Während die ersten beiden Serienboxen von Dragon Ball Z Kai wunderbar gezeigt haben, wie man eine langgestreckte Handlung sehr gut komprimieren kann, fühlten sich die Episoden der dritten Serienbox dennoch etwas zu leer an. Die vierte Serienbox will es wieder richten.

Ein ganzes Jahr ist vergangen, seit Son Gokū auf dem Planeten Namekku seinen bisher stärksten Gegner Furīza erledigt hat. Seitdem herrscht Frieden auf der Erde. So dachten wir jedenfalls, denn der Außerirdische hat sowohl Son Gokūs letzten Angriff, als auch die von ihm ausgelöste Explosion des Planeten überlebt. Der noch viel mächtigere Korudo Daiō sammelt die Überreste seines Sohnes Furīza auf und lässt ihn zusammenflicken. Gemeinsam machen sich Vater und Sohn auf, um die Erde zu überfallen und schließlich Son Gokū, der sich nach seiner Auszeit wieder auf dem Weg in seine Heimat bewegt, zu töten. Da sich Furīza, sein Vater Korudo Daiō und ihre Schergen bis zu Son Gokūs Ankunft auf dem Planeten noch drei Stunden gedulden müssen, planen sie, die gesamte Erdbevölkerung zu töten. Just in diesem Moment taucht ein unbekannter Schwertkämpfer auf, der seine Kampfkraft erst unterdrückt und sich dann plötzlich in einen Super-Saiyajin verwandelt, um die Feinde mit Leichtigkeit zu besiegen. Als Son Gokū endlich auf der Erde ankommt, stellt sich ihm der Schwertkämpfer als Torankusu, der Sohn von Bejīta und Buruma, vor. Dieser kommt zwanzig Jahre aus einer dystopischen Zukunft, in der die Erde von zwei gefährlichen Cyborgs fast völlig zerstört wurde und jeder fähige Kämpfer entweder im Kampf gefallen oder an Krankheit gestorben ist.

Cyborgs und Zeitreisen

Hauptsächlich drehen sich die fünfzehn Episoden der vierten Serienbox um die Cyborgs, die die Erde angreifen. Den Helden bleiben insgesamt drei Jahre, bis die Cyborgs auftauchen und um zu trainieren. Schließlich finden sich alle Kämpfer in der Nähe der Stadt, in der die Feinde erstmals auftreten, ein. Allerdings passiert zur von Torankusu angegebenen Uhrzeit nichts – ein wenig später tauchen die Cyborgs wie prognostiziert auf. C19 und C20, wie sich die beiden selbst bezeichnen, verfügen über Absorptionsfähigkeiten, mit denen sie die Energie jedes Feindes einsaugen können, um sich selbst zu stärken. Als Torankusu aus der Zukunft zurückkehrt, um seine Freunde zu unterstützen, wundert er sich jedoch über das Aussehen der beiden Cyborgs, die in seiner Zeit ganz anders aussehen. Warum das so ist, wollen wir für Nichtkenner der Vorlage gar nicht so genau ausführen. Es sei aber gesagt, dass das Eingreifen in die Zeit – wie in jeder Science-Fiction-Geschichte – unbeabsichtigte Folgen hat und so kommt es in den Episoden der vierten Serienbox zu nicht einkalkulierten Geschehnissen. Es bleibt dank vieler Überraschungen und zahlreichen Konstellationen im Kampf gegen die Cyborgs, die von Dokutā Gero, einem früheren Wissenschaftler der von Son Gokū in der dritten Serienbox von Dragon Ball quasi im Alleingang zerschlagenen Red-Ribbon-Armee, erschaffen wurden.

Ausgeklammerter Handlungsbogen

Wer die Dragon-Ball-Z-Vorlage kennt, der wird wissen, dass zwischen dem ersten Sieg über Furīza und Torankusus Auftauchen noch ein Feind namens Gārikku Junia vorkommt. Hierbei handelt es sich in der Vorlage um eine Filler-Geschichte, die inhaltlich noch dazu eine Fortsetzung des ersten Dragon-Ball-Z-Kinofilms ist. Wer diesen also zuvor nicht gesehen hat, saß auf einmal verdutzt vor dem Fernseher – besonders deutsche Zuschauer waren davon betroffen, da der etwaige Film hierzulande erst 2004, und somit nach der (fast) gänzlichen Ausstrahlung der Anime-Serie in Deutschland, veröffentlicht wurde. Da Dragon Ball Z Kai ohne Filler-Episoden auskommen soll, haben sich die Verantwortlichen dazu entschieden, auf den Handlungsstrang komplett zu verzichten. Das fühlt sich einerseits gut an, da so die Rückkehr von Furīza wesentlich greifbarer ist. Andererseits war der Handlungsstrang um Gārikku Junia ein Teil der Story, sodass sich manch Fan auch darüber gefreut hätte, wenn der erste Kinofilm in den Kanon aufgenommen würde. Vermutlich ist das Ausklammern der Geschichte aber die elegantere Lösung, mit der sich sicherlich jeder anfreunden kann. Nach der ernüchternden dritten Serienbox kann die komplette vierte Serienbox durchweg überzeugen. Nur am Bonusmaterial hat sich nichts geändert. Dieses besteht aus einem Episodenguide und Postkarten.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nachdem mich die Episoden der dritten Serienbox von Dragon Ball Z Kai aufgrund des in meinen Augen immer noch ein wenig in die Länge gezogenen Kampfes gegen Furīza eher weniger zugesagt haben, konnten mich die fünfzehn Folgen der vierten Serienbox wieder deutlich mehr ansprechen. Die Geschichte ist mit Zeitreisen, verschiedenen Erzählebenen, zahlreichen Überraschungen und unerwarteten Wendungen, unterschiedlichen Charakteren und damit abwechslungsreichen Kampfkonstellationen jederzeit spannend und unterhaltsam. Zwischen den Episoden 55 und 69 demonstriert die ausgearbeitete Handlung dermaßen gut, welche Qualitäten sie zu Hochzeiten der ursprünglichen Dragon-Ball-Serie hatte. So darf das gerne weitergehen und ich bin schon sehr gespannt, wie die Rettung der Erde in der fünften Serienbox ein weiteres Mal vollzogen wird. Jeder Fan von Dragon Ball Z Kai sollte hier also unbedingt zuschlagen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Dragon Ball Z Kai (Box 4, Episoden 55-69)!

Black Butler gehört zu den Anime-Serien, die in den letzten Jahren und damit kurz nach ihren Releases sehr an Popularität gewannen. In der ersten Volume werden die wichtigsten Charaktere und das Universum vorgestellt; die Einführung in die Story gelingt dem Anime sehr gut.

Black Butler beziehungsweise Kuroshitsuji, wie der japanische Originaltitel der Anime-Serie heißt, erzählt sowohl die Geschichte des titelgebenden Dieners Sebastian Michaelis, als auch den Werdegang des zwölfjährigen Ciel Phantomhive. Letzterer hat ein verheerendes Feuer, bei dem sein Zuhause abgebrannt ist und seine Eltern getötet worden sind, scheinbar unversehrt überlebt. Allerdings stand dem alleinigen Erben und Besitzer einer großen Firma, die Spielzeuge in Europa herstellt, plötzlich Diener Sebastian zur Seite. Die genauen Hintergründe, warum Sebastian auf einmal im Dienste von Ciel steht, bleiben in den ersten dreizehn Episoden, die in der ersten Volume enthalten sind, weitgehend im Hintergrund. Fakt ist jedoch, dass Sebastian kein gewöhnlicher Diener, sondern ein gewiefter Teufel ist, mit dem Ciel einen Pakt geschlossen hat. Trotzdem muss Sebastian seinem neuen Herrn gehorchen – und das macht er mit großer Freude. Angesiedelt ist der Serienauftakt im Jahr 1888. Ciel steht im Auftrag von Königin Victoria, die ihn dazu ermutigt, die englische Unterwelt in Schach zu halten. Da Ciel so den Titel „Wachhund der Königin“ erhalten hat, ist er für die kriminellen Subjekte Londons ein Dorn im Auge. Das hält ihn und Sebastian allerdings nicht zurück, für Recht und Ordnung zu sorgen. Einer ihrer ersten Ziele ist sogar die Entlarvung von Jack the Ripper.

London Bridge is falling down

In vielerlei Hinsicht orientiert sich die Anime-Serie an historischen Fakten. Beispielsweise ist in ein paar Einstellungen deutlich zu erkennen, dass sich die Tower Bridge noch im Bau befindet. Außerdem werden verschiedene Opfer des Rippers namentlich erwähnt und auch die Tatsache, dass bei mindestens zwei Opfern die Gebärmutter entnommen wurde, ist in Black Butler in die Handlung eingewebt. Da sich die Story zu sehr auf diese spezielle Form der Verstümmelung konzentriert, ist deutlich zu erkennen, dass sich die Anime-Serie auch ein paar künstlerische Freiheiten lässt. So wird der an der Untersuchung der Ripper-Morde beteiligte Inspektor Frederick George Abberline, der im Herbst 1888 bereits 45 Jahre alt ist, deutlich jünger porträtiert. Des Weiteren wird in einer Episode ein so genannter Wintermarkt auf der zugefrorenen Themse abgehalten, der sich stark an den realen Frostjahrmärkten orientiert – ein solches Ereignis fand 1888 allerdings nicht statt, was nicht nur am milderen Klima, sondern vor allem am Neubau der London Bridge 1832 lag, wodurch das Wasser nicht mehr so effektiv gestaut werden konnte und damit der letzte Frostjahrmarkt auf das Jahr 1814 datiert werden kann. Inhaltlich können sämtliche Episoden trotz oder gerade wegen dieser künstlerischen Freiheiten mit ein paar Wendungen und Überraschungen durchgehend unterhalten.

Teuflisch gut inszeniert

Unter optischen Gesichtspunkten weiß die Anime-Serie ebenfalls zu überzeugen. Sämtliche Charaktere und Umgebungen wirken trotz des eher etwas düsteren – und nur in seltenen Fällen übertrieben bunten – Zeichenstils kontrastreich. Während sich das Produktionsteam neben der Manga-Vorlage auch an historischer Kleidung orientiert hat, fallen viele Details in puncto Innenarchitektur wie die Glöckchen an der Wand, um Diener zu alarmieren, auf. Interessierte an der Epoche des viktorianischen Englands werden mit Black Butler dank der sauberen Darstellung im bildschirmfüllenden 16:9-Format und in der Auflösung von 1080p der Blu-ray-Fassung ihre wahre Freude haben. Hinzu kommt eine passende Musikuntermalung im Tonformat DTS-HD 2.0, die jederzeit mit düsteren Klängen das Geschehen wunderbar unterlegt. Obwohl uns sowohl der japanische Originalton, als auch die deutsche Synchronisation gefällt, hat unserer Meinung nach die deutsche Sprachfassung leicht die Nase vorn. Auf digitales Bonusmaterial sollte man sich jedoch nicht einstellen. Stattdessen liegen der ersten Volume nicht nur eines, sondern gleich zwei Booklets bei. Diese beinhalten neben Episodenguides zu allen dreizehn Folgen dieser Ausgabe auch zahlreiche Informationen zu den Charakteren und interessante Interviews mit dem Produktionsteam, was jeden Fan zufriedenstellen sollte.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Wenn man so wie ich die Manga-Vorlage nicht gelesen hat, wird man es sicherlich ein wenig schwer haben, in das Universum von der ersten Minute an einzutauchen. Nach zwei bis drei Episoden – und der Erwähnung von Jack the Ripper – habe ich mich jedoch schnell mit Black Butler anfreunden können. Die Anime-Serie orientiert sich in vielen Punkten an historischen Tatsachen und nimmt sich genau die richtige Portion Freiheiten, um ihre eigene Geschichte in den geschichtlichen Kontext zu pressen. Schade finde ich nur, dass ausgerechnet die Quintessenz dieser Erzählung auf der Strecke bleibt. Mir ist zwar durchaus bewusst, dass Ciel und Sebastian einen Pakt geschlossen haben, doch sind mir die Inhalte ihres Vertrages ebenso wie das Ziel der Handlung unklar. Dennoch macht mich jede einzelne Information, die beiläufig eingeworfen wird, wissbegierig. Entsprechend freue ich mich schon sehr auf die nächste Ausgabe und kann an dieser Stelle die erste Volume Fans von historischen Abenteuern mit Comedy-Elementen empfehlen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Black Butler (Vol. 1)!

Von 1992 bis 2002 zeichneten die Mangaka der Autorinnengruppe Clamp an der Manga-Serie X. In den Jahren 2001 und 2002 folgte schließlich die Anime-Serie, die hierzulande nur ein paar Jahre später auf dem Musikfernsehsender Viva ausgestrahlt und jetzt zum ersten Mal auf Blu-ray Disc veröffentlicht wurde.

Wie die Manga-Vorlage thematisiert auch die 24-teilige Anime-Serie X den Kampf um das Ende der Welt, der zwischen den so genannten Himmelsdrachen und ihren Gegenspielern, den Erddrachen, ausgetragen wird. Im Mittelpunkt dieser Auseinandersetzung steht der fünfzehnjährige Shirō Kamui, der nach sechs Jahren von Okinawa nach Tōkyō zurückkehrt. Er erfährt, dass er die wichtigste Rolle im Kampf zwischen Himmels- und Erddrachen einnimmt. Kamui muss sich entscheiden, ob er sich den Erddrachen, die die Erde aufgrund der Zerstörungswut der Menschen erneuern und somit die Zivilisation zerstören wollen, oder sich den Himmelsdrachen, die auf die Vernunft der Menschen vertrauen und den Planeten in seiner Form erhalten möchten, anschließt. Zu Beginn der Anime-Serie ist innerlich zerrissen. Aufgrund dessen distanziert er sich bewusst von den Freunden seiner Kindheit, den Geschwistern Monō Fūma und Monō Kotori. Er ist sich bewusst, dass eine Entscheidung Konsequenzen für die gesamte Menschheit nach sich ziehen wird. Dennoch wählt Kamui in der Mitte der Handlung eine der beiden Seiten, um seine beiden engsten Freunde zu beschützen – allerdings sorgt genau diese Entscheidung dafür, dass nicht nur seine neuen Verbündeten, sondern auch seine beiden Freunde aus Kindheitstagen, durch das Einläuten des letzten Kampfes in große Gefahr gebracht werden.

Figurenmosaik

X ist eine Serie, die sich weniger auf die Handlung, sondern verstärkt auf die Charaktere konzentriert, die die Story mit ihren persönlichen Geschichten vorantreiben. Dementsprechend ist auch der zwischenmenschliche Aspekt nicht zu unterschätzen. Aufgrund der hohen Anzahl an Charakteren, die auf Seiten der Himmels- und Erddrachen kämpfen und jeweils ihre eigenen Hintergründe haben, ist die Darstellerriege komplex und nicht einfach zu durchschauen. Hinzu kommt, dass vor allem in der ersten Serienhälfte nicht immer klar ist, wer nun auf welcher Seite kämpft und sich die Figuren untereinander teilweise kennen, ohne zu wissen, dass ihr Gegenüber für ein anderes Ziel hinarbeitet. Das macht die Story spannend und ein Vergleich mit der Fernsehserie Game of Thrones ist nicht falsch, da die Zuschauer ab Kamuis Entscheidung darum bangen müssen, dass ihre Lieblingshelden nicht verletzt oder gar unwiderruflich getötet werden. Das einzige, was mitunter den einen oder anderen Zuschauer ärgern könnte, ist die Ausweitung einer überschaubaren Handlung auf 24 Episoden. Hier wären ein paar Folgen weniger vielleicht besser gewesen. Trotzdem kann jede Folge mit mystischen Elementen durchweg unterhalten. Diese mystischen Elemente spiegeln sich im Nutzen des Onmyōdō, der sich auf zeitliche Abfolgen und Vorhersagen konzentriert, wieder. Magie und das Erschaffen von Bannkreisen sind weitere Teile dieser Mystik, die gelegentlich zum Einsatz kommen.

Musikwechsel

Viele Kämpfe in X dauern maximal ein bis zwei Minuten und nur selten werden mehrere Angriffe hintereinander ausgeführt. Das ist auf der einen Seite zwar glaubhaft, doch auf der anderen Seite verliert die Serie so an Dynamik. Dargestellt wird die Action aufgrund des Serienalters bei einer Auflösung von 1080p im Bildformat 4:3; links und rechts sind schwarze Balken durchweg zu erkennen. Die Bildqualität wurde für die Blu-ray-Veröffentlichung ein wenig hochgeschraubt und außerdem liegen die deutsche als auch die japanische Tonspur im hochwertigen Tonformat DTS-HD 5.1 vor. Beide Synchronfassungen können mit tollen Sprechern punkten und wer lieber den japanischen Originalton genießen will, darf sich über (abschaltbare) deutsche Untertitel freuen. Unterschiede bei der prägnanten musikalischen Untermalung gibt es nur beim Opening und Ending. In der deutschen Fassung hat man sich für den Song Mother Earth von der niederländischen Symphonic-Metal-Band Within Temptation entschieden, der sich stark auf den Inhalt der Serie stützt. In puncto Bonusmaterial liegt auf der ersten Disc die 25-minütige Original Video Animation vor, die halb die Vorgeschichte darstellt und halb einen Ausblick auf den weiteren Handlungsverlauf der Serie gibt. Obwohl sich die Spoiler in Grenzen halten, ist der Einblick mit Vorsicht zu genießen. Physisches Material liegt nur in Form eines Aufklebers vor, ein umfassendes Booklet hätte die Veröffentlichung aber ebenso wie der fehlende Film zur halbwegs abgeschlossenen Serie komplettiert.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Anfang der 2000er Jahre habe ich die meisten Anime-Serien noch über die Ausstrahlung im Fernsehen verfolgt. Eines Tages wurde ich auf X aufmerksam – und obwohl ich die Serie nur sporadisch verfolgen konnte, wusste ich, dass sie mir gefällt. Anderthalb Dekaden lang habe ich darauf gewartet, die Serie von Anfang bis Ende zu sehen. Die rosarote Brille, die ich mir hinzugedichtet habe, musste ich nach wenigen Episoden allerdings ablegen. Der Zauber, der die Serie für mich so faszinierend gemacht hat, ist schnell verflogen. Das heißt aber noch lange nicht, dass es sich bei X um eine schlechte Serie handelt – ganz im Gegenteil! X gehört zu den Serien, die eine erwachsene und komplexe Handlung erzählen. Das liegt vor allem an den zahlreichen Charakteren, die allesamt ihre eigene Hintergrundgeschichte und Persönlichkeit haben. Einerseits ist es gut, dass die Serie diesen Charakteren 24 beziehungsweise 25 Episoden Zeit lässt, um sich zu entfalten. Andererseits ist genau dieser große Spielraum für die überschaure Handlung meiner Meinung nach zu viel. Man hätte im Grunde alles auf eine etwas überschaubarere Folgenanzahl reduzieren können. Dennoch hatte ich von Anfang bis Ende meinen Spaß mit X, da nur wenige andere Serien es schaffen, mit so vielen Charakteren zu einem zufriedenstellenden Ende geführt zu werden. Gerne möchte ich mehr von X sehen, denn obwohl das Ende halbwegs abgeschlossen ist, gilt zumindest die Manga-Vorlage in Japan seit 2002 noch als pausiert. Hoffen wir mal, dass die Zeichnerinnen von Clamp die Serie früher oder später fortsetzen – und vielleicht haben wir dann sogar das Glück auf eine Fortsetzung der Anime-Serie. Zu wünschen ist es dem Franchise auf jeden Fall!

Vielen Dank an Nipponart für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von X (Collector’s Edition)!

© CLAMP/KADOKAWA SHOTEN/TV (X) PROJECT (Abbildungen)

Im Jahr 2004 wurde der The Place promised in our early Days von Regisseur Shinkai Makoto in Japan unter dem Originaltitel Kumo no Mukō, Yakusoku no Basho veröffentlicht. 2010 folgte die Veröffentlichung in Deutschland. Sieben Jahre später wird er nochmals vermarktet.

The Place promised in our early Days spielt in einer alternativen Realität in Japan. Seit Jahrzehnten ist das Land in eine Nord- und in eine Südhälfte geteilt. Während die nördlichste Hauptinsel Japans, Hokkaidō, von der so genannten Union angeführt wird, wird der Rest des Landes von den Vereinigten Staaten von Amerika unterstützt. Über die politischen Verhältnisse schweigt der Anime-Film zwar weitgehend, doch lässt sich die Union zumindest als nationalistisch identifizieren, da sie Hokkaidō in den ursprünglichen Namen Ezo umbenannt hat. Aufgrund gegensätzlicher Ansichten ist die Lage angespannt; Dialoge und Nachrichten, die gelegentlich nebenher aus Radiolautsprechern dröhnen, intensivieren die schwermütige Stimmung. Inhaltlich erzählt der Film in dieser düsteren Zeit die Geschichte der drei Freunde Fujisawa Hiroki, Sawatari Sayuri und Shirakawa Takuya. Gezeigt wird ihr Leben über mehrere Jahre hinweg, wobei der Verlauf der Zeit durch die Konstruktion eines eigenen Flugzeugs deutlich wird. Der Bau des Fliegers beginnt in ihrer Jugend und begleitet die Hauptfiguren, mit einer langen Unterbrechung, durch den gesamten Film. Durch verschiedene Umstände distanzieren sich die Charaktere zeitweise unfreiwillig voneinander, wodurch die Handlung gespalten und nur durch gemeinsame Elemente, wie durch die Figur Okabe oder ein riesiger und noch von Tōkyō aus sichtbarer Turm an der Küste Hokkaidōs, zusammengehalten wird.

Distanzen als Mittelpunkt

Wie schon in Voices of a Distant Star sind Distanzen das zentrale Handlungsthema des Films. Damit sind zum einen die tatsächlichen Entfernungen gemeint, schließlich lebt Hiroki in der Mitte der Geschichte in Japans Hauptstadt Tōkyō und Takuya verbleibt in der Präfektur Aomori, den am meist genutzten Handlungsort des Films. Zum anderen ist damit auch die Distanz zwischen ihnen und Sayuri gemeint, die plötzlich ohne jede Spur verschwindet und sich an einem Ort befindet, an dem ihre beiden Freunde sie nicht ohne Weiteres erreichen können. Surreale Elemente unterstützen den Aufbau der Story in verschiedenen Szenen und werden schließlich im Finale des circa 91-minütigen Films aufgelöst. Obwohl die Distanzen als zentrales Thema funktionieren, kann sich die Filmhandlung nicht gänzlich darauf stützen. Auch der Science-Fiction-Anteil, der sich um parallele Dimensionen dreht, kann das Szenario nur am Rande bereichern. Die sehr langsam erzählte und charakterbezogene Handlung verlässt sich stark auf die Dialoge, die manchmal sogar poetische Züge annehmen. Shinkai Makoto kopiert abermals seinen eigenen Erzählstil und schlägt damit den Bogen zu einem seiner späteren Werke, 5 Centimeters per Second. Auch in diesem Film ist das Ende der Handlung offen und lässt damit dem Zuschauer die Möglichkeit, sich selbst vorzustellen, wie das Leben der Hauptfiguren – und dieses Mal auch die Zukunft zweier Nationen – weiterverlaufen wird.

Melancholisch-schöne Grundstimmung

Unter optischen Gesichtspunkten gehört The Place promised in our early Days trotz seines Alters zu den eindrucksvollsten Titeln. Landschaften, Objekte, Architektur und Proportionen der Charaktere sind realitätsnah gestaltet, mit viel Farbe überzeichnet und wirken durch das Zusammenspiel aus Licht und Schatten jederzeit glaubhaft. Neben dem scharfen Bild in der Auflösung von 1080p und im bildschirmfüllenden 16:9-Format kann auch der Soundtrack im Tonformat DTS-HD Master Audio 5.1 punkten. Die halb fröhlichen und halb melancholischen Musikstücke von Komponist Shirakawa Atsushi, die sich meist aus Geigen- und Klavierklängen zusammensetzen, sind schnell verinnerlicht und veranlassen den Zuschauer spätestens beim zweiten Hören, die nächste Note zu vervollständigen. Sowohl die deutsche, als auch die japanische Synchronisation sind gelungen. Für beide Versionen hat man sich passende Synchronsprecher ausgesucht, welche die traurig-schöne Grundstimmung mit ruhiger Betonung harmonisch ausdrücken. Lediglich die teilweise falsche Aussprache von japanischen Begriffen wie Hokkaidō ist in der deutschen Fassung gelegentlich störend. Möchte man sich die japanische Sprachfassung ansehen beziehungsweise anhören, sind deutsche Untertitel Pflicht, da sie sich nicht deaktivieren lassen. Digitales Bonusmaterial liegt auf der Blu-ray Disc nicht vor, als physische Dreingabe winkt jedoch ein hochwertiges Booklet mit 48 Seiten.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fassung (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Shinkai Makoto gehört in meinen Augen zu den fähigsten Regisseuren Japans; zumindest in puncto tiefgründiger Themen erreicht er mit jedem seiner Filme niveauvolle Zuschauer anzusprechen. Freundschaft, Distanzen und Ungewissheit sind Aspekte, die er in The Place promised in our early Days aufgreift. Allerdings gelingt es ihm auch dieses Mal nicht, einen Handlungsbogen zu schließen. Das absichtlich offen gelassene Ende nutzt er dazu, dass der Zuschauer auch nach dem Ende des Films über dessen Ausgang nachdenkt und wie das Leben der Figuren weiterverlaufen könnte. Sein Stil mag sicherlich nicht den durchschnittlichen Anime-Zuschauer ansprechen, doch die aufwendige Gestaltung wird sicherlich nicht nur bei einem kleinen Kreis Anklang finden. Shinkai-Makoto-Fans haben längst vor dem Lesen dieses Reviews ihre Kopie des Films gekauft und alle, die es noch werden wollen, sollten aufgrund der erwachsenen Erzählung, der interessanten Thematik und der ästhetischen Gestaltung unbedingt zugreifen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von The Place promised in our early Days!

Attack on Titan ist in der dritten Volume Erens Ziel, das Geheimnis des Kellers seines Elternhauses zu lüften, ein gutes Stück nähergekommen. Diesem Unterfangen machte allerdings ein neuer Feind einen Strich durch die Rechnung – nun muss dieser zunächst bekämpft werden.

Am Ende der dritten Volume ist es dem Aufklärungstrupp überraschend gelungen, den plötzlich aufgetauchten und so genannten weiblichen Titanen zu fangen. Obwohl Hauptgefreiter Levi Ackermann und Kommandant Erwin Smith überzeugt sind, dass sie die Situation unter Kontrolle haben, eskaliert diese nur wenige Augenblicke später. In völliger Selbstüberschätzung erklärt Levi dem weiblichen Titanen, dass er sich bewusst ist, dass ein ihn kontrollierendes menschliches Wesen in ihm steckt und er diesem Menschen alle Gliedmaßen abtrennen will. Daraufhin stößt der weibliche Titan einen dermaßen lauten Schrei aus, dass sämtliche Titanen der Umgebung angelockt werden und dafür sorgen, dass der weibliche Titan peu á peu aufgefressen wird, der Mensch in ihm entkommen und in seiner natürlichen Form weiter Jagd auf Eren Jäger machen kann. Dieser ist auf Geheiß von Levi weiterhin unterwegs mit anderen Mitgliedern des Aufklärungstrupps, um aus dem Wald zu verschwinden und das Ziel, zur Mauer Maria vorzudringen, zu verfolgen. Dadurch, dass die Flucht ihres Gegenspielers ihr Unterfangen torpediert, werden Eren und die anderen in einen Kampf verwickelt, der darin gipfelt, dass er sich entscheiden muss, ob er seinen Kollegen blind vertraut und auf ihren Wunsch hin nicht eingreift oder er sich in einen Titanen verwandelt, um sie zu unterstützen.

Spannung bis zur letzten Minute

In der vierten Volume erhalten Entscheidungen eine ganz neue Bedeutung. Schon in den Folgen der dritten Ausgabe hat Levi geäußert, dass es keine richtigen oder falschen Entscheidungen bezüglich Erens Verwandlungsfähigkeit gibt. Durch Bekanntwerden der wahren Bedrohung betrifft es allerdings auf einen Schlag den ganzen Aufklärungstrupp, wie sich Eren und einzelne Individuen bei verschiedenen Wahlmöglichkeiten in der Ereigniskette entscheiden. Neben dem Wald mit den riesigen Bäumen und der Ebene zwischen diesem und dem abgeschirmten Bereich hinter der Mauer Rose gibt es in der abschließenden Volume der ersten Staffel einen weiteren Handlungsort. Dieser umfasst den Bezirk Stohess, sodass schlussendlich auch die Militärpolizei durchleuchtet werden kann. Das Finale zu beschreiben würde an dieser Stelle aber nur mit Spoilern möglich sein, weshalb wir nur so viel verraten, dass die Identität von Erens Gegenspieler aufgedeckt werden kann und die Handlung zumindest halbwegs zu einem gelungenen Abschluss geführt werden kann. In puncto Spannung gelingt es Wit Studio, dem Animationsstudio der Anime-Serie, wunderbar, das Geschehen aus der Manga-Vorlage in animierte Bilder zu übertragen und bis zur letzten Minute zu begeistern. Obwohl das offene Ende Lust auf mehr macht, kann man sich nach dem Ansehen zurücklehnen.

Gelungener Staffel-Abschluss

Unserer Erfahrung nach gelingt es nur sehr wenigen Anime-Serien, bei einem offenen Ende zum einen die Spannung bis zur letzten Minute aufrechtzuerhalten und zum anderen, zugleich ausreichend Antworten zu liefern und neue Fragen aufzuwerfen. Wir sind definitiv sehr gespannt darauf, wie es mit der Serienhandlung weitergeht. Ebenfalls genüsslich bis zum Ende haben wir jedes einzelne Bild verschlungen, da man bis zuletzt an den wunderbaren Animationen, dem markanten Zeichenstil und der schönen Optik festgehalten hat. Ähnliches gilt auch für den Soundtrack der Serie, der wirklich fantastisch jede einzelne Szene unterlegt. Es war uns nicht möglich, hier das Haar in der Suppe zu finden – selbst die Lüftung der Identität des vermeintlichen Bösewichts ist gleichermaßen offensichtlich, als auch geschickt umgesetzt, dass man es zwar hätte kommen sehen müssen, man aber in keinem einzelnen Moment daran gedacht hat. In puncto Bonusmaterial fährt man dasselbe Hauptprogramm wie in den drei Volumes zuvor ab – mit dem Unterschied, dass ein Special vom Youtube-Kanal Ninotaku auf der Blu-ray Disc vorliegt. Hier erhalten wir leichte Einblicke in die Synchronisation mit den deutschen Sprechern. Fans der deutschen Fassung wird das freuen, doch wer den japanischen Originalton bevorzugt, hätte sich lieber Specials mit den japanischen Sprechern gewünscht.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nachdem ich nun die letzten Episoden der ersten Staffel von Attack on Titan gesehen habe, will ich mehr – viel mehr! Die Anime-Serie gehört für mich definitiv zum Besten, was ich seit langer Zeit gesehen habe. Das Universum ist facettenreich gestaltet, bietet mit vielseitigen Charakteren jede Menge Spielraum für zwischenmenschliche Beziehungen und überrascht im Handlungsverlauf mit zahlreichen Wendungen und cleveren Ideen. Hinzu kommt ein markanter Zeichenstil mit einem ebenso fantastischen Soundtrack, der das Ansehen jeder einzelnen Szene zum Genuss macht. Kaum hat man eine Episode zu Ende gesehen, will man sich auch schon aus Reflex die nächste Folge ansehen – und das immer und immer wieder. Nur selten habe ich bei einer Anime-Serie den Wunsch, sie regelrecht zu verschlingen. Entsprechend lässt sich an diesem Punkt abschließend sagen, dass ich jedem einzelnen Anime-Fan Attack on Titan nahelegen kann. Die Serie ist einfach nur großartig und gehört absolut zu den besten Anime aller Zeiten!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Attack on Titan (Vol. 4)!

Nachdem bekannt wurde, dass sich Kazé Anime die Lizenz von Fairy Tail für den deutschsprachigen Raum geschnappt hat, haben sich Fans auf die Veröffentlichung der Serie gefreut. Die erste von hoffentlich vielen weiteren Volumes begeistert uns zumindest fast durchgehend.

Im Königreich Fiore ist Magie etwas Alltägliches, denn im ganzen Land gibt es verschiedene Gilden, in denen Magier ausgebildet werden. Natsu Dragneel, ein Magier der titelgebenden Gilde Fairy Tail, verschlägt es zu Beginn der Anime-Serie zusammen mit seiner fliegenden blauen Katze Happy in die Stadt Hargeon, in der Zauberei nicht an der Tagesordnung steht. Entsprechend selten und besonders sind die wenigen Magier, die sich ins verschlafene Städtchen verirren. Zur selben Zeit begibt sich auch die Stellarmagierin Lucy Heartfilia nach Hargeon, da sie auf der Suche nach dem Feuermagier Salamander ist. Auf dem hiesigen Marktplatz macht sie dessen Bekanntschaft: Er bietet ihr an, sich ihm und somit der Gilde Fairy Tail anzuschließen. Da allerdings Natsu der wahre Feuermagier Salamander ist, darf dieser es natürlich nicht gestatten, dass sein Name und der Ruf der Magiergilde in den Schmutz gezogen werden. Zu viele Worte wollen wir über die Geschehnisse in der ersten Episode allerdings nicht verlieren – über kurz oder lang schweißen Natsu, Happy und Lucy jedoch zu einem unschlagbaren Team zusammen, das in der Serienhandlung ein Abenteuer nach dem anderen erlebt. Durch die kleineren Abenteuer in der ersten Serienbox bleibt so sehr viel Spielraum für Charakterentwicklung und Hintergründe, aber kaum Platz für eine stringente Geschichte.

Illustre Runde

Obwohl die ersten 24 Episoden, die jeweils eine ungefähre Laufzeit von 25 Minuten haben, mehrere Handlungsstränge aufgreifen, sind diese kleineren Abenteuer dennoch recht unterhaltsam. Zudem kann man die kurzen Geschichten der Serie schnell verzeihen, da die illustren Figuren mit ihren komplexen zwischenmenschlichen Beziehungen erst einmal aufgenommen werden müssen. Das geht sogar soweit, dass wie bei One Piece mehrmals auf die Kindheit der verschiedenen Charaktere eingegangen und in epischer Breite erzählt wird. Natsu wird in der Regel als stets motivierter und für das Gute einsetzender Feuermagier, der sowohl Flammen zum Frühstück verspeist, als auch Glut spucken kann, vorgestellt. Allerdings lassen manche seiner Aussagen an seiner Intelligenz zweifeln – im krassen Gegensatz dazu steht Lucy, die mit ehrlichen Ratschlägen ihre neuen Freunde unterstützt. Der alltägliche Wahnsinn der Gilde Fairy Tail macht allerdings auch vor ihr keinen Halt und so lässt sie sich gerne auch mal zu Natsus verrückten Ideen überreden. Mit der Zeit vergrößert sich die Truppe um zwei weitere Figuren. Da wäre zum einen der Eismagier Gray Fullbuster, der sich mit seinem Rivalen Natsu regelmäßig streiten muss und zudem den Drang hat, sich zu entkleiden. Zum anderen gibt es noch die hübsche Magiern Erza Scarlet, vor der jedes Mitglied der Gilde aus Angst zittert.

Übertriebener Humor

Anhand dieser Charaktere lässt sich nicht von der Hand weisen, dass Fairy Tail in so gut wie jeder Szene versucht, witzig zu sein. Dies gelingt der Anime-Serie auch weitgehend. Während durch die geschickte Betonung der Synchronsprecher in der japanischen Fassung absolut kein Auge trocken bleibt, kann die Serie allerdings auch in der deutschen Version punkten. Julius Jellinek und besonders seinen Kolleginnen Lina Rabea Mohr und Charlotte Uhlig gelingt es, ihren Charakteren reichlich japanischen Charme einzuhauchen. Nur manchmal hatten wir das Gefühl, dass man auf den einen oder anderen Gag hätte verzichten können – weniger ist bekanntlich oft mehr. Wer jedoch Serien wie One Piece oder Dragon Ball Z Kai mag, wird mit dem Humor von Fairy Tail schnell konform gehen. One Piece ist in diesem Zusammenhang ein gutes Stichwort, denn Mashima Hiro, dem Zeichner der Manga-Vorlage, wird aufgrund des Zeichenstils von Fairy Tail oft nachgesagt, er sei einmal Oda Eiichirōs Assistent gewesen. Dies ist zwar nicht der Fall, doch die Ähnlichkeiten zu Odas Zeichenstils sind nicht von der Hand zu weisen. Aufgrund des unterschiedlichen Settings, auf der einen Seite Piraten, auf der anderen Seite Magier, hat Fairy Tail jedoch reichlich Alleinstellungsmerkmale vorzuweisen, denen man als Fan von Anime-Serien mit mystischen Inhalten eine Chance geben sollte.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Sehr habe ich mich darüber gefreut, dass die Anime-Umsetzung von Fairy Tail endlich auch in Deutschland veröffentlicht wurde. Aufgrund von Zeitmangel habe ich es nämlich nie geschafft, mir die von Freunden oft gelobte Manga-Vorlage anzuschauen. Die ersten 24 Episoden haben mir von Fairy Tail ein gutes Bild gegeben, was ich von der Anime-Serie erwarten darf. Das sind in erster Linie überschaubare sowie spannende Geschichten und übertriebene Witze, die meistens hervorragend miteinander harmonieren. Schade finde ich in diesem Zusammenhang nur, dass die ersten Folgen in meinen Augen sich zu sehr mit den Charakteren beschäftigen und so quasi nur ein Abenteuer nach dem anderen abgehandelt wird. Da es sich jedoch hierbei nur um die ersten Episoden einer sehr langen Geschichte handelt, drücke ich gerne noch ein Auge zu – schließlich müssen nicht nur die Figuren, sondern auch das Universum Stück für Stück erläutert werden. Ich bin aber zuversichtlich, dass sich dies noch ändern kann und entsprechend schon sehr gespannt darauf, wie sich Fairy Tail in den nächsten Folgen entwickeln wird!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Fairy Tail (Box 1, Episoden 1-24)!

Chrono Crusade hat die Fans nach Ausstrahlung des Animes im Jahr 2003 gespalten. Die einen bezeichnen die Serie durchaus als unterhaltsames Popcornkino und die anderen raten eher dazu, sich viel lieber die Manga-Vorlage anzuschauen. Wir schließen uns letzterer Gruppe an.

Mit den echten Magdalenerinnen hat der Magalena-Orden in Chrono Cross zwar nichts zu tun, doch hindert das die Anime-Serie nicht daran, diese als Vorlage zu nutzen, um die Geschichte ins Rollen zu bringen. Die Nonnen schützen die Menschheit vor Dämonen, wobei die Serie zeitlich in den 1920er Jahren angesiedelt ist und überwiegend in den Vereinigten Staaten von Amerika, genauer gesagt im Bundesstaat New York, spielt. Später ist unter anderem auch ein Ausflug nach Kalifornien beziehungsweise San Francisco Teil der Handlung. Im Mittelpunkt dieser steht die Ordenskriegerin Rosette Christopher, die zusammen mit dem Teufel Chrono auf Dämonenjagd geht. Das ungleiche Paar sorgt trotz vorzeigbarer Erfolge für reichlich Chaos, sodass Rosette nicht selten Schelte von der Obrigkeit erhält. Dieser Handlungsverlauf wiederholt sich mehrmals, bis der Anime ungefähr ab der Serienhälfte ein wenig eigenständiger wird und den Fokus auf die zwischenmenschlichen Beziehungen und das Konkurrenzdenken zwischen der Juwelenhexe Satella Harvenheit und Rosette legt, sowie die Suche nach deren Bruder vertieft. Eingewoben ist die Serie in einen größeren und sogar religiösen Kontext, in der es um die Wiedergeburten der sieben Apostel geht, die Wunder bewirken können. Wie genau das zusammenhängt, müsst ihr durch das Anschauen jedoch selbst herausfinden.

Ein Fall von Gegensätzen

Um das Universum, in dem die Serie angesiedelt ist, glaubhafter beziehungsweise nachvollziehbarer zu machen, hat man kurze Bonus-Episoden auf die Discs gepackt, die Einzelheiten der 1920er Jahre und des christlichen Glaubens charmant erklären. Unter technischen Gesichtspunkten kann Chrono Crusade aber nicht ganz glänzen. Das hat vor allem mit dem Stil der Anime-Serie zu tun. So gut wie jeder der zahlreichen Hintergründe, der im 4:3-Bildformat (1,33:1) in der Auflösung von 1080p erstrahlt, ist in dunkle beziehungsweise triste Farben gehüllt. Das passt sehr gut zum dargestellten Zeitabschnitt der Geschichte und dies alleine wäre an sich zwar noch kein Problem, doch auch die Nebenfiguren werden ähnlich melancholisch gezeigt. Im krassen Gegensatz dazu werden die Hauptfiguren meist mit hellen Farben dargestellt, sodass diese häufig aus der Gesamtmasse unschön herausstechen. Einzig und allein in nächtlichen Szenen verblasst auch der Glanz der Protagonisten, sodass Chrono Crusade nur dann ein stimmiges Gesamtbild ergibt. Hier hätten wir von Animationsstudio Gonzo definitiv mehr erwartet. Dafür kann uns der Soundtrack von Itō Masumi, der nicht selten auf gut abgestimmte Klavierklänge zurückgreift, überzeugen. So bleiben uns die Szenen, die wichtig für die zwischenmenschlichen Beziehungen der Charaktere sind, besonders in Erinnerung.

Problematische Synchronisation

Beide Tonspuren liegen im Format DTS-HD Master Audio 5.1 vor, sodass die Musik klar und deutlich aus den Lautsprechern unseres Wiedergabegeräts ertönt. In puncto Synchronisation möchten wir allerdings unbedingt zum Originalton raten. In dieser ist beispielsweise die leider bereits verstorbene Kawakami Tomoko in der Rolle von Rosette zu hören. Videospieler kennen sie möglicherweise als Stimme von Aika aus dem Rollenspiel Skies of Arcadia. Ishida Akira, der in Fate/Zero Uryū Ryūnosuke gesprochen hat, ist ebenfalls mit von der Partie und spricht Chrono. Die deutsche Synchronfassung ist zwar in Ordnung, doch sind einige Stimmen wie die von Marie-Luise Schramm trotz passender Betonungen auf Dauer anstrengend. Immerhin können viele Nebenfiguren mit bekannten Sprechern punkten. Karl Schulz, den die meisten als markante Stimme von Muten Rōshi aus Dragon Ball Z oder Jet Black aus Cowboy Bebop kennen, ist als Wissenschaftler Edward Hamilton zu hören. Tilo Schmitz, der wohl am ehesten als deutsche Stimme von Teal’c aus Stargate bekannt ist, spricht in Chrono Crusade Ricardo Hendric. Die Popularität der Sprecher täuscht jedoch nicht darüber hinweg, dass die japanische Sprachausgabe dynamischer wirkt. Hinzuschaltbare deutsche Untertitel helfen allen Zuschauern, die des Japanischen nicht mächtig sind, beim Verstehen des Gesprochenen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Leider muss ich gestehen, dass ich mit der Anime-Serie Chrono Crusade von Anfang an nicht wirklich warm geworden bin. Die Geschichte dreht sich in meinen Augen immer nur darum, dass Rosette Christopher und Chrono zum Einsatzort der Polizei geschickt werden, um einen Dämon nach dem anderen zurück in die Hölle zu schicken. Erst nach einigen Episoden kann sich die Anime-Serie von diesem Konzept lösen und fühlt sich dann auch für mich ein wenig frischer an. Immerhin ist das Szenario originell, der Humor für das Genre angenehm und die Action durchaus ansehnlich. Meiner Meinung nach hätte aber die gesamte Handlung eher in einzigen Film gepasst, als dass man sie auf 24 Episoden mit 600 Minuten Laufzeit ausweiten müsste. Zwar habe ich die Manga-Vorlage von Moriyama Daisuke nicht gelesen, doch scheint diese laut einigen Fans die bessere Wahl zu sein. Daher möchte ich die Anime-Serie auch nur Fans der Vorlage empfehlen, die mit den Defiziten sicherlich leben können. Wer sich von diesen ohnehin nicht abschrecken lassen will und dennoch neugierig auf die Anime-Serie ist, darf ebenso einen Blick riskieren. Alle andere schauen sich lieber Alternativen wie Blue Exorcist an.

Vielen Dank an Nipponart für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Chrono Crusade!

© 2003 Gospel (Abbildungen)

Während die erste Volume von Attack on Titan dazu genutzt wurde, um das recht facettenreiche Universum zu beleuchten, war die zweite Ausgabe nur eine konsequente Fortsetzung der Geschehnisse. Der dritten Volume gelingt es, der Handlung ganz neuen Schwung zu verleihen.

Nachdem Eren Jäger von einem Titanen lebendig verspeist wurde, hat man ihn logischerweise für tot gehalten. Allerdings verstarb Eren nicht – er hat durch das Ereignis eine neue Fähigkeit erhalten, mit der er sich selbst in einen Titanen verwandeln kann. Auf der einen Seite stellt er so für die Menschheit eine Waffe im Kampf gegen die Kolosse dar und auf der anderen Seite wird er von seinen Mitmenschen als Bedrohung eingestuft. Schließlich ist er nach der Verwandlung ein Titan, der noch dazu nicht im Stande ist, seine Kräfte zu kontrollieren. Nach langem Hin und Her in der zweiten Volume der Anime-Serie, in der man mit Erens Hilfe ein großes Loch in einer Mauer geschlossen hat, um die Titanen aufzuhalten, hat man ihn schließlich gefangen genommen und in ein Verlies geworfen. Dort wartete er unwissentlich auf das Tribunal, wo über sein Schicksal entschieden werden soll. Während der Gerichtsverhandlung soll nicht nur über Leben und Tod geurteilt, sondern auch geklärt werden, in welche Division der angehende Rekrut eingeteilt werden soll. Da Eren sich schon immer für den Aufklärungstrupp interessierte, wird er in diese Abteilung versetzt und dem Hauptgefreiten Levi Ackermann unterstellt. Dieser hat die Aufsicht über ihn und erhält von der Obrigkeit den Auftrag, das große Gebiet zwischen der Mauer Rose und der Mauer Maria zurückzuerobern.

Gesammelte Kräfte

In der dritten Volume werden viele neue Charaktere vorgestellt, welche die Serienhandlung durchaus bereichern. Levi wird nach außen als gefühllose Persönlichkeit charakterisiert, doch in den wichtigsten Szenen wird deutlich, dass er sich sehr wohl für seine Mitmenschen interessiert und sie in seiner militärischen Position unterstützt und beschützt. Eine weitere wichtige Figur wäre Abteilungsleiterin Hanji Zoe, die die Titanen wissenschaftlich untersucht und Experimente an zwei lebendig gefangenen Exemplaren durchführt. Nachdem derlei wissenschaftliche Erkenntnisse in der zweiten Volume aufgrund der großen Schlacht im Bezirk Trost ausbleiben mussten, freuen wir uns darüber, dass wir in den vorliegenden sechs Episoden neue Einblicke in das Universum von Attack on Titan erhalten. Das Leben der anderen Rekruten wird ebenfalls beleuchtet. Einige von ihnen, darunter auch viele von Erens Freunden, treten ebenfalls dem Aufklärungstrupp bei. Gemeinsam rücken sie mit ihrem Kommandanten Levi aus, um Eren sicher zur Mauer Rose zu bringen. Unterwegs machen die verschiedenen Einheiten der großflächigen Formation allerdings Bekanntschaft mit einem neuen Titanen, der nicht seinen Hunger stillen will, sondern auf der Suche nach Eren ist. Entsprechend spannend und ebenso dynamisch bleibt die zweite Hälfte der dritten und somit vorletzten Volume.

Hervorragendes Gesamtbild

Attack on Titan erfährt mit den enthaltenen Episoden in puncto Spannung und Erzählstruktur neuen Aufwind. Nicht besser hätte man hingegen die technische Gestaltung der Anime-Serie machen können. Diese gehört unter optischen und akustischen Gesichtspunkten nach wie vor genreübergreifend zum Besten, was die Anime-Landschaft zu bieten hat. Hübsche Charaktere, flüssige Animationen und nicht lächerlich wirkende dreidimensionale Effekte sind das Ergebnis, das uns im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p vorgesetzt wird. Der Soundtrack unterlegt sämtliche Situationen je nachdem entweder mit ruhigen oder mit bedrohlichen Klängen. Glaubhafte Soundeffekte und eine sowohl deutsche, als auch gute japanische Synchronisation vervollständigen das Gesamtbild. Im Originalton sind beispielsweise Ono Daisuke in der Rolle von Erwin Smith und Kaji Yūki als Stimme von Eren zu hören. In der deutschen Synchronisation übernehmen Peter Flechtner und Max Felder diese Aufgaben. Großartige Änderungen beim Bonusmaterial wurden bei der dritten Volume nicht vorgenommen. Im digitalen Bonusbereich liegen nun allerdings Clear Opening und Clear Ending neben den abermals enthaltenen und nach wie vor sehr lustigen Mini-Episoden bei. Ein netter Bonus, wobei Interviews, Making-ofs und Co jedoch sehr viel interessanter gewesen wären.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Als ich die Episoden der zweiten Volume von Attack on Titan gesehen habe, war ich nach dem wirklich großartigen Serienauftakt doch ein wenig überrascht, dass die Qualität der Serie bereits in der zweiten Ausgabe ein wenig nachgelassen hat. Daher freue ich mich umso mehr, dass dies wohl der Erzählweise, die sich voll und ganz auf die Schlacht im Bezirk Trost konzentriert hat, geschuldet ist. In der dritten Ausgabe gibt es für mich endlich wieder einen Grund zur Freude, denn die Handlung hat deutlich an Fahrt aufgenommen und trotz der dynamischen Erzählstruktur gelingt es der Serie mit eingeworfenen Informationen, jederzeit spannend, interessant und schlichtweg unterhaltsam zu sein. Mit neuen Hintergründen, sowie weiteren Freunden und Feinden im Geflecht der zwischenmenschlichen Beziehungen, gehört die dritte Volume von Attack on Titan nach der wunderbaren Exposition zu den Highlights der Serie. Wer das erste und zweite Episodenpaket verschlungen hat, der wird nicht um den Kauf der dritten Ausgabe herumkommen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Attack on Titan (Vol. 3)!

Obwohl Heat Guy J bereits im Jahr 2002 über die japanischen Fernsehbildschirme flimmerte und die Anime-Serie hierzulande schon vor ein paar Jahren veröffentlicht wurde, folgt mit der Gesamtausgabe eine Neuveröffentlichung des hochqualitativen Werks von Studio Satelight.

Heat Guy J erzählt die Geschichte des Polizisten Daisuke Aurōra und seines titelgebenden Partners Jei, kurz J. Bei J handelt es sich um den einzigen Androiden, dem es erlaubt ist, in der Stadt Judo zu leben. Zusammen mit ihrer Kollegin Kyōko Milchan bilden sie die Spezialeinheit der riesigen Stadt, die Züge von New York City und Tōkyō aufweist und mit verwinkelten Seitengassen auch ein wenig italienisches Flair versprüht. Tatsächlich handelt es sich bei Judo jedoch um eine Stadt, in der viele Ethnien Platz haben, sodass die verschiedenen Figuren sowohl japanische, als auch englische, deutsche und italienische Namen tragen. Dennoch ist die Welt, die aus sieben Megastädten und einem nur wenig beleuchteten Umland besteht, rein fiktiv. Hauptsächlich erzählt die Anime-Serie mehrere kleine Fälle, die Daisuke und J zu bearbeiten haben. Durch das beiläufige Einwerfen von vielen kleinen Informationshäppchen und durch das regelmäßige Einführen von weiteren Charakteren ergibt sich mit der Zeit ein roter Faden, der auf das Lösen des Mordfalls von Daisukes Vater hinzielt. Nebenher wird die Geschichte von Clair Leonelli erzählt, der nach dem Tod seines Vaters zum neuen Oberhaupt der Mafia gewählt wird. Die Anime-Serie steckt so voller liebevoller Details und Ideen, die sich mit jeder weiteren Folge zu einem stimmungsvollen Mosaik zusammensetzen.

Blick aufs US-amerikanische Kino

Unter optischen Gesichtspunkten kann man der Anime-Serie anmerken, dass sich das Produktionsteam an US-amerikanischen Science-Fiction-Werken orientiert hat. So glüht in einer Szene beispielsweise das Auge eines Androiden rot auf, was direkt an den Terminator aus dem gleichnamigen Film von Regisseur James Cameron erinnert. Fahrstühle und das Büro von Shun Aurōra ähneln, wenn auch nicht in ihrer Farbgebung, dem Film Blade Runner. Selbst das Androidengesetz, das besagt, dass Androiden keinen Fuß in die Stadt Judo setzen dürfen, scheint vom Replikantengesetz aus Ridley Scotts Film inspiriert worden zu sein. Durch die mafiösen Strukturen, die in Judo herrschen, ist es auch nicht verwunderlich, dass sich das Produktionsteam ebenfalls am Stil von Gangsterfilmen bedient hat. Das Geschäftszimmer von Clair Leonelli kommt, ähnlich wie Don Corleones Büro aus Der Pate, ebenfalls nicht ohne erinnerungswürdige Jalousien aus, die die gesamten Szenen im Raum verdunkeln. Dennoch wird die Serie deshalb nicht gänzlich in dunkle Farben getränkt; viele Szenen spielen tagsüber in Judo und zeigen die Stadt trotz spürbarer Gegensätze als fröhlichen Ort. Da der Anime aus dem Jahr 2002 stammt und selbst in Japan bis heute keine Blu-ray-Veröffentlichung stattfand, ist die Bildqualität leider erst ab einem gesunden Abstand zum Fernseher als gut einzustufen.

Prominente Synchronsprecher

Um das mittelprächtige Bild im 16:9-Bildverhältnis auszugleichen, kann Heat Guy J mit einer angenehmen Tonqualität im Format Dolby Digital 2.0 punkten. Dies gilt sowohl für die deutsche, als auch für die japanische Tonspur. Beide Synchronisationen kommen nicht ohne prominente Sprecher aus. Im japanischen Original wird Daisuke Aurōra beispielsweise von Matsukaze Masaya gesprochen, den Videospieler beispielsweise als Stimme von Hazuki Ryō aus Shenmue kennen. Für Android J zeigt sich hingegen Sugō Takayuki verantwortlich, der zuvor schon in vielen Anime-Serien und Videospielen Charakteren seine Stimme lieh. Bei der deutschen Synchronisation sind sogar einige Sprecher zu vernehmen, deren Stimmen selten in Anime zu hören sind. Hans-Georg Panczak, den die meisten sicherlich als Synchronsprecher von Luke Skywalker aus dem Star-Wars-Franchise kennen, spricht Boma. Mit dem bereits verstorbenen Norbert Gastell und Christoph Jablonka sind hingegen beide deutsche Stimmen von Homer Simpson aus Die Simpsons zu hören. Des Weiteren stammt die Stimme von Hauptdarsteller Daisuke von Dirk Meyer, der in One Piece den Charakter Lysop spricht. Beide Versionen gefallen uns zwar sehr gut, doch bei der deutschen Fassung ist anzumerken, dass der Ton der 25. Episode leicht zeitverzögert aus den Lautsprechern trällert – da es sich hierbei um die Neuveröffentlichung handelt, ist die fehlende Nachbearbeitung etwas ärgerlich.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der DVD-Fassung): Heat Guy J ist wirklich ein fantastischer Anime, den vermutlich viel zu wenige Anime-Liebhaber kennen, aber unbedingt noch kennenlernen sollten! Obwohl sich in den Jahren nach dem Fernsehserienboom viele an abgeschlossenen Episoden stören dürften, fällt das meiner Meinung nach bei Heat Guy J nicht ins Gewicht. Es werden genau richtig viele Episoden abgeschlossen und wichtige Folgen mit einem Cliffhanger versehen. Viel wichtiger ist jedoch, dass in so gut wie jeder Episode Informationen eingeschmissen werden, die entweder die Geschichte von Daisuke Aurōra vorantreiben oder das Universum mit Leben füllen. Heat Guy J packt ein gesundes Maß an Inhalte in nur 26 Folgen beziehungsweise 650 Minuten Laufzeit – und dennoch habe ich Lust, noch mehr Abenteuer in dieser fantastischen Welt zu erleben. Aktuell habe ich sogar den Wunsch, nachdem ich die Serie in nur zwei Tagen komplett gesehen habe, sie noch einmal anzuschauen. Deshalb ist es nicht verwunderlich, dass ich die Serie jedem, der ein wenig mit dem Science-Fiction-Genre á la Blade Runner oder Psycho-Pass anfangen kann, ans Herz legen möchte. Heat Guy J hat es einfach verdient, von einem viel größeren Publikum genossen zu werden!

Vielen Dank an Nipponart für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Heat Guy J!

© 2002 SATELIGHT/HEATGUY-J PROJRCT (Abbildungen)

In Japan lief Serial Experiments Lain bereits 1998 auf dem Fernsehsender TV Tōkyō. Da der Anime-Boom in Deutschland noch ein wenig auf sich warten ließ, mussten wir auf die DVD-Veröffentlichung bis ins Jahr 2004 warten. 2017 erschien endlich auch die Blu-ray-Fassung.

Die Geschichte von Serial Experiments Lain dreht sich um die dreizehnjährige Iwakura Rein, deren Name für die Veröffentlichung zur titelgebenden Lain stilisiert wird. Sie lebt zusammen mit ihren Eltern und ihrer Schwester im Herzen von Tōkyō und besucht wie ein gewöhnliches Mädchen die Mittelschule. Obwohl sich Lain scheinbar am liebsten in der realen Welt aufhält, entwickelt sie im Verlauf der Geschichte ein größeres Interesse an der „The Wire“ genannten digitalen Welt. Bei The Wire handelt es sich um eine Mischung aus Internet und Virtual Reality, in der soziale Kontakte ähnlich möglich sind wie in der echten Welt. Aufgrund ihres steigenden Interesses am Netzwerk isoliert sie sich auf den ersten Blick weiter von der richtigen Welt – mit jeder weiteren Episode, die man sich von Serial Experiments Lain anschaut, wird jedoch klar, dass die Grenzen der digitalen und realen Welt für Lain verschwimmen und ineinander übergreifen. Die Story der dreizehnteiligen Anime-Serie ist komplex und schwer zu erklären, da Regisseur Abe Yoshitoshi viele Handlungsstränge bewusst offen lässt, sodass man als Zuschauer an vielen Stellen seine eigenen Schlüsse ziehen muss. Das Konzept geht unserer Meinung nach auf. Problematisch dürfte höchstens für den Publisher sein, dass die aus heutiger Sicht kultverdächtige Anime-Serie so nur auf ein überschaubares Publikum zielt.

Paralysierende Symbiose

Aufgrund dessen, dass der Anime im Jahr 1998 erstmals über die japanischen Fernsehbildschirme flimmerte, ist es verständlich, dass das Bildformat trotz der Auflösung von 1080p nur im Verhältnis 4:3 (1:1,33) vorliegt. Die schwarzen Balken links und rechts auf dem Bildschirm stören aber keineswegs, denn aufgrund der Thematik, die technische Errungenschaften und somit den Standard der späten 1990er Jahre in den Mittelpunkt stellt, ergibt sich zusammen mit der düsteren Akustik ein sehr atmosphärisches Gesamtbild. Meistens werden Räumlichkeiten mit dunklen Farben ausgeschmückt, die nur durch elektronisches Licht aufgehellt werden. Dennoch ist so die Kälte und die dunkle Grundstimmung, die aufgrund der weitgehend isolierten oder introvertierten Charaktere manchmal fast schon an einen Horrorfilm erinnert, jederzeit zu spüren. Während sich der Soundtrack gelegentlich auf Klavierklänge stützt, aber überwiegend aus elektronischer Musik besteht, tragen gar Soundeffekte maßgeblich zur Stimmung bei. Das Vorhandensein von elektrischem Strom ist im vernetzten Tōkyō übertrieben laut zu hören, was zu Reglosigkeit führt. Bild und Akustik paralysieren einfach mit jeder Folge zunehmend, sodass man sich von der ersten Minute an alleine aufgrund der technischen Gestaltung nicht mehr rühren kann. Nur selten haben wir eine ähnlich gute Symbiose erlebt.

Gelungene Synchronfassungen

Während die deutsche Tonspur im Format DTS-HD Master Audio 5.1 vorliegt, kann der japanische Originalton mit unkomprimiertem Ton im Format PCM 2.0 glänzen. Verständlich und bedrückend ist der Soundtrack bei beiden Tonspuren gleichermaßen. Ebenfalls auf derselben Höhe ist die Auswahl der Synchronsprecher. In der japanischen Originalfassung spricht Shimizu Kaori Hauptfigur Lain. Shimizu dürften manche Zuschauer unter anderem aus den Anime-Serien Inu Yasha oder School Rumble, andere wiederum aus ihrer Gesangskarriere kennen.  Ebenfalls aus dem Bereich der Musik und als Stimme von Saber in Fate/Zero bekannt ist Kawasumi Ayako, die in Serial Experiments Lain Iwakura Mika spricht. In der deutschen Fassung wird Mika hingegen von Diana Borgwardt gesprochen, die am ehesten als deutsche Stimme von C18 aus Dragon Ball Z bekannt sein dürfte. Lain selbst wird von Manja Doering gesprochen, die Alyson Flannigan in der American-Pie-Filmreihe ihre Stimme lieh. Beide Synchronfassungen sind zufriedenstellend; im Detail hat der japanische Originalton aufgrund besserer Betonungen die Nase leicht vorn. Wer des Japanischen nicht mächtig sein sollte, kann deutsche Untertitel hinzuschalten. Digitales Bonusmaterial liegt jedoch leider nicht vor; dafür aber eine physische Entschädigung in Form eines kleinen Posters und Stickers.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Serial Experiments Lain ist eine Anime-Serie, die aufgrund ihrer komplexen Handlung und ihres Cyberpunk-Szenarios nicht für den durchschnittlichen Anime-Zuschauer gedacht ist. Die Geschichte um Lain, die zwischen den beiden Welten wandelt, die sich für sie mit der Zeit sogar verbinden, ist intelligent, erwachsen und spannend erzählt. Man klaubt jedes einzelne Informationshäppchen auf und versteht nach dem Ansehen ohnehin nur das, was man sich selbst zusammengereimt hat. Mir gefallen solche Anime-Serien – und Serial Experiments Lain hat den Vorteil, dass man aufgrund des Entstehungszeitpunkts, dem Jahr 1998, auch eine ältere dystopische Zukunftsvorstellung vor sich hat, die zudem noch auf der technischen Seite mit paralysierender Optik und Akustik überzeugen kann. Wer sich auf solch eine Anime-Serie einlassen kann, wird mit Serial Experiments Lain absolut zufriedengestellt werden und kaum bessere Alternativen finden. Alle anderen sollten sich auch trotz der nicht gerade zugänglichen Thematik vielleicht über ihren Schatten springen, denn Serial Experiments Lain hat definitiv die Chance verdient, von einem größeren Publikum genossen zu werden, als nur von einem kleinen und überschaubaren Publikum!

Vielen Dank an Nipponart für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Serial Experiments Lain!

© 1998 Triangle Staff/Pioneer LDC (Abbildungen)

Nach dem Auftreten der Saiyajin in der ersten Serienbox und sowohl der Reise nach Namekku, als auch die ersten Schritte auf Pikkoros Heimatplaneten in der zweiten Serienbox, steht in der dritten Ausgabe der erste große Kampf der Dragon-Ball-Z-Kai-Handlung an.

Wie für das Franchise typisch knüpfen die Episoden dieser Serienbox von Dragon Ball Z Kai an die vorhergehenden Ereignisse an. Während Son Gokū im Kampf besiegt wurde und seine Verletzungen in einem speziellen Behältnis in Furīzas Raumschiff auskuriert hat es sich Bejīta nach den Kämpfen ebenfalls gemütlich gemacht. Allerdings bemerkt er nicht, dass Son Gohan, Kuririn und Dende unbemerkt die sieben Dragon Balls vom Planeten Namekku an einen sicheren Ort gebracht haben, um dort den Drachen Porunga zu rufen. Anders wie Drache Shenron, der auf der Erde erscheint, wenn man die dortigen Dragon Balls sammelt, erfüllt Porunga gleich drei Wünsche. Da mehrere Charaktere in den letzten beiden Serienboxen bereits gestorben sind und der Kampf gegen Bösewicht Furīza in greifbare Nähe rückt, möchte das Trio, dass all ihre Freunde aus dem Jenseits ins Diesseits zurückkehren. So einfach wie sie sich das vorstellen, funktioniert ihr Vorhaben aber nicht. Porunga kann bei jedem Wunsch nur einen einzigen Charakter wieder ins Leben zurückrufen. Sie entscheiden sich für Pikkoro und wünschen sich, dass er von Porunga nach Namekku teleportiert wird. Dies gelingt dem Drachen zwar, doch taucht Pikkoro irgendwo auf dem Planeten auf und muss die Helden zunächst aufspüren – dann stirbt jedoch der Oberälteste, wodurch die Macht der Drachenkugeln erlischt.

Komprimierter Kampf mit Lücken

In den Episoden 36 bis 54 steht fast durchgehend der Kampf gegen Furīza im Mittelpunkt. Während sich Pikkoro zu Son Gohan, Kuririn und Dende aufmacht, beginnt für die drei kleinen Helden ein Kampf auf Zeit. Zum Glück bemerkt Bejīta, dass Furīza sich dem Ort des Geschehens genähert hat und mischt sich in den Kampf ein. Während in den Folgen der letzten beiden Serienboxen hauptsächlich die Story im Vordergrund stand und in einem gesunden Verhältnis mit den Kämpfen vermischt wurde, ändert sich dieses Konzept in den vorliegenden Episoden weitgehend. Hier werden Story-Schnipsel beiläufig eingeworfen und in erster Linie kämpfen die Freunde mitsamt ihrem neuen Verbündeten Bejīta gegen den bösartigen Furīza. Das ist jedoch gar nicht so schlimm, wie man es sich als Kenner der Vorlage Dragon Ball Z vorstellen mag. Während dort der Kampf gegen den Tyrannen noch in der 105. Folge wütet, ist der Spuk in Episode 54 von Dragon Ball Z Kai längst vorbei. Die Komprimierung des Kampfes aufs Nötigste funktioniert weitgehend sehr gut. So gehören lästige Filler-Episoden der Vergangenheit an und die Erzählung wirkt wesentlich kompakter. Hin und wieder hatten wir jedoch das Gefühl, dass ein wichtiges Bindeglied zwischen der einen oder anderen Kampfszene fehlt. Da wären erweiterte oder gar neue Szenen angebracht gewesen.

Designentscheidungen der Vorlage

Zusammenhängend wirken Furīzas – wohlgemerkt mehrfache – Einschätzungen, seine Feinde innerhalb von fünf Minuten zu erledigen, wie in der Vorlage auch in Dragon Ball Z Kai sehr lächerlich. Besonders seine letzte Bewertung der Lage, die zudem keinen Gegner betrifft und daher wesentlich zielsicherer sein sollte, hält einige Episoden später noch an. Ebenso fraglich ist die Einbindung von Ginyū in Froschgestalt. Ihm gelingt es für ein bis zwei Episoden seine Gestalt mit Bulma zu tauschen. Hier greift Son Gohan dermaßen schnell ein ohne die Situation gänzlich einzuschätzen, was dann in der Praxis nur wenig nachvollziehbar ist. Davon abgesehen kann der lange Kampf gegen Furīza mit einigen spannenden Höhepunkten überzeugen, da schließlich auch die eine oder andere Kampftechnik zum Einsatz kommt, die wir seit längerer Zeit oder noch sogar noch gar nicht in Dragon Ball Z Kai gesehen haben. Am optischen Gesamtbild hat sich in der dritten Serienbox nicht viel verändert. Nach wie vor können wir alle Folgen im bildschirmfüllenden 16:9-Format bei einer Auflösung von 1080p erleben. Da die Erstausstrahlung der Vorlage in den frühen 1990er Jahren stattfand, kann man dem Bild sein Alter jederzeit anmerken. Dennoch wird der Charme mit markanten Melodien jederzeit gut unterlegt. Bonusmaterial liegt physisch in Form eines Episodenguide und drei Postkarten mit Artworks darauf bei. Digitales Bonusmaterial gibt es erneut nicht zu erforschen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Aufgrund verschiedener Tätigkeiten hatte ich in den letzten Monaten leider kaum Zeit, die Blu-ray-Veröffentlichung von Dragon Ball Z Kai weiter zu verfolgen. Die ersten beiden Serienboxen haben mich sehr zufriedengestellt und auch die dritte Serienbox finde ich gelungen. Allerdings muss ich sagen, dass ich noch nie der größte Fan von ausufernden Kämpfen – und somit auch nie der größte Fan der Vorlage Dragon Ball Z – war. Diese Abneigung merke ich in der dritten Serienbox deutlich, da sich die Handlung fast durchweg auf den Kampf gegen Furīza konzentriert. Auch wenn dieser in den vorliegenden Episoden aufs Wesentliche komprimiert wurde, stören mich hier vor allem Anfeindungen seitens des Bösewichts, der die Helden mehrmals in fünf Minuten besiegen will. Das hat in der Vorlage nicht funktioniert und wurde auch nicht in Dragon Ball Z Kai vernünftig umgesetzt. Wer die Kämpfe aus Dragon Ball Z jedoch mochte, wird auch mit der Neuauflage weitgehend seinen Spaß haben. Für mich bleibt es jedoch die bisher schwächste Serienbox, freue ich mich jedoch bereits jetzt auf weitere Episoden mit Son Gokū und Co!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Dragon Ball Z Kai (Box 3, Episoden 36-54)!

Lange Zeit mussten deutsche Fans von Attack on Titan auf die Anime-Umsetzung warten. Während der Manga bereits 2013 hierzulande erstmals veröffentlicht wurde, brachte Publisher Kazé Anime sowohl die erste, als auch die zweite Volume erst Ende 2016 auf den Markt.

In der ersten Volume von Attack on Titan wurden die Grundlagen für die Serienhandlung gelegt. Soll heißen, dass die wichtigsten Charaktere eingeführt worden sind und die Ausgangslage, die Bedrohung durch die Titanen, deutlich wurde. Die Handlung knüpft in der zweiten Volume nahtlos an die Geschehnisse der letzten Episode der ersten Ausgabe an, in denen sich die Ereignisse geradezu überschlagen haben. Wir haben erlebt, wie Hauptcharakter Eren Jäger bei der Rettung seines Freundes Armin Alert von einem Titanen verspeist und offensichtlich getötet wurde. Ebenso tauchte plötzlich aus dem Nichts ein spezieller Titan, der als Abnormer bezeichnet wird, auf. Der mysteriöse Titan stellt sich allerdings nicht gegen die Menschen, sondern zum Verwundern dieser gegen seine gefährlichen Artgenossen. So und nicht anders kann Mikasa Ackermann dem Angriff eines Titanen entkommen und sich mit einem anderen Trupp innerhalb des umkämpften Bezirks Trost zusammenschließen. Dieser hat das Problem, dass er von den Versorgungseinheiten nicht mehr unterstützt werden kann, da das Vorratslager von Titanen umzingelt wird. Armin entwickelt einen Plan, um zum Vorratslager vorzurücken und die wütenden Titanen auszuschalten. Er hat die Idee, den Abnormen zum Lager zu locken, um aus der Gefahrenzone quasi mit Geleitschutz zu entkommen.

In den Wirren des Krieges

Wäre dies noch nicht genug, werden die sechs Folgen der zweiten Volume aus verschiedenen Blickwinkeln erzählt. Zum einen wird das Geschehen aus der Sicht von mehreren Rekruten dargestellt, die den Ernst der Lage trotz nicht gänzlich abgeschlossener Ausbildung meistern müssen. Zum anderen taucht plötzlich Eren unverletzt auf der Bildfläche auf, sodass das Erlebte der letzten Stunden aus einer völlig neuen Perspektive geschildert wird. In der zweiten Volume von Attack on Titan bleibt allerdings auch Platz für zwei weitere wichtige Charaktere. Auf der einen Seite steht Kommandant und Verantwortlicher für Bezirk Trost Dot Pixis, der sich für Armin und Mikasa einsetzt, die der Überzeugung sind, dass der Abnorme als große Hilfe bei der Zurückgewinnung der verlorenen Gebiete und als Waffe gegen die anderen Titanen eingesetzt werden kann. Auf der anderen Seite wird mit Levi Ackermann einer der ranghöchsten Kommandanten des Aufklärungstrupps vorgestellt, der während des Titanenangriffs außerhalb des Bezirks unterwegs war und sichtlich von den Ereignissen in Trost übermannt wird. Ein wichtiger Punkt, der in der zweiten Volume thematisiert wird, ist die Vergangenheitsbewältigung. Das gilt sowohl für die verbliebene Menschheit, die sich den Verbrechen im Jahr 846 bewusst wird, als auch Erens verschwommene Erinnerungen, die er lüften will.

Abnutzungserscheinungen

Obwohl die erste Volume uns durchaus überzeugen konnte und auch die Episoden der zweiten Ausgabe zufriedenstellend ausfallen, zeigen sich überraschend ein paar Abnutzungserscheinungen. Das liegt vor allem am Handlungsort, der sich vollkommen auf den Bezirk Trost beschränkt – und es ist fast durchweg nur der Kampf gegen die Titanen, den wir zu Gesicht bekommen. Auflockerung geschieht höchstens durch die Einführung der neuen Charaktere, die aber zumindest in der vorliegenden Ausgabe eine Randnotiz bleiben. Wir haben jedoch die Hoffnung, dass die Handlung in der dritten Volume an Fahrt und neue Tiefe gewinnt. In den restlichen Belangen, sprich der technischen Ausgestaltung der Anime-Serie, kann Attack on Titan wieder einmal begeistern. Sowohl die Animationen, als auch der Einsatz von dreidimensionalen Umgebungen und Effekten sehen in der bildschirmfüllenden Full-HD-Auflösung fantastisch aus. Der Soundtrack unterlegt sowohl die ruhigen, als auch die bedrohlichen Momente sehr gut – teilweise wird sogar mit Songs gearbeitet, um den jeweiligen Szenen eine ganz neue Dynamik zu verleihen. In puncto Bonusmaterial bietet die Anime-Serie einen ähnlichen Umfang wie die erste Volume. Beispielsweise liegt dieser Ausgabe abermals ein Aufnäher mit einem alternativen Motiv bei – so kann man sich in der Öffentlichkeit wunderbar als Fan brüsten.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Als ich die ersten sieben Episoden von Attack on Titan gesehen habe, war ich von dieser Anime-Serie wirklich begeistert. Das bin ich auch nach dem Anschauen weiterer sechs Episoden, die auf der Disc der zweiten Volume vorhanden sind. Allerdings machen sich hier bereits ein paar Abnutzungserscheinungen bemerkbar. Das Szenario stagniert und die paar Informationen, die beiläufig immer mal wieder eingeworfen werden, sind für mich zu wenig, um eine Serie zu tragen. Hier hoffe ich sehr, dass die Handlung wieder ein wenig an Fahrt gewinnt. Dennoch gehört das Universum nach wie vor zu den besten Ideen, die man in einem Anime nur umsetzen kann, zumal man mit bewegten Bildern die Bedrohung durch die monströsen Titanen meiner Meinung nach noch besser als in einem Manga darstellen kann. Wer die erste Volume von Attack on Titan bereits mochte, darf trotz der sehr leichten Qualitätseinbußen bei der zweiten Ausgabe wieder zugreifen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Attack on Titan (Vol. 2)!