Im Gegensatz zur zweiten Volume der Anime-Serie Food Wars: The Third Plate, mussten die Fans des Franchises auf das dritte Episodenpaket einen Monat länger warten. Im November 2019 war es dann aber endlich soweit, sodass die Kriege rund ums Essen weitergehen.

Mit der dritten Ausgabe von Food Wars: The Third Plate wird die Serienhandlung fortgesetzt. Inhaltlich knüpft die dreizehnte und damit erste Folge dieser Volume an die große Enthüllung am Ende des zweiten Episodenbündels an. Wie Serienkenner bereits seit Beginn der Story wissen, ist Yukihira Sōma der Sohn von Yukihira Jōichirō. Für Nakiri Erina ist das jedoch eine große Überraschung und ist begeistert davon, dass Sōma einen so berühmten Vater hat. Da bleibt den Freunden grundsätzlich ein wenig Zeit zum Verschnaufen, doch die Lage an der Tōtsuki-Kochschule bleibt unverändert. Erinas Vater Nakiri Azami gibt als neuer Rektor nach wie vor den Ton an der Einrichtung an, auch wenn Sōma und Co mit einem Shokugeki bereits die eine oder andere Veränderung bewirken können. Isshiki Satoshi hat beschlossen, dass die vom neuen Rektor erlassenen Verbote zu den Klubs aufgehoben wurden, allerdings nur durch die Shokugeki genannten Kochduelle zugelassen werden dürfen. Als nächstes großes Hindernis steht in Food Wars: The Third Plate die Versetzungsprüfung an, bei der traditionsgemäß die Hälfte aller Schüler ausgesiebt wird. Wer sich jedoch an Nakiri Azamis Vorgaben hält, soll jedoch nichts zu befürchten haben. Dieser Umstand ruft natürlich den einen oder anderen Rebellen auf den Plan, der sich gegen das System auflehnt und eigenmächtig bestehen will.

Bekanntes Erzählmuster

Während die ersten beiden Volumes voll und ganz an der Akademie spielen, verschiebt sich der Handlungsort im dritten Episodenpaket an Japans nördlichste Hauptinsel Hokkaidō. Dort finden die verschiedenen Einheiten der Versetzungsprüfung statt, bei denen die Charaktere auf verschiedenen Routen Punkte für ihre Versetzung sammeln sollen. Hier müssen alle Rebellen jedoch merken, dass ihnen die Prüfungen unglaublich erschwert werden. Wer beim Unterricht des Rektors anwesend war und das Gericht genauso zubereitet, kommt sofort in die nächste Runde. Alle anderen müssen Überzeugungsarbeit bei den Prüfern leisten. Hier spielt Food Wars: The Third Place abermals seine Stärken aus, denn die Protagonisten der Anime-Serie zeigen mal wieder, welches Können in ihnen steckt. Damit wiederholt sich die Handlung erneut, was mittlerweile etwas ermüdend ist, für Fans aber sicher kein Problem sein dürfte, zumal die beeindruckenden Leistungen zum Humor beitragen. Trotz der Vorgaben sind die Prüfer gerne mal überrascht und drehen im wahrsten Sinne des Wortes durch, wenn die Gaumenfreude mal nicht zu bremsen ist. Zwischendurch kommen dann immer mal wieder die Antagonisten zu Wort, die mit heißer Luft versuchen, die Taten der Helden abzuschwächen. Auch dies sind bekannte Muster, die in diesem Falle aber deutlich zur Spannung beitragen.

Gleichbleibende Qualität

Food Wars: The Third Plate bleibt seinem technischen Erscheinungsbild auch in der dritten Volume treu. Das heißt, dass die sechs enthaltenen und jeweils 24-minütigen Episoden mit satten und allen voran fröhlichen Farben begeistern. Insbesondere die von Sōma, Erina und Co gezauberten Gerichte sehen in ihrem malerischen Anime-Look derart schmackhaft aus, sodass der Zuschauer die Serie am besten nicht mit nüchternem Magen anschauen sollte. Fischgerichte, Udon und andere Mahlzeiten sind jedoch nicht das einzige, was positiv im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Full-HD-Auflösung auffällt. Sowohl die gut animierten Charaktere als auch die hübschen Spezialeffekte machen das Anschauen der Episoden zu einem wahren Genuss. Dazu passen auch die wunderbaren Melodien, die die alternierend humorvollen, beruhigenden und actionreichen Szenen unterlegen. Beide Tonspuren liegen des Weiteren im Format DTS-HD Master Audio 2.0 vor, in dem der Zuschauer nicht nur die Musik, sondern auch die Synchronsprecher klar wahrnehmen kann. Sowohl die japanische als auch die deutsche Synchronisation sind gut gelungen und mit sehr vielen Emotionen gefüllt. Schade ist nur, dass wie bei der zweiten Volume keinerlei Boni enthalten sind. Das schadet der Qualität der Serie zwar nicht, für den Fan dürfte es aber ein kleiner Wermutstropfen sein.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Mit Food Wars: The Third Plate gelingt es der Anime-Serie diverse Schwerpunkte zu schaffen und logisch aufeinander aufzubauen. Nach dem ersten großen Wettkampf in der ersten Volume und den sich überschlagenden Ereignissen im zweiten Episodenpaket, steht in der dritten Ausgabe eine Reihe Prüfungen an der Tagesordnung, denen sich die Charaktere stellen müssen. Immer noch hat Nakiri Azami die Hände im Spiel, der sich allen rebellierenden Elementen an seiner Kochschule entledigen will und seine Macht bei der Versetzungsprüfung voll und ganz ausspielt. Verpackt wird das Geschehen im bekannten Muster. Das heißt, dass die Figuren immer wieder neue Gerichte aus dem Hut zaubern müssen, um nicht von der Schule zu fliegen. Diesmal wird das Konzept aber insofern auf die Spitze getrieben, indem sie sich klar gegen Nakiri Azamis Vorgaben stellen müssen. Mit der dritten Volume von Food Wars: The Third Plate wird die Anime-Serie zwar nicht revolutioniert, macht aber vor allem langjährigen Fans immer noch sehr viel Spaß.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Food Wars: The Third Plate (Vol. 3)!

In der zwanzigsten Serienbox der Anime-Serie One Piece wurde der Handlungsstrang um die Insel Punk Hazard zwar abgeschlossen, ging jedoch zugleich in eine neue Erzählung über. So beginnt mit dieser Volume die große Geschichte auf den Inseln Dress Rosa und Green Bit.

Don Quichotte de Flamingo musste im Finale der vorherigen Serienbox als einer der sieben Samurai der Meere abdanken. Für viele eine erschreckende Nachricht, die sich auf der Grandline wie ein Lauffeuer verbreitet – schließlich ist der von der Weltregierung geduldete Pirat in so viele Machenschaften verstrickt, dass selbst Kriege durch seinen Rücktritt eine neue Wendung nehmen können. Sich ihres Sieges sicher, machen sich die beiden frischen Verbündeten Monkey D. Ruffy und Trafalgar Law auf den Weg zur Insel Dress Rosa, wo ihr Gegenspieler bisher als König geherrscht hat. Als Gegenleistung für Don Quichottes Rücktritt haben die Strohhüte ihm den kürzlich in Gefangenschaft genommenen Caesar Crown versprochen. So tüfteln sie einen Plan aus, wie sie ihre Geisel Crown gefahrlos übergeben können. Auf Dress Rosa angekommen, sind sie verwundert darüber, dass der Rücktritt des Königs keinesfalls für Chaos gesorgt hat und das Leben seinem gewohnten Gang geht. Um ihren Plan durchzuziehen, teilen sie sich in drei Gruppen auf. Während Navigatorin Nami, Musiker Brook und Schiffsarzt Chopper auf der Thousand Sunny verbleiben, das Schiff hüten und auf den kleinen Kōzuki Momonosuke aufpassen, machen sich Trafalgar Law, Archäologin Nico Robin und Lügenbold Lysop über eine Eisenbrücke auf den Weg nach Green Bit, um Crown dort abzuliefern.

Verschachtelte Erzählstränge

Entsprechend gehören zur dritten Gruppe, die sich um das Aufspüren und Zerstören der ominösen Smile-Fabrik kümmern soll, Kapitän Ruffy, Schiffszimmermann Frankie, Smutje Sanji, Schwertkämpfer Lorenor Zorro und Momonosukes Vater Kin’emon. Es dürfte aber klar sein, dass diese Gruppe aus verschiedenen Gründen leicht auseinander zu brechen ist. Zum Beispiel wird Zorro eines seiner Schwerter von der Zwergin Wicca gestohlen, während der hoffnungslose Romantiker Sanji bei der Verfolgung des orientierungslosen Dickschädels von der hübschen Violet abgelenkt wird. Ruffy erfährt hingegen, dass im Corrida-Kolosseum die erneut irgendwo auf der weiten Welt gewachsene Feuerfrucht seines vor zwei Jahren verstorbenen Bruders Puma D. Ace als Preis winkt. In der Zwischenzeit freundet sich Cyborg Frankie mit dem einbeinigen Spielzeugsoldaten Kyros an. Von diesem erfährt Frankie mehr über das Geheimnis von Dress Rosa, über das an dieser Stelle aus Spannungsgründen aber nicht zu viel verraten werden soll. Ähnlich wie in vielen vorherigen Erzählsträngen von One Piece, beginnt auch die Handlung auf Dress Rosa sehr gemächlich. Der Einstieg ist tatsächlich sehr langatmig, doch sobald die Charaktere alle an verschiedenen Stellen ums Überleben kämpfen oder sich für ihre (neuen) Freunde einsetzen, zündet auch hier einmal mehr der Unterhaltungswert.

Tiefgründige Erzählung mit dosierter Action

Es ist beachtlich, wie alle Geschichten der 21. Serienbox von One Piece miteinander verzahnt sind, obwohl sie vor allem in den ersten Episoden wie voneinander losgelöste Abenteuer wirken. Beispielsweise pflegt Kyros eine tiefgehende Beziehung mit Rebecca, die als Gladiatorin im Kolosseum kämpfen muss und damit auf Ruffy trifft. Rebecca ist wiederum mit den mysteriösen Zwergen im Bunde, mit denen sowohl Robin und Lysop als auch Zorro zunächst unabhängig voneinander interagieren. Eingewickelt sind alle diese Erzählungen selbstverständlich in die Rahmenhandlung auf Dress Rosa. So scheint alles auf Don Quichotte hinauszulaufen, der im Übrigen ein doppeltes Spiel mit allen Akteuren treibt. Wie genau das gemeint ist, sollte der Zuschauer aber am besten selbst herausfinden. Es sei nur so viel gesagt, dass in der 21. Volume einige Enthüllungen an der Tagesordnung stehen, die die gesamte Serienhandlung noch tiefgründiger und nachvollziehbarer macht, zumal auch häufig von Flashbacks Gebrauch gemacht wird, die jedoch allesamt neue Szene zeigen. Auch wenn es schon zu einer Begegnung zwischen Mitgliedern der Strohhut-Piratenbande und Don Quichotte kommt, konzentriert sich der Action-Anteil nahezu vollständig auf das Kolosseum. Da der Handlungsstrang auf Dress Rosa aber bei Weitem noch nicht abgeschlossen ist, dürfte diese Entwicklung in den nächsten Episoden in die andere Richtung gehen und die ganze Insel betreffen. Spannend!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 629 bis 656 der Serie): One Piece gelingt es auch mit der 21. Serienbox, den Zuschauer mit überraschenden Details und neuen Hintergründen zum Staunen zu bringen. Obwohl der Handlungsstrang auf Dress Rosa anfänglich noch sehr ermüdend ist, da vieles im Unklaren bleibt, kann die Anime-Serie spätestens mit der Versplitterung der Gruppe einmal mehr zeigen, wie grandios voneinander losgelöste Handlungsfäden nach und nach im Hintergrund miteinander verbunden werden – und so ein großes und vor allem stimmungsvolles Abenteuer ergeben. Ruffy kämpft in einem Kolosseum, Zorro hechtet einer diebischen Zwergin hinterher und Frankie trifft auf einen einbeinigen Spielzeugsoldaten, der einem bestimmten Märchen von Hans Christian Andersen nachempfunden ist. Dieses Spielen mit der Populärkultur macht One Piece immer mal wieder und rückt es in einen neuen Kontext. Wer sich mit den ersten und leide etwas schwerfälligen Episoden arrangieren kann, wird mit der 21. Volume der Anime-Serie One Piece aber erneut nichts falsch machen können.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von One Piece: Box 21 (Episoden 629-656)!

Nachdem im Dezember 2019 die erste Volume von Schwarzesmarken im deutschsprachigen Raum veröffentlicht wurde, folgte das zweite Episodenpaket nur einen Monat später am 16. Januar 2020. Diese führt die Geschichte fort und zu einem halbwegs befriedigendem Ende.

Mit der zweiten Volume der Anime-Serie Schwarzesmarken gelingt es den japanischen Animationsstudios Liden Films und Ixtl, die Science-Fiction-Geschichte zu einem Abschluss zu bringen. Dabei knüpft der Auftakt des zweiten Episodenpakets an die Geschehnisse der ersten Volume an. Seitdem die vermeintliche Überläuferin Katia Waldheim aus dem Westen in die Deutsche Demokratische Republik geflohen ist, hat die Staatssicherheit ein Auge auf die Kompanie um Protagonist Theodor Eberbach geworfen. Als dann wie aus dem Nichts dessen Schwester Liese Hohenstein auftaucht, hält sie jeder für eine Spionin des Überwachungsapparats. Sie stellt immer mehr Fragen und versucht ihren Bruder zur Flucht in den Westen zu überreden, da der Angriff der Außerirdischen unaufhaltsam scheint. Das Szenario der Serie ist nach wie vor unverbraucht und zumindest auf der innen- und außenpolitischen Ebene sehr interessant. Lediglich die außerirdische Lebensform, Beta genannt, wird leider nicht ausreichend genug beleuchtet. Der Grund für den Angriff bleibt weitgehend unklar; es sind Lebewesen ohne Sinn und Verstand. Hier wäre zwar mehr möglich gewesen, doch storytechnisch konzentriert sich Schwarzesmarken ohnehin auf die Beziehungen der Charaktere und die Gesellschaft, in der sie leben. Auch die Kämpfe gegen die Aliens sind nur noch Nebensache.

Qualitativ gleichwertige Fortsetzung

Gestaltungstechnisch und inszenatorisch befindet sich Schwarzesmarken auf demselben Niveau wie die ersten sechs Folgen der zwölfteiligen Anime-Serie. So sind alle Szenen nach wie vor im bildschirmfüllenden 16:9-Format gehalten, wobei die Auflösung von 1080p grundsätzlich gut genutzt wird. Allerdings sind nach wie vor sämtliche Szenen mit einem Schleier von diffusem Licht überzogen, was insbesondere bei einem größeren Abstand zum Bildschirm dem einen oder anderen Zuschauer etwas negativ auffallen dürfte. Das hat zwar den Vorteil, dass Bildinhalte verschleiert werden, was zum politischen und gesellschaftskritischen Grundton von Schwarzesmarken passt, aber leider auch die Bildqualität mindert. Diese kommt somit nur selten über DVD-Qualität hinaus. Dafür fügt sich der Soundtrack von Evan Call und Elements Garden wunderbar ins Geschehen ein, sodass alle Szenen abwechselnd dramatisch oder actionreich auf den Zuschauer wirken. Beide Tonspuren der Serie liegen des Weiteren im Format DTS-HD Master Audio 2.0 vor. Bezüglich der ausgewählten Sprecher lässt sich sagen, dass beide Synchronisationen wirklich gut gelungen sind. Beispielsweise wird Hauptfigur Theodor Eberbach in der japanischen Originalfassung von Suzumura Ken’ichi gesprochen, während dieser Part im Deutschen von Benjamin Krause übernommen wird.

Mangel an digitalem Bonusmaterial

In der zweiten Volume der Anime-Serie Schwarzesmarken sind abermals sechs Episoden enthalten, die jeweils circa 24 Minuten lang sind. Im Gegensatz zur ersten Volume, bei der das digitale Bonusmaterial mit einem Clean Opening und einem Clean Ending sehr, sehr spartanisch ausfiel, hat der hiesige Publisher Kazé Anime bei der Veröffentlichung der zweiten Serienhälfte auf digitales Bonusmaterial gänzlich verzichtet. Das ist sehr schade, da vor allem Einblicke in die Umsetzung von der Light Novel zur Anime-Serie und der mögliche Einfluss des Computerspiels aus dem Jahr 2015 durchaus hätten interessant sein können. Dafür winkt ein weiteres Mal ein laut Herstellerangaben 20-seitiges Booklet in physischer Form als Bonus. Dieses stand für unseren Test allerdings nicht zur Verfügung. Es ist in diesem Falle aber wie immer davon auszugehen, dass das Booklet in der gewohnt hohen Qualität des Publishers produziert wurde. Unterm Strich ist Schwarzesmarken eine Anime-Serie, die zwar nicht unbedingt mit Werken wie Aldnoah.Zero oder Neon Genesis Evangelion mithalten kann, aber mit ihrem unverbrauchten Szenario, sprich der Deutschen Demokratischen Republik des Jahres 1983 als Hintergrund, sehr wohl punkten kann. Für Fans des Mecha-Genres, die auch nichts gegen ein bisschen pseudogeschichtliche Einflüsse haben, dürfen dennoch zuschlagen!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Schwarzesmarken hat mit dem ersten der beiden Episodenbündeln eine solide Grundlage geschaffen. So sind Szenario und Setting in der zweiten Volume nach wie vor interessant gestaltet. Vor allem die zwischenmenschlichen Beziehungen, die gesellschaftskritischen Fragen und die innen- und außenpolitische Lage der Deutschen Demokratischen Republik des Jahres 1983 vor einem pseudogeschichtlichen Hintergrund zu erleben, ist nicht nur für Hobby-Historiker ein großer Spaß. Fans von Anime, die sich um Mecha-Action drehen, kommen ebenfalls hier und da auf ihre Kosten. Leider rückt der Kampf gegen die Außerirdischen immer mehr in den Hintergrund, zumal die Serie es auch verpasst, dem Widersacher der Menschheit ein nachvollziehbares Gesicht zu geben. So nutzt Schwarzesmarken leider bei Weitem nicht jede erdenkliche Möglichkeit, weshalb die Serie nicht die Qualität von Aldnoah.Zero und Konsorten erreicht. Trotzdem ist die Serie für Fans des Mecha-Genres mit einem Faible für alternative Geschichte eine kleine Empfehlung.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Schwarzesmarken (Vol. 2)!

Viele Anime-Serien nutzen als Handlungsort oftmals den Ballungsraum um Tōkyō. Die nördlichste Hauptinsel Japans wird jedoch nur äußerst selten thematisiert. Golden Kamuy versetzt den Zuschauer nicht nur nach Hokkaidō, sondern zugleich auch in die ausgehende Meiji-Zeit.

Golden Kamuy ist kurz nach dem russisch-japanischen Krieg angesiedelt. Im Mittelpunkt der Erzählung steht der ehemalige Soldat Sugimoto Saichi, der aus der Armee entlassen wurde und jetzt als Tagelöhner und Herumtreiber sein Geld verdient. Während er in der winterlichen Idylle in einem Bach Gold schürft, erzählt ihm ein alter Mann eine mysteriöse Geschichte. So gab es auf Hokkaidō einst riesige Goldvorkommen, das eine bestimmte Gruppe von Ainu angehäuft hat. Als die Japaner das Land erschlossen, wurden die Ainu von einem von Gier getriebenen Mann ermordet. Auf seiner Flucht hat der Mann den Goldschatz irgendwo in der Einöde von Hokkaidō versteckt. Im Gefängnis hat er den Weg zum Schatz auf den Rücken von anderen Häftlingen tätowiert und jenen, denen die Flucht gelingt, hätten einen Anspruch auf die Hälfte des Schatzes. Das macht Sugimoto, der sich selbst als „unsterblich“ bezeichnet, hellhörig und neugierig. Während seiner Suche nach dem Schatz respektive nach ehemaligen Gefangenen trifft Sugimoto auf die junge Ainu Asirpa. Mit dieser schließt er sich zusammen, denn ihr Vater gehörte zu den Ainu, die wegen des Goldes ermordet wurden. Während der unsterbliche Sugimoto seine Kraft und sein Können demonstrieren kann, steuert Asirpa ihr Wissen über die Wildnis bei, die die beeindruckende Kulisse der Anime-Serie ausmacht.

Lebensweise der Ainu als Erzählfaktor

Mit jeder einzelnen Episode von Golden Kamuy setzen Sugimoto und Asirpa das Rätsel um den Goldschatz immer mehr zusammen. Dabei müssen sie sich großen Gefahren wie einem Bärenangriff und gefährlichen Bedrohungen wie mordlustigen Soldaten stellen. Die Story ist spannend und zeigt mit solchen Mitteln verschiedene Facetten des Überlebens, woran auch Asirpa nicht ganz unschuldig ist. Sie zeigt Sugimoto und somit auch dem Zuschauer in vielen Szenen die Lebensweise der Ainu. Zusammen mit der Darstellung der Natur und der Tiere ergibt sich so ein symbiotisches Gesamtbild, das dem Zuschauer einen guten Eindruck von der Zeit und der Lebensweise der Ainu verleiht. Allerdings findet die Geschichte von Golden Kamuy nicht nur in der Wildnis statt. Hin und wieder führt es die Charaktere auch (zurück) in die Zivilisation, wie zum Beispiel in die Stadt Otaru, um nach neuen Informationen zu dem Verbleib der entflohenen Häftlinge einzuholen. Mit der Zeit kommen weitere Figuren wie der wahnsinnige Tsurumi Tokushirō oder der undurchsichtige Hijikata Toshizō hinzu, die sich Sugimoto und Asirpa auf die eine oder andere Weise in den Weg stellen. Trotz der ernsten Situation bleibt in Golden Kamuy auch Platz für humorvolle Einlagen, die etwas aufgesetzt wirken, die Darstellung des tristen Alltags der Charaktere aber dafür sehr wohl auflockern.

Trennung zwischen beweglichen und festen Elementen

In visueller Hinsicht besticht die Anime-Serie des noch sehr jungen Geno Studios in erster Linie mit ihren detailliert ausgearbeiteten Charakteren. Die zeitgemäßen Kleidungsstücke der Figuren sind mit zahlreichen Einzelheiten gespickt, die positiv ins Auge springen. Weniger gelungen ist jedoch das Zusammenwirken von beweglichen und festen Elementen im Bild. Die Animationen haben kaum bis gar keine Auswirkung auf die Umgebung. Wenn Fußstapfen im Schnee notwendig sind, beginnt die Einstellung meist in der laufenden Szene. Teilweise fehlen sie aber auch ganz, was die Atmosphäre zu einem guten Teil stört. Neben dem leicht defizitären Bild in Full-HD kann Golden Kamuy aber mit der guten Klangqualität in DTS-HD Master Audio 2.0 punkten. Die meist ruhigen Melodien passen hervorragend zur winterlichen Präsentation. Hinzu kommen atmosphärische Soundeffekte wie das Rauschen des Windes oder das Knistern an Feuerstellen, die in der japanischen Tonspur aber etwas klarer wirken. Dennoch warten sowohl die japanische als auch die deutsche Synchronfassung mit sehr guten Sprechern auf, die ihre Charaktere mit Leben erfüllen. Laut Herstellerangaben dürfen sich Käufer über ein Tattoo, zwei Art Cards und eine Leseprobe als physische Boni freuen. Im digitalen Bonusmaterial liegen hingegen sechs kurze und halbwegs lustige Bonus-Clips bei.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Golden Kamuy überzeugt von der ersten Minute an. Anstatt die Helden in aller Breite vorzustellen, werden sie in der Anime-Serie des Geno Studios beiläufig charakterisiert. So bleibt mehr Zeit für die Entfaltung der spannenden Story, in der sich Sugimoto Saichi und Asirpa mit gefährlichen und bedrohlichen Situationen konfrontiert sehen müssen. Um die Handlung voranzutreiben, bedient sich die Serie immer wieder an der Darstellung der Lebensweise der Ainu. So erfährt der Zuschauer nicht nur mehr über die (einstige) Lebensweise der Ainu, sondern auch mehr über die Zeit, in der Golden Kamuy spielt. Die Serie möchte dabei authentisch bleiben, bedient sich aber auch Freiheiten. Bei Hijikata Toshizō handelt es sich beispielsweise um eine historische Persönlichkeit, die 1869 als Anführer der Shinsengumi getötet wurde. Nichtsdestotrotz überzeugt die Geschichte um Sugimoto und Asirpa mit ihrem Detailreichtum, dem sich kein Interessent von historischen Werken entziehen kann. So darf es in der zweiten Volume gerne weitergehen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Golden Kamuy (Vol. 1)!

Am 5. Dezember 2019 startete der deutsche Publisher Kazé Anime mit der düsteren Serie Kabaneri of the Iron Fortress eine neue Reihe. Das Werk von Wit Studio dreht sich um den Kampf ums Überleben in einer faszinierenden und erschreckenden Steampunk-Welt.

Wer in Europa an das Steampunk-Szenario denkt, dem kommt zunächst eine Vorstellung eines alternativen viktorianischen Zeitalters in den Sinn. Dass das Setting aber nicht nur auf das London um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert respektive England im selbigen Zeitraum beschränkt sein muss, zeigt die Anime-Serie Kabaneri of the Iron Fortress von Regisseur Araki Tetsurō. In der zwölfteiligen Serie aus dem Jahr 2016 erlebt der Zuschauer eine vergleichbare Erfahrung, aber auf der japanisch angehauchten Insel Hinomoto. In einer der Meiji-Zeit nicht unähnlichen Epoche wird die Geschichte rund um den Wissenschaftler Ikoma erzählt. Dieser lebt mit hunderten anderen Menschen in einer geschlossenen Siedlung, die als Bahnhof fungiert. Auf Hinomoto gibt es mehrere solcher Ortschaften, die über das Schienennetz miteinander verbunden sind. Gesichert sind die Siedlungen mit übergroßen Mauern. Wer an Attack on Titan denkt, darf genüsslich schweigen. Ähnlich wie in dieser Anime-Serie gibt es außerhalb der Mauern eine große Bedrohung, die die Menschheit schützen soll. Damit sind die untoten Kabane gemeint, die willenlos sind und wie Zombies vor sich hin vegetieren. Endgültig können diese nur umgebracht werden, wenn ihr von Blei geschütztes Herz durchtrennt wird. Kabaneri of the Iron Fortress nimmt ganz schön makabere Ausmaße an!

Düsteres und erschreckendes Szenario

Arakis Anime-Serie verzichtet im Übrigen auf eine große Exposition und diese ist auch nicht nötig, da alle wichtigen Informationen wie in einem Film von Kurosawa Akira dem Zuschauer sofort gezeigt oder beiläufig erwähnt werden. So beginnt die Handlung mit einem schlimmen Ereignis, das dem Zuschauer ein gutes Bild von Hinomoto und den Zuständen auf der Insel vermittelt. Eingepfercht im Bahnhof Aragane leben die Menschen in ständiger Furcht vor den Kabane, die sie infizieren könnten. An dem Tag, an dem die titelgebende Eiserne Festung, eine überdimensional große Dampflokomotive, in Aragane eintreffen soll, brettert diese aber ungebremst und mit Kabane überlaufen in die Stadt hinein. Es bricht Panik aus, Feuer lodert in den Gassen und in den Wirren wird zu allem Übel Protagonist Ikoma während des Versuchs, einen Kabane mit einer neuen Waffe zu töten, von diesem gebissen. Was wie das tragische Ende eines Charakters im Franchise von The Walking Dead klingt, ist in Kabaneri of the Iron Fortress jedoch der Auftakt einer spannenden Geschichte. Ikoma gelingt es, das Virus in seinem Körper vor Erreichen seines Schädels zu bremsen und kann seitdem als Mensch mit der Kraft eines Kabane leben. Seine Mitmenschen fürchten sich fortan vor ihm, wodurch auch die Bushi, sprich die Samurai, auf den eifrigen Ikoma aufmerksam werden.

Durchdachte und erwachsene Erzählweise

Neben Ikoma spielt auch die Kämpferin Mumei eine entscheidende Rolle, da sie gegen die Kabane kämpft und Menschen zur Flucht verhilft. Prinzessin Yomogawa Ayame betrachtet das Geschehen wiederum aus einer entfernten Position, steht in einer Szene aber auch für Ikoma ein. Etwas wichtiger ist da schon Ikomas bester Freund Takumi, ohne den die Story keine Fahrt aufnehmen kann. Die Geschichte von Kabaneri of the Iron Fortress ist den Köpfen bei Studio Wit absolut geglückt, da sie mit mehreren Höhepunkten gepflastert ist und zudem einen durchgehenden Handlungsstrang bietet, sodass die Episoden nahtlos aneinander anknüpfen. Hinzu kommt, dass sich die erwachsene Erzählweise auch auf das Design der Charaktere auswirkt. Diese sind nicht nur detailliert gestaltet, sondern auch stark animiert. Ebenfalls gelungen sind der Kleidungsstil und das Steampunk-Szenario. An allen Ecken und Enden ergänzen sich diese beiden Punkte, sodass das bildschirmfüllende 16:9-Format mit seiner herausragenden Beleuchtung im Format 1080p im wahrsten Sinne des Wortes glänzt. So ähnelt die Anime-Serie bildtechnisch fast schon Filmen von Shinkai Makoto, auch wenn qualitativ noch Welten dazwischen liegen. Zusammen mit der stimmungsvollen Musik ergibt Kabaneri of the Iron Fortress ein wahrhaft erinnerungswürdiges Gesamtbild, das Lust auf mehr macht!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Kabaneri of the Iron Fortress gehört wohl zu den Überraschungen der letzten Jahre. Regisseur Araki Tetsurō gelingt es, Steampunk- und Japan-Setting miteinander zu verbinden und eine spannende Geschichte zu erzählen. In dieser bedient sich der Regisseur zwar altbekannter Motive, lässt diese allerdings in einem frischen Szenario aufleben. Zusammen mit den zahlreichen Höhen und Tiefen, die die Charaktere während ihrer Reise durchleben, bleibt es an keiner Stelle langatmig oder gar langweilig. Actionreiche und entspannende Szenen wechseln sich in einem angenehmen Rhythmus ab, sodass jede Episode genügend Abwechslung bietet. Das erste Drittel der Serie ist Studio Wit auf ganzer Linie geglückt, auch wenn das Bonusmaterial mit einem achtseitigen Booklet sehr dürftig ausfällt. Die eigentliche Qualität der Anime-Serie wird dadurch aber nicht tangiert, weshalb sich kein Action- und Steampunk-Fan Kabaneri of the Iron Fortress entgehen lassen darf!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Kabaneri of the Iron Fortress (Vol. 1)!

Nachdem Kazé Anime im November 2019 die erste Volume von The Ancient Magus Bride im deutschsprachigen Raum veröffentlicht hat, folgte die zweite Ausgabe im Januar 2020. Diese führt die Grundlagen des ersten Episodenpakets mit äußerst spannenden Mitteln fort.

Seit die fünfzehnjährige Hatori Chise auf einer Auktion in London für fünf Millionen Pfund an den Magier Elias Ainsworth verkauft wurde, sind ein paar Wochen vergangen. Seine Absicht war es nicht, die magisch begabte Slay Vega als Dienerin oder gar Sklavin in seinem Haushalt einzustellen, sondern sie zu einer Magierin auszubilden – und zu allem Überdruss auch noch zur Ehefrau zu nehmen. Nachdem Chise mehr über ihren womöglich zukünftigen Ehemann erfahren hat und die beiden das eine oder andere Abenteuer rund um Drachen und Feen erlebt haben, setzen sie ihre gemeinsame Reise fort. Zu Beginn der siebten und damit ersten Folge des zweiten Episodenbündels von The Ancient Magus Bride wird das ungleiche Paar zu einer Kirche beordert. Obwohl Elias mit dieser Institution gebrochen hat, erledigt er immer noch Aufträge für sie. In der Umgebung des ländlich gelegenen Gotteshauses soll ein Schwarzer Hund sein Unwesen treiben. Elias und Chise sollen gemeinsam herausfinden, ob es sich bei dem Unhold des britischen Volksglaubens um eine gefährliche Bestie handelt oder sie ihn als harmloses Hündchen beurteilen dürfen. In diesem Zusammenhang fügt die Serie unter der Regie von Naganuma Norihiro weitere Charaktere ein, die wie die Situation an sich in mehreren aufeinanderfolgenden Episoden vorkommen. Zu diesen Figuren gehören unter anderem Alice Swayne, ihr Meister Mikhail Renfred und ihr formwandelnder Begleiter Ruth.

Vergänglichkeit des Lebens

Auch wenn die Anime-Serie aus dem Hause Wit Studio bisher weitgehend mit einer hellen Farbgebung dargestellt wurde, nehmen in der zweiten Volume von The Ancient Magus Bride zunehmend auch düstere Szenen Einzug in die Handlung. Beispielsweise ist in der achten Folge zu sehen, wie Elias in einer sehr viel größeren und bedrohlichen Gestalt einen Gegner zerfetzt. Dies passt vor allem zum grundlegenden Ton, der in den vorliegenden Episoden angeschlagen wird. Nichts ist so wie es scheint und jeder Charakter hat mehr als nur ein Gesicht. Zusammen mit den Fantasy-Elementen wird die ruhige, aber dennoch spannende Erzählweise somit niemals langweilig. Durch den dunkleren Anstrich werden auch ernste und erwachsene Themen wie Tod, Vergänglichkeit und Vertrauen ausgesprochen. Dies wird auch in den Kontext mit der Erkenntnis aus der ersten Volume gesetzt. So verbleiben Chise bis zu ihrem Tod nur noch drei Jahre. Elias hat allerdings einen Plan in der Hinterhand, um dieses trübsinnige Ereignis zu verhindern. Wie dieser Plan aussieht, muss der Zuschauer aber selbst herausfinden. Ohnehin verliert die mit Zauberei vollgestopfte Anime-Serie nicht sehr viele Worte darüber, welche Richtung sie zukünftig einschlagen wird. Das ist aber auch nicht sonderlich schlimm, da die meistens Charaktere die recht ruhige Handlung harmonisch vorantreiben.

Problembewältigung

Selbst wenn die Charaktere miteinander streiten, versöhnen sie sich kurz darauf wieder. Sie teilen ihre persönlichen Probleme miteinander, was sie zu unglaublich menschlichen Figuren machen. Ein Problem, unter dem hingegen schon die ersten sechs Episoden von The Ancient Magus Bride zu leiden hatte, ist die falsche Aussprache japanischer und englischer Begriffe – zumindest in der deutschen Fassung. Wem so etwas wichtig ist, sollte wohl lieber die japanische Tonspur aktivieren. Dennoch warten beide Synchronisationen mit tollen Sprechern auf. Vor allem Franciska Mirka Friede und Achim Buch könnten mit dem angenehmen Klang ihrer Stimmen nicht besser für Chise und Elias geeignet sein. Die Originalsprecher Tanezaki Atsumi und Takeuchi Ryōta gehen aber ebenfalls ganz in ihren Rollen auf. Im Hintergrund ertönt häufig keine Musik, was die sehr ruhige Erzählweise unterstreicht. Wenn die Melodien von Matsumoto Jun’ichi hingegen erklingen, sind sie meist melancholischer Natur und greifen damit ins Innenleben der Charaktere ein. Unter technischen Gesichtspunkten stehen die Folgen der zweiten Volume den Episoden des Seriendebüts in Nichts nach. Sie überzeugen vor allem mit ihren detaillierten Charaktermodellen und fantasievollen Kulissen. Lediglich auf Bonusmaterial muss der Zuschauer gänzlich verzichten, was äußerst bedauerlich ist.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Mit der zweiten Volume der Anime-Serie The Ancient Magus Bride knüpft das Wit Studio an die Geschehnisse des Seriendebüts an. Chise lernt Elias immer besser kennen und erlebt an dessen Seite kleinere Abenteuer, die mit erwachsenen Themen wie Vergänglichkeit oder Tod zusammenhängen und damit die Brücke zu den Episoden der ersten Volume schlagen. Nach wie vor ist Chises Zukunft ungewiss, da sie in drei Jahren sterben wird. Hiermit setzt sich die zweite Ausgabe aber noch zu wenig auseinander und konzentriert sich eher auf das Leiden von Elias. Neue Charaktere wie Ruth ergänzen das Figurenensemble hervorragend und zeigen deutlich, wie menschlich die von Yamazaki Kore im Manga erdachten Persönlichkeiten eigentlich sind. Zudem driftet die Serie nicht mit einem absurden Dramatik- oder Romantikanteil in die Belanglosigkeit ab. So dürfte das zweite Episodenpaket immer noch allen gefallen, die nach der ersten Volume mehr über Chise und Elias erfahren wollten. So darf es mit The Ancient Magus Bride gerne weitergehen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von The Ancient Magus Bride (Vol. 2)!

Nachdem sich die Helden in der Anime-Serie Black Clover in einen mysteriösen Dungeon begeben und in den Straßen der königlichen Hauptstadt für Recht und Ordnung gesorgt haben, sehen sie sich in der vierten Volume mit einem weitaus gefährlicheren Feind konfrontiert.

Ein paar Tage sind vergangen, seitdem die königliche Hauptstadt von der Terrororganisation Das kalte Auge der weißen Nacht attackiert und in Brand gesteckt wurde. Während des groß angelegten Wiederaufbaus beruhigen sich die Gemüter. Asta und seine Mitstreiter bekommen ihren Lohn ausgezahlt und dürfen ihren freien Tag genießen. Das führt Asta in die Stadt Nean, in der er während eines Gruppen-Datings die hübsche Rebecca Scarlet kennengelernt hat. Da er ihr versprochen hat, mit ihren Geschwistern zu spielen, will er seine Zeit mit den Kindern verbringen. Zur gleichen Zeit macht sich auch Gauche Adlai auf nach Nean, um seine kleine Schwester Marie zu besuchen und mit Geschenken zu überhäufen. Hier erhält der Zuschauer tiefgehende Einblicke in die tragische Vergangenheit der beiden Charaktere, die mit dem Tod ihrer Eltern in Verbindung steht. Als Gauche Marie endlich findet, muss er feststellen, dass gerade Asta mit ihr spielt – und als Marie dann auch noch frech behauptet, dass Asta eines Tages ihr Bräutigam wird, eskaliert die Situation zwischen den beiden Kämpfern. Stets im Hintergrund wird diese Szene von Noelle Silva beobachtet, die heimlich in Asta verliebt ist. Sie kann es nicht ertragen, wenn jemand anderes ihn ihr wegschnappen würde. Als Rebecca Asta dann noch fragt, ob er nicht bei ihr übernachten will, liegen die Nerven bei ihr blank.

Kampf dem Terror

Mit der 30. Episode fängt Black Clover eher unscheinbar an, doch wird Sinn und Zweck der vermeintlichen Nebenhandlung schnell deutlich: Außerhalb von Rebeccas Haus wird es mit jeder Minute kälter und auf einmal bedeckt Schnee die Dächer von Nean – obwohl es noch nicht einmal Winter ist. Mitten in der Nacht verschwinden Kinder und werden in eine Höhle in den Bergen gelockt. Asta und Gauche machen sich zusammen mit Ordensschwester Theresa Rapual auf den Weg, um die Kinder zu retten. Während Asta alle Kinder im Sinne hat, ist Gauche tatsächlich nur an seiner kleinen Schwester Marie interessiert, was die Rettungsaktion etwas verkompliziert. Noelle verweilt hingegen weiterhin in Nean, um die Stadt zu schützen. Zudem gibt sie dem Hauptquartier des magischen Ritterordens Bescheid und wendet sich dort an Sekke Bronzazza, der den Schwarzen Stier informieren soll. Dort angekommen, hat er jedoch erhebliche Kommunikationsschwierigkeiten. Während Gordon Agrippa ihm Angst einjagt, glaubt Sukehiro Yami eher, dass Sekke irgendwelche Trinkschulden einsammeln will. Es entbrennt ein Wettlauf gegen die Zeit, denn den Kindern soll ihre Magie entzogen werden. Einmal mehr tritt Das kalte Auge der weißen Nacht in Erscheinung, sodass ein Kampf gegen ein Schlammmonster und einen übermächtigen Lichtmagiebenutzer auf dem Plan steht.

Stilistisch bekanntes Gesamtbild 

An der künstlerischen Gestaltung von Black Clover hat sich im vierten Episodenpaket nichts verändert. Nach wie vor sind die verwendeten Farben eher trist und schlicht. Häufig werden sie dabei in diffuses Licht gehüllt. Da viele Szenen im Dunkeln respektive in geschlossenen Räumen spielen, werden auch Lichteffekte zum Aufhellen der Schauplätze genutzt, was im bildschirmfüllenden 16:9-Format regelrecht begeistert. Stilistisch erinnert die Serie weiterhin an Anime-Serien wie Attack on Titan oder Fairy Tail. Das sehr gelungene Charakterdesign könnte wiederum aus Videospielen wie Fire Emblem: Three Houses stammen. Im Gegensatz zu den ersten drei Volumes können die deutschen Synchronstimmen ein ganzes Stück mehr überzeugen; die japanische Synchronisation ist aber immer noch ein wenig atmosphärischer. Am Bonusmaterial hat sich ebenfalls nur wenig getan. So befindet sich auf dem ersten der zwei Datenträger sowohl ein Clear Opening als auch ein Clear Ending. Eine Bonus-Episode im Chibi-Format bleibt Kazé Anime dem Zuschauer diesmal aber schuldig. Dafür gibt es im physischen Umfang ein weiteres Mal sowohl ein 24-seitiges Artbook mit vielen Artworks und Konzeptzeichnungen als auch ein 16-seitiges Booklet mit interessanten Informationen zur Serie obendrauf. Hier wird sicherlich jeder einzelne Fan von Black Clover zufriedengestellt!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Schon nach wenigen Minuten fällt auf, dass Black Clover ähnlich wie die Anime-Serie One Piece kaum bis gar nicht auf überflüssige Geschichten setzt. So bekommt auch das Gruppen-Dating, das bis dahin die Wirkung einer Filler-Episode versprühte, eine essentielle Bedeutung für den Einstieg in den neuen Handlungsstrang. So fällt dieser mit seiner durchgehenden Erzählweise nach wie vor positiv auf. Hinzu kommt, dass die Erzähltechnik aufgrund der intelligent gestrickten Charakterkonstellationen stets spannend bleibt. Beispielsweise erfährt Asta, dass die Schwester Theresa Rapual aus der Stadt Nean Lily Aquaria aus dem Dorf Hage oder den adligen Fuegoleon Vermillion aus ihrer Zeit als Zofe kennt. Marie Adlai ist wiederum nicht nur die Schwester von Gauche, sondern auch mit Rebecca befreundet, die insgeheim Gefühle für Asta hegt. Mit jeder neuen Figur wird dieses Konzept weiter auf die Spitze getrieben. So kann auch die vierte Volume von Black Clover mit durchweg nachvollziehbaren Charakterkonstellationen überzeugen. Es bleibt abzuwarten, welche Ideen in den nächsten Ausgaben noch auf den Zuschauer warten.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Black Clover (Vol. 4)!

Nachdem Kazé Anime im August 2019 mit der ersten Volume von Food Wars: The Third Plate die dritte Staffel der Anime-Serie eingeläutet hat, folgte nur einen Monat später die zweite Ausgabe. In dieser dreht sich wieder einmal alles um Gerichte und deren Zubereitung.

Inhaltlich knüpft die zweite Volume von Food Wars: The Third Plate an die Geschehnisse des ersten Episodenpakets an. Das Mondbankett-Festival ist vorbei – und obwohl Yukihira Sōma sich nicht gegen seinen Rivalen Kuga Terunori durchsetzen konnte, gelang es ihm immerhin Terunori an einem Tag der Festlichkeiten zu schlagen. Für Sōma und seine Freunde bleibt nach dem Festival aber nicht viel Zeit zum Verschnaufen, denn die Tōtsuki-Kochschule wird kurz darauf von einem neuen Ereignis überschattet. Das Unheil beginnt mit dem Auftauchen von Nakiri Erinas Vater Azami. Auf einmal ist der Zehnerrat der Tōtsuki-Kochschule mit der Führung durch Erinas Großvater Senzaemon unzufrieden und will den amtierenden Rektor absetzen. Dessen Position soll niemand geringeres als Nakiri Azami übernehmen, der zu Beginn der siebten und damit ersten Episode der vorliegenden Volume diverse Änderungen ankündigt. Beispielsweise sollen alle Klubs der Schule mit sofortiger Wirkung geschlossen und jedes einzelne Gericht soll nach strikten Vorgaben zubereitet werden, damit jeder Schüler die gewünschte Perfektion erreichen kann. Dass Sōma und die anderen Köche damit definitiv nicht konform gehen, sollte jedem Kenner der Anime-Serie bereits bewusst sein. Es kommt wie es kommen muss: Ein weiteres Kräftemessen in Form eines Shokugeki steht vor der Tür.

Ernste, aber aufgelockerte Erzählweise

Handlungstechnisch reißt Food Wars: The Third Plate natürlich keine Bäume aus – und das muss die Anime-Serie auch nicht. Sie verzaubert mit einer lockeren, aber dennoch ernsten Storyline, die Sōma und Co zu neuen Höchstleistungen antreibt. Entsprechend ist Humor auch in den vorliegenden Episoden wieder einmal ein wichtiger Bestandteil der Erzählweise, denn wenn die Charaktere gegenseitig ihre Mahlzeiten kosten lassen und die Gaumenfreuden dann noch in aberwitzigen Posen mit übertriebener Mimik umsetzen, bleibt dabei kein Auge trocken. Zudem wird dem Zuschauer durch die sehr leichte Ausarbeitung der zwischenmenschlichen Beziehungen verdeutlicht, welchen Stellenwert Freundschaft hat, um sich gegen einen Feind zu behaupten. So erleben Sōma und seine Freunde zusammen Siege und Niederlagen, die auch in der zweiten Volume von Food Wars: The Third Plate enthalten sind. Ob es Sōma und Co gelingt, gegen Nakiri Azamis fiese Machenschaften zu bestehen, soll an dieser Stelle aber nicht verraten werden. Äußerst schade ist allerdings, dass der Publisher es versäumt, Charakterkonstellationen und Hintergründe mittels Bonusmaterial zu untermauern. Nachdem es bei der ersten Volume immerhin noch ein Clean Opening und ein Clean Ending gab, gibt es in digitaler Form diesmal nichts. Ein Booklet mit Zusatzinformationen fehlt leider ebenso.

Fortführung bekannter Grundlagen

Unter technischen Gesichtspunkten bleibt die Anime-Serie auch in der zweiten von insgesamt vier Volumes auf einem gleichbleibenden Niveau. Die sechs enthaltenen Episoden begeistern mit satten und vor allem fröhlichen Farben, wobei der Fokus ganz klar auf den Gerichten liegt, die die Charaktere zubereiten. Gyōza und andere Mahlzeiten sehen dermaßen zum Anbeißen aus, dass der Zuschauer die Geschmacksexplosion im Mund regelrecht schmecken kann. So wunderbar das Essen mit Effekten erstrahlt, so sehr gefallen auch die wichtigsten Charaktere, die mit überdrehten Frisuren und gelungenen Animationen in den schön gestalteten Küchen von Food Wars: The Third Plate herumwuseln. Diese kommen erneut im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p zur Geltung und versprühen die für die Anime-Serie typische Atmosphäre. In puncto Tonqualität wurde erneut auf das klangvolle Format DTS-HD Master Audio 2.0 gesetzt, sodass die mal angenehme und mal hektische Musik wunderbar zur Geltung kommt. Alle Figuren wurden des Weiteren – sowohl in der deutschen als auch in der japanischen Fassung – hervorragend synchronisiert, was vor allem dem Humor zugute kommt. Wer die Anime-Serie bis hierhin verfolgt hat oder auch nur die erste Volume von Food Wars: The Third Plate kennt, darf auch bei der zweiten Ausgabe bedenkenlos zuschlagen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nachdem das erste Episodenpaket von Food Wars: The Third Plate mit einem spannenden Wettkampf im Rahmen eines Schulfests überzeugte, werden in der zweiten Volume die Zügel stramm gezogen. In der siebten Episode der dritten Staffel wird das Zepter des Rektors an Nakiri Azami weitergereicht, weshalb an der Tōtsuki-Kochschule ein neuer Wind weht. Da Hauptfigur Yukihira Sōma das Problem aus der Welt schaffen will, werden mehrere Shokugeki durchgeführt. Handlungstechnisch ist das zwar die gewohnte Kost, doch dürfte das den langjährigen Food-Wars-Zuschauer nicht sonderlich stören. Auch in anderen Punkten gelingt es der Anime-Serie, das Niveau zu halten – der Humor zündet mit bekannten Mustern, die Charaktere halten stets zusammen und in der Realität leckeres Essen sieht selbst in der gezeichneten Form überaus schmackhaft aus. Nur in puncto Bonusmaterial ist die zweite Volume eine große Enttäuschung, da dieses einfach nicht existiert. Wer die Anime-Serie jedoch mag, kommt um die zweite Volume von Food Wars: The Third Plate aber definitiv nicht herum.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Food Wars: The Third Plate (Vol. 2)!

2009 verstarb der japanische Science-Fiction-Autor Itō Satoshi im Alter von 34 Jahren. Unter seinem Künstlernamen Project Itō veröffentlichte er viele Werke, von denen drei nach seinem Tod in Anime-Form umgesetzt wurden. Den Anfang macht der Film The Empire of Corpses.

Im ersten Teil der so genannten Project-Itō-Trilogie wird der Zuschauer ins Jahr 1878 versetzt. Am Ende des 19. Jahrhunderts macht die Menschheit einen großen technologischen Sprung, denn seit rund einhundert Jahren beherrscht die Leichentechnologie die Gesellschaft. Obwohl die Bevölkerung zunächst Angst vor dem technischen Fortschritt hatten und diesen sogar als Gotteslästerung betrachteten, konnte sich die neue Technologie durchsetzen. So muss sich der weibliche Anteil der Bevölkerung nicht mehr um ihre Ehemänner und Söhne sorgen, denn statt den Lebenden werden nun die Toten im Krieg geopfert. Die gesellschaftliche Akzeptanz geht in The Empire of Corpses jedoch ins Philosophische über, denn es heißt, dass nach dem Tod ein Leichnam 21 Gramm weniger wiegt. Dieses geringe Gewicht ist der Seelenstoff, der die Person zum Menschen machte. Durch den Austausch des ominösen Seelenstoffs ist es der Menschheit über Lochkarten möglich, Tote beispielsweise als Kutscher oder sonstige Diener zu versklaven. Zurückzuführen ist dies auf den Wissenschaftler Victor Frankenstein, der vor einhundert Jahren den ersten Toten zurückgeholt hat. Frankenstein war es jedoch möglich, ein Wesen zu schaffen, das reden, Liebe empfinden und sogar Mordgedanken entwickeln konnte. Frankensteins Kreation verschwand jedoch mit den Aufzeichnungen seines Erschaffers.

Science-Fiction- und Abenteuerfilm

Genau an dieser Stelle kommt der Protagonist von The Empire of Corpses ins Spiel, den der Zuschauer aber vermutlich eher aus einem anderen Werk kennen dürfte. Gemeint ist damit der junge Medizinstudent John Watson. Dieser hat seinen verstorbenen Freund Friday aus dem Totenreich verbotenerweise zurückgeholt, doch bleibt dieser wie jeder andere Zurückgeholte eine seelenlose Puppe, die nur einfachen Anweisungen Folge leisten kann. Von einem Mann namens M erwischt und erpresst, muss er fortan für das britische Empire und die Königin arbeiten. Seine Reise führt ihn unter anderem nach Indien, Afghanistan oder Japan – immer auf der Suche nach den Aufzeichnungen von Doktor Frankenstein. Unterwegs trifft Watson auf verschiedene historische Persönlichkeiten wie den britischen Militär Frederick Gustavus Burnaby oder den japanischen Offizier Yamaza Seigo, die ihn auf seiner Reise begleiten oder zumindest unterstützen. So müssen sich die Charaktere sowohl mit einem durchgedrehten russischen Wissenschaftler, der Bomben in die lebenden Leichen einpflanzt und als Waffe einsetzt, als auch mit toten Samurai auseinandersetzen, die sie in Kämpfe verwickeln. Es folgt ein spannendes Erlebnis auf das andere, sodass aus dem Science-Fiction-Werk ein Abenteuerfilm wird, der den Zuschauer mit wundervollen und wundersamen Ereignissen überschüttet.

Paralysierender Film über Leben und Tod

The Empire of Corpses von Studio Wit zaubert optisch ein Feuerwerk der Effekte ab. Der erwachsene Stil wird mit tollen Lichteffekten und sehr flüssigen Animationen begleitet. Hinzu kommen wie in einem Film von Regisseur Werner Herzog einprägsame Landschaftsbilder, in denen verschneite Berge mit Wolkenfetzen oder dem Sternenhimmel überzogen sind. Studio Wit, das auch für die Serie Attack on Titan verantwortlich ist, zeigt im Film von Makihara Ryōtarō sein ganzes kreatives Schaffen. Jede einzelne Szene wird im 16:9-Bildformat auf Blu-ray inklusive der Auflösung in 1080p zu einem düsteren Erlebnis, an dem sich der Zuschauer nicht sattsehen kann. Ebenfalls gut gelungen ist die deutsche Synchronisation, die mit den überaus prägnanten Stimmen von Erich Räuker, Sebastian Schulz und Co sehr gut besetzt ist. Letzterer spricht Watson ulkigerweise auch in der Fernsehserie Sherlock und könnte somit nicht passender sein. Im Japanischen wird er hingegen von Hosoya Yoshimasa, den Vielgucker aus zahlreichen Anime-Serien kennen dürften. Zusammen mit dem packenden Soundtrack ergibt sich so ein atmosphärisches Gesamtwerk. Wer die Blu-ray erwirbt, bekommt den Film nur im Doppelpack mit einer DVD, was ein wenig ärgerlich ist. Trotzdem: Wer sich auf The Empire of Corpses einlässt, wird einen Film erleben, den er nicht mehr so schnell vergisst.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray- und DVD-Fassung): The Empire of Corpses ist ein faszinierender Film über Leben und Tod sowie den Grenzen und Überschreitungen zwischen den beiden Zuständen. An vielen Stellen bleibt die Geschichte bewusst philosophisch, was jedoch dem interessanten und düsteren Szenario zugute kommt. Ebenfalls tragen die vielen Anspielungen an Werke wie Frankenstein, Sherlock Holmes oder Zwanzigtausend Meilen unter dem Meer und die Erwähnung von diversen historischen Persönlichkeiten wie Thomas Alva Edison oder Charles Babbage der düsteren Stimmung bei, die für den Zuschauer somit wesentlich greifbarer ist. Mit der Zeit entwickelt sich die aus vielen Stoffen bunt zusammengenähte Science-Fiction auch zu einem intelligent durchorganisierten Abenteuerfilm, der die Protagonisten vor dutzende Herausforderungen stellt, die für ordentliche Spannung sorgen. Fans des Science-Fiction-Genres kommen definitiv nicht um The Empire of Corpses herum!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von The Empire of Corpses!

Nach vier Monaten des Wartens veröffentlichte Publisher Kazé Anime die achte Volume der Anime-Serie Fairy Tail. Diese führt auf der einen Seite das große magische Turnier fort und wirft auf der anderen Seite einen gänzlich neuen und sehr spannenden Handlungsstrang auf.

Ab der 176. Episode von Fairy Tail zeigt sich nicht mehr Animationsstudio Satelight, sondern Animationsstudio Bridge verantwortlich. An der inhaltlichen Erzählweise ändert sich dadurch aber glücklicherweise nichts. So befinden sich die Freunde Natsu Dragneel, Lucy Heartfilia, Wendy Marvell, Gray Fullbuster, Erza Scarlet und Co im Finale des magischen Turniers, das in der siebten Volume im Mittelpunkt der Story stand und in der achten Serienbox endlich zu Ende geführt wird. So müssen sich die Kämpfer der Gilde Fairy Tail mit den stärksten Feinden ihrer Laufbahn auseinandersetzen. Die Gilde wird allerdings auch außerhalb des Turniers mit dem einen oder anderen Problem konfrontiert. Dadurch, dass Lucy überraschenderweise von den Soldaten des Königshauses entführt wird, müssen Natsu und Wendy zur Rettung eilen. Beim Rettungsversuch werden die unerschrockenen Figuren in den Katakomben voneinander getrennt, während das Finale in vollem Gang ist. Unter anderem treffen im Turnier Gray und Rufus Lore aufeinander, die seit Anbeginn des Wettkampfs im Clinch miteinander liegen. Es entbrennen zahlreiche Kämpfe, die mit betörenden Effekten und dem typischen Soundtrack der Serie unterlegt sind. Hier kommt ein jeder Fan voll und ganz auf seine Kosten, zumal die Magie der Protagonisten die Vorstellungskraft des Zuschauers regelmäßig sprengen können.

Herausforderungen und Hindernisse

Am Horizont ziehen aber auch schon die nächsten Gewitterwolken auf, denn Natsu und seine Freunde entdecken des Nachts einen Drachenfriedhof. Wendy gelingt es hier mit ihrer Magie, mit einem der verstorbenen Drachen zu kommunizieren. So erfahren sie, dass alle, die zu oft Drachentötermagie wirken, früher oder später selbst zu einem Drachen werden. Auch wenn sie dies zunächst nicht glauben wollen, bestätigen Arcadios und Yukino Agria die Geschichte. Hier wird Fairy Tail inhaltlich wunderbar mit der fünften Serienbox beziehungsweise mit den sich überschlagenden Ereignissen vor dem Zeitsprung verknüpft. Arcadios und Yukino wollen vierhundert Jahre in die Vergangenheit reisen, um den bösartigen Magier Zeref zu töten. Auch diesem Vorhaben werden Steine in den Weg geschmissen. Zu viel soll an dieser Stelle aber nicht verraten werden, da einige Überraschungen den Zuschauer wirklich mitreißen. In Fairy Tail ist die Persönlichkeitsentwicklung der Figuren eng mit den Herausforderungen verknüpft, die sie in so gut wie jeder einzelnen Folge erwarten. Trotz der ernsten Thematik bleibt auch in der achten Volume von Fairy Tail reichlich Platz für den Humor der Serie. Fairy Tail spart nicht mit flotten Sprüchen, arg überzeichneten Emotionen und ulkig gestalteten Figuren. Wer die ersten sieben Serienboxen schon kennt, weiß also ganz genau, was ihn hier wieder erwartet.

Mit frischem Gewand in die zweite Staffel

Nicht nur inhaltlich, auch technisch bleibt Fairy Tail auf demselben Stand wie zuvor. Es ist kaum bis gar nicht zu bemerken, dass mit Bridge ein anderes Animationsstudio am Werke ist. Das ist besonders für all jene Fans sehr erfreulich, die hier womöglich einen Stilwechsel befürchtet haben. Alle Animationen und Effekte befinden sich auf einem ähnlichen Niveau, was alle 28 und auf drei Blu-ray Discs verteilten Episoden zu einem Genuss beim Ansehen machen. Die drei Datenträger befinden sich im Übrigen erneut in einem ähnlich gestalteten Pappschuber, der sie sicher aufbewahrt. Dieser verfügt jedoch über ein neues und helles Design, was vor allem die erste von der zweiten Season trennen möchte, aber auf Kosten der Kontinuität geht. Sammler dürften sich womöglich daran stören, an der eigentlichen Qualität der Anime-Serie kratzt das aber keinesfalls. Digitales Bonusmaterial gibt es bei der achten Volume von Fairy Tail wie erwartet nicht, doch bei den physischen Boni hat Kazé Anime nicht gegeizt. Neben dem Episodenguide, der in Booklet-Form genügende Informationen zu allen Folgen enthält, liegen auch ein gefaltetes A3-Poster mit dem Motiv des Covers und ein Stickerbogen mit neun Abziehbildchen bei. So ist der Staffeleinstand mit einem frischen Gewand durchaus gelungen, denn trotz aller Unkenrufe zählt am Ende immer noch der Inhalt und der ist wirklich gelungen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Mit der 176. und damit ersten Episode der achten Serienbox werden die Befürchtungen, Fairy Tail könnte sich durch den Wechsel des Animationsstudios zu stark verändern, direkt zertrümmert. Sowohl die Erzählweise als auch der Zeichenstil und die Qualität der Animationen sind auf demselben oder zumindest auf einem ähnlichen Niveau wie zuvor. Wer also mit den teils überdrehten Charakteren schon in der ersten Staffel sehr viel Spaß hatte, wird auch mit der zweiten Season durchaus zufrieden sein. Das Finale des magischen Turniers ist erfreulicherweise keine Abhandlung einzelner und aufeinander folgender Kämpfe, sondern eine chaotische Zusammensetzung zahlreicher Kämpfe. Hinzu kommt, dass sich die Auseinandersetzungen auch außerhalb des „Rings“ in den Katakomben unterhalb der Stadt parallel zum eigentlichen Turnier abspielen und mit der einen oder anderen Story-Idee ergänzt und miteinander verknüpft werden. Die achte Ausgabe von Fairy Tail ist wirklich gut gelungen und wer bisher seinen Spaß mit der Anime-Serie hatte, wird auch mit der zweiten Season zufrieden sein – Animationsstudiowechsel hin oder her.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Fairy Tail (Box 8, Episoden 176–203)!

Nachdem im Mai 2019 die erste Volume der zweiten Staffel der Superhelden-Anime-Serie My Hero Academia im deutschsprachigen Raum veröffentlicht wurde, mussten Fans nicht lange auf die Fortsetzung warten. Bereits im Juni 2019 erschien das zweite Episodenbündel.

Inhaltlich knüpfen die vorliegenden Episoden von My Hero Academia an die Geschehnisse der ersten Ausgabe der zweiten Staffel an. In dieser hat der Zuschauer erfahren, dass die Olympischen Spiele mittlerweile ohne Belang sind, zumal achtzig Prozent der Menschheit mittlerweile über Superkräfte verfügt. Aus keinem anderen Grund musste ein Ersatz für das sportliche Event gefunden werden. In der Welt von My Hero Academia rückt an die Stelle von Olympia das Sportfest der titelgebenden Yūei-Akademie, in der die Absolventen der Schule ganz Japan zeigen, was in ihnen steckt. Mitten in diesem Wettkampf befindet sich der noch recht unerfahrene Nachwuchsheld Midoriya Izuku, der eigentlich ohne Superkraft geboren wurde. Nachdem er sich an der Akademie auch ohne Spezialität durchsetzte, wurde sein großes Idol, der Superheld All Might, mehr und mehr auf ihn aufmerksam. Durch anfängliche Sympathie wurde Freundschaft, die schließlich dazu führte, dass All Might seinem Bewunderer seine Superkraft vererbte. So und nicht anders ist es Izuku möglich, am Wettkampf teilzunehmen. Während in der ersten Volume die ersten beiden von insgesamt drei Disziplinen behandelt wurden, steht in der zweiten Ausgabe endlich die wohl spannendste Aufgabe auf dem Tagesplan. Hierbei handelt es sich um ein großes Turnier im Stile von Dragon Ball und Co.

Kampfsport mit Superkräften

Aufgrund der Spezialfähigkeiten der Superhelden, die über das rein physische Talent üblicher Kampfsportler weit hinausgehen, sind die Kämpfe wie im vergleichenden Werk von Toriyama Akira von Anfang bis Ende spannend inszeniert. Das fängt schon in der ersten Runde an, in der Protagonist Izuku gegen seinen Rivalen Shinsō Hitoshi antritt. Dieser verfügt über die Spezialität, die Gedanken anderer Menschen zu manipulieren. So lässt er Izuku von Beginn an einen Schritt nach dem anderen auf den Rand des Rings zubewegen. Dass das für den Helden natürlich glimpflich ausgeht, sollte alleine aufgrund des Storytellings jedem Zuschauer von My Hero Academia bewusst sein. Spannender ist schon die Art und Weise, wie Izuku den Fängen seines Gegners entkommt. Diese Wendung sollte der Zuschauer aber am besten selbst erleben. Kurz darauf steht dann auch schon das Duell zwischen Todoroki Shōto und Sero Hanta an, in dem Hanta im wahrsten Sinne des Wortes mit Bandagen kämpft, während Shōto seinen Gegner mit einem Eisangriff bearbeitet. Aufgrund der begrenzten Episodenzahl darf nicht erwartet werden, dass all diese Kämpfe die epischen Ausmaße von Dragon Ball annehmen, doch aufgrund der kurzweiligen Auseinandersetzungen nutzt die Serie die Gunst der Stunde, um in wenigen Sätzen die einzelnen Figuren deutlich stärker zu charakterisieren.

Mit Wucht in die zweite Runde

Auf technischer Ebene gelingt es My Hero Academia das Grundgerüst der Anime-Serie noch weiter auszubauen. Großartige technische Entwicklungen dürfen zwar nicht erwartet werden, aber trotzdem überzeugt der zum Setting passende und kunterbunte Zeichenstil durchweg. Im bildschirmfüllenden 16:9-Format laufen die Charaktere zu Glanzleistungen auf, begeistern mit spärlichen, aber dafür flüssigen Animationen und fügen sich insofern in den Humor der Serie ein, indem vor allem ihre Mimik aus der Masse heraussticht. Unterlegt wird das witzige und zugleich actionreiche Geschehen mit gelungener Musik im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0, sodass auch die letzte Disziplin respektive die Auseinandersetzungen zwischen allen Kämpfern umso stimmungsvoller auf den Zuschauer wirken. In puncto Synchronisation ist die japanische Originalfassung mit Sprechern wie Yamashita Daiki oder Miyake Kenta zwar sehr prominent besetzt, doch auch die hiesigen Synchronsprecher von Izuku und All Might, sprich Sebastian Fitzner und Matti Klemm, passen hervorragend zu den Charakteren. Im Gegensatz zur ersten Volume der zweiten Staffel bietet diese Ausgabe leider keine digitalen Boni. Laut Herstellerangaben gibt es als physische Dreingaben in der Tradition von My Hero Academia aber ein knappes Booklet, eine Character Card und einen Sticker obendrauf.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): My Hero Academia ist eine sehr illustre Anime-Serie, die sich erst einmal finden musste. Nach anfänglichen Startschwierigkeiten hat sie sich spätestens mit dem Finale der ersten Staffel gefunden. Der zweiten Season fehlt es zwar noch an einem Hauptziel, auf das die Charaktere hinarbeiten, doch ist das Sportfest der Yūei-Akademie alles andere als langweilig. Aufgrund dessen, dass es sich bei der dritten und letzten Disziplin der sportlichen Veranstaltung um ein Kampfturnier handelt, ähnelt die Serie hier dem Favoriten Dragon Ball, ohne jedoch die epischen Ausmaße dessen großangelegten Kämpfe anzunehmen. Sonderlich schlimm ist das aber nicht, da jeder Superheld über eine ganz andere Spezialität verfügt. Zudem werden die Charaktere hier in kurzen und prägnanten Sätzen charakterisiert, sodass es zusammen mit der spannenden Action und dem keinesfalls geringen Anteil an Humor nicht langweilig bleibt. Wer bereits mit der ersten Volume der zweiten Staffel seinen Spaß hatte, kommt auch um die zweite Ausgabe definitiv nicht herum!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von My Hero Academia – 2. Staffel (Vol. 2)!

Zwischen 2010 und 2014 erschien in Japan die Light Novel von Autor Uchida Hiroki. Im Jahr 2015 folgte ein Computerspiel, woraufhin 2016 eine Anime-Serie von Regisseur Watanabe Tetsuya folgte. Die erste von zwei Volumes der Serie erschien Ende 2019 in Deutschland.

In den ersten Minuten der Anime-Serie Schwarzesmarken wird dem Zuschauer verdeutlicht, dass es sich hierbei um ein Werk handelt, das auf ein unverbrauchtes Szenario setzt. Nach der kurzen und knappen Einführung, ist sich der Zuschauer dem Setting bewusst. So spielt Schwarzesmarken 38 Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs, genauer gesagt in der Deutschen Demokratischen Republik. Die Teilung Deutschlands ist allerdings nicht alleiniger Dreh- und Angelpunkt der Handlung, denn die Serie vermischt in ihrer Exposition Realität mit Fiktion. Unter anderem wird darauf hingewiesen, dass die Menschen 1967 auf der Oberfläche des Mondes Kontakt mit der außerirdischen Lebensform Beta aufgenommen haben. Einige Jahre später ist es den Aliens gelungen, auf der Erde zu landen. Ausgehend von Südostasien hat sich der Feind bis nach Europa vorgekämpft. Sechs Kilometer von Frankfurt an der Oder entfernt, kämpft die 666. TSF-Kompanie der nationalen Volksarmee gegen die Beta. So gilt Ostdeutschland respektive die DDR als letzter Wall von Europa. Die Regierung nutzt diese Stellung aus, verschärft die Überwachung durch die Staatssicherheit, sodass die Soldaten bedingungslos für ihr Land kämpfen müssen. In Schwarzesmarken ist der letzte Funken Glauben erloschen, wodurch sich ein aussichtsloses oder gar trostloses Szenario entwickelt.

Politik und Science-Fiction

Dies ist vor allem daran zu erkennen, dass im Fokus der Geschichte der Kampf zwischen den Menschen und der außerirdischen Lebensform steht. Gekämpft wird an der Front im Cockpit von so genannten Balalaikas. Dabei handelt es sich jedoch nicht um Instrumente, sondern um große Kampfmaschinen, die im Genre auch als Mechas bezeichnet werden. Wer Anime und Manga wie Aldnoah.Zero bereits kennt, dürfte sich in Schwarzesmarken von der ersten Folge an zurechtfinden. Unter technologischen Gesichtspunkten sind diese Gerätschaften jedoch so ziemlich das einzige, was – abgesehen vom durchweg spürbaren Science-Fiction-Einschlag – den Entwicklungsstand der frühen 1980er-Jahre entspricht. An anderen Stellen agieren die Charaktere unter anderem mit Computern, die in diesem Jahrzehnt tatsächlich existierten. Mitten im Kampfgeschehen behandelt die Handlung der Anime-Serie den Werdegang von Leutnant Theodor Eberbach. Aus Furcht vor dem Regime beugt er sich stets den Befehlen und hinterfragt sie nicht. Erst als die junge Frau Katia Waldheim in sein Leben tritt, ändert sich seine Einstellung gegenüber seiner Position. Bei Waldheim handelt es sich um ein früheres Mitglied der Bundeswehr, das zu Beginn der Handlung zur DDR überläuft. Dies führt jedoch dazu, dass die Staatssicherheit mehr und mehr auf die Kompanie aufmerksam gemacht wird.

Erwachsene und düstere Thematik 

Auch im Hintergrund entwickeln sich verschiedene Handlungsstränge, von denen oftmals nur in Dialogen etwas erwähnt wird. Der Zuschauer erfährt somit auch davon, dass verschiedene Individuen die Einheitspartei der DDR stürzen wollen. Schwarzesmarken überzeugt mit einer ernsten Thematik, die gesellschaftliche und politische Fragen aufwirft und teils sogar selbst beantwortet. Da passt es nur allzu gut, dass das actionreiche und emotionale Geschehen im bildschirmfüllenden 16:9-Format an vielen Stellen mit diffusem Licht unterlegt ist. Dies heißt aber im Umkehrschluss, dass besonders bei einem gesunden Abstand zum Fernseher ein leicht verschwommenes Bild vom Zuschauer wahrgenommen wird und das Bild gefühlt auf DVD-Qualität mindert, auch wenn die Auflösung von 1080p bei der Blu-ray-Fassung meist gut genutzt wird. Von den Animationsstudios Liden Films und Ixtl wäre hier aber deutlich mehr zu erwarten gewesen. Immerhin passen die von Elements Garden und Evan Call komponierten Musikstücke, die die Szenen im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 recht stimmungsvoll unterlegen. In puncto Synchronisation überzeugt sowohl die deutsche als auch die japanische Tonspur mit passenden Sprechern. Als digitale Boni gibt es ein Clean Opening und Ending obendrauf. Liebhaber von physischem Material erfreuen sich an einem 20-seitigen Booklet.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Schwarzesmarken überzeugt in erster Linie mit einem recht unverbrauchten Szenario. So findet die Story der ersten sechs Folgen der Anime-Serie weitestgehend in der DDR statt, wobei das Kampfgeschehen vor allem im Winter auf schneebedeckten Feldern stattfindet. Allgemein ist die Farbgebung sehr kühl, was zur erwachsenen und düsteren Atmosphäre passt. Neben dem Schicksal von einer Handvoll Charakteren dreht sich in Schwarzesmarken auch vieles um das Militär und die Politik des Landes. Es werden gesellschaftliche und politische Fragen aufgeworfen, was die Serie für das erwachsene Zielpublikum vielseitiger macht. Allerdings gelingt es der Geschichte nicht, so etwas wie einen Spannungsbogen zu entwickeln. Handlungstechnisch bleibt die Serie weitgehend auf demselben Niveau und bietet nur sehr wenige Höhen und Tiefen. Dieser Umstand sollte sich in der zweiten und damit letzten Volume unbedingt ändern.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Schwarzesmarken (Vol. 1)!

Nachdem Publisher Kazé Anime die sechste Volume der Anime-Serie Dragon Ball Super im November 2019 veröffentlicht hat, dauerte es ganze drei Monate, bis die siebte Ausgabe im Februar 2020 auf die Fans losgelassen wurde. In dieser dreht sich alles ums Turnier der Kraft.

Dragon Ball Super knüpft in der 95. Folge an die Entwicklung des vorherigen Episodenpakets an. Da sich Majin Bū immer noch mitten in einem Nickerchen befindet, sind Protagonist Son Gokū und seine Freunde für das anstehende Turnier der Kraft, bei dem das Schicksal ihres Universums auf dem Spiel steht, auf der Suche nach einem weiteren Mitstreiter. Mittlerweile ist die Situation derart aussichtslos, dass sich Gokū zu Uranai Baba aufmacht. Mit ihrer Hilfe gelingt es ihm, in die Hölle zu reisen und seinen Erzfeind Furīza zurück ins Diesseits zu holen – einen Tag lang soll dieser ihre Rivalität vergessen und an der Seite von Gokū kämpfen, da auch sein Fortbestehen auf dem Spiel steht. Sollten die Kämpfer des siebten Universums verlieren, wird das siebte Universum aufhören zu existieren. Da dies auch nicht im Interesse von Furīza ist, schließen sie sich zusammen. Allerdings verlangt Furīza im Gegenzug für die Hilfe, dass ihn Gokū nach dem Sieg mit den titelgebenden Dragon Balls wiederbelebt. Auch wenn der Schurke dies nicht verdient hat, und wie schon die 95. Episode zeigt auch wohl nie verdienen wird, willigt Gokū ein. Kurz nachdem sie die Hölle verlassen haben, werden sie von Auftragsmördern des neunten Universums attackiert, um einen Vorteil beim Turnier der Kraft zu erlangen. Hier wird direkt deutlich, wie stark Furīza in seiner goldenen Form tatsächlich ist.

Battle Royale

Mit welchen hinterhältigen Mitteln der gemeingefährliche Furīza versucht, aus dem Pakt mit Gokū auszutreten, soll an dieser Stelle aber nicht verraten werden. Gokū kann allerdings von Glück reden, dass Birusu und Uisu auf der Suche nach ihm sind, da das Turnier der Kraft in Bälde beginnen wird. Die Arena setzt sich mehr und mehr zusammen – und kurz darauf werden für den Zuschauer passend dazu auch noch einmal die Regeln in den Vordergrund gerückt. Das gesamte Turnier dauert zum Beispiel nur kurze 48 Minuten an. Langjährige Fans des Franchises dürften aber sehr wohl wissen, dass das Kampfgeschehen hier zeitdehnend erzählt wird. Im Gegensatz zu den ganzen Kampfsportturnieren aus der ursprünglichen Serie treten hier jedoch nicht nacheinander je zwei Kämpfer in den Ring, um sich an die Spitze zu kämpfen. Beim Turnier der Kraft springen gleich achtzig Haudegen in die Arena, um sich nach den typischen Battle-Royale-Regeln zu bekämpfen. Dadurch werden die kurzen 48 Minuten wieder relativiert, da das Geschehen aus verschiedenen Blickwinkeln erzählt wird. Das heißt, dass in einem Moment noch der Kampf zwischen Cyborg C17 und der Kämpferin Kakunsa aus dem zweiten Universum über den Bildschirm flimmert, während im nächsten Augenblick Gokūs Sohn Son Gohan gegen den bärigen Botamo antritt. Mehr Kämpfe gab es noch nie!

Schlag auf Schlag

Wie anhand dieser Entwicklung zu erkennen ist, liegt der Fokus diesmal auf Kämpfen und der Inszenierung von Kampftechniken. In puncto Story entwickelt sich die Anime-Serie leider so gut wie gar nicht weiter. Dennoch sollte bei diesem Spektakel in Dragon Ball Super an keiner einzigen Stelle vergessen werden, dass das Turnier der Kraft nur zur Belustigung von Zen’ō, dem König von Allem stattfindet. Er und sein anderes Ich aus der alternativen Zeitlinie feuern die Kämpfer zwar unermüdlich an, doch müssen sie in den vorliegenden Episoden gleich mehrfach ihre ungeheure Kraft demonstrieren, ein ganzes Universum von einer Sekunde auf die andere verschwinden zu lassen. Das ist trotz oder gerade wegen der dahintersteckenden Tragik recht unspektakulär, aber vielleicht gerade deshalb so beeindruckend. Optisch befindet sich die Anime-Serie nach wie vor auf demselben Stand. So ist der markante Zeichenstil von Toriyama Akira an allen Ecken und Enden stets zu erkennen, die Animationen können jedoch nur selten mit denen von Dragon Ball Z Kai und Co mithalten. Immerhin überzeugt die Akustik in den brenzligen Kämpfen insofern, dass der Zuschauer umso stärker mitfiebert. In puncto Bonusmaterial liegen der siebten Volume von Dragon Ball Super zwei Postkarten und ein Episodenguide als Booklet bei, um die chronologische Kampfreihenfolge zu verinnerlichen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Dragon Ball Super erreicht in der siebten Volume endlich den seit einigen Folgen erwarteten Höhepunkt: Das Turnier der Kraft. Voll und ganz stehen bei diesem Event Kämpfe und Kampftechniken im Mittelpunkt, bei dem Schöpfer Toriyama Akira ein weiteres Mal aus seinem kreativen Fundus schöpfen, gar seine bisherigen Grenzen überwinden kann. Teleportationen, Zeitsprünge, Blitzangriffe, Zaubersprüche und Verführungstechniken – hier werden alle Möglichkeiten genutzt. Die Dramatik spitzt sich beim furiosen Turnier insofern stets weiter zu, indem alle paar Episoden ein neues Universum von Zen’ō ausgelöscht wird. Hinzu kommt, dass mit dem Ausscheiden der Kämpfer die Elite übrig bleibt und das Turnier stets spannender wird. Diese Entwicklung wird sich in der achten Serienbox definitiv noch zuspitzen. Wer den starken Fokus auf Kämpfen nicht mag und auch eine interessante Story erwartet, kann von der siebten Volume leicht enttäuscht sein, denn in puncto Story entwickelt sich Dragon Ball Super hier nicht weiter. Ein Umstand, den vermutlich auch die achte Serienbox treffen wird. Kampfenthusiasten wird es aber sicherlich freuen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Dragon Ball Super (Vol. 7, Episoden 95–112)!

Im Monatstakt veröffentlichte der hiesige Publisher Kazé Anime zwischen September und November 2019 die Anime-Serie Saga of Tanya the Evil. Mit der dritten Volume wird das Ende der Serie erreicht, das mit noch weitaus größeren Gräueltaten schockiert.

Saga of Tanya the Evil schildert auch in der dritten und leider letzten Volume die Geschichte eines ermordeten japanischen Geschäftsmanns, der in einer fiktiven Welt, die dem Europa des frühen 20. Jahrhunderts ähnelt, wiedergeboren wird. In der Haut des jungen Mädchens Tanya Degretschow erhält er von Gott den Auftrag, so lange wie möglich zu überleben, um aus der anhaltenden Kriegshölle zu entkommen und ebenso das Recht auf eine weitere Wiedergeburt zu erhalten. Zeitlich ist die Story der Anime-Serie inzwischen im Mai 1925 nach der fiktiven Vereinigungszeitrechnung angekommen. In der ersten Episode der dritten Ausgabe wird Tanya, die mittlerweile im Rang eines Majors Entscheidungen trifft, mitgeteilt, dass sich die Truppen des Imperiums von der Westfront am Rhein zurückziehen werden. Das heißt jedoch nicht, dass sich die Lage entspannt oder der Krieg als verloren eingestuft wird. Stattdessen will die oberste Heeresleitung mit der sogenannten Operation „Nebel und Sonne“ lediglich die feindliche Hauptstreitmacht hervorlocken, um sie mit einem Angriff vernichtend zu schlagen. Es sollen so viele Gegner wie nötig erledigt werden, um den weiteren Vorstoß zu verhindern, zumal bereits ein Weltkrieg droht, wie am Ende der achten Episode von Saga of Tanya the Evil mit einer Szene, die in den Vereinigten Staaten spielt, bereits angedeutet wurde.

Möglichkeiten des Neuen und Unbekannten

Obwohl die bisherigen Geschehnisse in der Anime-Serie schon schrecklich genug waren, legt die dritte Volume noch eine Schippe drauf. Allen voran liegt das am technischen Fortschritt, von dem auch die Magier profitieren. Der durchtriebene Wissenschaftler Dr. Schugel hat die Waffe V1 erfunden: Auch wenn der Begriff „Vergeltungswaffe 1“ in Saga of Tanya the Evil in dieser Form nicht fällt, darf aufgrund der optischen Gestaltung der Waffe stark davon ausgegangen werden, dass sich das Nut Animation Studio an der im Zweiten Weltkrieg von den Nationalsozialisten eingesetzten Waffe orientiert hat. Mit dem Durchbruch der Schallmauer, gegen die die Magier natürlich gefeit sind, gelingt es Tanya und ihrem Trupp in der Operation „Angst und Schrecken“ wichtige Stützpunkte des Feindes in die Luft zu jagen – und damit dem Imperium zu einem großen Schritt auf dem Weg zum Sieg zu verhelfen. Die Hauptfigur bleibt bei ihren Aktionen nach wie vor rücksichtslos und bezeichnet Gott als Sadisten, da er sie in diese Situation gebracht hat. Andernfalls bittet sie ihn auch um Beistand, wenn sie in der Klemme steckt. Hinzu kommt, dass Tanya mit einem Gegenspieler konfrontiert wird, der von Gott den Auftrag erhalten hat, sie respektive den „Teufel vom Rhein“ auszuschalten. Wer im Namen des metaphysischen Wesens sein Leben lässt, sollte der Zuschauer selbst sehen.

Krieg bleibt immer gleich

Mit der ungeschönten Darstellung von zahlreichen Verletzungen, Verkrüppelten und Toten ist die Kriegsatmosphäre auch in der letzten Volume in jeder Minute zu spüren. Gegen Ende der Serie beißen sich sogar die politischen Ansichten des Oberkommandos und Tanyas militanter Einstellung so sehr, dass auf einmal eine ganze Welt für sie zusammenbricht. Dargestellt wird das Kriegsgeschehen im bildschirmfüllenden 16:9-Format mit braunen und grauen Farbtönen, die den positiven Nebeneffekt haben, dass der Zuschauer die erzählte Zeit besser greifen kann. Nicht vergessen werden darf hierbei der fantastische Soundtrack, der in den wichtigsten Szenen hervorragend aus den Lautsprechern trällert und die Atmosphäre so stimmungsvoll untermalt, wie es die deutschen und japanischen Synchronsprecher mit ihren Stimmen schaffen. Neben den vier und jeweils ungefähr 24-minütigen Episoden liegt auf der Blu-ray Disc jedoch kein weiteres Material vor. Boni, die die Umsetzung von der Light Novel zum Anime zeigen oder sich gar mit dem Krieg in der Realität auseinandersetzen, wären äußerst wünschenswert gewesen, fehlen allerdings. Dafür erhält der Käufer ein letztes Mal ein 36-seitiges Booklet mit weiteren Informationen zur Anime-Serie. Wie in Valkyria Chronicles 4 oder The Man in the High Castle funktioniert alternative Geschichte auch in Saga of Tanya the Evil wirklich gut, weshalb jeder mit einem Faible für Parallelwelten und Co hier unbedingt zugreifen sollte.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Alternative Geschichtsschreibung ist nach wie vor ein sehr interessanter Ansatz, der auch in Saga of Tanya the Evil sehr gut funktioniert. In der dritten und leider auch schon letzten Volume funktioniert das sogar noch etwas besser, da sich jetzt auch Elemente des Ersten mit denen des Zweiten Weltkriegs verbinden. Mit den neuen technologischen Möglichkeiten, wie der V1-Rakete und dem Einsatz vom Panzern, ist das gefährliche Ausmaß des Krieges für den Zuschauer noch furchteinflößender zu erkennen. Leider endet Saga of Tanya the Evil mit der zwölften Episode halbwegs offen, zumal auch die Light-Novel-Vorlage bis heute erscheint. Wer die ersten beiden Volumes gesehen hat, sollte auch beim dritten Episodenpaket zugreifen. Dennoch bleibt unterm Strich nur zu hoffen, dass irgendwann noch eine zweite Staffel dieser großartig inszenierten Anime-Serie folgt, da das Szenario von Saga of Tanya the Evil so viel hergibt und unbedingt fortgesetzt werden muss!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Saga of Tanya the Evil (Vol. 3)!

Obwohl die Manga-Reihe Die Braut des Magiers beim Verlag Tokyopop erscheint, konnte sich der hiesige Publisher Kazé Anime die Rechte für die Anime-Serie sichern. Die erste Volume von The Ancient Magus Bride erschien im November 2019 und lässt die Zauberei beginnen.

Im Mittelpunkt der Erzählung von The Ancient Magus Bride steht die fünfzehnjährige Hatori Chise, der zu Beginn der Handlung auf vermeintlich freiwilliger Basis Ketten angelegt und für fünf Millionen Pfund Sterling an den zunächst undurchschaubaren Elias Ainsworth versteigert wird. Er hält sie weder als Sklavin noch als Dienerin – und behandelt sie außerordentlich mit Respekt und Anstand, sieht sie sogar als Teil seiner Familie. Letzteres ist für Chise von ganz besonderer Bedeutung, da sie ihre letzten lebenden Verwandten nicht als Familie ansieht. Stattdessen will der Magier sie in seinem Haus außerhalb Londons als seine neue Schülerin unterrichten. Als eine Slay Vega zieht sie fantasievolle Wesen wie Feen magisch an, woher wohl auch das Interesse von Elias rührt. Hinzu kommt, dass er Chise nicht nur ausbilden, sondern auch noch ehelichen will, womit dann auch der Titel The Ancient Magus Bride geklärt sein dürfte. Ironischerweise tickt Chise am Ende der ersten Episode, in der Elias seinen Plan offenbart, nicht aus. Stattdessen lässt sie alles auf sich zukommen und konzentriert sich in erster Linie auf ihre Ausbildung zur Magierin. Moralische Unterstützung erhält Chise unter anderem von der Magierin Angelica Barley, die sie in die Grundlagen einweist. Elias bemüht sich aber ebenso, um zu Chise vorzudringen und mehr über das Mädchen zu erfahren.

Besonnene, charmante und ruhige Erzählung

Handlungstechnisch bauen die ersten Episoden von The Ancient Magus Bride logisch und stringent aufeinander auf. Beispielsweise reisen Chise und Elias in der zweiten Serienfolge nach Island, um ein Drachennest aufzustöbern. Bei diesem Unterfangen wird Chise von einer der legendären Kreaturen mitsamt Drachenreiter entführt, wodurch sich in der dritten Episode die Story diesbezüglich weiterentwickeln kann. Wer bei dieser Umschreibung eine Handlung voller Dramatik und Romantik erwartet, wird vermutlich enttäuscht. Die Anime-Serie vom Wit Studio, das sich auch für Attack on Titan oder Kabaneri of the Iron Fortress verantwortlich zeigt, erzählt gegen alle Erwartungen eine ruhige und entspannende Geschichte, die sich in ihrer Exposition sehr viel Zeit nimmt, um die Ausgangslage zu schildern und Charaktere zu zeichnen. Aufgrund der Erzählweise, die selbst ernste Angelegenheiten locker präsentiert, bleibt in The Ancient Magus Bride an mehreren Stellen Platz für Humor. Unter anderem wird Elias’ Kopf, der das bedrohliche Aussehen eines Wolfsschädels mit den Hörnern einer Ziege hat, während eines Gesprächs mit dem Priester Simon Callum einfach abgedeckt. An anderer Stelle ist wiederum die Erklärung, die Chise bezüglich der Flugunfähigkeit der Menschen an die Drachenkinder gibt, genauso charmant wie die besonnene und ruhige Erzählweise.

Vielschichtige Reflektion der Innenwelt

Wenig überraschend für ein Werk vom Wit Studio sind die Charaktere in The Ancient Magus Bride detailliert gestaltet und fügen sich hervorragend in die vielschichtige Geschichte um Hoffnung, Verlust, Trauer und Lebensfreude ein. Lediglich diverse Hintergründe sind zu steril und hätten etwas mehr Abwechslung verdient. Schade ist ebenfalls, dass in der deutschen Vertonung ein paar englische und japanische Begriffe falsch ausgesprochen werden. Warum das bei der Synchronisation nicht auffiel, ist fraglich. So wird der Zuschauer regelmäßig aus der zauberhaften Atmosphäre herausgerissen, obwohl allen voran die deutschen Synchronsprecher Franciska Mirka Friede und Achim Buch wie gemacht für ihre Rollen Chise und Elias zu sein scheinen. Besonders in den zahlreichen emotionalen Szenen vermitteln sie dem Zuschauer einen authentischen Blick in die Innenwelt der Charaktere. Wer auf eine korrekte Aussprache wert legt, sollte hingegen unbedingt die japanische Sprachfassung auswählen. Hier darf sich der Zuschauer wiederum über die Stimmen von Tanezaki Atsumi und Takeuchi Ryōta freuen, die den Figuren vor einer verträumten musikalischen Kulisse nicht weniger Persönlichkeit verleihen. Neben der physischen Sammelbox der Limited Edition fällt der digitale Bonus mit einem Clean Opening und einem Clean Ending leider sehr marginal aus.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): The Ancient Magus Bride ist nicht das, was der Titel der Anime-Serie suggeriert. Dramatik, Romantik und alles was damit zu tun hat, ist in den ersten sechs Episoden aufs Nötigste reduziert. Stattdessen konzentriert sich die Erzählung auf die Charakterisierung von Chise und Elias, baut dabei Stück für Stück ihre Beziehung aus und schickt die Figuren in verschiedene Situationen, die sie lösen müssen. Positiv fällt auf, dass die einzelnen Geschichten trotz unterschiedlicher Inhalte aufeinander aufbauen. Die verschiedenen Akzente, die diese kleinen Geschichten setzen, werden vor allem von Chise reflektiert, was die Figur unglaublich menschlich erscheinen lässt. Somit ist der Serienauftakt, abgesehen vom mageren Bonusmaterial, sehr gelungen und macht Lust auf die kommenden 18 Episoden von The Ancient Magus Bride!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von The Ancient Magus Bride (Vol. 1)!

Wer sich darüber geärgert hat, dass die zweite Staffel von Food Wars nur über 13 Episoden verfügte, darf bei Food Wars: The Third Plate aufhorchen. Die dritte Season kommt auf 24 Folgen, die den Werdegang von Protagonist Yukihira Sōma mit neuen Mahlzeiten fortführen.

An der grundlegenden Thematik hat sich auch in Food Wars: The Third Plate nichts getan, denn nach wie vor steht das Zubereiten von verschiedenen Mahlzeiten und das gegenseitige Übertrumpfen in Kochwettwerben im Fokus der Erzählung. Darin eingeschlossen ist der übereifrige Yukihira Sōma, der nach den Ereignissen am Ende der zweiten Staffel zurück an den Dreh- und Angelpunkt des Geschehens kehrt. Gemeint ist damit die Tōtsuki-Kochschule. An dieser findet das herbstliche Mondbankett-Festival statt, auf das sich alle Schüler fleißig vorbereiten. Auch hier gilt es erneut, mit den anderen Schülern respektive Köchen zu konkurrieren, um noch schmackhaftere Gerichte vorzubereiten, als es den Charakteren in den letzten Duellen möglich war. Der stärkste Gegner während der Festlichkeiten ist Kuga Terunori, der mit seiner chinesischen Küche jeden Kontrahenten aus dem Rennen schicken will. Dies führt natürlich dazu, dass Sōma unter allen Umständen besser sein möchte und fordert ihn heraus. Sollte es Sōma möglich sein, seinen Rivalen zu schlagen, würde dieser ihm sogar ein Shokugeki, sprich ein persönliches Kochduell, anbieten. Der Einstieg beginnt sehr turbulent, denn leider bedenkt Sōma nicht, dass er – sollte er mit seinem Feststand rote Zahlen schreiben – von der Schule fliegen wird. Daher muss Sōma jede Hilfe annehmen, die ihm geboten wird.

Spärliche Boni trotz bekanntem Gesamtbild

Storytechnisch bleibt es damit in der ersten Volume von Food Wars: The Third Plate bereits sehr spannend, da sich alles um das Vorbereiten aufs Fest, die Durchführung des Festivals und nicht zuletzt ums Konkurrenzdenken zwischen Sōma und Terunori dreht. Abseits des Trubels werden natürlich auch die zwischenmenschlichen Beziehungen der illustren Figuren ausgebaut und ihre Freundschaft gefestigt. Ebenso kommt die überdrehte Darstellung beim Verköstigen der mannigfachen Mahlzeiten hinzu, die wie für die Serie üblich auch leicht ins Erotische abdriften. So absurd das auch klingt, unterstreicht das für den Zuschauer zum einen den Geschmack der Mahlzeiten und zum anderen bleibt die Serie damit immer sehr humorvoll und sehr charmant inszeniert. Ein wenig schade und eigentlich schon unverständlich ist aber der äußerst geringe Umfang des Bonusmaterials. Während bei Food Wars: The Second Plate pro Volume noch mehrere Booklets beilagen, gibt es dieses Mal keinerlei kleine Heftchen mit weiterführenden Informationen zur Serie. In puncto digitales Bonusmaterial sieht es ebenfalls nicht sehr viel besser aus, denn neben dem Clean Opening und dem Clean Ending ist auf dem Datenträger rein gar nichts zu finden. Das schmälert zwar nicht die Qualität der Anime-Serie, aber dennoch das Erscheinungsbild der Veröffentlichung von Food Wars: The Third Plate.

Anime-Essen zum Anbeißen

Unter technischen Gesichtspunkten steht Food Wars: The Third Plate in der Tradition zu den ersten beiden Staffeln der Serie. So überzeugen die sechs Folgen der ersten Volume bereits mit fröhlichen und sehr satten Farben. Insbesondere die zubereiteten Gerichte der Charaktere erstrahlen in einem derart kunterbunten Glanz, dass ihr schmackhaftes Aussehen sehr positiv auffällt. Kaum ist eine neue Mahlzeit auf dem Bildschirm zu erkennen, knurrt auch schon der Magen des Zuschauers. Hinzu kommen hübsch gezeichnete Charaktere, die mit mal seichten und mal hektischen Animationen hervorragend zur Thematik passen. Die Umgebungen sind im bildschirmfüllenden 16:9-Format in der Auflösung von 1080p des Weiteren wieder schön gestaltet und insbesondere in der Küche kommt der absolut typische Flair des Franchises auf. Sowohl der japanische Originalton als auch die deutsche Synchronisation liegen im Format DTS-HD Master Audio 2.0 vor. Bei den Synchronsprechern hat sich nicht viel getan. Fast alle Sprecher der ursprünglichen Besetzung sind mit von der Partie. Fans von Nakiri Erina sollten aber stark sein, denn in der japanischen Fassung hat Taneda Risa den Stab an Kanemoto Hisako weitergegeben. Diese haucht Erina aber ebenfalls reichlich Leben ein und macht den Stimmenwechsel in der gelungenen ersten Volume von Food Wars: The Third Plate erträglich.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Food Wars: The Third Plate gelingt es mit dem ersten Episodenpaket wunderbar, die Geschichte in der mittlerweile dritten Staffel recht gut fortzuführen. Mit dem Mondbankett-Festival steht ein neues Ereignis im Mittelpunkt der Erzählung, was für einen spannenden Wettkampf zwischen Hauptfigur Yukihira Sōma und seinem Rivalen Kuga Terunori sorgt. Zusammen mit dem übertriebenen Humor, der auch vor der einen oder anderen erotischen Anspielung keinen Halt macht, ergibt so ein sehr schickes Gesamtbild. Auch optisch weiß die Anime-Serie mit der Darstellung von diversen Gerichten zu überzeugen, die wieder so schmackhaft inszeniert sind, dass der Zuschauer gerne sofort in den Bildschirm springen möchte. So und nicht anders darf es auch in der zweiten von insgesamt vier Volumes weitergehen. Vielleicht überrascht die Serie dann ja auch noch mit dem Bonusmaterial, denn dieses ist im Staffelauftakt leider fast gar nicht vorhanden.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Food Wars: The Third Plate (Vol. 1)!