Ende 2022 lief die Anime-Serie Shinobi no Ittoki im japanischen Fernsehen. Da die Serie auf keinem Manga basiert, kann sie binnen zwölf Episoden zufriedenstellend abgeschlossen werden. Dabei ist sie zunächst recht humorvoll, schlägt aber zunehmend sehr ernste Töne an.

Mit Ninja und Piraten wurden spätestens in den 1990er-Jahren mit umfassenden Werken wie Naruto und One Piece neue Szenarien entworfen, die bei Anime- und Manga-Fans offensichtlich sehr gut ankommen. Shinobi no Ittoki von Animationsstudio Troyca versucht auf dieser immer noch währenden Erfolgswelle mitzuschwimmen, macht dabei aber keine Anstalten, eine epische Geschichte zu erzählen, die auch noch in Jahrzehnten nicht abgeschlossen ist. Stattdessen sollte die Anime-Serie eher als kleines Schmankerl verstehen werden, welches das Setting in die Moderne hievt, sich auf wenige Figuren konzentriert und eine abgeschlossene wie zufriedenstellende Story vermittelt. Im Fokus der Handlung steht der als durchschnittlich zu bezeichnende Oberschüler Sakuraba Ittoki, dessen Leben am Ende der ersten Episode regelrecht auf den Kopf gestellt wird. Als ein hübsches Mädchen ihn zu einem Date einlädt, das bei ihr zuhause stattfindet, wo sie Ittoki gleich vernaschen will, muss er den Tod ins Auge blicken. In letzter Sekunde kann er gerettet werden. Von seinem Onkel Kaga Tokisada wird der perplexe Ittoki zu seiner Mutter Yumika gebracht. Diese instruiert ihn, dass er der künftige Erbe des Ninja-Klans der Iga ist – und er verstehen muss, dass ihm deshalb Feinde nach dem Leben trachten. Nach erstem Zögern nimmt Ittoki sein Schicksal schlussendlich an.

Leben eines Nachwuchsninja

In der ersten Serienhälfte erhält der Zuschauer einen Einblick in die Schulausbildung von Ittoki, denn seine bisherige Schule darf er nicht mehr besuchen. Stattdessen muss er seine schulische Laufbahn an der einzigen staatlich organisierten Ninja-Oberschule Japans fortführen. Ja, das ist so bescheuert, wie es klingt – und auch Shinobi no Ittoki macht keinen Hehl daraus. Neben der Theorie muss Ittoki zusammen mit seinen neuen Freundinnen Kisegawa Kirei und Suzunone Ryōko sowie seiner Adoptivschwester Minobe Kōsetsu auch die Praxis lernen. Direkt bei der ersten Trainingsstunde werden die Nachwuchsninja in Ganzkörperanzüge gezwängt, die sie vor jeglichen Gefahren schützen, solange der Kern der Kleidung aktiv bleibt. Schön und gut, doch Ittoki scheint ernsthafte Probleme zu haben, im neuen Alltag aufzuleben. Nichtsdestotrotz sei gesagt, dass er im Verlauf der zwölf Episoden umfassenden Anime-Serie über sich hinauswächst und anstehende Probleme auf seine eigene Art und Weise meistert. In Shinobi no Ittoki wird aber nicht nur das Thema Freundschaft im Rahmen des Coming-of-Age-Konzepts thematisiert. Auch Rivalität, Betrug, Verrat und Loyalität nehmen einen sehr hohen Stellenwert ein. Dies liegt auch am Storytwist, der die Serie in zwei Hälften teilt. Hier verliert Ittoki eine wertvolle Bezugsperson, wodurch der Humor in den Hintergrund tritt.

In Dörfern organisierte Klans

Zwar klingt das Szenario nicht sonderlich spannend, da derlei Schulen, Gilden oder ähnliches vorher schon sehr oft in Anime behandelt wurden, doch gerade durch das Verschieben des Endziels gelingt der Serie ein Spagat, an dem viele andere Werke scheitern. Mit der Zeit erfährt der Zuschauer immer mehr über die Welt, in der Shinobi no Ittoki spielt. Unter anderem lässt sich aus den Dialogen entnehmen, dass Ninja im Verborgenen leben. Sie sind in sogenannten Dörfern organisiert, wobei das Dorf wie im Falle von Iga nicht unbedingt ein Dorf im herkömmlichen Sinne sein Muss. Die feindlichen Kōga leben offenbar in einem Büroturm und zeigen sich nach außen als Konzernangestellte. Bei den Saiga handelt es sich wiederum um Fabrikanten, die die Ninja sämtlicher Klans mit neuen Technologien unterstützt. Damit sich die Ninja sich nicht gegenseitig abschlachten, stehen sie unter dem Schutz der polizeilich wirkenden Ninja-Sicherheit. Dennoch dürfte auch hier, wie in der Ninja-Oberschule, die Devise lauten, dass Regelverstöße in Ordnung sind, solange der Täter dabei nicht erwischt wird. Allen voran der Tod des Kōga-Oberhaupts entwickelt sich so zum Streitpunkt mit den Iga. Trotz der auf zwölf kurze Folgen beschränkten Erzählmöglichkeit gelingt es Troyca, ein wirklich nachvollziehbares Bild der Welt von Shinobi no Ittoki zu zeichnen. Hut ab!

Nahezu einwandfreies Gesamtbild

Apropos Bild: Die klugen Köpfe bei Troyca, die qualitativ hochwertige Anime-Serien wie die großartige Science-Fiction-Mecha-Action Aldnoah.Zero zu verantworten haben, spielen auch bei Shinobi no Ittoki ihre Trümpfe aus. So setzt das Team um Regisseur Watanabe Shū auf hochwertige wie schön gezeichnete Hintergründe, die mit tollen Licht- und Spezialeffekten aufgewertet werden. Hinzu kommen flüssige Animationen, die gerade in den Kämpfen überzeugen. Lediglich die Gestik und die Mimik der Charaktere sind ausbaufähig, da sie manchmal zu steif wirken, was aber je nachdem ganz gut zur durchdachten Haltung der Ninja passt. Beim Soundtrack sind Klänge vom Komponistenduo Tomisiro zu hören, welche die überaus dichte Atmosphäre bereichern. Das Vorspannlied Hikari von der Musikgruppe Humbreaders ist zudem eines der besten Stücke, die in den letzten Jahren in Anime auftreten. In der zweiten Serienhälfte wird auf das Opening jedoch weitgehend verzichtet, um den düsteren Ton zu unterlegen, der angeschlagen wird. Beim Abspannlied ist wiederum Oboetate von Hockrockb zu hören, was als angenehmer Rausschmeißer identifiziert werden kann. Wie beim Intro wird gelegentlich auch auf diesen Song verzichtet, um stattdessen während der laufenden Credits mehr Screentime für das Geschehen zu haben. Shinobi no Ittoki ist bis zuletzt durchdacht!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Stream bei Crunchyroll): In meinen Augen ist Shinobi no Ittoki ein inszenatorisch mitreißendes Ninja-Drama, das anfangs etwas zu seicht wirkt, in der zweiten Hälfte aber ernste Töne anschlägt. Ein ungewöhnlicher Spagat, der im Gesamtpaket aber bestens funktioniert. So können sich die Hauptcharaktere allesamt wunderbar entfalten. Sie werden vielschichtig dargestellt. So zweifeln die Figuren früher oder später im Handlungsverlauf an sich selbst, schaffen es aber immer wieder, ihren Weg zu gehen und ihre Ziele zu erreichen. Obwohl die insgesamt zwölf Episoden nur an der Oberfläche der Figuren kratzen können, funktioniert das Zusammenspiel der Akteure hervorragend. Das liegt auch daran, dass sich Story-Momente und Action-Sequenzen die Waage halten und in genau der richtigen Dosierung vorliegen. Die Musik passt ebenso zum Geschehen und bietet sogar ein paar Stücke, die fernab vom hervorragenden Intro im Gedächtnis bleiben. Shinobi no Ittoki ist eine der wenigen Anime-Serien, die nach zwölf Episoden abgeschlossen zu sein scheint. Eine weitere Staffel würde ich mit Kusshand begrüßen, doch auch so macht das Spektakel einiges her. Wer Ninja in einem modernen Setting mag, kommt um die Serie nicht herum!

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Als Videospielentwickler Suzuki Yū in den 1990er-Jahren mit Shenmue ein Videospiel kreierte, ahnte er wohl nicht, dass er damit eine Geschichte entwarf, die mehr als zwei Jahrzehnte später immer noch nicht abgeschlossen ist. Daran ändert auch eine Anime-Umsetzung nichts.

Nachdem Shenmue im Jahr 1999 erschien und zwei Jahre später Shenmue II für den Sega Dreamcast folgte, mussten Fans des damals noch jungen Franchises sehr stark sein. Durch den Produktionsstopp des Dreamcasts war das Schicksal von Shenmue lange Zeit ungewiss. Es gab diverse Versuche, die Marke am Leben zu erhalten. Erst als im Jahr 2019 Shenmue III auf der PlayStation 4 und dem PC erschien, ging die Reise von Protagonist Hazuki Ryō weiter. Zumindest ein kleines Stück, denn zu einem Ende wurde die Geschichte bisher nicht geführt. Ob das jemals passieren wird, ist zum Testzeitpunkt dieser Rezension am 21. November 2023 äußerst ungewiss. Zumindest in Anime-Form wird dies so schnell nicht passieren, denn eine zweite Staffel von Shenmue – The Animation wurde nicht bestellt. Wer Shenmue und Shenmue II noch nicht gespielt hat, bekommt zumindest mit der ersten Serienhälfte eine akzeptable Gelegenheit, in das Universum der Anfänge der Videospielreihe hineinzuschnuppern. Wir möchten, vor allem Nichtkennern, jedoch definitiv dazu raten, zunächst die Videospiele zu spielen. Einerseits werdet ihr bei Gefallen so nicht gespoilert, andererseits ist vor allem die zweite Serienhälfte von Shenmue – The Animation sehr holprig erzählt. Wer also nicht die Zusammenhänge kennt, könnte sich über plötzliche Szenenwechsel ohne Erklärung wundern.

Eigenhändige Mordermittlung

Wie im Videospiel erzählt auch die Anime-Serie die Geschichte von Ryō, der zu Beginn der Handlung hautnah miterleben muss, wie sein Vater Iwao vom chinesischen Kriminellen Lándì ermordet wird. Dieser ist offenbar auf der Suche nach zwei Bronzespiegeln und kann durch den Tod seines Gegners zumindest einen der beiden erbeuten. Ryō kann den Verlust seines Vaters aber nicht einfach so akzeptieren. Er schmeißt die Schule und beginnt in seiner Heimatstadt Yokosuka in der japanischen Präfektur Kanagawa damit, Ermittlungen anzustellen. So und nicht anders lernen Ryō oder vielmehr die Zuschauer die Bewohner von Yokosuka kennen. Unter anderem trifft er auf den Antiquitätenhändler Ōishi Keizō oder den Geschäftsmann Chén Guìzhāng, die ihm wertvolle Tipps geben. Jeder neue Hinweis bringt ihn auf der Suche nach Lándì weiter. Da dieser zur chinesischen Unterwelt gehört, bringt das auch Ryō in die Bredouille. Möchtegernganoven werden auf ihn aufmerksam und versuchen ihn aufzuhalten. Ryō lernt hierbei eine wichtige Lektion: Ohne Vertrauen in seine Fähigkeiten und die Beherrschung der Kampfkunst, wird er Lándì niemals besiegen können. Ebenfalls muss er lernen, dass er nicht alleine ist. So unterstützen ihn verschiedene Freunde auf der Suche nach dem Mörder seines Vaters, wodurch Shenmue – The Animation ein diverses Bild zeichnet.

Gemeinsamkeiten und Unterschiede zum Videospiel

Hier zeigt sich in der Anime-Serie abermals die Nähe zum ursprünglich für den Sega Dreamcast produzierten Videospiel, denn jeder Charakter ist ausgebaut, auch wenn in animierter Form nicht sein ganzer Tagesablauf dargestellt werden kann. Unter anderem erhält Protagonist Ryō mentale Unterstützung von Hot-Dog-Verkäufer Tom Johnson oder seiner Jugendliebe Harasaki Nozomi. Schlagkräftige Hilfe gibt es wiederum von Raufbold Mihashi Gorō. In der zweiten Seriehälfte verschiebt sich das Geschehen von Yokosuka nach Xiānggǎng, im deutschen Sprachgebrauch wohl eher als Hongkong bekannt. Hier setzt Shenmue – The Animation auf ein ähnliches Konzept. Ryō ermittelt, lernt neue Freunde kennen, macht sich auf der Suche nach Lándì neue Feinde und entwickelt sich nicht zuletzt weiter. Dies geschieht indem er neue Kampfkünste lernt, die teilweise mythischen Charakter annehmen, auch wenn die Grenze zum Fantastischen selten bis gar nicht überschritten wird. Während Shenmue als Videospiel auf ein entschleunigtes Spielgefühl setzt, sodass wir uns Hongkong in aller Seelenruhe anschauen und Geld verdienen, sprich in der Lebenssimulation richtig aufgehen können, ist dies im Anime nicht so einfach möglich. Die Zuschauer müssen sich dem Erzähltempo von Animationsstudio Telecom Animation Film gezwungenermaßen bis zum Finale anpassen.

Holprig erzählte zweite Serienhälfte

Genau dies ist auch der große Knackpunkt, warum Shenmue – The Animation als animierte Serie nicht so gut funktioniert wie im Spiel. Sicherlich, die Story ist spannend erzählt und weicht zugunsten der Dramaturgie in verschiedenen Punkten minimal vom Geschehen ab. Gerade in der zweiten Serienhälfte kommt es aber zu oft vor, dass sich Ryōs sekundäre Ziele und die damit verbundenen Handlungsorte zu oft verschieben, sodass notgedrungen Szenen, die zwei Geschichten miteinander verbinden, fehlen. Wer die Spiele kennt, wird verdutzt vor dem Fernseher sitzen und die holprige Erzählweise womöglich noch tolerieren, doch wer die Vorlage nicht gespielt beziehungsweise erlebt hat, dürfte die Faszination für Shenmue nicht nachvollziehen können und im schlimmsten Fall nicht verstehen, wie Ryō zum Beispiel von Hongkong nach Jiǔlóng respektive Kowloon gelangt und sich mitten in dem verwirrten Aufbau der einstmals ummauerten Stadt wiederfindet. Auch weil in der zweiten Serienhälfte zu viele Bösewichte auftreten, hätten der dreizehnteiligen Serie ein paar mehr Episoden gut getan. Vor allem die letzte Folge, die den Bogen zur Eröffnungsszene spannt, wirkt wie ein übereilter Epilog, den allerhöchstens Fans der ersten Stunde respektieren und dabei nicht nur eine Träne wegdrücken dürften – schließlich endete die Reise im Jahr 2001 hier vorerst.

Anime-Serie für Fans der Vorlage

Wie erwähnt, erzählt Shenmue – The Animation die Story der ersten beiden Spiele, obwohl bei Erscheinen der Anime-Adaption im Jahr 2022 Shenmue III seit drei Jahren erhältlich war. Vielleicht haben sich die Verantwortlichen gedacht, dass ein viertes Spiel nicht allzu lange auf sich warten lässt und eine zweite Staffel dann diese beiden Titel abdecken wird. Wie wir wissen, steht das in den Sternen. Trotz der etwas zu holprigen Erzählweise, die der Serie als eigenständiges Werk teils das Genick bricht, ist der Anime vor allem für Fans einen Blick wert. Visuell verzaubert die Serie mit tollen Charakterzeichnungen, die hier und da aber zu wenig animiert sind. Dennoch können die kurzen Kämpfe mit manchen Bewegungen auf ganzer Linie überzeugen. Schade ist, dass die Anime-Serie musikalisch selten glänzt. Zwar passen die Melodien von Komponistin Shibue Kana zum Geschehen, doch die Musik von Koshiro Yūzō, Mitsuyoshi Takenobu und weiteren Musikern kommt nur in Form des Hauptthemas zum Tragen. Eine deutsche Synchronisation gibt es nicht. Dafür  kehren im Anime ein paar der japanischen Synchronsprecher zurück. Unter anderem wird Ryō erneut vom unverkennbaren Matsukaze Masaya gesprochen. Das weckt Nostalgie! Schlussendlich bleibt zu hoffen, dass Shenmue irgendwann fortgesetzt wird – sowohl als Videospiel als auch als Anime-Serie.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Stream bei Crunchyroll): Shenmue für den Sega Dreamcast hat für immer einen wichtigen Platz in meinem Herzen. Gerade den ersten Serienteil kann ich nicht hoch genug in den Himmel loben, so ein Meisterwerk ist dieses Spiel. Das wird in der ersten Serienhälfte von Shenmue – The Animation auch ansatzweise deutlich. Zwar wird hier im Grunde nur eine simple Rachegeschichte erzählt, die mit jeder weiteren Episode aber wichtige Werte wie Vertrauen oder Freundschaft vermittelt. In der zweiten Serienhälfte gerät das Konstrukt jedoch ins Wanken, da plötzlich zu viele Charaktere auftreten, schnelle Ortswechsel stattfinden und häufig die Verbindungen zwischen verschiedenen Szenen fehlen. Das alles ginge besser! Ein paar zusätzliche Episoden hätten hier Wunder bewirkt und womöglich hätten die Köpfe hinter dem Projekt dann auch die Geschehnisse des dritten Videospiels aufnehmen können. Animationstechnisch geht die Serie in Ordnung, reißt aber keine Bäume aus. Ebenso sieht es auf der musikalischen Ebene aus. Hier verlässt der Anime zu sehr den Pfad der Spiele, was aber nicht so schlimm ist, wie es sich anhört. Nichtsdestotrotz möchte ich an dieser Stelle betonen, dass ich die Anime-Serie nur jenen empfehlen möchte, die die Vorlage kennen. Zwar kann die Story weitestgehend verstanden werden, doch erst wer die Videospiele erlebt hat, wird die Faszination unter der Oberfläche der Animation verstehen.

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Während die erste Staffel von The promised Neverland in Japan 2019 ausgestrahlt wurde, war die zweite Season für das Jahr 2020 geplant. Pandemiebedingt wurde die zwölfteilige Staffel auf das darauffolgende Jahr vertagt – dem Inhalt der Anime-Serie ist das leider anzumerken.

Vermutlich gehört The promised Neverland zu einer der Serien, die bei vielen Anime-Fans unter dem Radar fliegen. Dabei gehört die erste Staffel doch zu jenen Serien, die erzähltechnisch solide und selbstbewusst gestaltet sind. Bei der zweiten Season ist davon, zumindest in der zweiten Staffelhälfte, so gut wie nichts mehr zu spüren. Dennoch greifen gerade die ersten Folgen der Fortsetzung das spannende und durchdachte Konzept des Seriendebüts wunderbar auf. Den Waisenkindern, angeführt von Don, Emma, Gilda und Ray, ist die Flucht aus dem Gracefield-Haus gelungen. Sie wollten nicht länger von der Aufseherin, Mama Isabella, nach und nach als Nahrung für die Monster ausgeliefert werden. Außerhalb der Mauern ihres bisherigen Zuhauses sind sie vollkommen auf sich alleine gestellt. Ihr Verschwinden wurde natürlich bemerkt und so sind sie ab der ersten Minute auf der Flucht vor Monstern. Manche größer und bestialisch, andere wiederum intelligent und fast schon humanoid. Auf ihrer Reise durch den Wald, in dem Tiere existieren, von denen weder die jungen Protagonisten noch der Zuschauer je etwas gehört oder gesehen haben dürften, werden viele Fragen aufgeworfen. So stellen sich Emma und Ray die Frage, ob sie sich überhaupt auf der Erde oder im Jahr 2045 befinden. Anfänglich geht The promised Neverland sehr clever mit der Ausgangssituation um.

Hastiger Wechsel von Handlungsorten

Tatsächlich ist es sehr schwierig, ohne Spoiler auf die zweite Staffel einzugehen. Ohne etwaige Story-Wendungen anzusprechen, ist es nicht möglich, die Schwächen aufzuzeigen, an denen die insgesamt zwölf Episoden bedauerlicherweise leiden. Wer gänzlich unbekümmert an die Serie herangehen möchte, sollte diesen Abschnitt unserer Rezension am besten überspringen. Kurz nach der Flucht trifft die Gruppe auf zwei Monster, die sich mit ihnen in ihrer Sprache unterhalten. Mujika und Sonju essen aus angeblich religiösen Gründen keine Menschen und bieten den Kindern Schutz an. Gerade von Sonju erfahren Emma und Co, wie sie in der Außenwelt überleben können. Sie erhalten unter anderem eine Einweisung in die Jagd. Ihr Weg verläuft in The promised Neverland aber nicht parallel zueinander, auch wenn Mujika in der zweiten Serienhälfte wieder auftaucht und eine zentrale Rolle einnimmt. Die Kinder sind auf der Suche nach William Minerva, der sie mit Hilfe von Morsecodes an eine bestimmte Koordinate lockt. Unter anderem stoßen sie auf eine unterirdische Station. Wer jetzt an die US-amerikanische Fernsehserie Lost denkt, darf genüsslich schweigen. Dort sind sie jedoch nicht lange geschützt. Es folgt eine weitere Flucht, das Leben im Verborgenen und der Kampf gegen die Monster – und an dieser Stelle folgen mehrere und sogar unbequeme Zeitsprünge.

Holprige Zeitsprünge und offene Fragen

Sicherlich gibt es auch in der ersten Staffel von The promised Neverland zumindest einen und wohl auch etwas größeren Zeitsprung. Dieser fühlt sich im Gegensatz zur zweiten Season gut und richtig an. Bei der zweiten Staffel ist an allen Ecken und Enden zu merken, dass Animationsstudio CloverWorks entweder Geld oder Zeit oder beides ausgegangen ist. Da die Produktion genau in den Beginn der Coronavirus-Pandemie fiel, könnte dies ein möglicher Grund für die ungelenke Entwicklung der Episoden sein. Plötzlich vergeht in der Geschichte ein Jahr, dann taucht ein für tot geglaubter Charakter wieder auf und auch Mama Isabella erhält von den Monstern eine neue Chance, sich zu beweisen. Hinzu kommen weitere Erwachsene, die für die Monster für ihren eigenen Vorteil arbeiten. Auch warum die Welt so ist, wie sie ist, und warum Monster Menschen verspeisen, wird eindrucksvoll erklärt. All das passiert aber viel zu schnell. Die Anime-Serie bräuchte eher eine dritte, vierte oder vielleicht sogar fünfte Staffel, um all das im Erzähltempo der ersten Season zu behandeln. Dies ist auch kein Wunder, denn während die erste Staffel 37 Kapitel der Manga-Vorlage umfasst, sind es bei der zweiten Season gleich 144 Kapitel, die abgedeckt werden. The promised Neverland hat zwar einen starken Auftakt, krankt dafür aber an einem nicht ganz so zufriedenstellenden Ende.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Stream bei Amazon Prime): Nachdem ich mir die erste Staffel von The promised Neverland angeschaut hatte, wollte ich unbedingt wissen, wie es mit Emma, Ray und Co weitergeht. Im Vorfeld hatte ich leider schon gehört, dass die zweite Season wirklich schwach sein soll, weshalb ich nicht unbefangen an das Rezensieren der zweiten Staffel herangehen konnte. Bei den Episoden der ersten Staffelhälfte kann ich die negative Kritik, die wie ein Damoklesschwert über der Serie hängt, nicht verstehen. Die wundersame Welt öffnet sich peu à peu, der Zuschauer erfährt neue Details und fiebert mit den Kindern mit, die unter allen Umständen ihr Ziel erreichen wollen. Sobald jedoch die zweite Staffelhälfte anbricht, bröckelt die bis zu diesem Zeitpunkt erbaute Fassade dieser Season. Zeitsprünge, hastig eingeführte Charaktere und sehr viel mehr Einzelheiten werden fast schon im Minutentakt eingebaut und verderben das Sehvergnügen zu einem guten Teil. Stellt euch mal vor, Attack on Titan hätte Inhalte der dritten und vierten Staffel schon in der zweiten Hälfte der langen ersten Staffel untergebracht. So fühlt sich The promised Neverland gerade für mich an. Am Ende bleiben sogar einige Fragen offen. Je nach Anspruch, die der Zuschauer an eine Anime-Serie legt, kann dies recht frustrierend sein. Es ist zwar schön, dass die Story mit der zweiten Staffel zu einem Abschluss gebracht wurde, doch hinterlässt die Serie einen faden Beigeschmack. Beinharte Fans können einen Blick riskieren. Alle anderen sollten sich lieber nach Alternativen umsehen oder auf den Manga von The promised Neverland umsteigen.

Ursprünglich als südkoreanischer Webtoon von Autor I Chonghwi im Jahr 2010 gestartet, folgte 2020 eine Umsetzung von Tower of God als Anime-Serie. Die dreizehnteilige erste Staffel fasziniert mit ihrem Szenario, doch fehlt es diesem an einigen Stellen an Details.

Tower of God erzählt allen voran die Geschichte des jungen Sŭmuldasŏtpŏntchae Pam, der zusammen mit seiner Freundin Rahel in einer Höhle lebt. Rahel hat den innigen Wunsch, eines Tages die Sterne zu sehen. Hierzu muss sie einen ominösen Turm bis an die Spitze besteigen. Vom Turm auserkoren lässt sie Pam in der Höhle zurück. Pam vermisst Rahel schon nach kurzer Zeit aber so sehr, dass er aus eigener Kraft schafft, die Türen zum titelgebenden Turm Gottes aufzustoßen. Dort angelangt, muss er sich, wie viele andere Helden auch, verschiedenen Prüfungen unterwerfen. Für das Bestehen dieser Prüfungen ist vordergründig der Einsatz von Gewalt nötig. Da Pam nicht den Willen hat, anderen Lebewesen Schaden zuzufügen, erschwert das die Aufgaben enorm. Trotz allem erhält er von Prinzessin Hayuri Chahadŭ das mächtige Schwert Schwarzmärz, das ihn als Leihgabe im Kampf gegen mächtige Gegner unterstützen soll. Für bestandene Prüfungen dürfen die Absolventen den Turm weiter hinaufsteigen, was die Charaktere mehr und mehr zusammenfügt. Bereits bei der zweiten Aufgabe, an der vierhundert Teilnehmer ums Überleben kämpfen, wird ausgesiebt. Die Erwählten, so die Bezeichnung für die vom Turm gerufenen Recken, müssen sich so lange bekämpfen, bis nur noch zweihundert Helden auf den Beinen stehen. Tower of God ist echt nicht zimperlich!

Konstrukte ohne Beleuchtung

Grundsätzlich baut die Anime-Serie auf einem interessanten wie spannenden Szenario auf, das vielfältige Möglichkeiten bietet. Der Turm Gottes ist zum Beispiel kein Bauwerk, wie es einem womöglich in den Sinn kommen könnte. Vielmehr ist der Turm ein Konstrukt von lose zusammenhängenden Ebenen, die ganze Landstriche umfassen können. Es gibt sowohl einen äußeren als auch einen inneren Turm, sowie einen Bereich dazwischen. Beherrscht wird der Turm von König Chahadŭ, der in der ersten Staffel von Tower of God aber keine Rolle spielt. Stattdessen treten verschiedene Prinzessinnen ins Rampenlicht, die das Haus Chahadŭ repräsentieren und um die Gunst des Monarchen buhlen. Woher die meisten Charaktere stammen wird zumindest in der ersten Season nicht klar thematisiert. Es ist auffällig, dass die Kleidung der Protagonisten und Antagonisten aus verschiedenen kulturellen Sphären stammen. K’un Agero Agŭnisŭ scheint adliger Abstammung zu sein, trägt aber europäisch inspirierte Kleidung und schleppt eine Aktentasche mit sich herum, die Gegenstände wie Schokoriegel duplizieren kann. Davon profitiert der gefräßige Rak’ŭ Rek’ŭreisyŏ, bei dem es sich um einen krokodilartigen Humanoiden handelt, der angriffslustig mit seinem Speer wedelt und gerade Pam aufgrund von Schwarzmärz als seinen stärksten Gegner für das Ende seiner Reise auserkort.

Herausragende Animationsqualität

Unter diesen Gesichtspunkten bietet Tower of God eine fantastische Grundlage, denn auch wenn das Setting vom Game-Boy-Klassiker Makai Tōshi SaGa inspiriert zu sein scheint, bietet es genügend eigene Ansätze. Auch die Charaktere bringen genügend Abwechslung ins Geschehen. Dennoch könnten beide Bestandteile der Anime-Serie schlüssiger erklärt sein. Gerade in der zweiten Hälfte der Staffel passiert auf einmal so viel Schlag auf Schlag, dass kein Raum für die Entfaltung der tiefgründig gedachten Persönlichkeiten bleibt. Womöglich wäre es besser gewesen, einzelne Episoden bestimmten Figuren zu widmen und so peu à peu ihre Hintergründe zu lüften. Dadurch, dass auch nicht alle Informationen detailliert geschildert werden, bleibt ein guter Teil des konstruierten Szenarios nicht greifbar. Eine zweite Staffel, die den überraschenden Cliffhanger auflösen sollte, wurde 2022 bereits angekündigt. Hier könnten Antworten also noch folgen. Erzähltechnisch bleibt zwar Luft nach oben, doch dafür gefallen die vielseitigen und mit zahlreichen Details gespickten Charaktermodelle. Auch die Animationsqualität ist hervorragend. Egal ob sich die verschiedenen Akteure in unzähligen Kämpfen die Köpfe einzuschlagen versuchen oder einfach nur im Wind auf einer Ebene innehalten, um einem gefallenen Kameraden zu gedenken, die Figuren sind stets bestens animiert.

Merkwürdiger Umgang mit Texteinblendungen

Soundtechnisch reißt Tower of God nicht unbedingt Bäume aus. Die Melodien von Kevin Penkin passen zwar zum Geschehen, bleiben aber nicht lange im Gedächtnis. Ein wenig mehr musikalische Abwechslung wäre wünschenswert gewesen. Dafür gefällt sowohl der japanische Originalton als auch die deutsche Synchronisation, bei der gute deutsche Sprecher gewählt worden sind. Bezüglich der Untertitel ist es jedoch mehr als merkwürdig, dass zumindest im Stream in der Crunchyroll-Applikation, eingeblendete deutsche Übersetzungen, die sich auf Bildinformationen beziehen, erst fünf Sekunden später im Bild aufpoppen. Das ist verwirrend und stört beim Anschauen zum Testzeitpunkt am 10. November 2023 massiv. Es bleibt zu hoffen, dass dieser Umstand in der im Juli 2023 veröffentlichten Gesamtausgabe der Blu-ray-Fassung nicht vorliegt. Diese Version lag uns zu Rezensionszwecken nicht vor, weshalb wir hierzu keine weiteren Angaben machen oder gar eine Empfehlung aussprechen können. In Anbetracht dessen, dass die Anime-Serie seit April 2020 zum Abruf bei Crunchyroll zur Verfügung steht und noch keine Korrektur stattgefunden hat, ist dieser Umgang mit dem eigenen Produkt alarmierend. Die eigentliche Qualität wird so nur wenig geschmälert, denn trotz des Fauxpas kann sich der Zuschauer gerne auf die Story um Pam und Rahel einlassen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Stream bei Crunchyroll): Tower of God erzählt, wie es sowohl die erste als auch die letzte Szene der ersten Staffel erklärt, die Geschichte von Rahel, die den Turm erklimmt, und von Pam, der ihr folgt. Die Story entfaltet sich in über dreizehn Episoden mit wichtigen Schlüsselmomenten, die nach und nach mehr Details über die Welt und die Charaktere fallen lassen. Allerdings sind diese Details rar gesät und vieles bleibt für den Zuschauer im Dunkeln. Tatsächlich mag ich es, wenn mit Einzelheiten gespart wird und die Wissenslücken erst später gefüllt werden. Eine der besten Anime-Serien überhaupt, Attack on Titan, basiert schließlich auf genau diesem Grundsatz. Allerdings bleibt Tower of God noch kryptischer als andere Serien. Die erste Season der Anime-Umsetzung des ursprünglich als Webtoon gestarteten Werks ist bis zu einem gewissen Grad zwar durchaus gelungen, was vor allem die herausragenden Animationen und die sehr gute deutsche Synchronisation angeht, doch bleibt gerade in erzähltechnischer Hinsicht reichlich Luft nach oben. Auch sollte Crunchyroll den Umgang mit Texteinblendungen üben, denn wenn diese erst fünf Sekunden später angezeigt werden, stört dies das Seherlebnis trotz der spannenden Handlung stark. Bei der zweiten Staffel darf sich so etwas nicht wiederholen. Zudem sollte diese in puncto Story mehr Antworten liefern. Immerhin ist mein Interesse und mein Verlangen nach mehr geweckt – in dieser Disziplin hat die Anime-Serie Tower of God also definitiv ihr Ziel erreicht!

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Fairy Tail gehört zu den Werken, die vor allem die 2010er-Jahre geprägt haben. Neben der Anime-Serie erschienen in diesem Jahrzehnt auch zwei Kinofilme. Fairy Tail: The Movie – Dragon Cry stellt dabei das zweite und bis dato leider abschließende Werk der Reihe dar.

Mit Fairy Tail: The Movie – Dragon Cry gingen die Kinoabenteuer um die Protagonisten der titelgebenden Gilde Fairy Tail im Jahr 2017 nach fünf Jahren Pause in die zweite Runde. Fans im deutschsprachigen Raum mussten zum Glück nur ein Jahr auf die Veröffentlichung auf Blu-ray Disc warten. Im zweiten Film legen sich Natsu Dragneel, Lucy Heartfilia, Erza Scarlet, Wendy Marvell, Gray Fullbuster und die fliegenden Katzenwesen Happy und Carla gleich mit einem ganzen Königreich an. Der ehemalige Außenminister des Königreichs Fiore, Zash Caine, hat den aus Wut, Trauer und Leid besiegter Drachen entstandene Stab Dragon Cry gestohlen. Es wird gesagt, dass der Stab die Macht hat, ganze Landstriche in Schutt und Asche zu legen. Entsprechend darf der Stab nicht in den Händen von Zauberern schwarzer Magie bleiben! Fairy Tail wird entsandt, um den Stab zurückzuholen. Dabei trifft die Gruppe auf die freundliche Sonya, eine Vertraute des Königs des Reiches Stella. Von ihr erfahren sie, dass der König den Stab zur Rettung von Stella benötigt. Lüge und Wahrheit liegen in Dragon Cry nahe beieinander. Aus Spoiler-Gründen soll an dieser Stelle nicht mehr verraten werden. Fakt ist, dass Ideologien in Stella aufeinanderstoßen und hitzige Kämpfe entbrennen!

Fortführung mit leicht spürbarer Entwicklung

Technisch betrachtet kann der 84-minütige Film von Regisseur Minamikawa Tatsuma wie schon der Vorgängerfilm mit der Anime-Serie mithalten. So verfügen alle Charaktere immer noch über ihren markanten Stil, der auch in Dragon Cry an Oda Eiichirōs One Piece erinnert. Fairy Tail fällt, gerade beim Charakterdesign, wieder etwas zu schlicht aus. Trotzdem sind, was Schattierungen angeht, ein paar Fortschritte zu Phoenix Priestess zu erkennen. Dafür heben sich jedoch die Hintergründe zu sehr vom vordergründigen Geschehen ab, was eine Entwicklung ist, die in den 2010er-Jahren immer weiter voranschritt. An Spezialeffekten wie Spiegelungen, Lichteinfall oder Explosionen ist aber nicht zu rütteln. Damit gibt es am hochauflösenden Bild in 1080p und im bildschirmfüllenden 16:9-Format abermals wenig zu kritisieren. Alles wirkt trotz verhältnismäßig hübscheren Anime immerhin wie aus einem Guss. Die Vertonung im Tonformat DTS-HD Master Audio 5.1 fällt in eine ähnliche Kerbe. So kann die Musik sowohl die eher ruhigen als auch die actionreichen Momente unterstreichen. Toll ist auch, dass sich Kenner von Fairy Tail nicht an neue Stimmen gewöhnen müssen. Sowohl auf Deutsch als auch auf Japanisch kommen dieselben Sprecher wie in der Serie zur Geltung. Fans müssen sich in audiovisueller Hinsicht also kaum bis gar nicht umstellen.

Falscher Umgang mit der Veröffentlichung

In puncto Bonusmaterial müssen Fans sehr stark sein, denn dieses fällt beim zweiten Film der Reihe noch marginaler aus als beim ersten Kinofilm. Neben dem Film Dragon Cry ist auf der Blu-ray Disc kein weiteres Material zu finden. Gerade weil bei der Veröffentlichung von Phoenix Priestess auf digitale Boni abseits des gelungenen Prologs ganz auf Bonusmaterial verzichtet wurde, ist es sehr unverständlich, warum Kazé Anime respektive der Lizenzgeber diesen Fehler wiederholt. Aufschlussreiche Einblicke in die Produktion des Films in Form eines Making-ofs oder Interviews wären für Fans sicher eine nette Dreingabe gewesen. In physischer Form sieht es leider ähnlich aus. Neben einer Werbebroschüre, die auf weitere Werke von Kazé Anime hinweist, befindet sich in der Hülle lediglich ein gefaltetes Poster. Einseitig bedruckt zeigt dieses lediglich das Filmcover. Das ist nett, aber leider auch nicht mehr. Hier haben die Verantwortlichen abermals geschlafen. An der eigentlichen Qualität des Films ändert dies natürlich nichts, aber gerade die Fans der Reihe, die von den Serienboxen definitiv besseres gewohnt sind, dürften enttäuscht sein. Unterm Strich müssen es die Fans gelassen nehmen. Ist die Unverständnis einmal aus dem Kopf geschüttelt, so kann Dragon Cry auf seine eigene Art und Weise garantiert anderthalb Stunden lang wunderbar unterhalten.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Regisseur Minamikawa Tatsuma setzt mit Fairy Tail: The Movie – Dragon Cry inhaltlich sehr auf das Konzept der gleichnamigen Anime-Serie. Es wird eine passable Geschichte erzählt, die mit Überraschungen gespickt ist. So bietet das Werk eine seichte Story, die sich vor allem durch Fantasy-Action auszeichnet. Im direkten Vergleich fällt der Film zum vorherigen Streifen jedoch etwas ab. Nichtsdestotrotz wissen die Action-Sequenzen zu gefallen, was unter anderem an der technischen Gestaltung liegt. Fans von Fairy Tail werden hier nur wenig zum Aussetzen finden, denn der audiovisuelle Stil der Anime-Serie wird im zweiten Kinofilm beibehalten. Warum die Heraus- und Lizenzgeber jedoch am Bonusmaterial gespart haben, ist schleierhaft. Vor allem da es nur zwei Fairy-Tail-Filme gibt, denen ein wenig mehr Beachtung hätte geschenkt werden können, sorgt das Fehlen für Kopfschütteln. Das beiliegende Poster ist durchaus eine nette Dreingabe, aber auch nicht mehr. Langjährige Fans dürften darüber hinwegsehen, da der Film darüber hinaus überzeugen kann. Wer die Anime-Serie oder die Manga-Vorlage aber nicht kennt, wird mit Fairy Tail: The Movie – Dragon Cry aber noch etwas weniger anfangen können als mit Fairy Tail: The Movie – Phoenix Priestess. Der Film verlangt zwar nicht viel Vorwissen, zeichnet die Charaktere aber nicht ganz so gut. Am Ende ist es schade, dass der zweite Film bis dato das letzte Kinoabenteuer der Charaktere ist – und vermutlich bleiben wird.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Fairy Tail: The Movie – Dragon Cry!

Zwischen 1996 und 2008 werkelte Manga-Zeichnerin Takahashi Rumiko mit Inuyasha an einer der beliebtesten Manga-Reihen aller Zeiten, die 2010 auch als Anime beendet wurde. Mit Yashahime: Princess Half-Demon erhielt ihr Werk im Jahr 2020 eine Anime-Fortsetzung.

Seit den Ereignissen von Inuyasha – The Final Act sind mehrere Jahre vergangen. Die ehemalige Oberschülerin Higurashi Kagome ist in die Zeit der streitenden Reiche zurückgekehrt, um dauerhaft mit dem Han’yō Inuyasha zusammen sein zu können. Inzwischen haben Mönch Miroku und die Dämonenjägerin Sango dreifachen Nachwuchs gezeugt. Während die erste Episode von Yashahime noch sehr viel Fanservice bietet, da sich das Geschehen weitgehend um die bekannten Charaktere aus der Vorgängerserie dreht und damit eigentlich nur die Inuyasha-Formel abdeckt, kann sich die Geschichte spätestens ab der zweiten Folge in eine völlig neue Richtung entwickeln. Im Mittelpunkt der Story steht nicht nur die titelgebende Halbdämonenprinzessin Moroha, bei der es sich um die Tochter von Inuyasha und Kagome handelt und deshalb eigentlich eine Vierteldämonenprinzessin sein müsste, wie es in der Serie auch oft genug gesagt wird. Sie bekommt zwei weitere Prinzessinnen an die Seite gestellt: Ihre Cousinen Towa und Setsuna, die Zwillingstöchter von Inuyashas Bruder Sesshōmaru nehmen einen gleichwertigen Teil in der Handlung ein. Tatsächlich ist die Hintergrundgeschichte von Towa und Setsuna ein wenig besser konstruiert, da Moroha nur als freischaffende Dämonenjägerin arbeitet, um mit den Überresten von toten Yōkai über die Runden zu kommen. Dennoch teilen sich die drei Hauptfiguren das Schicksal, dass sie ohne Eltern aufwachen mussten.

Drei Prinzessinnen mit Dämonenkräften

Hierbei bleibt die Handlung in weiten Teilen kryptisch, zumal die 24 Folgen der ersten Staffel aufgrund von vielen nebensächlichen Geschichten zu wenig Raum zur Entfaltung der recht interessanten Story lassen. Towa und Setsuna werden, offenbar in jungen Jahren, bei einem Waldbrand voneinander getrennt. Während Towa in die Gegenwart versetzt wird und dort von Sōta Higurashi, Kagomes Bruder, kurzerhand adoptiert wird und zehn Jahre lang in Tōkyō lebt und ständig den Streit mit Stärkeren sucht, gelangt Setsuna in ein Dorf voller Han’yō, also Halb-Yōkai. Sie lernt ihre Dämonenkräfte einzusetzen, um die Schwächeren zu beschützen. Durch das Auftauchen eines mächtigen Yōkai, den sowohl Moroha als auch Setsuna im Visier haben, werden die beiden samt ihres Gegners durch die Zeit geschleudert. Während Towa sich sofort an ihre Schwester erinnert, erkennt Setsuna ihren Zwilling nicht. Trotzdem raufen sich die drei Heldinnen zusammen. Da, wie Towa und Moroha erfahren, Setsuna nicht schlafen und nicht träumen kann, reisen sie zurück durch die Zeit. Sie wollen den ominösen Traumschmetterling finden, der Setsuna ihre Träume raubt. In der Zeit der kriegsführenden Reiche angelangt hören sie von Kirinmaru, einem ehemaligen Widersacher ihres Großvaters väterlicherseits, Inu no Daiyōkai, der sich nach und nach zum ärgsten Feind der dreiköpfigen Truppe entwickelt. Entsprechend zielgerichtet wird Yashahime die meiste Zeit über erzählt.

Angenehme Atmosphäre mit technischen Unstimmigkeiten

Neben Kirinmaru treten viele weitere Bösewichter auf. Neben unwichtigen Yōkai, die sie von ihrem Ziel trennen, müssen sie sich mit den ominösen vier Übeln herumschlagen, die mit Kirinmaru im Bunde sind. Moroha, Setsuna und Towa werden stärker und wachsen persönlich über sich hinaus. Für Anime-Serien der Fantasy-Action ist dies keine Seltenheit und funktioniert in Yashahime ziemlich gut. Bei den meistens der kürzeren Kämpfe wird teils ein Effektfeuerwerk abgeliefert, das mit der Vorgängerserie konkurriert. Auch die Charakterzeichnungen der neuen Figuren erinnern stark an Inuyasha, Kagome und Co. Technisch ist die Serie aber nicht auf der Höhe der Zeit, denn gerade die Darstellung der weniger humanoid dargestellten Yōkai lässt zu wünschen übrig. Hinzu kommen zu knappe Animationen, die immer wieder aus der Atmosphäre reißen. Letzteres ist in einigen Anime-Serien zum Standard verkommen. Yashahime stellt keine Ausnahme dar. Zwischen Februar und Mai 2023 erschien die Serie im deutschsprachigen Raum auf Blu-ray Disc – inklusiver deutscher Tonspur. Wer die Serie via Crunchyroll streamt, muss unter Umständen nicht nur mit einer schwankenden Bildqualität und Nachladepausen rechnen, sondern ab der sechsten Folge kurioserweise zum gelungenen japanischen Originalton greifen, obwohl die ganze (!) Serie zum Testzeitpunkt am 28. Oktober 2023 in der Crunchyroll-Applikation mit deutscher Synchronisation angegeben wird. Hier wird der Kunde aufs Glatteis geführt. An der angemessenen Präsentation von Yashahime ändert sich damit aber nichts.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Stream bei Crunchyroll): Bei Yashahime: Princess Half-Demon handelt es sich um eine gelungene Fortsetzung von Inuyasha – The Final Act. Dennoch sollte der Zuschauer die Vorgängerserie gesehen haben. Andernfalls wird er nur schwer in die Handlung hineinkommen können, da gerade die erste Folge mit einem Fokus auf die alten Helden ganz falsche Versprechungen macht. Ab der zweiten Episode kann sich die Handlung von Yashahime aber immerhin in weiten Teilen entfalten. Der Zuschauer erfährt mehr über die Figuren, ihre persönlichen Motivationen und Einstellungen, ihre Kräfte und schließlich ihre Zusammenarbeit im Team. Allerdings ist die Story bei einzelnen Elementen sehr kryptisch aufgebaut. Daher setzen sich viele, aber definitiv nicht alle Elemente peu à peu mosaikartig zusammen. Die erste aus 24 Episoden bestehende Season beantwortet also nicht alle Fragen, was ein wenig zermürbend sein kann. Da die zweite Staffel direkt an den tragischen wie hoffnungsvollen Cliffhanger anschließt, der den bittersüßen Dualismus der Serie ausdrückt, bleibt immerhin die Erwartung bestehen, dass offene Fragen in der zweiten Hälfte der Serie aufgegriffen und schließlich beantwortet werden. Mir gefällt die Fortsetzung bis auf die angesprochenen Unstimmigkeiten und die in meinen Augen manchmal etwas zu künstlich wirkende Technik ziemlich gut. Allerdings würde ich, ohne diese selbst gesichtet zu haben, eher die Blu-ray-Fassung empfehlen, da die Serie dort auch vollständig mit deutschem Ton vorliegt und die geminderte Streaming-Qualität passé ist, sofern einem das wichtig genug ist.

Vielen Dank an Crunchyroll für die freundliche Bereitstellung des Zugangs zum Streaming-Angebot!

Im Juli 2011 veröffentlichte Kazé Anime mit One Piece: Das Dead End Rennen den vierten Film der Reihe – allerdings nur auf DVD. Auf die Blu-ray-Ausgabe des von der ersten bis zur letzten Minute spannenden Kino-Abenteuers mussten hiesige Fans bis Juli 2022 warten.

Nachdem der dritte Film des Franchises ordentlich für Verwirrung gesorgt hat, schafft es der vierte Streifen, sich mit den Fans zu versöhnen. Wie es sich für anständige Piraten gehört, ankern sie mit einem Schiff offen im Hafen einer Stadt und schlagen sich in einem Lokal die Bäuche voll. Zumindest Ruffy, der für das Haushaltsdefizit der Strohhüte verantwortlich ist. Nami fragt, mit Betonung ihrer zwei unschlagbaren Argumente, in eben jenem Lokal nach Arbeit, damit die Strohhüte beim nächsten Anlegen nach dem Auffüllen ihrer Vorräte auch wieder ein bisschen Kleingeld in der Reisekasse haben. Ihr gelingt es, Informationen über ein geheimes Ereignis in Erfahrung zu bringen, doch wenn sie an diesem teilnehmen wollen, gibt es danach kein Zurück mehr. In einer riesigen unterirdischen Höhle stoßen sie schließlich auf viele andere Piraten, die nur aus einem Grund anwesend sind: Sie wollen am legendären Dead-End-Rennen teilnehmen. Die Strohhüte schreiben sich mit der Flying Lamb für dieses Rennen natürlich ebenfalls ein und freuen sich schon darauf, am großen Spektakel teilnehmen zu können. Immerhin gibt es dreihundert Millionen Berry für den Sieger und die Piraten hätten somit ein Leben lang ausgesorgt oder zumindest fast. Ruffys schier unersättlicher Magen hat da schließlich auch noch ein Wort mitzureden! Das Dead-End-Rennen wird jedoch von anderen Einflüssen bestimmt, mit denen die Piraten nicht gerechnet hätten.

Sich überschlagende Ereignisse

So taucht während des Rennens plötzlich ein blinder Passagier auf der Flying Lamb auf. Der Junge, der eigentlich ein Mädchen ist, gibt sich der Crew als Anaguma zu erkennen. Er ist der Helfer vom alten Biera, der auf Gasbades Schiff im Maschinenraum arbeitet. Nicht ganz liebevoll wird Biera von Gasbades Männern Maulwurf und Anaguma Dachs genannt. Ihnen wird kein Respekt entgegengebracht und als Biera schwer krank wird, will niemand außer Anaguma helfen – es sei denn, dass Anaguma einen beliebigen Piraten für Gasbade tötet. Die Wahl fällt ausgerechnet auf Ruffy, doch da dieser ein Gummimensch ist, können ihm Kugeln nichts anhaben. Nach anfänglichem Zögern schließt die Gruppe mit Anaguma das Band der Freundschaft, doch dann überschlagen sich die Ereignisse. Der Log Port, der die Flying Lamb zum Ziel des Dead-End-Rennens führen sollte, ist manipuliert, sodass er sie schon fast in die Hände der Marine führt. Dann taucht auch noch ständig der mysteriöse Shuraiya auf, bei dem es sich um einen gefürchteten Piratenjäger handelt. Zu guter Letzt lässt sich auch Gasbade blicken, der sich mit Ruffy einen glitschigen Kampf liefert, da dieser von der Candy-Frucht gegessen hat. Wie es der Zufall so will, bleibt am Ende des Films noch Platz für ein Familientreffen von zwei Nebenfiguren, die sich lange nicht mehr gesehen haben. Dies ist ein Zufall, der so gut in die Handlung passt und das Gesamtbild bereichert.

Zusammenpassende Elemente

One Piece: Das Dead End Rennen bietet alles, was von einem Piratenfilm erwartet werden könnte. Eine obligatorische Kneipenprügelei ist ebenso mit an Bord wie ein gefürchteter Piratenkapitän, ein Unwetter, genügend Ansporn und jede Menge Action, sowie Humor, den Fans aus der Serie kennen und schätzen. Angesiedelt ist der Film übrigens unmittelbar nach Episode 130, der letzten Folge aus der vierten Serienbox. Dementsprechend ist auch Nico Robin endlich mit an Bord, die jedoch sehr zurückhaltend charakterisiert wird und eigentlich gar nicht zur Story des Films beiträgt. Die Motivation, Ruffy gerade jetzt zu schnappen, ist größer denn je, da das Kopfgeld für den Gummimenschen gerade nach den Ereignissen in Alabasta von dreißig auf einhundert Millionen Berry erhöht wurde. In optischer Hinsicht hat sich das Team hinter dem Projekt stark an der Serie orientiert. 95 Minuten lang kann One Piece: Das Dead End Rennen daher nicht nur inhaltlich, sondern auch optisch und akustisch mit dem bekannten Soundtrack unterhalten. Im Gegensatz zur DVD-Fassung, bei der das Bild im 4:3-Letterbox-Format vorliegt, kann die Blu-ray-Ausgabe mit einem hochauflösenden und bildschirmfüllenden Bild punkten. So kann der Film in einer angemessenen Bildqualität genossen werden. Sowohl die deutsche als auch die japanische Synchronfassung weiß zu überzeugen. Nur auf das faltbare Poster müssen Käufer der Blu-ray-Fassung verzichten.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray- und der DVD-Fassung): Die ersten drei Filme von One Piece finde ich im Vergleich zum vierten Kino-Abenteuer etwas schwächer. One Piece: Das Dead End Rennen kann mich von der Eröffnungssequenz an vom Hocker hauen. Soll heißen, dass mich das Spektakel von der ersten bis zur letzten Minute magisch in seinen Bann zieht. Das beginnt mit Ruffys üblicher Fressorgie, die mich mit tollen Sprüchen zum Lachen bringt, zieht sich über den zugleich spannend und ebenfalls verrückt inszenierten Auftakt zum Dead End Rennen und endet mit der Action, die auf einem sinkenden Schiff in ihrem Höhepunkt gipfelt. Zwar gibt es in einigen Folgen der Serie deutlich mehr Action, doch hält sich dies im vierten Film um Ruffy und seiner Crew die Waage. Das ist fantastisch, denn genau so hätte der Film auch Teil der Serie, aufgeteilt auf mehrere Episoden, funktionieren können. Zudem gibt es auch Nebenfiguren, die zwar nur in wenigen Szenen vorkommen, doch in diesen hervorragend charakterisiert werden. Es passen einfach alle Elemente sehr gut zusammen, die in 95 Minuten auch nicht aus ihrem Mosaik herausfallen. Diese Harmonie dürfen sich One-Piece-Fans auf keinen Fall entgehen lassen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece: Das Dead End Rennen!

Japanische Fans der Anime-Serie Death Note durften sich Ende der 2000er-Jahre über zwei Compilation-Filme freuen, die die Geschehnisse der Serie zusammenfassen und zumindest teilweise abändern. Deutsche Anhänger mussten auf beide Filme bis ins Jahr 2019 warten.

Aufgeteilt ist die Zusammenfassung auf zwei Filme. Entsprechend erzählt Death Note: R – Relight 1: Visions of a God die erste Hälfte der Serienhandlung, während sich Death Note: R2 – Relight 2: L’s Successors auf das große Finale konzentriert. Als Fortsetzung knüpft der Film an die Geschehnisse des ersten Teils an. Wer diesen nicht gesehen hat, freut sich zu Beginn des circa 93 Minuten langen Films über eine kurze Zusammenfassung, erzählt von der Intelligenzbestie L. So erfährt der Zuschauer, wie dessen Widersacher und Hauptfigur des Animes, Yagami Light, das titelgebende Death Note genutzt hat, um über das Schicksal von bösen beziehungsweise schlechten Menschen zu bestimmen. L und das Ermittlerteam der Polizei sind Light unter seinem Alias Kira, abgeleitet vom englischen Wort für Killer, immer mehr auf die Schliche gekommen, doch konnten sie ihn mit ihren Mitteln nicht überführen. Zuletzt gelang es Light, die Identität von L zu lüften und ein Todesurteil über ihn zu verhängen. Nach einem kurzen Tanz auf dessen Grab macht der zweite Teil des Doppelpacks einen Sprung von vier Jahren. Light ist in Relight 2 inzwischen bei der Polizei angestellt und macht als neuer L Jagd auf Kira, zumindest offiziell. Insgeheim arbeitet er jedoch mit seinem Komplizen, dem Staatsanwalt Mikami Teru zusammen, um mehr und mehr Todesurteile auszusprechen.

Fortsetzung nach bekanntem Muster

Obwohl Light beziehungsweise Kira nach dem Tod von L nahezu freie Hand hat, tauchen am Horizont mit Mello und Near zwei weitere Akteure auf, die als Gegenspieler Light das Leben schwer machen. Vor allem Near hat den neuen L unter Verdacht, in Wahrheit Kira zu sein. In dieser Hinsicht konzentriert sich also auch die zweite Hälfte der Anime-Serie respektive der zweite Compilation-Film auf die Ermittlung, Kira zu entlarven. Aufgrund dessen, dass einige elementare Bestandteile der Serie gekürzt werden mussten, wirkt auch der zweite Film an mehreren Stellen etwas holprig, wenn vielleicht nicht ganz so sehr wie der erste Teil. Kenner der Vorlage werden sich womöglich nicht so sehr daran stören und können die Lücken mit eigenem Wissen kinderleicht füllen. Relight 2 ist aber genauso wie Relight 1 kein Film, der sich dazu eignet, in Berührung mit der Death-Note-Marke zu kommen. Die Filme bieten zu wenig Raum, sodass sich die Charaktere nur wenig entfalten geschweige denn vernünftig in die Handlung eingebunden werden können. Da helfen auch die zusätzlichen Szenen kaum, die entweder leicht abgeändert oder sogar ergänzt worden sind. An der eigentlichen und sehr, sehr düsteren Atmosphäre ändert sich deshalb aber nichts. Das liegt vor allem am trüben Zeichenstil und der entsprechenden musikalischen Note des psychologisch angehauchten Dramas.

Zeitreise in die 2000er-Jahre

Da die Anime-Serie Death Note aus den Jahren 2006 beziehungsweise 2007 stammt und sowohl Relight 1 als auch Relight 2 auf Szenen aus der Serie zurückgreift, ist es keinesfalls verwunderlich, dass es keinen technischen Sprung gibt. Im bildschirmfüllenden 16:9-Format überzeugt der Film mit erwachsen gezeichneten Figuren und schön gezeichneten Grafiken, die die Umgebungen abdecken. Hinzu kommt in vielen Szenen diffuses Licht. Damit fängt der Film wunderbar die Atmosphäre diverser Anime der 2000er-Jahre ein. Für die Blu-ray Disc wäre eine technische Überarbeitung aber wünschenswert gewesen. Der Ton in DTS-HD Master Audio 2.0 geht sowohl in der deutschen als auch in der japanischen Fassung in Ordnung. Positiv fällt auf, dass auch bei der wesentlich später angefertigten deutschen Synchronfassung dieselben Sprecher wie bei der Serie den Figuren Leben einhauchen. Damit müssen sich Fans beider Synchronfassungen nicht umgewöhnen. Unterm Strich ist es jedoch schade, dass auf der Blu-ray Disc kein Bonusmaterial vorliegt. Dieses hätte vor allem jenen Zuschauern geholfen, die sich nicht so gut mit der Death-Note-Welt auskennen oder noch tiefer in das Universum eintauchen wollen. Unterm Strich bleibt also auch Death Note: R2 – Relight 2: L’s Successors ein Film für die allergrößten Fans und Kenner der Anime-Serie.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Zwar habe ich mir vor Kurzem Death Note: R – Relight 1: Visions of a God angeschaut, doch mein letztes Mal mit Death Note als Anime-Serie liegt weit zurück. Entsprechend ist Death Note: R2 – Relight 2: L’s Successors auch für mich ein schwer zu durchschauender Film, der als Zusammenfassung nur bedingt funktioniert. Zwar klappt dies mit der einen oder anderen Erinnerung deutlich besser als beim Vorgänger, aber immer noch nicht gut genug, um auch Interessierte zu überzeugen, die mit Death Note bisher keinerlei oder nur sehr wenige Erfahrungen haben. In Anbetracht dessen, dass es Mitte der 2000er-Jahre auch eine gute Realverfilmung gab, ist es echt sehr schade, dass die Compilation-Filme allerhöchstens als Auffrischung dienen und Fans mit ein paar neuen oder abgeänderten Szenen einen Grund liefern, sich auf diese Version einzulassen – und nur an diese Zielgruppe richtet sich das Werk von Araki Tetsurō. Alle anderen sollten eher zur Serie greifen und damit die vollwertige Death-Note-Erfahrung sammeln!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Death Note: R2 – Relight 2: L’s Successors!

Zwischen den Jahren 2000 und 2013 arbeitete der Manga-Künstler Oku Hiroya an seinem Werk Gantz. Zwischenzeitlich folgten unter anderem eine Anime-Serie, ein Videospiel und Realfilme. Im Jahr 2016 produzierte Digital Frontier einen Animationsfilm zum Franchise.

Direkt zu Beginn von Gantz:0, so der Titel des Animationsfilms, wird Kennern der Vorlage klar, dass die Story von der Manga-Vorlage mehr oder weniger etwas abweicht. Im Tōkyōer Stadtteil kämpfen Shimohira Reika und ihr Kollege Kurono Kei gegen übernatürliche Wesen. Während der Schlacht wird Kei jedoch getötet. Kurz darauf springt das Geschehen zu einem weiteren Charakter. Der Oberschüler Katō Masaru ist auf dem Heimweg, um den Abend mit seinem kleinen Bruder Ayumu zu verbringen. Auf dem Bahnsteig bricht jedoch plötzlich das Chaos aus. Menschen laufen wie wild durcheinander. Ein Amokläufer sticht wahllos Leute ab. Um einen verwundeten älteren Herrn das Leben zu retten, begibt sich Masaru in Gefahr. Es kommt, wie es wohl kommen musste: Masaru wird vom Amokläufer erstochen. Damit endet die Handlung von Gantz:0 aber nicht. Plötzlich erwacht Masaru zu neuem Leben. In einem leeren Zimmer einer typischen japanischen Wohnung lernt er seine neuen Mitstreiter kennen. Der adrette wie kaltblütige Nishi Jōichirō, der fürsorgliche und wohlwollende Suzuki Yoshikazu und das ehemalige Model Reika bilden zusammen mit Masaru das so genannte Tōkyō-Team. Dieses bekommt von der titelgebenden schwarzen Kugel Gantz unverzüglich die nächste Mission: Ein Spiel auf Leben und Tod, das Masaru erst einmal lernen muss.

Übernatürliche Punktejagd

Ganz so perfide wie Alice in Borderland ist das Spiel in Gantz:0 zwar nicht, doch ist es alles andere als zimperlich. Die Teilnehmer der Veranstaltung werden in Kampfanzüge gesteckt und erhalten von Gantz Waffen. Mit diesen müssen sie in den Straßen von Ōsaka gegen die bereits angesprochenen übernatürlichen Wesen kämpfen. Angeblich handelt es sich bei den Kreaturen um Außerirdische. Ihr Design ist jedoch stark an Yōkai wie Wanyūdō oder Oni angelehnt, Wesen aus der japanischen Folklore. Obwohl die Spieler und Spielerinnen bereits gestorben sind, leben sie auf einer weiteren Existenzebene weiter. Für alle Kämpfer besteht die Möglichkeit, aus dem Spiel auszusteigen. Dies geschieht entweder durch den durchaus wahrscheinlichen endgültigen Tod, in dem sie von den Yōkai respektive Aliens in tausend Stücke gerissen oder gefressen werden, oder durch das Sammeln von einhundert Punkten. Punkte werden, wie könnte es auch anders sein, durch Abschüsse gesammelt. Einhundert Punkte können aber auch gegen zwei andere Belohnungen eingetauscht werden. Ist zum Beispiel ein früherer Kamerad im Kampf gefallen, so kann dieser aus dem Datenspeicher von Gantz zurückgeholt werden. Wer Gefallen am mörderischen Spiel gefunden hat, kann die einhundert Punkte auch ganz einfach gegen bessere und noch stärkere Waffen eintauschen.

Angemessener Animationsfilm

Mit der Zeit tauchen immer mehr und immer gefährlichere Kreaturen auf, die sich Masaru und seinen Gefährten in den Weg stellen. Die Kämpfe werden dabei auch angemessen in Szene gesetzt. Animationsfilme sprechen aufgrund der gewöhnungsbedürftigen Optik aber nicht jeden Zuschauer gleichermaßen an. Gantz:0 ist vielleicht nicht perfekt, doch können gerade die Umgebungsgrafiken punkten. Auch die Charaktermodelle und das Design der Monster können überzeugen. Im bildschirmfüllenden 16:9-Format und in der Auflösung von 1080p wirkt alles wie aus einem Guss. Dadurch, dass das Geschehen bei Nacht spielt, ist der Film nicht nur aufgrund seiner Handlung düster. Vor allem wenn Reklametafeln aufleuchten, ist das Bild richtig paralysierend. Die Musik passt stets zum Geschehen und tönt in DTS-HD Master Audio 5.1 aus den Lautsprechern. Sowohl bei der deutschen als auch bei der japanischen Synchronisation gibt es nichts auszusetzen. Anders sieht es beim digitalen Bonusmaterial aus, denn hier gibt es lediglich drei Trailer zur Project-Itō-Trilogie zu sehen. Immerhin liegt ein 36-seitiges Booklet bei, das Einsicht in die Story, den Charakteren und allgemein das Design gibt. Nicht sehr tiefgründig, aber Fans dürfte es gefallen. Der Zuschauer braucht zum Glück weder Vorwissen noch Booklet, um Spaß mit dem 95-minütigen Gantz:0 zu haben.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Gantz:0 erzählt keine tiefgründige Story. Dafür schickt mich der Film aber auf einen kurzweiligen wie interessanten Actiontrip. So gut wie in keiner Minute wird es langweilig, denn ständig tauchen auf dem Schlachtfeld Ōsaka neue Kreaturen auf, die die Kämpfer im Spiel auf Leben und Tod überwinden müssen. Das erinnert mit Ausnahme der Monstrositäten ein wenig an Alice in Borderland, ist hier aber bodenständiger und von Beginn an verständlicher. Auch wenn ich nicht der größte Fan von Animationsfilmen bin, können mich gerade die japanischen Werke immer wieder überraschen. So auch Gantz:0 mit seinen heftig inszenierten Kämpfen, der düsteren wie stilisierten Gestaltung der Kampfanzüge und Waffen und nicht zuletzt dem ineinandergreifenden Design von Charaktermodellen und Umgebungsgrafiken. Kenner der Vorlage werden sicherlich Spaß mit Gantz:0 haben – und wer wie ich die Manga-Reihe von Oku Hiroya nicht kennt, muss ebenfalls nicht verzagen. Der Film lässt sich vollständig ohne Vorkenntnisse ansehen und lässt sich anderthalb Stunden lang genießen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Gantz:0!

Zwischen 2016 und 2020 erschien in Japan der Manga Yakusoku no Nebārando von Manga-Autor Shirai Kaiu. 2019 folgte die Anime-Adaption. Unter dem ins Englische übersetzte Titel The promised Neverland wurde die Anime-Serie auch hierzulande mittlerweile veröffentlicht.

Im Mittelpunkt von The promised Neverland steht die Geschichte verschiedener Waisenkinder, die auf ihre Adoption warten. Alle paar Monate kommt es vor, dass die Aufseherin des Waisenhauses, von allen Kindern liebevoll Mama Isabella genannt, auf ihren Kalender den Adoptionstag eines Kindes einkreist. Auch wenn die Kinder nur schwer Abschied voneinander nehmen können, freuen sie sich, als das sechsjährige Mädchen Conny adoptiert werden soll. Am Abend geleitet Mama die kleine Conny vom Waisenhaus zum riesigen Tor am Rande des Grundstücks. Währenddessen fällt ihren beiden Freunden Emma und Norman auf, dass Conny ihr  Lieblingskuscheltier, Little Bernie, vergessen hat. Obwohl sie des Nachts das Waisenhaus nicht verlassen und eigentlich auch nicht zum Tor gehen dürfen, möchten sie nicht, dass Conny auf ihr Plüschtier verzichten muss. Am Tor angekommen, bemerken Emma und Norman, dass Mama und Conny schon längst durch den dahinter liegenden Tunnel gegangen sein müssen. Sie nehmen ihren Mut zusammen und folgen den beiden durch den dunklen Gang. Auf der Ladefläche eines Fahrzeugs machen sie eine grauenvolle Entdeckung: Conny ist tot! Wenig später müssen sie, gut versteckt, mit ansehen, wie ihre Mama mit zwei Ungeheuern spricht. In letzter Minute gelangen sie völlig außer Atem zurück ins Waisenhaus.

Gewagtes Spiel mit kindlicher Psyche

Aus der anfänglichen Idylle des Waisenhauses, in der jedes Kind vergnügt sein kann, entwickelt sich ein Alptraum. The promised Neverland ist kein Anime für schwache Nerven, spielt er doch sehr mit der Angst von Kindern, gefressen zu werden. Tag ein, Tag aus müssen die Kinder im Waisenhaus lernen und möglichst hohe Punktzahlen erreichen. Auch sportliche Betätigung steht auf dem Plan. Offenbar benötigen die Monster Kinder, die sowohl körperlich als auch psychisch fit sind. Ohne ins Detail zu gehen, erfahren sowohl der Zuschauer als auch die kleinen Protagonisten mehr und mehr über das Waisenhaus. Über die Welt außerhalb des mit einer großen Mauer umzogenen Grundstücks erfährt der Zuschauer hingegen wenig, weshalb jeder Informationshappen sofort positiv aufgesaugt wird. Handlungstechnisch ist dies sogar plausibel erklärt, denn auch die älteren Figuren wie die überdrehte Schwester Krone können den Kindern, vermutlich wahrheitsgemäß, nicht viel über das Leben außerhalb des Waisenhauses erzählen. Dem Zuschauer macht es Spaß, die Lügen von Mama Isabella zu durchschauen und schlussendlich die Wahrheit herauszufinden. Spannung wird jedoch vor allem durch den eigentlichen Handlungsstrang aufgebaut, denn Emma und Norman wollen selbstverständlich nicht das Hauptgericht von überdimensional großen Monstern werden!

Flucht nach Vorne

Damit sie nicht verspeist werden, schmieden Emma und Norman einen Plan, aus dem Waisenhaus zu entkommen. Sie weihen auch den durchtriebenen Ray in ihre Pläne ein, der insgeheim schon länger an einem Fluchtplan arbeitet und ihnen hilfreiche Unterstützung anbietet. Immer mehr Kinder erfahren die Wahrheit über das Waisenhaus und ihre zunehmend kühler werdende Mama. Dies führt dazu, dass sie immer vorsichtiger werden müssen, da Isabella ihnen nach und nach auf die Schliche kommt. Ständig treten unvorhersehbare Dinge ein, auf die die Kinder schnell eine Antwort finden müssen. Zudem stehen sie auch unter Zeitdruck, denn der „Adoptionstermin“ von Ray rückt kontinuierlich näher. Unterm Strich bietet The promised Neverland den Nervenkitzel der US-amerikanischen Fernsehserie Prison Break von 2005 und verfügt darüber hinaus über ganz leichte Mystery-Anleihen, die Anime-Serien wie Attack on Titan in der richtigen Dosis so großartig machen! Visuell kann The promised Neverland ebenfalls überzeugen. Auch wenn die Außenszenen und zum Teil auch Innenräume etwas zu steril wirken, ist jederzeit zu sehen, dass das Animationsstudio CloverWorks unter der Regie von Kanbe Mamoru sehr viel Liebe in die kindlichen Charaktere hat einfließen lassen. Durch die Musik von Obata Takahiro bleibt es in allen zwölf Episoden der ersten Staffel stimmungsvoll. Der Cliffhanger am Ende der letzten Folge macht definitiv Lust auf mehr!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf dem Stream bei Amazon Prime): Vor ein paar Jahren bin ich zufällig über die Anime-Serie The promised Neverland gestolpert, hatte seither jedoch keine Möglichkeit geschweige denn die Zeit gefunden, mich auf das Werk von CloverWorks einzulassen. Glücklicherweise sorgte ein weiterer Zufall dafür, dass ich die Anime-Serie im Streaming-Angebot von Amazon Prime fand. Nach dem Ansehen aller zwölf Episoden bin ich froh, dass ich mich auf die erste Staffel eingelassen habe. Das Szenario ist zwar bekannt, funktioniert aber auch mit dem Setting eines Waisenhauses wunderbar. Es ist aufregend, den Kindern bei der Planung der Flucht von einem Ort, an dem unterschwellig das absolute Grauen herrscht, zu folgen. Hierbei setzt die Anime-Serie gut dosiert auf Mystery-Elemente und verrät selbst durch die älteren Figuren nur wenig über die Welt von The promised Neverland. Dennoch gelingt es der Anime-Serie mit ihrem meist düsteren Zeichenstil, nach und nach neue Hindernisse aufzuwerfen, die die Kinder überwinden müssen. Der Zuschauer bleibt dabei angewurzelt vor dem Fernseher sitzen – und ehe er sich versieht, flimmert auch schon der Abspann der letzten Episode über den Bildschirm. Dadurch, dass die erste Staffel halbwegs offen endet, freue ich mich schon sehr auf die hoffentlich ebenso gut gelungene Fortsetzung!