten wird, hat ihre Schwester Vāsu Envāsu Remurina ihre Rolle eingenommen. Toroiyādo Surein, der sich vom „Streuner zum Wolf entwickelt hat“ und somit mittlerweile für so manchen Ritter des Orbits immer mehr zum Feind wird, muss beziehungsweise will auch die ausgetauschte Prinzessin beschützen und ihr dienen.

Konsekutive Erzählstruktur

Ein weiterer wichtiger Charakter in der vorliegenden Volume ist Graf Mazuūruka, der auf der Erde gefangengenommen wird. Inaho erkennt allerdings, dass er der wahren Prinzessin und dem Königreich zur Treue verpflichtet ist. Er darf zurückkehren und soll die Absichten von Surein herausfinden. Ob und inwiefern dieses neue Bündnis von Belang sein wird, soll an dieser Stelle offen bleiben. Definitiv sind auch die drei Episoden in dieser Volume von der Anime-Serie Aldnoah.Zero wieder sehr spannend, zumal auch der eine oder andere Aspekt des feudalen Systems angesprochen wird. Surein duelliert sich beispielsweise mit einem anderen Ritter des Orbits, bei dem der Gewinner den gesamten Besitz des Verlierers übertragen bekommt. Technologie ist ebenfalls ein wichtiges Thema, so kann Inaho mit seinem modifizierten linken Auge Dinge erkennen, die für andere im Verborgenen bleiben. Positiv fällt auch auf, dass selbst die Kämpfe in den Kataphrakten einmal mehr nicht ohne Dialoge auskommen, sodass die Action durch die Charaktere zugleich kommentiert wird. Gepaart werden die Situationen mit der einen oder anderen Wendung, die in den meisten Fällen jedoch nicht überraschend kommen, sondern eher das Ergebnis der stringenten und konsekutiven Handlung sind. Eine Ausnahme stellt der Cliffhanger am Ende der 18. Episode dar, der direkt wahnsinnig große Lust auf die siebte und vorletzte Volume der Serie macht.

Atmosphärische Stilmittel

Am technischen Gerüst im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p hat sich nichts verändert. So gefallen vor allem die vielen Charaktermodelle und die angenehmen Animationen, die eine starke Symbiose mit den meist futuristisch gestalteten Hintergründen eingehen. Hinzu kommen schöne Lichteffekte, die zum einen die warme Atmosphäre auf der Erde und zum anderen die kühle Atmosphäre im Weltraum unterstreichen. Es wirkt nahezu alles aus einem Guss, allerdings hätten die Effekte beziehungsweise die Darstellung der Kataphrakte wesentlich runder sein können. Akustisch unterlegen im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 sehr wohlklingende Musikstücke die bedrohlichen und spannenden Szenen, teilweise wird hier sogar Gesang eingesetzt, um die Dramatik auf die Spitze zu treiben, die aber ohnehin gut durch die deutschen und japanischen Synchronsprecher eingefangen wird. Leider gibt es auch bei dieser Volume, abgesehen von drei Trailern zu anderen Serien, kein digitales Bonusmaterial, dafür will jedoch ein kleines Booklet mit Konzeptzeichnungen inklusive Anmerkungen auf Japanisch, einem Interview mit Animationsproduzent Nagano Toshiyuki und Artboards zu verschiedenen Handlungsorten entschädigen. Zwar ist das Booklet gut verarbeitet, inhaltlich aber eher mau. Dies tut der sonst sehr guten Qualität der Anime-Serie aber keinen Abbruch, sodass sich Aldnoah.Zero-Fans zumindest ein wenig über das kleine Heftchen freuen dürften.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Aldnoah.Zero gehört im Anime-Sektor absolut zu den spannendsten Science-Fiction-Serien, die es gibt. Der Aufbau von Spannung und Dramatik gelingt der Anime-Serie vor allem durch zahlreiche Wendungen. Viele davon sind zwar im Vorfeld zu erahnen, dennoch wird es mit den facettenreichen Figuren und der Story niemals langweilig, da immer wieder neue Hintergründe und kleine Details eingefügt und auf natürliche Art und Weise erklärt werden. Ein wenig mehr Überraschungen wären zwar wünschenswert, doch alleine mit dem Cliffhanger nach dem Abspann der 18. Episode hat wohl jeder Zuschauer Lust auf die nächste Folge in der siebten Volume – und wenn das einer Serie gelingt, hat sie unterm Strich doch irgendwie alles richtig gemacht!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Aldnoah.Zero (Vol. 6)!

Mit der zehnten Serienbox von Dragon Ball Z Kai endet das tolle Abenteuer von Son Gokū und seinen Freunden, zumindest in diesem Erzählstrang. Um den Kampf gegen das ultimative Böse zu gewinnen, benötigen die Kämpfer dieses Mal jede Hilfe, die sie kriegen können.

Immer noch kämpft Son Gohan gegen Majin Bū, der losgelöst von seinem Meister Babidi die Erde menschenleer gefegt hat. Die stärksten Kämpfer, unter anderem Pikkoro und Gotenkusu mitsamt ihrer Fähigkeiten, hat der gefährliche Dämon bereits absorbiert und somit scheint es für ihn im gesamten Universum außer Son Gohan keinen ebenbürtigen Gegner mehr zu geben. Durch seine Regenerationsfähigkeiten ist er Son Gokūs Sohn dennoch überlegen, da ihm die Kräfte im Prinzip niemals ausgehen. Es entwickelt sich ein Kampf, der sich mal mehr und mal weniger zum Gunsten für das Gute entwickelt, bis Bū sich wieder von den Strapazen erholt und seinen zerstörten Körper wiederhergestellt hat. Aus der Welt der Kaiōshin beobachtet Son Gokū den aussichtslosen Kampf seines Sohnes gegen den wohl stärksten Feind, den es in der Anime-Serie bisher zu bekämpfen galt. In diesem Moment fällt dem Kaiōshin von vor fünfzehn Generationen ein, dass es eine weitere Möglichkeit geben dürfte, wie Bū endlich besiegt werden kann. Mithilfe der ominösen Potara-Ohrringe, die die Kaiōshin tragen, können sich zwei verschiedene Individuen zu einer Person verschmelzen. Obwohl die Verschmelzung im ersten Moment stark dem Konzept der Fusion ähnelt, hat sie einen entscheidenden Nachteil: Laut Legende können die fusionierten Kämpfer nie mehr voneinander getrennt werden!

Neue Möglichkeiten, alte Probleme

Son Gokū hat zwar kein großes Interesse daran, mit seinem Sohn in einem Körper für alle Zeit gefangen zu bleiben, insbesondere die Schulbank will er nicht drücken, doch hat er keine Wahl. Der friedliebende Charakter möchte vor allem die Erde und seine Bewohner retten. Um ins Diesseits zurückkehren zu können, schenkt ihm der Kaiōshin von vor fünfzehn Generationen sein Leben. Unter diesen Voraussetzungen kann der Kampf gegen Bū eine gänzlich neue Dynamik erreichen; es folgt ein Schlagabtausch auf den nächsten. Wie es für die Story des Dragon-Ball-Franchises üblich ist, verläuft selten etwas nach Plan und so verliert Son Gohan direkt einmal den von seinem Vater zugeworfenen Ohrring. Es könnte kaum schlimmer werden, da gelingt es Bū in einem Moment der Unachtsamkeit Son Gohan zu absorbieren. Um zu verschmelzen, bleiben Son Gokū nur noch Dende und Misutā Satan übrig, die das Geschehen aus halbwegs sicherer Entfernung beobachten. Allerdings ist Dende kein Kämpfer und Misutā Satan ist nicht sonderlich stark. Ein Glück, dass Uranai Baba im Jenseits mitgedacht hat und den verstorbenen Bejīta zurück auf die Erde schickt. Dieser hat aufgrund seines Stolzes natürlich noch sehr viel weniger Lust darauf, mit seinem ärgsten Konkurrenten Son Gokū für immer und ewig zu verschmelzen. Im Angesicht der Ausweglosigkeit willigt er schließlich ein.

Ausuferndes Schlusskapitel

Andere Anime-Serien füllen mit diesen „Überraschungen“ und Wendungen ganze Staffeln. In Dragon Ball Z Kai geschieht dies innerhalb der ersten vier von insgesamt siebzehn Episoden, die auf den beiden Datenträgern vorliegen. Während des Endkampfes gegen Bū wechselt der Schauplatz häufig und auch die grundlegende Situation verändert sich mehrfach, auf der einen Seite durch die Verschmelzung von Son Gokū und Bejīta zu Bejitto und auf der anderen Seite durch die verschiedenen Formen, die ihr dämonischer Gegner annimmt. Anhand dieses letzten Kampfes ist anzumerken, dass auch der Zeichner der Manga-Vorlage, Toriyama Akira, 1995 mit seinen Kräften am Ende gewesen sein musste. Mittlerweile sind die Charaktere dermaßen stark, dass sie selbst die robuste Welt der Kaiōshin in Schutt und Asche legen könnten. Dementsprechend fällt die letzte Auseinandersetzung mit dem Bösen ausufernd und brachial aus. Kurze Pausen zum Verschnaufen gibt es im zehnten Episodenpaket aber reichlich. So wird das hektische Kampfgeschehen zugunsten interessanter Story-Elemente gelegentlich verlassen – beispielsweise erfährt der Zuschauer so, wie der Kaiōshin von vor fünfzehn Generationen zu seinem Aussehen gekommen ist. Mit dem typischen Humor, der insbesondere von Misutā Satan getragen wird, wird die Serie mit dieser Volume zu einem runden Abschluss gebracht.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): In den Episoden der neunten Serienbox von Dragon Ball Z Kai haben sich die Ereignisse regelrecht überschlagen. Die Situation war und ist zu Beginn der Folgen der zehnten und letzten Volume einfach aussichtslos. Dennoch gelingt es den Charakteren, den finalen Schlag gegen Bū immer weiter nach hinten zu verschieben, da ihnen immer neue Möglichkeiten einfallen, wie der zugleich lästige als auch gefährliche Gegner ausradiert werden kann. Dabei wechseln mehrfach die Schauplätze, die Kämpferkonstellationen und schließlich auch die Situation selbst. Obwohl oder gerade weil die Konfrontation so ausufernd und brachial dargestellt ist, wird es niemals langweilig, den Helden beim Bekämpfen des Bösen zuzusehen. Mit dem Kampf gegen Bū und dem darauffolgenden Epilog wird die Serie mit einem zufriedenstellenden Ende abgeschlossen. Dragon-Ball-Z-Kai-Fans, die das Abenteuer verfolgt haben, dürfen auch hier unbesorgt zugreifen, um ein Remake einer der besten Anime-Serien aller Zeiten zu würdigen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Dragon Ball Z Kai (Box 10, Episoden 151-168)!

Mit der vierten und damit letzten Volume ist Strike the Blood am Ende angelangt. Dabei traut sich die Serie nicht über ihren eigenen Schatten zu springen und erzählt abermals eine vage zusammenhängende Story, anstatt tatsächlich auf ein abschließendes Finale vorzubereiten.

In der 19. Episode der Anime-Serie benötigt Protagonist Akatsuki Kojō dringend Blut, um die Lage auf der fiktiven Insel Itogami unter Kontrolle zu bringen. Diese löst sich nach und nach in Nebel auf, was einen völlig neuen Grad der Zerstörung darstellt und unbedingt von Kojō und seinen Freunden verhindert werden muss. Hexe Tokoyogi Aya, gegen die die Gruppe seit dem Ende der dritten Volume angeht, ist es jedoch gleichgültig, was mit der Insel geschieht. Da ihrer Meinung nach Hexen als minderwertige Wesen vorverurteilt werden, beschließt sie, die Welt nach ihren Gedanken und Ideen zu formen. Wie dieser Konflikt beigelegt werden kann, wird an dieser Stelle nicht verraten. Ohnehin baut die meist nur sehr vage zusammenhänge Story nach der Auseinandersetzung mit der Hexe auf einem neuen Handlungsstrang auf. So taucht der Alchemist Amatsuka Kō auf und versucht Kojō auf offener Straße zu töten. Dass das natürlich nicht so einfach funktioniert, dürfte jedem Serienkenner bewusst sein. Immerhin erfahren die Freunde so etwas über die ominöse Nina Adelard, die in der Hierarchie über dem durchtriebenen Kō steht. Kō versucht mit seiner Magie ein uraltes Wesen wiederzubeleben, was schließlich zur letzten Konfrontation mit dem Bösen in der Anime-Serie führt. Leider bedeutet diese Erzählweise, dass es kaum zu einem angemessenen Abschluss kommt.

Angemessene Action, etwas Erotik und wenig Humor

Wie schon in den vorherigen drei Ausgaben gehört auch ein guter Schuss Erotik zu Strike the Blood. Diesmal bieten sich gleich mehrere der weiblichen Figuren Kojō an, sich an ihrem Blut zu bedienen – und entkleiden sich insofern, dass Kurven und Rundungen deutlich sichtbar für Kojō und auch den neugierigen Zuschauer hervorstechen. In einer anderen Szene landet wiederum Kojōs Freundin Aiba Asagi im Gebüsch auf ihn, die beiden werden danach prompt ertappt. Fans und Liebhaber solcher heiklen Angelegenheiten wird dies sicher sehr gefallen, nach wie vor ist es aber fraglich, ob die Anime-Serie solche Eskapaden tatsächlich gebraucht hätte. Immerhin sind derlei Szenen gut in die Handlung eingewoben und trotz der teils plumpen Inszenierung fallen sie kaum störend auf. Sämtliche Charaktere behalten im Angesicht der sonst sehr ernsten Handlung stets die Nerven, sodass die Spannung niemals darunter leidet. Im Vergleich mit den vergangenen Episoden fallen der Humor und sogar der Anteil erotischer Elemente dieses Mal sogar noch nebensächlicher aus. Wer also in den letzten Folgen glaubte, zu sehr mit lustigen Szenen leben zu müssen, wird sich im Finale womöglich etwas wohler fühlen. Allerdings bleiben Kämpfe auf ein Minimum reduziert; zwar stehen sich die Gegner weiterhin teils lange gegenüber, der eigentliche Schlagabtausch beschränkt sich allerdings auf ein paar wenige Angriff- und Verteidigungsmechanismen. Das geht besser!

Abschließende Volume in bekannter Tradition

Unter technischen Gesichtspunkten befinden sich die Episoden der vierten Volume von Strike the Blood auf demselben Niveau wie die Folgen der drei vorherigen Ausgaben. So sind alle positiven und negativen Merkmale weiterhin vorhanden: Im bildschirmfüllenden 16:9-Format können sämtliche Szenen mit sterilen Hintergründen und klar gezeichneten Charakteren punkten. Das Gesamtbild bei der Auflösung von 1080p überzeugt des Weiteren mit diversen Lichteffekten, enttäuscht aber weiterhin mit eher schwachen Animationen. Eine Entwicklung der Effektspielerei von der ersten bis zur letzten Episode fand somit seitens der Köpfe hinter dem Projekt nicht statt, sie blieb dem Konzept dafür treu. Wenigstens kann der Soundtrack in allen Szenen mit angenehm dazu passenden Klängen punkten. Heitere Musik unterlegt die fröhlichen Momente und düstere Musik unterstreicht vor allem die Auseinandersetzungen mit den Feinden. Durch die deutschen und japanischen Synchronsprecher wird die Kulisse auch in der vierten Volume durchweg gut unterlegt, zu erwähnen sei jedoch, dass der japanische Originalton leicht die Nase vorn hat. Digitales Bonusmaterial liegt in Form eines Clear Openings und eines Clear Endings vor, in der physischer Ausgabe spendiert Publisher Kazé Anime zusätzlich ein 24-seitiges Booklet und zwei Postkarten. Das beiliegende Material lag für den Test zwar nicht vor, es ist aber davon auszugehen, dass es der typisch guten Qualität des Publishers entspricht. Fans werden sich über die zusätzlichen Infohäppchens sehr freuen!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Unterm Strich ist Strike the Blood ein zweischneidiges Schwert. Auf der einen Seite kann die Anime-Serie mit ihrem Humor, ihren vielen ulkigen Szenen, den heiteren Charakteren und tatsächlich auch so manchem ernsten Handlungsstrang durchaus punkten. Auf der anderen Seite hängen genau diese Elemente nur in wenigen Episoden so eng zusammen, dass sie ein schlüssiges Gesamtbild für die ganze Serie bilden können. Auch für die vierte und somit letzte Volume gilt dieser Grundsatz; so gibt es kaum Überraschungen und im Grunde nur noch mehr vom Gleichen. Der letzte Handlungsstrang hat wie verschiedene Storylines zuvor nichts mit der Ausgangslage zu tun, sodass eigentlich nur Fans der Manga-Vorlage voll und ganz auf ihre Kosten kommen. Für diese bleibt zu hoffen, dass früher oder später auch die Original Video Animations im deutschsprachigen Raum veröffentlicht werden. Eine vollwertige weitere Staffel existiert bisher leider noch nicht.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Strike the Blood (Vol. 4)!

Bleach schlägt mit der vierten Serienbox das nächste Kapitel in der sehr abenteuerlichen und fantasievollen Geschichte auf. Obwohl es sich bei den Folgen 64 bis 91 aus Manga-Sicht um Filler-Episoden handelt, können gerade die neuen Ansätze die zuletzt starre Handlung sehr gut auflockern.

Kaum sind die Freunde aus der Soul Society in ihre Heimat zurückgekehrt, könnte theoretisch der Schulalltag wieder losgehen. Daraus wird jedoch nichts, denn einerseits erinnern sich die Charaktere an die erlebten Abenteuer zurück und andererseits tauchen auch alte Bekannte wie der Shinigami Abarai Renji in ihrem alten Umfeld auf, der fortan über die Stadt Kamakura wachen soll. Damit nicht genug, verschwindet eines Nachts auch noch Inoue Orihime spurlos, weshalb Renji zusammen mit Kurosaki Ichigo, Sado Yasutora und Ishida Uryū versucht, die entführte Orihime zu finden. Die Entführung können die Ermittler zwar relativ früh mit einer höllentorartigen Vorrichtung in Verbindung bringen, doch schon bald meldet sich Entführerin Ririn per Telefon bei den Freunden. Sie treibt ein perfides Spiel mit ihnen. Zunächst werden sie kreuz und quer durch die Stadt unter Zeitdruck gejagt und kaum sind sie ihrem Ziel nahe, wird auch noch Yasutora entführt. Im weiteren Handlungsverlauf sind die Freunde auch noch in einem viergeteilten Zimmer unterwegs, das durch seine Ein- und Ausgänge wie ein nahezu endloser Raum wirkt. Die Geschichte, die in der dritten Volume etwas an Dynamik und somit auch Spannung verloren hat, entwickelt sich im vierten Episodenpaket endlich wieder in eine angemessene und angenehme Richtung, die die ermüdeten Zuschauer und Fans aufweckt.

Perfide Gegenspieler

Für Fans der Manga-Vorlage, die die Anime-Serie bisher nicht verfolgt haben, sind die Folgen der vierten Serienbox durchaus interessant, sind sie doch schlicht Filler-Episoden – und somit nicht Teil der Kernhandlung von Kubo Noriaki. Uninteressant ist die Handlung dadurch aber noch lange nicht, da sich Ririn als clevere Gegenspielerin erweist und ihr perfides Spiel nicht abbrechen will. Beispielsweise schickt sie die Freunde wieder zurück in ihre Schule, mit dem Unterschied, dass einer von ihnen nur eine Kopie und nicht das Original ist. Wenn sie bis zum Mittag nicht herausfinden können, wer von ihnen die Fälschung ist, wird Ririn einen Schüler nach dem anderen auslöschen. Ob und vor allem wie Ichigo und Co feststellen, wer denn die Kopie ist, wird an dieser Stelle natürlich nicht verraten. Dieses Beispiel zeigt jedoch sehr gut, dass Ririn kein durchschaubarer Gegner ist. Zusammen mit ihren Komplizen, die mit der Zeit ebenfalls gut charakterisiert werden, bleibt es also durchweg spannend. Es sei jedoch gesagt, dass dieser Story-Abschnitt nur der Auftakt zu einem noch viel größeren Handlungsstrang ist, der sich um die mysteriösen Bount, Menschen mit Vampirfähigkeiten, dreht. Hier sind dann auch noch Mitarbeiter der Soul Society involviert, sodass sich der Zuschauer über das Wiedersehen mit alten Bekannten freut und eine Episode nach der anderen schauen will.

Bekannte technische Gestaltung

An der technischen Gestaltung hat sich an Bleach auch in der vierten Serienbox kaum etwas geändert. Nach wie vor wird das Bild altersbedingt im 4:3-Format wiedergegeben, es befinden sich somit links und rechts neben dem Bild also schwarze Balken. Diese stören jedoch kaum, da das Geschehen auf das Bildformat ausgelegt ist. Viel wichtiger ist jedoch die Gestaltung der einzelnen Schauplätze, denn während die Szenen in Karakura wunderbar das Stadtbild wiedergeben und nach dem Soul-Society-Szenario in der letzten Volume eine willkommene Abwechslung sind, können die Kampfschauplätze mit wüsten Gebieten überzeugen. Hin und wieder ist auch die Soul Society ein wichtiger Bestandteil der Handlung, die meistens über Dialoge vorangetrieben wird. Sowohl die japanischen als auch die deutschen Sprecher hauchen ihren Figuren reichlich Leben ein, doch ist die japanische Synchronisation ein wenig stimmiger, da in der deutschen Fassung diverse Charakternamen falsch ausgesprochen werden. An der Tonqualität ändert die Wahl nichts, da beide Tonspuren in Dolby Digital 2.0 auf allen vier Datenträgern mit 28 Episoden vorliegen. Digitales Bonusmaterial gibt es ebenso wenig wie im physischen Bereich. Ein Booklet mit einem Episodenguide hätte hier Wunder bewirkt, an der überdurchschnittlichen Qualität der Anime-Serie ändern die fehlenden Boni aber nichts.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 64 bis 91 der Serie): So mancher Bleach-Fan musste mit der dritten Serienbox, die das Finale innerhalb der Soul Society umfasste, sehr stark sein. Nicht nur der vorzeitige Abschied von Kuchiki Rukia zerrt in diesen Folgen an den Kräften des Zuschauers, die Erzählweise hat ebenfalls dafür gesorgt, dass Ermüdungserscheinungen auftraten. Das hat sich trotz Filler-Episoden, zumindest aus der Sicht der Manga-Leser, in der vierten Serienbox geändert, da sowohl die Kämpfe, als auch die Story eine neue Dynamik erreichen. Auch die neuen Gegenspieler der Charaktere, zum einen die perfide Ririn und zum anderen die vampirartigen Bount, motivieren stets zum Weiterschauen. Das Wiedersehen mit dem einen oder anderen liebgewonnenen Charakter aus den letzten drei Ausgaben hilft ebenfalls dabei, dass es stets spannend bleibt. Selbst oder ausgerechnet die Bleach-Fans, die nur den Manga lesen, werden mit der vierten Volume sehr zufrieden sein.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Bleach (Box 4, Episoden 64-91)!