Im August 2019 startete Kazé Anime mit der vierteiligen Veröffentlichung der Anime-Serie Yūnas Geisterhaus. Das Werk von Animationsstudio Xebec dreht sich nicht nur um die Erlösung einer Verstorbenen, sondern an allen Ecken und Enden auch um viel nackte Haut.

Im Mittelpunkt der Erzählung steht der fünfzehnjährige Fuyuzora Kogarashi, der von einem besonders günstigen Gasthaus in Yukemuri gehört hat. Grund für die besonders günstige Miete dürfte ein Geist sein, der dort sein Unwesen treibt. Kaum in der Pension Yuragi angekommen, macht er in Zimmer 204 Bekanntschaft mit dem freundlichen Gespenst Yunohana Yūna. Normalerweise würde Kogarashi als Lehrling eines Mediums den Geist sofort aus der Herberge vertreiben, doch da Yūna äußerst nett und zuvorkommend und in seinen Augen zudem auch noch sehr attraktiv ist, kann er sich Yūna einfach nicht entledigen. Stattdessen schließen die beiden Freundschaft und arbeiten künftig zusammen, um die wahre Erlösung für Yūna zu finden. Das müssen sie auch, denn schließlich hat nicht nur Kogarashi, sondern auch zahlreiche andere Geisterbeschwörer vom Geist in der Pension Yuragi gehört. Also müssen die beiden dafür sorgen, dass Yūna kein Haar gekrümmt wird. Kogarashi und Yūna sind aber nicht die einzigen beiden Bewohner in der Pension. So lernt Kogarashi unter anderem die oftmals leicht betrunkene Arahabaki Nonko, die agile Ameno Sagiri und die katzenartige Fushiguro Yaya kennen. Es handelt sich bei allen Damen aber nicht unbedingt um Menschen, sondern um Oni oder Kami, die die menschliche Gestalt annehmen oder diese kontrollieren.

Nackte Haut en masse

Yūnas Geisterhaus ist eine schrille und durchgeknallte Anime-Serie. Bemerkbar ist dies vor allem am äußerst schlüpfrigen Humor. Dieser hat schon vor der japanischen Erstausstrahlung mit der Manga-Vorlage für eine Kontroverse gesorgt, da so gut wie alle weiblichen Figuren hier und da sexualisiert werden. Brüste in verschiedenen Größen und viel nackte Haut stehen in jeder Folge an der Tagesordnung. Beispielsweise landet Kogarashi schon in der ersten Episode auf der halbnackten Yūna, als diese sich erschreckt und laut eigenen Aussagen zum Poltergeist wird. Als Konsequenz wird Kogarashi selbstverständlich von ihr aus dem Fenster geworfen, um ein gewisses Moralverständnis zu untermauern. In der zweiten Folge wachen die beiden zusammen, Yūna selbstverständlich mit entblößtem Oberkörper, schwebend in der Luft auf und werden beim „Kuscheln“ im wahrsten Sinne des Wortes wieder auf den Boden der Tatsachen zurückgeholt. An anderen Stellen werden hingegen die Kurven der anderen Bewohnerinnen stark betont. Diese streicheln sich bewusst über den eigenen Oberschenkel oder drücken Kogarashi auf ihre Brüste. Ob Kogarashi das selbst will, soll an dieser Stelle aber nicht verraten werden. Wer mit solchen Situationen ein Problem hat, wird mit Yūnas Geisterhaus keinen Spaß haben, da sich der wahnwitzige Humor hauptsächlich darum dreht.

Angenehmer Einstand

Unter optischen Gesichtspunkten überzeugt Yūnas Geisterhaus in der Blu-ray-Fassung mit hochauflösenden Bildern. Im bildschirmfüllenden 16:9-Format können die Szenen, die den Humor rund um intime Dinge unterstreichen, besonders überzeugen. Alle anderen Szenen wirken jedoch ein wenig aufgesetzt, denn die Animationen sind lediglich zweckmäßig und können die Dynamik der einzelnen Situationen kaum ausdrücken. Auch die Spezialeffekte kommen nicht übers Mittelmaß hinaus, weshalb die Anime-Serie in visueller Hinsicht eher Kennern der Manga-Vorlage gefallen dürfte. Musikalisch reißt Yūnas Geisterhaus zwar keine Bäume aus, doch reicht der Soundtrack aus, um verschiedene Situationen gut einzufangen und voneinander abzugrenzen. Sowohl die deutsche als auch die japanische Synchronisation im Tonformat PCM 2.0 geht vollkommen in Ordnung, wobei der japanische Originalton leicht die Nase vorne hat. Digitale Boni gibt es lediglich in Form eines Clear Openings. Käufer der limitierten Erstauflage kommen neben einem 16-seitigen Booklet und einer Leseprobe auch in den Genuss eines Sammelschubers, in dem ab Ende November 2019 alle vier Volumes der Serie ihren Platz finden können. Unterm Strich handelt es sich bei der ersten Volume von Yūnas Geisterhaus um einen recht angenehmen und qualitativ angemessenen Einstieg.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Yūnas Geisterhaus macht vor allem mit dem schlüpfrigen Humor auf sich aufmerksam. Ein paar Brüste hier und ein bisschen nackte Haut da – so und nicht anders versucht die Anime-Serie den Zuschauer bei Laune zu halten. Schon nach wenigen Minuten fällt auf, dass die eigentliche Handlung rund um das Medium Fuyuzora Kogarashi und das Gespenst Yunohana Yūna nur zweitrangig ist. Selbst wenn die Handlung dann und wann den Eindruck erweckt, erwachsen mit der Thematik umzugehen, dauert es nicht lange und schon werden einer weiblichen Figur die Kleider vom Leib gerissen. Wer sich darauf nicht einlassen und die ständige Sexualisierung der weiblichen Charaktere nicht ertragen kann, wird wohl kaum länger als eine Folge von Yūnas Geisterhaus aushalten. Alle anderen dürfen sich hingegen über eine seichte und dennoch unterhaltsame Serie freuen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Yūnas Geisterhaus (Vol. 1)!

Mit dem Untertitel „Book of Circus“ steht die dritte Staffel von Black Butler ganz im Rahmen des Zirkus. Nachdem für die beiden Hauptcharaktere die Ermittlung in der ersten Staffelhälfte begann, wird sie in der zweiten und letzten Volume mit Überraschungen zu Ende geführt.

Nachdem die erste Volume der dritten Staffel im Juli 2015 im deutschsprachigen Raum veröffentlicht wurde, dauerte es gerade zwei Monate, bis auch das abschließende Episodenpaket in den Handel kam. Inhaltlich knüpft die sechste und damit erste Folge dieser Ausgabe ans Finale der vorherigen Geschehnisse an. Ciel Phantomhive erlitt einen Rückschlag seiner Asthma-Erkrankung und muss seither das Bett hüten. Da die Zeit jedoch drängt, darf an seiner Stelle sein Butler Sebastian Michaelis die Nachforschungen im Zirkus „Noahs Arche“ vorantreiben. Dieser soll laut Ciels Auftraggeberin, Königin Victoria, umherziehen und für das Verschwinden von zahlreichen Kindern verantwortlich sein. Sonderlich ergiebig war die Ermittlung bisher nicht – mit ein, zwei Indizien ist es dem jungen Earl und seinem Butler aber möglich, ins Wespennest zu stechen. Sie finden heraus, dass Baron Kelvin der Gönner der Artistentruppe ist. So verlassen Sebastian und Ciel über kurz oder lang den Zirkus, um in der Londoner Residenz der Familie Phantomhive ihre nächsten Schritte zu planen. Soma Asman Kadar, Prinz eines indischen Königreichs, und sein Leibwächter Agni halten dort bereits die Stellung. Im Angesicht von Ciels Angeschlagenheit versuchen sie alles in ihrer Macht stehende, um dessen Besuch beim Baron hinauszuzögern – und wecken damit in Sebastian fürsorgliche Gefühle.

Puzzle-Stück für die Rahmenhandlung

An dieser Stelle spaltet sich die Geschichte von Book of Circus hauptsächlich in zwei Handlungsbögen auf. Zum einen wird hier Ciels Besuch beim Baron geschildert und zum anderen rückt die Aufgabe der Zirkusangestellten, die Villa Phantomhive aufzusuchen, in den Mittelpunkt der Erzählung. Dies hat auch einen besonderen Grund: Baron Kelvin hat schon vor vielen Jahren einen Blick auf Ciel geworfen. Wann genau dies geschehen ist und welche Absichten Kelvin verfolgt, soll aus Spoiler-Gründen nicht verraten werden. Dennoch sei gesagt, dass mit der Einführung des neuen Charakters weitere Hintergründe über Ciels Vergangenheit aufgeworfen werden. Es ist abermals erstaunlich, wie gut sich dieser ausgeklügelte Erzählstrang mit der Rahmenhandlung der Anime-Serie verbindet. Während Ciel und Sebastian notgedrungen Kelvins perfides Spielchen erleben müssen, stecken Dompteurin Beast, Messerwerfer Dagger und Co beim Angriff auf Ciels Zuhause einen blutigen Rückschlag nach dem anderen ein. Fans des Hauspersonals kommen hier voll auf ihre Kosten, denn während sie in der ersten Staffel im Haushalt noch kläglich versagten, fahren sie hier zu Höchstformen auf. Während in den ersten Folgen Konflikte noch recht human gelöst worden sind, spritzt die rote Suppe beim Finale der dritten Staffel aus allen Löchern. Diese Episoden sind nichts für schwache Mägen!

Zufriedenstellendes Ende

Daneben gibt es jedoch noch eine Handvoll kleinerer Handlungsbögen. Unter anderem erlebt der Zuschauer wie Shinigami Grell Sutcliff aus dem Hausarrest entlassen wird und sich auf die Suche nach seinem geliebten Sebastian macht. Auch Shinigami William T. Spears ist mit von der Partie und will seine wohlverdienten Seelen ernten. Fans des Undertakers oder von Ciels Verlobten Lady Elizabeth Ethel Cordelia Midford dürfen sich ebenfalls über kurze Auftritte freuen, auch wenn diese kaum für die Handlung der dritten Staffel von Belang sind. In technischer Hinsicht baut die zweite Volume von Book of Circus auf dem technischen Grundgerüst der ersten Ausgabe auf. Das heißt, dass die detailreichen Charaktere und Hintergründe nach wie vor im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p herausstechen. Während die vorherigen Folgen aufgrund des Szenarios ein wenig bunter ausfallen, erinnert die Gestaltung der vorliegenden Episoden wesentlich eher an den Stil der Anime-Serie. Hinzu kommt stimmungsvolle Musik im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0, die sich stets an das düstere Geschehen anpasst und dieses wunderbar untermalt. Digitales Bonusmaterial gibt es – wie schon bei der ersten Volume – nicht. Stattdessen versucht ein kleines Booklet mit Charakterzeichnungen zu entschädigen. Dies gelingt dem Heftchen aber nur bedingt. Davon abgesehen wird die dritte Season mit diesem Episodenpaket aber äußerst zufriedenstellend beendet.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Black Butler beziehungsweise Kuroshitsuji, wie die Serie im japanischen Original heißt, ist einer der Anime, die weltweit Aufmerksamkeit erlangt haben. Äußerst sympathische Charaktere, eine spannende Handlung und das überaus düstere Szenario, das in dieser Volume mit Schockmomenten und Überraschungen nicht geizt, sind die Markenzeichen des Franchises. Während die Episoden der vorherigen Volume wesentlich bunter ausfallen, kehrt die Anime-Serie mit der zweiten Volume von Book of Circus zurück zum bekannten Stil. Es wird bildtechnisch dunkler und trister. Die Charaktere werden passend zu Ciels Weltanschauung hingegen immer durchtriebener. An keiner Stelle wirkt das Staffelfinale langatmig. Animationsstudio A-1 Pictures hat jede einzelne Szene genauestens positioniert, in einen Kontext zueinander gesetzt und mit Wendungen bespickt. Der einzige Wermutstopfen dürfte wohl sein, dass die gesamte Staffel nur mit zehn Episoden auskommen muss. Unterm Strich ist das jedoch alles halb so wild, denn jede Folge – insbesondere die Highlights aus der zweiten Volume – zeigen, dass weniger oft mehr ist. Wer Black Butler bis hierhin verfolgt hat, kommt um die zweite Ausgabe von Book of Circus nicht herum. Alle anderen sollten hingegen schleunigst mit der ersten Volume der ersten Staffel beginnen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Black Butler: Book of Circus (Vol. 2)!

1975 ging der kleine Junge Sinbad im japanischen Fernsehen auf große Fahrt. Mehr als vier Jahrzehnte später wird dem mutigen Abenteurer mit einer Filmtrilogie gewürdigt, die mit einer ähnlichen Verzögerung in Deutschland eintrifft, wie damals bei der Anime-Serie.

Am Szenario hat sich grundsätzlich nichts geändert, denn nach wie vor erzählt die Filmreihe von den Abenteuern des titelgebenden Sinbad. Bei Sinbad handelt es sich um einen kleinen Jungen, der mit seiner Mutter in Bagdad in Armut lebt. Sinbads Vater, ein Seemann, ist vor vielen Jahren in See gestochen und seither nicht zu seiner Familie zurückgekehrt. Er möchte in die Fußstapfen seines Vaters treten und ebenfalls die Segel setzen. Also beschließt der kleine Sinbad, seiner Mutter „Lebewohl“ zu sagen, auf einem Schiff anzuheuern und in fernen Gefilden Abenteuer zu erleben. Sein erstes Abenteuer beginnt jedoch schon bevor er auch nur einen Fuß aufs Schiff gesetzt hat. In den Straßen von Bagdad trifft er auf ein mysteriöses Mädchen, das mit einem fliegenden Pferd abstürzt und plötzlich von gerissenen Halunken auf fliegenden Teppichen verfolgt wird. Das Mädchen aus den Augen verloren, landet Sinbad über kurz oder lang auf einem Schiff – dort wird er zu allem Übel auch noch seekrank, träumt von seiner Mutter und von besagter Dame. Wie dieses in der zweiten Hälfte des ersten der drei Filme in den Mittelpunkt der Handlung gerückt wird, soll an dieser Stelle nicht verraten werden. Dennoch sei gesagt, dass hier der Charakter der Erzählungen aus Tausendundeine Nacht wie schon in der Anime-Serie der 1970er-Jahre wirklich wunderbar eingefangen wird.

Magie aus Tausendundeine Nacht

Nicht nur der Film „Die Prinzessin auf dem fliegenden Pferd“ erreicht eine emotionale Tiefe, sondern auch das zweite Werk „Die magische Wunderlampe“. Dieses knüpft an den ersten Film an und führt die Geschichte fort. Nachdem die Crew um Kapitän Razzak in einen Sturm geraten ist, müssen sie zwangsweise einen Hafen ansteuern und Reparaturen am Schiff durchführen. Hier wird Sana, das neueste Crew-Mitglied, auf eine harte Probe gestellt. Als Abkömmling einer Zaubererfamilie soll sie die Arbeiten für die anderen erleichtern. Eine Bitte, die sie jedoch kommentarlos ablehnen muss. Wieder sehtüchtig, landen Sinbad und Co auf einer Insel, auf der sie mit einer Wunderlampe und einem im wahrsten Sinne des Wortes riesigen Problem konfrontiert werden. Der dritte und damit letzte Film der Trilogie, der auf den Namen „Das wundersame Tor“ getauft wurde, knüpft an den vorherigen Part an und bringt die Geschichte zu einem Ende. Die Erzählung benutzt hier den Kniff der Schachtelgeschichte, wie es auch bei Tausendundeine Nacht der Fall ist. Unter anderem erfährt der Zuschauer hier mehr über die Vergangenheit von Sana. Was es mit dem magischen Tor auf sich hat, wird im Film natürlich auch verraten. Schade ist nur, dass die Abenteuer des jungen Sinbad damit enden. Digitales oder physisches Bonusmaterial gibt es bei der Veröffentlichung ebenso nicht.

Malerisches Abenteuer für Jung und Alt

In visueller Hinsicht können alle drei Filme in der Auflösung von 1080p im bildschirmfüllenden 16:9-Format mit schönen Charakterzeichnungen glänzen. Sie erinnern stark an Anime-Filme und -Serien der letzten Jahrzehnte und sorgen vor allem bei älteren Zuschauern für nostalgische Gefühle. Zudem sind die Figuren ausreichend animiert, sodass die Hintergründe vor allem beim Seegang stets mit Bewegungen angereichert werden. Auch das unruhige Meer und der Einsatz von Nebel werden mit technischen Mitteln so umgesetzt, dass dem Zuschauer ein authentisches Gefühl einer Seefahrt vermittelt wird. Musikalisch setzen die Filme im Übrigen nicht auf orientalische Klänge und zertrümmern absichtsvoll ein Klischee nach dem anderen. Der Soundtrack von Ōno Hiroaki im Tonformat DTS-HD Master Audio 5.1 weckt mit seinem ganz eigenen Stil viel deutlicher die Lust auf Abenteuer und erinnert mit der Musik sehr viel stärker an japanische Rollenspiele der 2000er-Jahre. Auf der Blu-ray Disc ist sowohl der japanische Originalton als auch die deutsche Synchronisation für alle drei Filme enthalten. Beide Tonspuren warten interessanterweise mit weniger bekannten Sprechern auf, wodurch die Abenteuer sehr frisch wirken. Schade nur, dass die japanische Synchronisation nur mit deutschen Untertiteln abspielbar ist. Dies ist aber nur der kalte Tropfen auf den heißen Stein, denn in sonstigen Belangen können alle drei Geschichten wunderbar in ihren Bann ziehen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Die Trilogie Sinbad: Die Abenteuer des jungen Sinbad erzählt drei fantastische Geschichten über einen jungen Seefahrer und seinen Freunden. Dabei erleben sie zahlreiche Abenteuer auf dem Meer und auf verwunschenen Inseln, die mit Elementen aus der Geschichtensammlung Tausendundeine Nacht verwoben sind. Mit fliegenden Teppichen, einer Wunderlampe und Zauberei gelingt es den Filmen sehr gut, durchweg in ihren Bann zu ziehen. Vor allem jene Anime-Fans, die mit dem Zeichenstil neuerer Werke nicht konform gehen, werden mit den drei Filmen wirklich ihren Spaß haben. Alle drei Filme eignen sich zudem für jede Altersgruppe, denn während jüngere Zuschauer einfach von der Magie der Filmkunst und von den Abenteuern überwältigt werden, dürfen sich ältere Semester über viele nostalgische Gefühle freuen. Aufgrund dessen dass jeder Film circa fünfzig Minuten unterhält, fühlen sich die Abenteuer nicht im Geringsten ermüdend an und können wunderbar aufgeteilt an mehreren Nachmittagen oder Abenden gesehen werden. Sinbad: Die Abenteuer des jungen Sinbad ist in jedem Falle eine gut angelegte Investition!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Sinbad: Die Abenteuer des jungen Sinbad (Trilogie)!

Nachdem die zweite Staffel von Black Butler mit den römischen Ziffern im Titel deutlich zu erkennen ist, haben sich die Köpfe hinter dem Projekt gedacht, der dritten Season einen eigenen Titel zu spendieren. In diesem Sinne: Manege frei für Black Butler: Book of Circus!

Japanische Fans von Kuroshitsuji, so der Originaltitel der Anime-Serie Black Butler, wurden 2010 auf eine harte Geduldsprobe gestellt. Während sie auf die zweite Staffel gerade einmal ein Jahr warten mussten, wurde Book of Circus erst vier Jahre später im Fernsehen ausgestrahlt. Im deutschsprachigen Raum verkürzte sich die Wartezeit ein wenig, denn bereits 2015 durften Fans hierzulande in den Genuss der dritten Staffel kommen. Der Staffelauftakt beginnt ungewöhnlich ruhig. In der riesigen Villa von Ciel Phantomhive werden Gäste erwartet – der titelgebende schwarze Butler Sebastian Michaelis verteilt entsprechend die Aufgaben an seine Kollegen. Da diese jedoch allesamt tollpatschig bis unfähig sind, bleibt die ganze Arbeit wieder einmal an Sebastian hängen. Den Zuschauer sollte es in der dritten Staffel zwar nicht mehr wundern, zu welchen Glanzleistungen Ciels Butler fähig ist, doch alleine schon in der ersten Folge der fünf enthaltenen Episoden in dieser Volume läuft Sebastian zu Hochtour auf.  Unter anderem rettet er den durch ein Missgeschick verschütteten Champagner einer Gläserpyramide während des Falls samt Gläsern. Ciel lebt in der Zwischenzeit mürrisch vor sich hin und beschwert sich mal wieder über seinen Tagesablauf. Dieser soll überraschend mit seinem Tod enden. Was dahinter steckt, sollten Black-Butler-Fans jedoch lieber selbst herausfinden.

Arbeiten im Zirkus

Hauptsächlich dreht sich der neue Erzählstrang allerdings um einen ominösen Wanderzirkus. Ciel erhält von Königin Victoria per Brief den Auftrag, den Zirkus als ihr Wachhund unter die Lupe zu nehmen. So zieht es Ciel mit seinem Butler Sebastian nach London, wo der „Noahs Arche“ genannte Zirkus seinen nächsten Halt einlegt. Grund der Untersuchung ist der unbekannte Verbleib von zahlreichen Kindern, die immer dann von der Bildfläche verschwanden, wenn der Zirkus im jeweiligen Ort für Aufsehen sorgte. Durch eine Verkettung von unglücklichen Zufällen werden Ciel und Sebastian vom Zirkus angeheuert. Obwohl diese Arbeit für Ciel zuwider ist – und nur mit Sebastians Hilfe ein, zwei Kunststücke aufführt – reißt sich der Bengel überraschend zusammen. In der Manege machen sie unter anderem Bekanntschaft mit der Dompteurin Beast, dem Schlangenbeschwörer Snake und dem Messerwerfer Dagger. Die Namen der Charaktere sind alles andere als kreativ, lassen sich dafür aber sehr schnell einprägen. Als auch noch Shinigami William T. Spears im Zirkus anheuert, wird ihnen klar, dass hier etwas nicht mit rechten Dingen zugeht. So stellen sie immer mehr Nachforschungen an – und werden damit immer mehr in den Arbeitsalltag integriert. Hinterrücks versuchen sie mehr über die Kinder herauszufinden, was jedoch mit jeder weiteren Episode für Misstrauen sorgt.

Großartiger Staffelauftakt

Für den Zuschauer bleibt es dank der sehr dichten Atmosphäre jederzeit spannend und unterhaltsam. Daran ist auch das technische Grundgerüst nicht ganz unschuldig, denn an einigen Stellen ist es Animationsstudio A-1 Pictures vortrefflich gelungen, die Kamera im dreidimensionalen Raum zu bewegen und für Dynamik zu sorgen. Auch der farbenfrohe Gothic-Look von Book of Circus trägt maßgeblich dazu bei, dass ein schaurig-wohliges Gefühl beim Zuschauer entsteht. Sämtliche Charaktere und Hintergründe sind schön gezeichnet und stechen im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p heraus. Unterlegt wird die Anime-Serie mit angenehmer Musik im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0, die das Geschehen jederzeit passend untermalt und niemals störend auffällt. Sowohl bei der deutschen Synchronisation als auch beim japanischen Originalton gibt es keine Sprecherwechsel, sodass beispielsweise Butler Sebastian nach wie vor von Bernhard Völger beziehungsweise Ono Daisuke gesprochen wird. Leider hat es kein digitales Bonusmaterial auf die Disc geschafft. Wie schon bei den vorherigen beiden Staffeln gibt es dafür jedoch ein Booklet mit Informationen zu den Charakteren mit Konzeptzeichnungen und Artworks. Das kleine Heftchen kann – im Gegensatz zum wirklich großartigen Staffelauftakt – aber kaum überzeugen. Hier darf nur auf Besserung in der zweiten und damit leider schon letzten Volume dieser Staffel gehofft werden.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Kuroshitsuji respektive Black Butler gehört nach wie vor zu den beliebtesten Anime-Serien. Sie bietet sympathische Charaktere, eine interessante Hintergrundgeschichte und ein sehr düsteres Szenario. Daran hat sich in der auf den Untertitel „Book of Circus“ getauften dritten Staffel überhaupt nichts geändert, auch wenn es durch den titelgebenden Zirkus dann doch ein wenig bunter ist. Obwohl die erste Episode noch recht unscheinbar anfängt, erhält der Zuschauer schnell Informationen über die Ausgangslage und wird spätestens ab der zweiten Folge so richtig ins Geschehen gesaugt. Ciel Phantomhive und Sebastian Michaelis bei ihren Nachforschungen zu beobachten, ist ein äußerst spaßiges Unterfangen und füllt ganze fünf Episoden. Danach motiviert der Cliffhanger, sich auch die nächsten Folgen der zweiten Ausgabe anzuschauen. Aufgrund dessen, dass die dritte Staffel inhaltlich durchaus gelungen ist, sollte es wohl auch nicht daran scheitern.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Black Butler: Book of Circus (Vol. 1)!

Obwohl die One-Piece-Filme von der Anime-Serie losgelöst betrachtet werden dürfen, gibt es im elften Film, One Piece: Z, genau wie beim vorherigen Streifen One Piece: Strong World, leichte Verknüpfungen mit der Fernsehausstrahlung – diesmal sogar noch ein wenig stärker.

Bei One Piece: Z handelt es sich um den ersten Kinofilm des Franchises, der in der so genannten neuen Welt spielt. Nachdem die Strohhüte innerhalb der Serie auf die kleine Riesin Lily Enstomach und ihren Vater Panz Fry trafen und Hauptfigur Monkey D. Ruffy den Schurken Shūzo das Fürchten lehrte, schippern sie mitsamt der Thousand über den zweiten Teil der Grandline. Immer auf der Suche nach neuen Abenteuern entdecken die Strohhut-Piraten einen Schiffbrüchigen, der im Meer vor sich hin treibt. Kaum hat Schiffsarzt Chopper den stämmigen Burschen versorgt, entbrennt auf dem Schiff ein regelrechter Kampf auf Leben und Tod. Choppers neuer Patient ist niemand geringeres als der gefürchtete Zephyr, der sich selbst nur Z nennt und zudem amtierender Anführer der Neo-Marine und ehemaliger Admiral der Marine ist. Die Neo-Marine mussten die Strohhut-Piraten bereits bei der Rettungsaktion von Panz Fry in den ersten Episoden der neunzehnten Serienbox kennenlernen und ihr neuer Widersacher Zephyr scheint dem ebenfalls nicht ungefährlichen Shūzo zumindest ebenbürtig zu sein. Seine Stärke bezieht Zephyr allerdings weniger durch seine Muskelmasse, sondern durch seine aus Seestein gefertigte Armprothese. Damit ist er Teufelsfruchtnutzern immer ein kleines Stück voraus, weshalb der Prolog des Films mit der Flucht der Strohhüte abschließen muss.

Mit allen Wassern gewaschen

Genau wie in der Anime-Serie wird auch im elften Kinofilm deutlich, dass in der neuen Welt mit ganz anderen Bandagen gekämpft wird. Ein Gegner ist gefährlicher als der andere – auch wenn dies auf den ersten Blick unschwer zu erkennen ist. Beispielsweise ist Zephyrs Verbündete Ain in der Lage, mit ihrer Teufelskraft eine Person um ganze zwölf Jahre zu verjüngen. Dieses tragische Schicksal müssen im Film mit Nami, Nico Robin, Chopper und Brook gleich vier Strohhüte erleben, die sich in ihren verjüngten Körpern wieder zurechtfinden müssen. So beschließen die Strohhüte nach ihrer Flucht, Zephyr und seine Verbündeten zu jagen, um den vier Notleidenden ihre alten Körper zurückzugeben. Beim Pläneschmieden treffen die Freunde auf Secon Island auf Aokiji, der aber mittlerweile nicht mehr im Dienste der Marine steht. Von ihm erfahren sie den wahren Plan von Zephyr, der alle Piraten auf dem zweiten Teil der Grandline im wahrsten Sinne des Wortes brennen sehen will. Das können Ruffy und Co aber nicht zulassen und machen sich entsprechend zum Entscheidungskampf gegen Zephyrs Neo-Marine auf. Ob es der Strohhut-Piratenbande gelingt, das drohende Schicksal der neuen Welt abzuwenden, wird innerhalb des 108-minütigen Films mit reichlich Action, zahlreichen abstrusen Situationen, facettenreichen Charakteren und interessanten Story-Wendungen geklärt.

Atemberaubendes Spektakel

Unter optischen Gesichtspunkten erstrahlt One Piece im mittlerweile elften Kinofilm in Bestform. Der markante Stil der Anime- und Manga-Vorlage bleibt auch hier enthalten, wirkt an vielen Stellen aber erstaunlich frisch, was unter anderem am mehrfachen Kostümwechsel der Charaktere liegt. Hinzu kommen fantastische Spezialeffekte wie Explosionen und Eruptionen, die so beeindruckend bisher in noch keiner Folge der Serie und keinem Film des Franchises dargestellt wurden. One Piece: Z ist im bildschirmfüllenden 16:9-Breitbildformat in der Auflösung von 1080p eine wahre Augenweide. Dazu gesellt sich eine frische Musikrichtung, die sich vom typischen Soundtrack der Serie im Tonformat DTS-HD Master Audio 5.1 abhebt – und immer noch gut zum Szenario passt. Einzig und allein die beiden Songs „Bad Reputation“ und „How you remind me“ von Avril Lavigne, die beim Abspann zu hören sind, wollen nicht so wirklich zum restlichen Gesamtpaket passen, was unterm Strich aber Geschmackssache sein dürfte. Digitales Bonusmaterial gibt es abseits der obligatorischen Trailer zu anderen Produkten aus dem Hause Kazé Anime leider nicht. In physischer Form sieht es mit einem gefalteten Poster mit Cover-Motiv nicht besser aus. Hier wäre mehr möglich gewesen, zumal das Werk von Regisseur Nagamine Tatsuya zu den besten Filmen des Franchises gehört.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Neben ihren Abenteuern innerhalb der Anime-Serie bekommt es die Strohhut-Piratenbande auch regelmäßig in Kinofilmen mit neuen Gegnern zu tun. In One Piece: Z dreht sich die Handlung um den gefürchteten und titelgebenden Zephyr, der die Marine verlassen hat und mit seiner Neo-Marine stattdessen Jagd auf Piraten macht, bis diese das Zeitliche segnen. Wie er das bewerkstelligen will, sollten One-Piece-Fans aber lieber selbst herausfinden. An dieser Stelle sei nur gesagt, dass der elfte Film nicht mit Action, Explosionen und Effekten geizt und auf dieser Ebene definitiv zum Besten gehört, was das Franchise bis zu diesem Zeitpunkt zu bieten hat. Auch die musikalische Note unterscheidet sich leicht von der Serie, passt aber immer noch hervorragend zum abgedrehten Piraten-Setting. Allerdings ist auch die Story durchaus interessant und zumindest theoretisch wichtig für die Serie, da sehr viele Charaktere aus dieser in Erscheinung treten – insbesondere der erste Auftritt von Aokiji nach dem Verlassen der Marine ist hier nicht zu unterschätzen. Um den Film aus dem Jahr 2012 kommt definitiv kein One-Piece-Fan herum!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece: Z!

Mit der zwölf Episoden ausgelegten ersten Staffel der Anime-Serie Tōkyō Ghoul:re ist es ein ständiges Auf und Ab. Kaum entwickelt sich eine stringente Story, werden diverse neue Fragen aufgeworfen, die die im Juni 2019 veröffentlichte vierte Volume versucht aufzulösen.

In Japans Hauptstadt Tōkyō leben Ghule versteckt innerhalb der Bevölkerung und versetzen diese daher umso mehr in Angst und Schrecken. Zum Schutz der Bürger wurden polizeiliche Einsatzkräfte, genannt Tauben, ausgebildet. Hierzu zählt auch die Spezialeinheit der Quinks, Menschen mit den Fähigkeiten von Ghulen. Obwohl das Kräfteverhältnis auf den ersten Blick zwar ebenbürtig erscheint, können Schicksalsschläge ordentlich daran rütteln. So hat der in den Rang eines Fahnders beförderte Sasaki Haise erfahren, dass er zu einem gewissen Teil eigentlich der Ghul Kaneki Ken mit einer ganz eigenen Vergangenheit ist. In der vergangenen Volume wurde versucht, diese Erinnerungen mehrfach aufzuarbeiten. So zeigt er plötzlich für eine von ihm gerettete Ghula Verständnis, besucht seine ehemaligen Freunde aus dem Café Anteiku und rasselt in Tōkyō auf offener Straße noch mit seinem früheren Gegenspieler Tsukiyama Shū zusammen. Allerdings verstand er in den letzten Episoden noch nicht, woher diese Erinnerungen eigentlich stammen oder wie alles miteinander zusammenhängt. Letzterer Umstand ist womöglich auch ein Problem für Zuschauer, die erst mit Tōkyō Ghoul:re ins Franchise einsteigen und daher nicht wissen, in welchem Verhältnis alle Figuren zueinander stehen. Im vierten Episodenpaket ändert sich daran nichts, was aber erzähltechnisch Sinn ergibt.

Großes Finale mit Story-Ausblick

Durch die Wiedereinführung der Figur Shū, der sich zu allem Überdruss noch selbst als „der Gourmet“ bezeichnet, kann sich in der achten Episode direkt wieder eine stringente Erzählung entwickeln. Die Handlung dreht sich dieses Mal um die Zerschlagung der Familie Tsukiyama, die mit ihrer Organisation „Rose“ ins Visier der Ermittlung geraten ist. Um der Gruppierung auf die Schliche zu kommen, verhüllen sich die Helden sogar, wobei Haise sich die Maske aufsetzt, die er früher schon als Ken trug. So wird die Auseinandersetzung mit seinem anderen Ich im Verlauf der Handlung beiläufig aufgearbeitet und in einen Kontrast gesetzt. Der Kampf zwischen den Quinks und den Ghulen kumuliert sich in der neunten Folge schließlich in zahlreichen Auseinandersetzungen. Auch Haise und Shū treffen so aufeinander. Während Haise die Situation am liebsten alleine mit friedlichen Mitteln lösen möchte, will Shū, der notgedrungen den gesellschaftlichen Status seiner Familie verliert, sich nicht darauf einlassen. So und nicht anders wird das Finale der Fantasy-Serie im krassen Gegensatz zu den vormals gemäßigten Kämpfen mit reichlich Action ausgefüllt. Hinzu kommt der Auftritt eines weiteren Antagonisten, der den Weg für die zweite Staffel von Tōkyō Ghoul:re vorbereitet. Wie Haises respektive Kens innerer Konflikt gelöst wird, sollte der Zuschauer selbst herausfinden.

Vorläufiger Abschluss nach bekannten Mustern

Wer die neun Episoden der ersten drei Volumes schon gesehen hat, wird ahnen, worauf er sich in puncto Technik in der vierten Ausgabe einlässt. Im bildschirmfüllenden 16:9-Format ist es in der Auflösung von 1080p wirklich ein Genuss, die realitätsnahen Hintergründe bei einer gesunden Darstellung von hübschen Licht- und Schatteneffekten zu bestaunen. Vor allem das gleißende Licht bei Sonnenuntergängen oder der Einsatz von Scheinwerfern in der Nacht gehören zum markanten Stil der Anime-Serie. Akustisch wird das ganze Spektakel mit dem bekannten Soundtrack, der häufig auf den Einsatz von Streichinstrumenten zurückgreift und auch harte Klavierklänge ertönen lässt. Da das große Finale ebenfalls mit der Ausübung von Gewalt inszeniert wird, ist es nicht verwunderlich, dass auch adrenalingetränkte Musik ihren Anteil am Soundtrack ausmacht und im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 paralysiert. Hinzu kommen wirklich tolle Synchronsprecher, die in der deutschen Version als auch in der japanischen Originalfassung ihren Charakteren reichlich Leben einhauchen. Im Vergleich fällt die japanische Tonspur aber etwas authentischer aus. Digitales Bonusmaterial gibt es nicht – und auch physisches Material wurde laut Herstellerangaben eingespart. Bedauerlich, denn so hätte die erste der beiden Staffeln von Tōkyō Ghoul:re ein wenig angenehmer abgeschlossen werden können.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Tōkyō Ghoul:re ist ein zweischneidiges Schwert. Während der Staffelauftakt eher zweckmäßig und vor allem verwirrend ist, kann die zweite Volume mit einer überraschenden Story-Wendung punkten, die bis zum Abschluss der Staffel bei Laune hält, auch wenn es auf dem Weg dorthin ein paar kürzere Szenen gibt, die die stringente Handlungsstruktur leicht stören. Diese beschränken sich allerdings auf nötige Verweise auf zwischenmenschliche Beziehungen zwischen Haise und Charakteren, die seit ein bis zwei Staffeln nicht mehr aufgetreten sind und so zumindest für Serienkenner noch einmal kurz in Erinnerung gerufen werden. Visuell und akustisch überzeugt die Staffel bis zuletzt mit recht schönen Licht- und Schatteneffekten, die auch nach dem letzten Abspann immer wieder mit Tōkyō Ghoul:re in Verbindung gebracht werden. Durch das halbwegs offene Ende, das auf die zweite Season hinweist, bleibt es spannend. Wenn es Animationsstudio Pierrot gelingt, die wenigen Story-Schwächen dort auszumerzen, steht dem Franchise trotz seiner mal mehr und mal weniger zu spürenden Problemchen eine womöglich sehr rosige Zukunft bevor.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Tōkyō Ghoul:re (Vol. 4)!

Am 21. April 2018 wurde der Anime-Film Liz und der blaue Vogel erstmals in den japanischen Lichtspielhäusern gezeigt. Hierzulande wurde das Werk von Regisseurin Yamada Naoko erst gar nicht flächendeckend ins Kino gebracht, sondern direkt für den Heimkinomarkt vorbereitet.

Liz und der blaue Vogel ist in zwei elementare Handlungsbögen unterteilt. Einerseits erzählt der Anime-Film die Geschichte um Yoroizuka Mizore und ihre beste Freundin Kasaki Nozomi, andererseits wird auch das Märchen um Liz und einen blauen Vogel erzählt, das innerhalb der Handlung um Mizore und Nozomi als alleinstehendes Element integriert ist. Gezeigt wird vor allem der Schulalltag von Mizore und Nozomi, allen voran ihr Beitrag im Schulorchester und die Interaktion mit den anderen Teilnehmern. Ihre Aufgabe ist, sich auf einen kommenden Auftritt vorzubereiten. Dazu müssen Mizore und Nozomi sich mit den Melodien, die für das  Märchen „Liz und ein blauer Vogel“ komponiert wurden, auf tiefgründige Art und Weise auseinandersetzen. So wird Musik zum zentralen Element, das die beiden Handlungsstränge miteinander verknüpft. Mizore und Nozomi müssen sich beim Proben jedoch auch mit ihrer zwischenmenschlichen Beziehung kümmern. Diese wird nicht gänzlich positiv, zu einem guten Teil auch melancholisch und manchmal sogar fast schon apathisch charakterisiert. Letzteres ist zwar von Regisseurin Yamada beabsichtigt, erschwert dem Zuschauer allerdings dem Folgen der Handlung, zumal die Dialoge ruhig und langsam aufgebaut sind und eine gewisse Dynamik vermissen lassen. Dies ist auf Dauer recht ermüdend, obwohl manche Story-Aspekte durchaus interessant sind.

Parallele Handlungen und Motive

Im anderen Part der Geschichte erlebt der Zuschauer die Geschichte der titelgebenden Liz, die zu Beginn der parallel ablaufenden Handlung ein namenloses Mädchen bei sich zuhause aufnimmt. Da sie zuvor allein gelebt hat, möchte sie nicht, dass das Mädchen jemals wieder geht. Diese Verlustängste werden wiederum über den titelgebenden blauen Vogel thematisiert und mit dem Freiheitsbegriff gleichgesetzt. Beide Handlungsstränge weisen hierbei Parallelen auf, die sich dem Zuschauer mit der Zeit immer mehr erschließen und einige herzzerreißende Momente parat halten. Unter visuellen Gesichtspunkten haben sich die Zeichner von Liz und der blaue Vogel an verschiedenen Stilen orientiert, wobei vor allem eine technische Grenze zwischen beiden Erzählsträngen gezogen wird. Während die Handlung um Mizore und ihre Freundin Nozomi zu großen Teil computeranimiert ist, greifen die Zeichner beim Märchen um Liz auf alte Zeichentechniken zurück. Hier werden unter anderem Szenen mit Wasserfarbe oder der Verwendung von Wachsmalstiften ausgeschmückt. Einfarbige Farbkleckse sind hier und da ebenfalls zu erkennen, was den Märchenanteil zu einem sehr abwechslungsreichen Erlebnis macht. Kameratechnisch sind gelegentlich sehr schnelle Schnitte und vor allem Nahaufnahmen genau die Charakteristika, die dem Zuschauer sofort ins Gesicht springen.

Musikbetonter, aber ruhiger Film

Bei den Kamerafahrten wurde vor allem auf sanfte Bewegungen gesetzt, die beim Zuschauer für ein wohliges Gefühl sorgen. Allerdings sind feste Einstellungen im Film vorherrschend, sodass es auch viele Szenen im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p gibt, die den Fokus auf die äußerst feinen Animationen der Charaktere legen. Ergänzend zur Szenerie ist der Soundtrack von den Komponisten Ushio Kensuke und Matsuda Akito zu erwähnen, der handlungsbedingt in erster Linie auf den Einsatz von Flöte und Oboe setzt, aber zur akustischen Untermalung weniger inhaltsbezogener Szenen auch mit Klaviermusik und durch Glockenspiel erzeugte Klänge arbeitet, die dem Film eine eigene auditive Note verleihen. Sowohl die deutsche als auch die japanische Tonspur liegen im Tonformat DTS-HD 5.1 vor, sodass die Musik in beiden Varianten klar aus den Lautsprechern plätschert. Während bei den japanischen Sprechern Tanezaki Atsumi Mizore spricht und die aus Nisekoi: Liebe, Lügen und Yakuza bekannte Tōyama Nao Nozomi ihre Stimme verleiht, werden die Charaktere im Deutschen von Katharina Stark und Zina Laus gesprochen. Beide Varianten funktionieren hervorragend, auch wenn es teilweise leichte Abweichungen bei den Untertiteln gibt, die nur auf die japanische Synchronisation aufbauen. Im Bonusmaterial sind ein Musikvideo, zwei Trailer, zwei Fernsehspots, ein Szenerie-Clip und ein 24-minütiges Making-of enthalten, was den Zuschauer auch nach dem Abspann motiviert, sich weiter mit dem Film zu beschäftigen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Liz und der blaue Vogel erzählt nicht nur eine, sondern gleich zwei kleine Geschichten, die parallel zueinander ablaufen. Auf der einen Seite wird dem Zuschauer eine Handlung um zwei beste Freundinnen vorgesetzt und auf der anderen Seite erfährt er mehr über die titelgebende Liz und den blauen Vogel. Willkürlich ist diese duale Erzählweise keinesfalls, denn beide Handlungsstränge greifen vor allem mit ihrer Musik ineinander. Hierbei handelt es sich auch um das Element, das die Story um Mizore und Nozomi vorantreibt. Da sich die Geschichte nur langsam entwickelt und vor allem die Dialoge sehr ruhig und vor allem nicht dynamisch sind, kann der Anime-Film von Regisseurin Yamada Naoko auch mal etwas langatmig sein. Dennoch ist der Inhalt mit den Konflikten zwischen den Figuren herzzerreißend und lässt den Emotionen des Zuschauers gerne freien Lauf. Hinzu kommt, dass im Film mit verschiedenen Zeichenstilen gearbeitet wurde, sodass er vor allem mit der ungewöhnlichen Visualisierung aus der Masse heraussticht. Wer sich für künstlerisch wertvolle Anime-Filme interessiert, wird Liz und der blaue Vogel sicher mögen. 

Vielen Dank an Universum Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Liz und der blaue Vogel!

Zwischen 1994 und 2011 entwarf Manga-Zeichner Aoyama Gōshō mehrere Kurzgeschichten. Sieben davon haben es in Gōshō Aoyama’s Collection of Short Stories geschafft, die im April 2019 auch in Deutschland veröffentlicht wurde und den Geist der 1990er-Jahre einfängt.

In der ersten Kurzgeschichte mit dem Titel „Warte kurz auf mich“ dreht sich alles um den erst fünfzehnjährigen Wissenschaftler Takai Yutaka. Dieser hat eine Zeitmaschine entwickelt, mit der er beim ersten Testversuch zehn Sekunden in die Zukunft reist. Daraufhin plant er, seine nächste Reise zwei Jahre in die Vergangenheit zu programmieren. Der Grund für seinen Plan ist denkbar einfach, denn immer wenn er mit seiner zwei Jahre älteren Freundin Abe Mamiko ausgeht, wird er von irgendwelchen Mitschülern ausgelacht. Deshalb will er seinen Platz mit dem seines dreizehnjährigen Ichs austauschen, um mit Mamiko aufzuschließen. Als diese von seinem Plan erfährt, passiert jedoch das Unglaubliche. Sie entscheidet sich, selbst durch die Zeit zu reisen und verschwindet daraufhin erst aus der Zeit und dann aus den Gedanken ihrer Familie, ihrer Freunde und schließlich auch aus Yutakas Gedächtnis. Ein Kampf gegen das Vergessen, Erinnerungen an die Liebe und eine Prise Science-Fiction machen die gleich 23 Minuten lange Short Story aus. Im krassen Gegensatz dazu steht die zweite Episode, die mit sieben Minuten auskommen muss. In „Der unheimliche rote Schmetterling“ muss Kudō Yūsaku, viele Jahre vor Shin’ichis Geburt, ein Rätsel lösen, das ihm eine mysteriöse Frau per Telefon stellt. Um wen es sich dabei handelt, sollten Gōshō-Fans aber selbst herausfinden.

Eine Abstrusität kommt selten allein

Nach der wirklich kurzen Short Story ist die dritte Episode „Weihnachten im Sommer“ mit 25 Minuten direkt mehr als viermal so lang. Oberschüler Hara Keisuke versucht eine verflossene Liebschaft zu verarbeiten, fährt mit seinem Motorrad fort und wird kurz darauf in einen Unfall mit einem Mann namens Gray verstrickt, der dann auch noch im ganzen Chaos aus Versehen Keisukes Telefonkarte schnappt und dem Oberschüler ein alkoholisches Getränk in die Hand drückt. Keisuke denkt natürlich nur an seine Ex-Freundin und will diese an der nächsten Telefonzelle anrufen, bemerkt dabei jedoch nicht, dass er gar nicht mehr über seine Telefonkarte verfügt, sondern nur über Grays Karte, die einen Satelliten aktivieren kann, um die Erde zu zerstören. Das ist natürlich alles großer Humbug, passt aber hervorragend in den Rahmen einer Short Story. Weiter geht es mit Abstrusitäten in „Detektiv Georges großer Mini-mini-Coup“, denn in dieser Episode landet die junge Frau Ashikawa Asami auf der Flucht vor bösen Männern in schwarzen Anzügen in der Privatdetektei von Kirishima George, der aber gerade einmal 15 Zentimeter groß ist. Seine Körpergröße sorgt für äußerst ulkige Situationen, denn wenn der Privatdetektiv – warum auch immer – über ein Auto in normaler Größe verfügt, es aber nicht fahren kann, oder an einer handelsüblichen Zigarette zieht, bleibt einfach kein Auge trocken.

Verzahnte Erzähltechnik

Anhand der vierten Episode im Bunde ist auch sehr gut die Bedeutung zwischenmenschlicher Beziehungen für Aoyamas Geschichten zu erkennen. Bei der fünften Kurzgeschichte handelt es sich wieder um ein Intermezzo, da es mit circa neun Minuten erneut sehr kurz ausfällt. In „Die zehn Wandelsterne, die in den Nachthimmel fliegen“ steht Kudō Yukiko im Mittelpunkt der Erzählung, die ähnlich wie ihr Ehemann in der zweiten Kurzgeschichte ein Rätsel lösen muss. Interessant ist, dass auch ihr Sohn Shin’ichi mit von der Partie ist, der schon als Baby Lust darauf verspürt, Fälle zu lösen. In der sechsten und somit vorletzten Episode des Pakets geht es um die Oberschülerin Tsurugi Michiko und ihren Großvater Sanjūrō. Michiko möchte nicht, dass Sanjūrō in ihrer Schule auftaucht. Dieser bietet ihr an, ihn in einem Schwertkampf zu besiegen, dann würde er ihrer Schule fernbleiben. Da er wesentlich mehr Erfahrung hat, überlistet sie ihn im Schwertkampf. Enttäuscht bleibt er zurück und wünscht sich, wieder jung zu sein. Ob ihm dieser Wunsch in Erfüllung geht, welche Erfahrungen Sanjūrō macht und in welcher Weise die Geschichte mit der von Detektiv George verbunden ist, wird peu á peu erklärt. Zu guter Letzt wartet noch die Short Story „Detektiv Conan Making-of: Das mysteriöse Mordkomplott“. Der Titel hält mit einem Augenzwinkern und Humor was er verspricht.

Zeitgeist der 1990er-Jahre

Unter optischen Gesichtspunkten geben alle Kurzgeschichten den Geist der 1990er-Jahre wieder. Trotz der Auflösung in 1080p wird das Geschehen im 4:3-Bildformat dargestellt, was aufgrund der gestochen scharfen Hintergründe und Charakterzeichnungen altersbedingt aber nicht zu sehr ins Gewicht fällt. Der typische Zeichenstil von Aoyama Gōshō, der insbesondere an den markanten Augen der Charaktere zu erkennen ist, macht auch in den Kurzgeschichten eine gute Figur. Hinzu kommen Spezialeffekte wie Spiegelungen, Regentropfen, aufblinkende Lichter und dergleichen, die den Charme untermauern. Auch an populärkulturellen Referenzen wie die Batman- oder James-Bond-Filme wurde nicht gespart. Akustisch werden alle Szenen mit der passenden Musik im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 unterlegt. Beispielsweise sind ruhige Momente mit entspannten Klängen ausgestattet, während Verfolgungsjagden mit einem hitzigen und adrenalingeladenen Soundtrack aufwarten. Bei den Synchronsprechern wurden sowohl die deutschen als auch die japanischen Stimmen für die Figuren hervorragend ausgewählt, sodass der Zuschauer nicht aus der Atmosphäre gerissen wird. Leider gibt es weder digitale und laut Herstellerangaben auch keine physischen Boni. Das ist sehr, sehr schade, denn vor allem ein Interview mit Aoyama Gōshō hätte das Paket mit seinen äußerst unterhaltsamen Geschichten super abgerundet.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Aoyama Gōshōs Zeichenstil ist vor allem durch die zahlreichen Detektiv-Conan-Episoden weltbekannt, doch zeigt der Künstler in den Kurzgeschichten, dass dieser Stil wie eine Schablone auch auf andere Szenarien passt. An allen Ecken und Enden ist in Gōshō Aoyama’s Collection of Short Stories zu erkennen, dass er nicht ganz auf die Figur Detektiv Conan verzichten will, setzt diesen aber überaus sparsam ein. Stattdessen stehen andere Charaktere im Mittelpunkt der Geschichte. Angesiedelt in den späten 1990er-Jahren müssen sich Oberschüler, Privatdetektive, Wissenschaftler, Großväter und Töchter von Bandenchefs ihre Probleme untereinander und miteinander lösen. Dieser Ansatz ist erstaunlich frisch, weshalb es wünschenswert wäre, wenn Aoyama nach hunderten Fällen seine Figur Detektiv Conan in Rente schicken würde und sich stattdessen auf neue Charaktere konzentrieren könnte. Aoyamas Kurzgeschichten zeigen wunderbar, mit welcher Hingabe er sich auf andere Figuren einlässt – und das müssen selbst beinharte Fans von Aoyama und seiner Detektiv-Conan-Reihe anerkennen, die um Gōshō Aoyama’s Collection of Short Stories keinesfalls herumkommen!

Vielen Dank an Kaźe Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Gōshō Aoyama’s Collection of Short Stories!

Mit der neunzehnten Serienbox können sich die Strohhüte wieder auf den Weg machen und in der neuen Welt einen ebenso frischen Handlungsstrang erleben. Hinzu kommt ein kurzes Intermezzo, das ulkigerweise auch als Vorspiel für den elften Kinofilm des Franchises dient.

Kaum haben die Strohhut-Piraten rund um Monkey D. Ruffy die Fischmenscheninsel verlassen, landen sie nach dem Auftauchen aus der Tiefsee auf der anderen Seite der Redline. Die Freude über die Ankunft in der neuen Welt währt aber nicht lange, denn gerade als die Piraten endlich wieder Meeresluft schnuppern können, müssen sie feststellen, dass sie ausgerechnet auf dem als Maubeugemour-Meer bezeichneten Abschnitt der Grandline gelandet sind. Hier wird die tobende See mit Gewitterstürmen begleitet und auch geisterhafte Erscheinungen sind an der Tagesordnung. Dies führt nach einer Weile gar soweit, dass zum Leidwesen von Ruffy und Co auf einmal Sanjis Essen in der Kantine verschwindet. Schuld daran ist ein blinder Passagier im Miniaturformat, der sich notgedrungen aufs Schiff geschlichen hat. Gemeint ist damit Lily Enstomach, eine kleine Riesin. Da ihr Vater, der Riese Panz Fry, nach Impel Down gebracht werden soll, hat sie sich in einer kleinen Flasche auf dem Meer versteckt, um das Gefängnisschiff abzufangen. Kurz darauf erscheint am Horizont auch schon die Marine – und aus dem Meer taucht auf einmal mit seinem Unterseeboot Shūzo auf. Dieser gehört der so genannten Neo-Marine an und bringt Piraten lieber um, anstatt sie mühselig nach Impel Down zu schleppen. Hier entbrennt ein Kampf, der sinnbildlich für die Zukunft von One Piece steht.

Figurenkuriosum

Ruffy, Lorenor Zorro, Nami, Lysop, Sanji, Chopper, Nico Robin, Frankie und Brook müssen in der neuen Welt erfahren, dass ihre Gegner von einem ganz anderen Kaliber sind. Hier wird wahrhaftig mit anderen Bandagen gekämpft und das zeigt sich alleine schon im Kampf gegen einen kleinen Nebencharakter wie Shūzo. Die Episoden 575 bis 578 stehen aber eigentlich für sich allein, denn sie sind lediglich ein Intermezzo – und außerdem der Prolog für den elften Kinofilm One Piece Z. Wer die Serie mitsamt seiner Kino-Auftritte in chronologischer Reihenfolge erleben will, kann den elften Film also nach Folge 578 in sein Abspielgerät einlegen. In den darauffolgenden Episoden beginnt der eigentliche Handlungsstrang der neunzehnten Serienbox. Die Strohhüte folgen einem mysteriösen Hilferuf auf die Insel Punk Hazard. Dort angekommen entdecken sie eine Insel, die zur Hälfte lichterloh brennt und zur Hälfte ins ewige Eis getränkt ist. Hinzu kommen merkwürdige Bewohner wie Zentauren, Drachen und auch der in Beine, Torso und Kopf dreigeteilte Samurai Kin’emon scheint auf der Suche nach seinem Sohn Momonosuke unfreiwillig auf der Insel gestrandet zu sein. Mit Kindern müssen sich Ruffy und Konsorten auch herumärgern, denn diese werden von einem ominösen Meister in einem Forschungslabor gefangen gehalten. Logisch, dass sie die Rettungsaktion einleiten.

Weniger Kämpfe, mehr Geheimnisse

Üblicherweise kann der weitere Fortschritt nur mit ausufernden Kämpfen erkauft werden. Da der Handlungsstrang auf Punk Hazard in der neunzehnten Serienbox nicht gänzlich abgeschlossen ist, sollte es für jeden nachvollziehbar sein, dass das Gewicht mehr auf geschlossene Verträge, Intrigen und das Aufdecken von Geheimnissen liegt und Gewalt zumindest noch nicht ganz so übertrieben dargestellt wird. Thematisch beschäftigen sich die Folgen aber nicht nur mit Kindesentführung und Freiheitsberaubung, sondern üben auch Kritik am Einsatz von Giftgas und Massenvernichtungswaffen – und setzen das Ganze in den Kontext der Anime-Serie. Visuell glänzt diese mit dem bekannten Zeichenstil, hebt sich am Beispiel des neuen Gegenspielers, dessen Kittel inklusive eines markanten Soundeffekts durchweg in der Luft wedelt. Unbedingt darauf hinzuweisen ist, dass die 590. Episode in der Serienbox fehlt. Hierbei handelt es sich um ein Crossover mit Dragon Ball Z und Toriko, das für die eigentliche Story aber nicht relevant ist. Publisher Kazé Anime weist auf diesen Umstand auf der Verpackung allerdings erneut (!) nicht hin. Zudem fehlt bei der 596. Folge das Intro. Nicht vergessen wurde allerdings das obligatorische und nette Booklet mit Episodenguide, Charakterinformationen, Beschreibungen der Handlungsorte und Erläuterungen der drei Haki-Formen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 575 bis 601 der Serie): In der neunzehnten Serienbox sind die Strohhüte endlich in der neuen Welt angelangt. Was im ersten Moment nach nur einem kleinen Schritt für sie klingt, entpuppt sich schnell als großer Sprung. Die neuen Gegner von Monkey D. Ruffy und seinen Mitstreitern sind gefährlicher, durchtriebener und im Vergleich zum Feindesensemble auf der anderen Seite der Redline zu allem Übel auch noch wesentlich stärker. Obwohl die Kämpfe in den vorliegenden Episoden noch nicht ganz so übertrieben wie üblich ausfallen, zeigen die Auseinandersetzungen sehr gut, wohin die Reise noch gehen kann. Nachdem in den letzten Serienboxen vor allem Probleme wie Rassismus, Diskriminierung oder Drogenmissbrauch verarbeitet wurden, stehen jetzt Verbrechen wie Kindesentführung oder scharfe Kritik am Einsatz von Giftgas und Massenvernichtungswaffen im Mittelpunkt der Erzählung. Damit bleibt die Anime-Serie ihrer erwachsenen Erzählweise treu und es bleibt spannend, wie derlei Themen in Zukunft behandelt werden.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece: Box 19 (Episoden 575-601)!

Mit der im April 2019 veröffentlichten zweiten Volume von Tōkyō Ghoul:re wurde die Serie mit einer genialen Story-Wendung nach anfänglichen Schwierigkeiten stark aufgewertet. Im Mai 2019 brachte Kazé Anime die dritte Volume auf den Markt, die das Ergebnis aufarbeitet.

Wenn eine Serie nur schwer in die Gänge kommt, dann ist das meistens kein gutes Omen für den restlichen Verlauf der Erzählung. Tōkyō Ghoul:re überrascht jedoch mit einer durchaus intelligenten Story-Wendung und verknüpft damit nicht nur den neuen Handlungsstrang mit der Geschichte der ersten beiden Staffeln, sondern wirft auch ganz neue Fragen auf, die sich mit den Erinnerungen und Gedanken verschiedener Charaktere auseinandersetzen und jetzt nach und nach beantwortet werden müssen. Im groß angelegten Kampf im Auktionshaus, bei dem die innerhalb der Tōkyōer Bevölkerung lebenden Ghule Menschen versteigert haben, ist durchgesickert, dass es sich beim polizeilichen Ermittler Sasaki Haise um niemand anderes als Kaneki Ken handelt. Hierbei handelt es sich mehr oder weniger um den Protagonisten der ersten beiden Staffeln, der mit Selbstzweifeln sein Dasein als Ghul akzeptieren musste – und innerhalb des zweijährigen Zeitsprungs nach Tōkyō Ghoul: √A zu den Tauben wechselte. Als Quink, so der Name der Spezialeinheit, macht er seitdem Jagd auf andere Ghule wie den am Ende der zweiten Volume besiegten „Nussknacker“ genannten Feinds. Nach den Ereignissen, die sich regelrecht überschlagen haben, wird den Charakteren in der siebten Episode etwas Zeit gelassen, um durchzuatmen – und werden zusätzlich in den Rang von Fahndern erhoben.

Verbindungen in die Vergangenheit

Nichtsdestotrotz steht in der siebten Episode die Vergangenheitsbewältigung von Haise, der seine bisher unbekannten Erinnerungen ordnen muss, im Mittelpunkt der Erzählweise. In der achten Folge wird schließlich der nächste Handlungsstrang, in den die Geschichte nahtlos übergeht, aufgerollt. Diesmal steht eine Gruppierung namens „Rose“ im Visier der Ermittlung. Zu dieser gehört auch Tsukiyama Shū, den nicht nur der Zuschauer aus der ersten Season kennt, sondern auch Haise respektive Ken noch ein Begriff sein sollte. Durch eine Fotografie wird Shū, der sich selbst auch immer noch als Gourmet bezeichnet, auf Ken aufmerksam. Auf offener Straße treffen die beiden sogar kurzzeitig aufeinander. Wie die Begegnung ausfällt, sollte der Zuschauer aber lieber selbst herausfinden. Es bleibt in der dritten und somit auch vorletzten Volume dieser Staffel meistens jedoch recht vage und ähnlich wie in der ersten Ausgabe verlieren sich viele Handlungsstränge im Wirrwarr der Erzählung, weshalb es im Gegensatz zur stringenten und durchaus konsequenten Story ein wenig länger dauert, bis die Zusammenhänge voll und ganz deutlich werden. Das ist aber nicht weiter schlimm, denn vor allem die Beziehungen zu jenen Charakteren, die seit einer oder gar zwei Staffeln nicht mehr aufgetreten sind, brauchen diese Zeit, um ins Gesamtwerk wieder einfließen zu können.

Unveränderte Technik

Unter technischen Gesichtspunkten ist es wenig überraschend, dass sich auch die Episoden dieser Volume wieder einmal stark an allen vorherigen Folgen orientieren. So kommen beim bildschirmfüllenden 16:9-Format erneut sehr schöne Licht- und Schatteneffekte zum Einsatz, die die hübschen Hintergründe ordentlich aufwerten. Akustisch bleibt auch alles beim Alten, vor allem der Einsatz von Klavierklängen in ruhigen Situationen ist ein Markenzeichen dieser Anime-Serie. Auch der bedachte Einsatz von Streichinstrumenten, die im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 erklingen, ist in Tōkyō Ghoul:re keine Seltenheit. Für die einzelnen Stimmen haben sich die Köpfe hinter dem Projekt sowohl beim japanischen Originalton als auch bei der deutschen Synchronisation wieder bei den alten Sprechern bedient, die hervorragend zu den zugewiesenen Rollen passen. Es sei jedoch gesagt, dass die japanischen Sprecher den Charakteren ein wenig mehr Leben einhauchen, als es im Deutschen bei diversen Emotionen möglich wäre. Digitales Bonusmaterial gibt es in der dritten Volume wie schon bei der zweiten Ausgabe nicht. Laut Herstellerangaben gibt es auch keine physischen Materialien, die dem Paket beigelegt werden. Das ist äußerst schade, denn die dritte Volume wirft mit neuen Handlungssträngen weitere Fragen auf, die hierin besonders gut erläutert werden könnten.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Obwohl die erste Ausgabe von Tōkyō Ghoul:re die Story vor allem für neue Zuschauer nur sehr schwerlich präsentieren konnte, ist der Anime-Serie mit der zweiten Volume und der damit verbundenen Handlungswendung das Kunststück gelungen, die Geschichte deutlich spannender zu machen. Das daraus resultierende Ergebnis behandelt die dritte Volume einigermaßen gut. Sasaki Haise erfährt in regelmäßigen Abständen mehr über seine angebliche Vergangenheit als Kaneki Ken – und das ist auch für den Zuschauer das Interessanteste, was es in der dritten Volume zu bestaunen gilt. Das liegt vor allem daran, dass wieder einige Handlungsstränge parallel ablaufen und Zusammenhänge erst erschlossen werden müssen, was besonders wieder für alle, die die vorherigen Staffeln nicht gesehen haben, unnötig erschwert wird. Trotzdem ist das von Animationsstudio Pierrot genau so beabsichtigt. Es bleibt also weiterhin spannend, wie die Geschichte von Tōkyō Ghoul:re in der nächsten Volume zu einem vorläufigen Abschluss gebracht wird.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Tōkyō Ghoul:re (Vol. 3)!

Im März 2019 legte der Publisher Kazé Anime mit der Veröffentlichung der ersten Volume von Tōkyō Ghoul:re den Grundstein für die dritte Staffel des beliebten Franchises, woraufhin dann im April 2019 das zweite Episodenpaket folgte, das der ersten Ausgabe in Nichts nachsteht.

Exakt wie in der ersten Volume von Tōkyō Ghoul:re befinden sich im zweiten Episodenpaket abermals drei Folgen, die sich um eine von Ghulen und Menschen bevölkerte Welt drehen. Im Herzen von Tōkyō verstecken sich Ghule innerhalb der Bevölkerung, die sich wiederum von den Menschen, die sie einst waren, ernähren. Während Serienkenner wohl keine Probleme beim Einstieg in die dritte Season gehabt haben dürften, fühlte sich die Exposition vor allem für Neulinge etwas zu gerafft und unaufgeräumt an. Wer die erste Volume jedoch hinter sich gebracht hat, wird mit der diesmal sich wesentlich stringenter anfühlenden Handlung deutlich eher anfreunden können. Die vierte und damit zugleich erste Folge der zweiten Ausgabe beginnt äußerst makaber: Ein seltsamer Jongleur spielt vor reichlich Publikum auf einer Bühne mit Menschenaugen und leitet die Show ein. Damit ist eine Auktion gemeint, in der von den Ghulen gefangene Menschen, die im besten Falle gar einen prominenten Status haben, versteigert werden. Bei ihren Ermittlungen auf der Suche nach dem „Nussknacker“, einem durchtriebenen Ghul, wurde auch Mutsuki Tōru von den Ghulen gefangen genommen. Da sie als Halb-Ghula besonders interessant für die Bietenden ist, wird ihr Preis in absurde Höhen getrieben. Was die Auktionatorin noch nicht weiß: Die Polizei ist ihr dicht auf den Fersen.

Vergangenheitsbewältigung eines Ghuls

Obwohl in der vierten Episode der Eindruck erweckt wird, dass auch wieder etwas stärker auf die Ghule eingegangen wird, stehen die Einsatzkräfte weiterhin im Mittelpunkt der Erzählung. Das ist schon in der fünften Folge zu erkennen, denn in dieser tritt die Spezialeinheit Quinks auf den Plan, um gegen den Nussknacker und sein Gefolge anzutreten. So kommunizieren die Quinks vor Ort untereinander, bekommen ihre Instruktionen jedoch auch aus der Zentrale, womit der Polizei-Apparat automatisch in die Handlungsstruktur eingewebt ist. Sasaki Haise nimmt in dem blutigen Gemetzel vor Ort eine tragende Rolle ein, denn er muss sich innerlich den Dämonen seiner Vergangenheit stellen und zugleich für seine gesetzestreuen Freunde antreten. Insbesondere in der sechsten Folge wird dieser Zwiespalt in der Gedankenwelt von Haise auf die Spitze getrieben. Hier darf gespannt auf die nächsten Volumes geblickt werden, in denen dieses Element weiterhin aufgegriffen wird. Visuell verfolgen übrigens alle Episoden der zweiten Volume das gleiche Konzept wie die vorherigen Folgen. Wie zuvor wirken also auch diesmal sämtliche Hintergründe im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p realitätsnah. Licht- und Schatteneffekte sorgen dafür, dass der Zuschauer im düsteren Setting des Auktionshauses regelrecht mit optischer Abwechslung attackiert wird.

Bekanntes Konstrukt

Auch die Auseinandersetzungen zwischen den Tauben und den Ghulen sind ebenfalls wieder spannend, werden aber nicht annähernd so dynamisch wie noch im Serienauftakt dargestellt. Stattdessen wird hin und wieder mit Verschleierungstechniken gespielt, sodass gelegentlich nur die Konsequenz, nicht aber die Aktion selbst zu sehen ist. Akustisch bleibt die Serie dem Serienauftakt jedoch treu, denn im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 werden alle Szenen mit der passenden Musik unterlegt. Bedrohliche Szenen werden beispielsweise mit sanften Klavierklängen unterlegt, während in den Kämpfen härtere Töne angeschlagen werden. Bei den Stimmen der Figuren wurden sowohl in der deutschen Synchronisation als auch in der japanischen Originalfassung gute Sprecher ausgewählt. Wie bei der ersten Volume ist das Japanische dennoch ein wenig authentischer. Digitales Bonusmaterial gibt es diesmal leider nicht, dafür aber ein kurzes und kompaktes Booklet mit Episodenguide, Charaktervorstellung und kurzen Kommentaren. Hier wäre beispielsweise mit etwas längeren Interviews oder Analysen der Schauplätze zwar wesentlich mehr möglich gewesen, doch unterm Strich fühlt sich die Serie in der zweiten Volume definitiv bodenständiger an als zuvor. Animationsstudio Pierrot darf sich an diesem Umstand gerne für die nächsten Folgen und Projekte orientieren.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Mit dem ersten Episodenpaket von Tōkyō Ghoul:re konnte Animationsstudio Pierrot zwar in die neue Story einführen, blieb dabei jedoch recht sprunghaft. Es konnte sich noch nicht wirklich ein Handlungsstrang entwickeln, was die Einschätzung der Serie durchaus erschwert hat. Bei der zweiten Volume, die sich komplett um eine Auktion und Menschenversteigerungen dreht, fühlt sich die Geschichte schon sehr viel bodenständiger an. Sie wird auf einmal stringenter erzählt und beleuchtet im passenden Maße und genau zur richtigen Zeit die Charakterzüge der Figuren. Insbesondere die Vergangenheit von Sasaki Haise ist ein elementarer Bestandteil der Erzählung, die besonders für Serienkenner eine Genugtuung ist. So lässt sich sagen, dass auf eine schwache Exposition eine wirklich starke Fortsetzung folgt, auf die die nächsten Episoden aufbauen können. Das Potenzial der Anime-Serie wurde damit aufgedeckt, jetzt muss Animationsstudio Pierrot die Karten nur noch geschickt ausspielen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Tōkyō Ghoul:re (Vol. 2)!

Nachdem die Anime-Serie Mirai Nikki im Februar 2019 mit der fünften Volume abgeschlossen wurde, veröffentlichte Kazé Anime im März 2019 die zwei Original Video Animations auf einer Disc. Wie sich herausstellt, ist die erste Original Video Animation dabei, genauer gesagt Mirai Nikki: Redial, für das Verständnis der Serie sehr wichtig.

Mirai Nikki: Redial, so der Titel der ersten Original Video Animation, knüpft an das Ende der Serie an. Nachdem Gasai Yuno in eine Paralleldimension geflohen ist und Amano Yukiteru die Verfolgung aufgenommen hat, endete die Handlung überraschenderweise nicht mit dem Liebesselbstmord zwischen den beiden, sondern mit dem Freitod von Yuno. Dadurch erlangte Yukiteru den Status eines Gottes und ersetzte damit Deus ex machina. Auf der Erde nimmt hingegen alles seinen gewohnten Lauf, sodass Yuno und ihren Freunden auch Zeit für schöne Momente wie einen Strandurlaub bleibt. Dementsprechend fehlt es der Serie ein wenig an Dynamik, denn während zuvor noch stringent auf ein Ziel hingearbeitet werden konnte, muss sich die Original Video Animation nun mit der Lösung des Finales auseinandersetzen, was keine leichte Aufgabe ist. Im Mittelpunkt von Mirai Nikki: Redial steht Yunos Doppelgängerin aus der Parallelwelt, die auf der einen Seite zwar sorgenfrei leben kann, auf der anderen Seite aber durchweg in Gedanken versinkt. Andauernd hat sie das Gefühl, dass sie etwas oder jemanden vergessen hat. Hinzu kommt, dass sie damit beginnt, Selbstgespräche zu führen und in die Akasha-Chronik eindringt, ohne einen besonderen Grund dafür zu kennen. Das ist nicht nur für Yuno ganz schön verwirrend, sondern auch noch für den Zuschauer.

Dreißigminütige Abschlussfolge

Da in der Paralleldimension der Status quo vorherrscht, gibt es in Mirai Nikki: Redial auch ein Wiedersehen mit Charakteren, die in der Serienhandlung im Zuge des Spiels auf Leben und Tod bereits das Zeitliche segnen mussten. Unter anderem stellt sich in der Akasha-Chronik Aru Akise der Protagonistin in den Weg und auch das Abbild von Deus ex machina ist wieder einmal mit von der Partie. Yukiteru kommt im Gegensatz zu Yuno nur am Rande vor, verweilt er doch seit zehntausend Jahren in seiner göttlichen Sphäre und vermisst seine Freundin von ganzem Herzen. Ob es für die beiden ein Happy End gibt, soll an dieser Stelle offengelassen werden. Dennoch wird der Zuschauer das Gefühl nicht los, dass das Ende eigentlich Teil der Serie hätte sein müssen, denn der Abschluss ist wesentlich befriedigender als zuvor, wenn auch bei Weitem nicht so, wie es vielleicht erwartet werden würde. Während Mirai Nikki: Redial mit einer Laufzeit von dreißig Minuten ähnlich lang wie eine Episode der Serie ist, fällt die zweite Original Video Animation mit zehn Minuten wesentlich kürzer aus. Inhaltlich dreht sich diese um den Serienauftakt in stark verkürzter Form, ist damit nahezu überflüssig und sollte eher als netter Bonus neben den ebenfalls digital vorhandene Skizzen-Galerie gesehen werden. Wer die Serie noch einmal sehen möchte, sollte lieber mit der ersten Volume beginnen.

Technisches Gerüst mit Sommer-Feeling

Unter technischen Gesichtspunkten können die beiden Original Video Animations im Grunde mit denselben Merkmalen wie die Anime-Serie aufwarten. So sind die Charakterzeichnungen zwar stimmig, aber nicht immer ausgiebig animiert. Dennoch passen sie hervorragend zum eigentlich düsteren Setting, das diesmal aber mit sehr viel Humor aufgelockert wird. Das passt auch zum knallbunten Sommer-Feeling während des Strandurlaubs. Schade ist jedoch, dass die erwachsene Erzählweise auf diese Weise ein wenig torpediert wird. Auch das Ende, das nun den wahren Abschluss der Geschichte darstellt, hätte noch ein paar Minuten mehr brauchen können. Es kommt viel zu plötzlich und scheint eine Notlösung zu sein, um das strittige Finale der fünften und letzten Volume der Anime-Serie zu relativieren. Trotzdem wirkt das Gezeigte im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p stets stimmig. Auch die musikalische Untermalung im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 passt wieder einmal sehr gut zu den einzelnen Szenen, wenn verständlicherweise auch nicht mit der Dynamik der Serie gearbeitet werden kann. Sowohl die deutsche als auch die japanische Tonspur wartet mit tollen und aus der Serie bekannten Sprechern auf. Unterm Strich bleibt eine Original Video Animation, um die Fans für ein besseres Ende trotz Mankos nicht herum kommen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Obwohl Mirai Nikki zwei Dutzend Episoden lang eine verdammt gute und tiefgründige Geschichte erzählt, verfällt die Anime-Serie beim großen Finale komischerweise in theoretische Ansätze und baut Paralleldimensionen ein. Das wäre im Grunde der Auftakt für eine ganze zweite Staffel gewesen, doch entschlossen sich die Verantwortlichen lieber dazu, die Serie enden zu lassen. Das eher unbefriedigende Ende der Serie wird durch die Original Video Animation Mirai Nikki: Redial aber nur halbwegs relativiert. Schlussendlich bleibt das Gefühl, dass das genauso in einer weiteren Episode der Serie hätte gelöst werden können – und auch dann hätten die Köpfe hinter dem Projekt noch ein paar Minuten dranhängen müssen. Obwohl das Ende durchaus diskussionswürdig ist, ist Mirai Nikki dennoch eine der interessantesten Anime-Serien der 2010er-Jahre. Auch mit dem verbesserungswürdigen Abschluss gehören die Original Video Animations in die Sammlung eines jeden Fans der Serie.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Mirai Nikki: Redial!