Wie schon bei Winners & Sinners erfolgt die Veröffentlichung in Deutschland auf Blu-ray im Namen von Jackie Chan. Dieser hat mit dem Film allerdings nur sehr wenig zu tun, doch wenn schon ein großer Name lockt, dann kann der Film eigentlich auch gar nicht schlecht sein.

Korrupte Polizisten gibt es überall; auch bei der Hongkong Police scheint es einen Beamten zu geben, der vor kurzem die Seiten gewechselt hat. Mit Diamanten im Wert von hunderten Millionen Dollar verschwindet er aus der chinesischen Hafenstadt und taucht im japanischen Tōkyō wieder auf. Um den Verräter zu fassen, reisen die Polizisten Muscle und Ricky nach Tōkyō, wo sie ihn kurze Zeit später zufällig in der Tōkyōter Untergrundbahn antreffen. Die Zielperson verschwindet allerdings schneller als ihnen lieb ist. Nach einer Verfolgungsjagd landen die Polizisten in einem Vergnügungspark Fujikyū Hairando, wo ihnen der Verräter entwischt. Dummerweise arbeitet dieser mittlerweile mit der Ninja-Gang zusammen, die den beiden Ordnungshütern dicht auf den Fersen sind. Ihnen gelingt es Ricky gefangen zu nehmen, woraufhin Muscle keine andere Möglichkeit sieht, Verstärkung aus Hongkong anzufordern. Es darf sich dabei jedoch nicht um Polizisten handeln, da diese sofort auffallen würden. Dem Polizisten Muscle fällt nur eine Handvoll Leute ein, die ihm jetzt noch helfen können. Er denkt an die Brüder, die mit ihm in Waisenhauszeiten durch dick und dünn gegangen sind. Das Problem besteht darin, dass sich die Freunde, nachdem Muscle Polizist geworden ist, entfremdet haben und aufgrund unterschiedlichen Ideologien nicht mehr miteinander reden.

Fünf Perspektiven

Dummerweise ist die Gang mittlerweile entzweit. Dem Polizeichef wird durch Muscle klar, dass die Waisenhausbande nur durch Fastbuck wieder zusammengeführt werden kann. Der sitzt allerdings im Gefängnis, aus dem er angeblich aufgrund einer Begnadigung durch den Gouverneur freigelassen wird. Als er dann mit dem Auto des Aufsehers abhauen will, wird er vom Polizeichef aufgeschnappt und gezwungen, ihm bei der Ermittlung zu helfen. Fastbuck willigt ein, denn drei weitere Jahre im Kittchen möchte er nun wirklich nicht riskieren. Sein erstes Ziel ist Herb, der in Hongkong einen Juwelier nach dem anderen ausraubt, indem er die Scheiben der Geschäfte mit einer kleinen Ladung Sprengstoff aufbricht. Zusammen mit Herb sucht er Rawhide auf, der jeden Zahnarzt der Stadt um den Verstand bringt, in dem er diesen seine faulen Zähne zeigt und sie anschließend ausraubt. Gemeinsam stoßen sie dann auf den in einer Nervenheilanstalt lebenden Sandy, der die Kunst der Telekinese erlernen will, aber am Unmöglichen durchweg scheitert. Die Gruppe beschließt, dass sie auch auf die Hilfe von Holzkopf angewiesen ist. Der hat sich von der Gruppe wie Muscle entfernt, da er ehrlich bleiben will und arbeitet inzwischen bei der Coca-Cola Company. Er ist allerdings strohdumm und kann in der Arbeitswelt nicht richtig Fuß fassen. Ein Glück dass Fastbuck vorbei kommt!

Details am Rande

Sammo Hung, der in Tokyo Powerman nicht nur die Rolle des Fastbuck übernimmt, sondern auch Regie führt, hat die Inspiration für diesen Film von einer japanischen Fernsehserie, die Personen aus fünf verschiedenen Blickwinkeln zeigt. Dieses Kunststück, Action und Humor aus fünf unterschiedlichen Richtungen vereint zu präsentieren, gelingt ihm nach Winners & Sinners erneut. Alle Charaktere haben ihre Eigenheiten und auch Nebencharaktere wie die Polizistin Barbara tragen dazu bei, dass sich die Geschichte nett entfaltet. Schade nur, dass Jackie Chan und Yuen Biao, welche die beiden nach Tōkyō entsandten Polizisten spielen, nur ganz am Anfang und dann gegen Ende wirklich von Bedeutung sind. Die Handlung des nur 96-minütigen Films nimmt sich nämlich vor allem die Zeit, um die fünf wichtigen Charaktere eine lustige Szene nach der anderen zu durchleben. An Action wird dabei vor allem gegen Ende des Films nicht gespart. Es gibt zwar deutlich bessere Martial-Arts-Szenen aus anderen Filmen mit Sammo Hung, doch stören tun sie zu keiner Zeit. Ein nettes Detail am Rande ist Michiko Nishiwaki, die hier immer mal wieder zwischendurch eine Kämpferin spielt, eine Koryphäe auf dem Gebiet Bodybuilding in Japan ist. Wer den Manga Dr. Slump von Akira Toriyama kennt, freut sich zudem über einen kurzen Auftritt von einem großen Arale-Kostüm.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Die deutsche Veröffentlichung des Films ist eigentlich eine Mogelpackung. Auf dem Cover von Tokyo Powerman wird freudig auf das Auftauchen von Jackie Chan hingewiesen; der Film wird als Jackie-Chan-Film vermarktet. Dass dieser aber nur in wenigen Szenen, aber immerhin öfters als in Winners & Sinners, zu sehen ist, verrät uns der Packungstext nicht. Sammo Hung, der sowohl den Posten als Stunt-Koordinator, Regisseur und Hauptdarsteller innehält, wird hier die Ehre genommen. Wenn man darüber jedoch hinwegsieht und als Jackie-Chan-Fan nicht enttäuscht darüber ist, dass er nur in ein paar vereinzelten Szenen zu sehen ist, macht Tokyo Powerman unglaublich viel Spaß. Winners & Sinners gefällt mir zwar noch einen Ticken besser, doch der Film unterhält abermals mit seinen lustigen Charakteren und heiteren Momenten, in welche die Charaktere ständig blindlings hineinlaufen. Einzig und allein der Martial-Arts-Aspekt kommt in meinen Augen ein wenig zu kurz. Er wirkt teils aufgesetzt und hätte größeren Raum verdient. Wenn man aber über die vielen Dialoge lachen kann, vergisst man diesen Makel schnell. Tokyo Powerman zaubert mir immer wieder ein Lächeln ins Gesicht, auch wenn der Film vor allem zum Ende hin recht ernst wird und ein wenig von seiner Faszination als Komödie verliert.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Tokyo Powerman!

Bei Südkoreanischen Action-Filmen und Thriller, die auch hierzulande erscheinen, kann man in der Regel blind zuschlagen. So auch bei The Suspect – Traue keinem, denn hier prallt teils geballte Action auf ein Drama, welches mit seiner Tiefe 138 Minuten lang unterhalten kann.

Der Zweite Weltkrieg hat für Deutschland und Korea ein ähnliches Ende, denn beide Staaten werden aufgeteilt. Während das Deutsche Reich in die Bundesrepublik Deutschland und die Deutsche Demokratische Republik aufgeteilt wird, ereilt Korea das Schicksal, in eine Nord- und eine Südhälfte getrennt zu werden. Während Südkorea nach dem Ende des Krieges das mit Abstand ärmste Land der Welt war, erholt es sich in den darauffolgenden Jahren und Jahrzehnten unglaublich schnell. Schaut man sich Südkorea und Nordkorea im Vergleich an, wird man deutliche Unterschiede erkennen. Im Süden herrscht endlich Demokratie und im Norden hält man an einer Ideologie fest. Wie es auch während der Teilung Deutschlands der Fall war, gibt es ebenso heute noch Geheimagenten in Korea, die aus dem Norden kommen und im Süden spionieren. Wie wir aus dem Weltgeschehen wissen, wird nach dem Tod von Kim Jong-il sein Sohn Kim Jong-un der neue politische Führer des Landes. Das heißt, dass in dieser Zeit mehrere politische und militärische Positionen ausgewechselt oder gar eliminiert werden, welche der neuen Führungsebene gefährlich werden könnten. Dieses Schicksal trifft Protagonist Dong-chul. Dieser führt für das Regime nach besten Wissen und Gewissen seine Aufträge aus, wird dann jedoch von seinen Vorgesetzten fallengelassen und gefoltert.

Leben eines Flüchtlings

Der Film nutzt hier die Gelegenheit deutlich, um durch die Qualen, die Dong-chul erleiden muss, das nordkoreanische System zu kritisieren. Wie in Nordkorea tatsächlich Menschen gefoltert und gequält werden, um sie der Politik entsprechend gefügig zu machen, lässt sich in der Realität durch die Berichte von Flüchtlingen erfahren. Offiziell wird die politische Ebene von Nordkorea diese Tatsachen ohnehin nur schönreden. Schöngeredet wird in The Suspect jedoch nichts. Der Film dreht sich nicht nur um die Gegensätze zwischen Nord- und Südkorea, sondern beschäftigt sich zudem noch mit möglicher Korruption im südkoreanischen Polizei-Apparat. In diesen Sumpf der Korruption wird Dong-chul jedoch nur zufällig hineingezogen. Vor einigen Jahren ist ihm die Flucht nach Südkorea gelungen. Mittlerweile genießt er seine Stellung als Chauffeur bei einem wohlhabenden Firmenvorsitzenden. Eines Abends möchte sich Dong-chul auf den Weg nach Hause machen, doch bemerkt er dabei, dass die Kameras, die das Anwesen überwachen, ausgeschaltet sind. Er kehrt zurück und muss mit ansehen, wie sein Arbeitgeber durch ein Gift langsam getötet wird. Mit seinem letzten Atemzug bitter ihn sein Arbeitgeber, doch seine Brille zu vergraben. Wie genau das genau gemeint ist, klärt sich im Verlauf der Handlung. Leider sind die falschen Polizisten ebenfalls schnell zur Stelle.

Sitzfleisch für 138 Minuten

Es entwickelt sich eine Verfolgungsjagd zwischen Dong-chul, dem Geheimdienst und der Polizei. Noch dazu kommt ein ehemaliger Gegenspieler Dong-chuls, der ihm dicht auf den Fersen ist. Außerdem kommt ans Tageslicht, dass Dong-chuls Tochter noch leben könnte. Es entbrennt ein Wettlauf gegen die Zeit, denn Dong-chuls Unschuld zu beweisen ist schwieriger als gedacht, da dieses Ziel unausweichlich mit Leichen gepflastert ist. An einigen Stellen des Films ist es etwas schwierig, der Handlung vollständig zu folgen. Auf der einen Seite würden wir uns wünschen, dass man einige Szenen besser zusammengefasst hätte und auf der anderen Seite konnte man die Charaktere nicht so einführen, wie es für das Verständnis besser wäre. Der Thriller verlangt entsprechend 138 Minuten lang nach Sitzfleisch. Trotz einiger Tiefen kann der Film mit seinen Action-Höhepunkten überzeugen. Ein paar Martial-Arts-Einlagen und Autoverfolgungsjagden quer durch Seoul lockern den tiefsinnigen Film auf. Das Bild in 1080p und im 16:9-Format kann mit Schärfe und Kontrast punkten. Zudem wird der Film durchweg mit passenden (meist dumpfen) Melodien unterlegt. Wer den Film im Originalton sehen will, darf deutsche oder niederländische Untertitel zuschalten. Die Synchronisation ins Deutsche ist gelungen. Bonusmaterial liegt für The Suspect – Traue keinem leider nicht vor.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Südkoreanische Action-Filme haben mich noch nie enttäuscht. In Südkorea gibt es einige Künstler, die meiner Meinung nach im Westen mehr Aufmerksamkeit verdienen. So auch Regisseur Won Shin-yeon, der mit The Suspect – Traue keinem einen spannenden Thriller inszeniert, der sich mit der koreanischen Geschichte und dessen Auswirkungen bis heute beschäftigt. Zudem kommen noch oft behandelte Themen wie mögliche Korruption bei Polizei und Geheimdienst dazu. Abschließend erhält Protagonist Dong-chul noch ein ganz eigenes Motiv, um die Verschwörung aufzudecken. Diese Elemente spielen hervorragend zusammen und ergeben die ganzen 138 Minuten lang ein schlüssiges Gesamtbild. Einzig und allein manche Szenen wirken für mich etwas zu lang und der eine oder andere Charakter könnte ruhig etwas deutlicher eingeführt oder erklärt werden. Der Film ist dennoch von vorne bis hinten durchgehend verständlich. Während der Film in Südkorea Ende 2013 vier Millionen Menschen in die Kinos lockte, wird der Film hierzulande mal wieder nur gleich fürs Heimkino veröffentlicht. Davon sollte man sich aber absolut nicht abschrecken lassen, denn The Suspect ist ein hervorragender Film mit ernster Thematik!

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von The Suspect – Traue keinem!

Der Film Projekt B aus dem Jahr 1987 ist die Fortsetzung von Der Superfighter von 1983. Der englische Titel des Vorgängerfilms ist jedoch Project A, weshalb in Deutschland ein weiteres Mal unnötig Verwirrung gestiftet wurde. Diesmal leider ohne Sammo Hung und Yuen Biao!

Waren die beiden Schauspieler, die öfters mit Jackie Chan zusammengearbeiteten, bei Project A noch mit von der Partie, kommt die Handlung von Projekt B gänzlich ohne die beiden aus. Der Film konzentriert sich auf den von Jackie Chan verkörperten Charakter Dragon. Der wird von der Marine zur Polizei versetzt, wo er den übermütigen Polizeibeamten Chun ablösen soll. Chun hat nämlich zwei Diebe auf der Flucht eiskalt erschossen, obwohl sich beide schon auf offener Straße nahezu ergeben haben. Wie wir im Verlauf der Story erfahren, hat Chun seine Hände im Spiel mit der Unterwelt Hongkongs und ist augenfällig erbost darüber, dass er vom jungen Dragon abgelöst wird. Obwohl er befördert und von einiger Arbeit befreit wird, fühlt sich Chun schikaniert und will seine alte Stellung unter allen Umständen zurück erlangen. In der Zwischenzeit hat Dragon mit seinem durch und durch korrupten Polizeirevier zu kämpfen. Bereits bei seinem Amtsantritt haben die Beamten zusammengelegt, um Dragon zu schmieren. Der will nämlich aus der Polizeistation im Westbezirk endlich ein anständiges Revier machen. Dragon weiß, dass der Gangsterboss Einsamer Wolf für alle illegalen Geschäfte im Westen der Hafenstadt verantwortlich ist. Als er plant, diesen zu verhaften, muss er in seinen Reihen mit hartem Widerstand rechnen. Die Beamten sind so verängstigt, dass sie kündigen wollen.

Auf dem Weg zur Revolution

Dragon hat aber noch mit mehr Ärger zu rechnen. Als er eine Feierlichkeit des Gouverneurs mit seinem Team überwachen soll, wird ein wertvolles Medaillon gestohlen. Der Diebstahl wird anders aufgeklärt, wie Dragon das recht wäre. Das Kleinod befindet sich plötzlich in seiner eigenen Tasche und prompt wandert Dragon hinter Gittern. Zumindest sollte er das, doch durch verschiedene Verwicklungen kann er der Polizei helfen, den gefährlichen Chun und der Rest der Verbrecher zu schnappen. Dabei kommt er ständig jenen Piraten in die Quere, mit denen er sich schon in Der Superfighter herumschlugen durfte. Projekt B spielt durchweg vor dem Szenario der letzten Tage des Kaiserreichs. In den Dialogen erfahren wir, dass man nicht mehr sonderlich gut aufs Kaiserhaus (und besonders die einflussreiche Cixi) zu sprechen ist und im Hintergrund bereits die Revolution langsam vorbereitet wird. An der Stelle wird klar, dass der Film vor 1908 spielen muss. Selbst auf den wohl wichtigsten aller Revolutionären, Dr. Sun, wird in einer Szene hingewiesen. Dadurch gelingt es dem Film, die Auffassung von Dragon, dass jedes Leben schützenswert ist, doppelt zu unterstreichen. Das Leben des Polizisten kommt aber nicht ohne Action und Gewalt aus und so sterben dennoch ein paar Nebencharaktere. Das weist indirekt auf die kommende (blutige) Revolution hin.

Eine Reise in die Vergangenheit

Die Choreographien von Chan wirken in Projekt B einmal mehr herausragend. Egal ob Chan nun im Polizeirevier, im Versteck von Einsamer Wolf oder auf Gerüsten des authentisch an das um die Jahrhundertwende angelehnte Hongkong kämpft – alles wirkt wie aus einem Guss. Selbiges gilt auch für die Kostüme, Requisiten und Kulissen. Die Außenaufnahmen von einer mehr als einhundert Jahre alten Stadt wirken pompös und werden durch feine Kleidung der Oberschicht unterstützt. Neben Chan sind in weiteren Rollen unter anderem Rosamund Kwan, David Lum und der 2006 verstorbene Bill Tung zu sehen, die sich hervorragend in das Bild einfügen. Apropos Bild: Dieses macht einen ordentlichen Eindruck und kann nur dann recht negativ auffallen, wenn man sehr nah vor dem Fernseher sitzt und das Bildkorn und das kleine Flackern bemerkt. Bei angemessener Entfernung kann man aber nichts beanstanden. Die Musik des Films erinnert abermals an die alte Zeit, in der die Briten Hongkong besetzt hielten. Schaut man sich die deutsche Übersetzung an, muss man mit einigen geschnittenen Szenen leben; die Intention des Films geht hier zu Bruch. Daher empfehlen wir unbedingt den Film im kantonesischen Originalton zu schauen, da die deutsche Synchronisation an vielen Stellen einen Humor verwendet, der deplatziert wirkt und das Gesamterlebnis schmälert.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Es ist schade, dass ich Der Superfighter bis heute noch nicht gesehen habe. Dafür bin ich aber wohl das beste Beispiel dafür, dass der Film auch ohne das Vorwissen funktionieren kann. Natürlich ist es schade, dass Sammo Hung und Yuen Biao, die eigentlich immer viel Humor mit in Jackie Chans Filme bringen, diesmal nicht mit von der Partie sind. Trotzdem unterhält mich der Film mit vielen irrwitzigen Ideen, die in den letzten drei Dekaden einfach nicht langweilig geworden sind. Hinzukommen spektakuläre Stunts, in denen Chan ein paar ältere US-amerikanische Filme zitiert und somit die Kampfeinlagen sehr abwechslungsreich ausfallen. Viel interessanter finde ich jedoch den Aspekt, dass man mit ein wenig Feingefühl die Situation um die Jahrhundertwende erkennen und verstehen kann. Ganz so tiefgründig wie Bodyguards & Assassins wird Projekt B zwar nicht, aber ein Stück chinesischer Geschichte lässt sich in Jackie Chans Film dennoch finden. Und wer auf Blu-rays gerne das Bonusmaterial verschlingt, bekommt einen Audiokommentar von Bey Logan und ein interessantes Interview mit Yao Lin Chen obendrauf spendiert.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Projekt B!

Beim Film Wooden Man aus dem Jahr 1976 ist Lo Wei nicht als Regisseur tätig, sondern hält sich als Produzent im Hintergrund zurück. Der Qualität des Films tut dies keinen Abbruch, da uns der von der ersten bis zur letzten Minute mit einer tollen Story und tollen Kämpfen packt.

Kein Kind der Welt möchte wohl sehen, wie der eigene Vater vor den eigenen Augen getötet wird. Little Mute oder Stummer, wie er in der deutschen Synchronfassung genannt wird, muss diese Tragödie allerdings in jungen Jahren erleben. Nach dem Tod seines Vaters wird er von den Shàolín-Mönchen eines Klosters großgezogen und ständig aufgezogen. Jahre vergehen und dennoch bleibt Little Mute schwach und überlebt das Training jeden Tag nur, um abends überhaupt noch einmal einschlafen zu können. Er träumt davon, eines Tages ein ganz großer Kampfkünstler zu sein und schlägt in seinen Träumen auch seinen Meister mit Leichtigkeit. Dann ist es jedoch wieder Morgen und Little Mute muss den Tag überleben. Das Training beginnt mit dem Aufsuchen der Wasserquelle, wo alle Mönche zwei Eimer füllen und das Wasser die lange Treppe zum Kloster hinauf befördern müssen. Die Crux an der Sache ist aber die, dass die Eimer jeweils ein kleines Loch haben. Man muss sich also beeilen, um das Fass vor dem Tempel rechtzeitig vor dem Nachmittag zu befüllen. Gefaulenzt darf aber auch dann nicht. Enttäuscht vom Tagwerk seines Schützlings, schickt der Meister Little Mute zum Holzhacken. Während der beiden Tätigkeiten trifft Little Mute auf eine Nonne Buddhas und einen ständig betrunkenen Mönch, die ihm Hilfe im Erlernen der Kampfkunst gewähren.

Freund und Feind in einer Person

Die wichtigste Inspirationsquelle ist allerdings ein Gefangener unter den Höhlen des Klosters. Dieser scheucht alle Mönche direkt fort und möchte auch kein Essen von ihnen haben. Alle Mönche wehren sich natürlich mit Worten, doch Little Mute kann nicht sprechen. So bildet sich zwischen Little Mute und dem Gefangenen eine tiefe Freundschaft, was allerdings dazu führt, dass Little Mute auf den falschen Weg geleitet wird. Vom Gefangenen erfährt er, dass er in einem Kampf schnell dafür sorgen muss, dass der Gegner kampfunfähig gemacht und am besten auch noch tödlich verletzt wird. Von ihm erfährt Little Mute auch, wie er gegen die Holzmänner kämpfen kann. Die hölzernen Männer bewachen nämlich eine Kammer, die jeder, der das Kloster verlassen will, bezwingen muss. Als Gegenleistung muss Little Mute eine Nachricht an einen Apotheker in der nächsten Stadt überbringen. Damit fangen die Probleme allerdings erst richtig an. Der Gefangene hat schon mehrere Menschen auf dem Gewissen und jetzt ist ihm anscheinend eine Möglichkeit in den Sinn gekommen, um aus dem Verlies zu entkommen. In der nächstgelegenen Kneipe trifft Little Mute zudem auf ein Mädchen, welches prompt von den Mitglieder der Bande seines alten Freundes für diesen entführt wird. Little Mute nimmt seinen Mut zusammen und stellt sich seinem Freund mit allen Mitteln.

Menschlichkeit

Wooden Man ist im Grunde eine einzige Ode an die Humanität. Während der Gefangene dem Protagonisten Little Mute die schlechte Handlungsweise nahelegt, fordert ihn die Nonne dazu in seinen Gedanken auf, sich für den Pfad der Gerechtigkeit einzusetzen. Zwiegespalten ist er dabei gefangen in einer brutalen Welt, in der er einfach nur den Mörder seines Vaters finden will und dabei ist genau dieser ihm eigentlich näher, als er bis zum finalen Kampf eigentlich denkt. Die Rachestory ist durchdacht und zeigt uns einen Kämpfer, der von seinem Dasein als Anfänger bis zum Experten Triumphe und Rückschläge einstecken muss. Jackie Chan nimmt eine seiner ersten erwachsenen Rollen sehr ernst und ist für Wooden Man neben seiner Rolle als Little Mut, auch noch als Stunt-Koordinator und Action-Regisseur tätig. Die Kämpfe in Wooden Man können sich wirklich sehen lassen und bis auf wenige Ausnahmen wird hier alles ohne Drahtsteile erledigt. Das gefällt uns gut! Genauso gut gefällt und das Bild der HD-Fassung. Sicherlich wäre hier bei einer gründlichen Digitalüberarbeitung viel mehr möglich gewesen, doch für einen Film aus dem Jahr 1976 kann sich das Bild bis auf ein paar leichte (durchgehende) Verunreinigungen sehen lassen. Die deutsche Synchronisation ist gelungen und zieht den kantonesischen Originalton (beides in DTS-HD 5.1) nicht ins Lächerliche.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Bisher bin ich mit Lo-Wei-Produktionen nicht ganz klar gekommen, doch das hat sich bei Wooden Man sehr stark geändert. Mir hat besonders die Story um Rache und Verrat sehr gut gefallen, da diese wirklich von Beginn an durchdacht ist und zu einem fast achtminütigen Endkampf führt. Dazu kommen Dialoge, die ich den Protagonisten und Antagonisten abkaufe; ins Lächerliche wird hier nichts gezogen. Wenn man Martial-Arts-Filme mag, merkt man schnell, dass einem auch die Kämpfe sehr gut gefallen. Der Kampf in der Kammer mit den hölzernen Männern mag vielleicht doch recht gewöhnungsbedürftig sein, aber alle anderen Kämpfe zwischen Menschen machen durchaus einen gut choreographierten Eindruck. Jackie Chan hat hier nicht nur eine tolle Hauptrolle gespielt, sondern auch hinter der Kamera einen guten Job in Bezug auf Action und Stunts bewiesen. Die 108 Minuten von Wooden Man vergehen wie im Flug, doch umso ärgerlicher ist es, dass dann kein Bonusmaterial auf der Disc vorhanden ist. Gerne hätte ich hier den einen oder anderen Einblick in die Produktion erhalten, was bei einem Film aus dieser Zeit allerdings nicht immer so einfach ist. Trotzdem: Wooden Man lohnt sich für allem für Fans von Martial-Arts-Filmen. Alle anderen suchen sich lieber eine Komödie mit Jackie Chan!

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Wooden Man!

Der Film Action Hunter von 1988 markiert einen historischen Punkt in der Geschichte des Martial-Arts-Films. Man erinnert sich vor allem deshalb an diesen Film, da hier Jackie Chan, Sammo Hung und Yuen Biao bisher zum letzten Mal gemeinsam vor der Kamera stehen.

Etwas wehmütig wirkt Hongkong-Kino-Experte Bey Logan schon, als er in dem beiliegenden Making-of Dragons Remembered an den Film aus den Achtziger Jahren denkt. Drei der wohl bedeutendsten Schauspieler Chinas stehen in Fei lung maang jeung, der in den Vereinigten Staaten Dragons Forever und hierzulande noch unpassender Action Hunter genannt wird, zum letzten Mal gemeinsam vor der Kamera. Bey Logan spricht sogar davon, dass Golden Harvest, das Filmproduktionsunternehmen hinter Action Hunter, in dieser Zeit auf dem Höhepunkt der Firmengeschichte angelangt ist. Man merkt dem Experten an, welchen Stellenwert der Film einnimmt. Dramatisch ist auch die Handlung des Films, denn hier vertritt Chan in seiner Rolle nicht von Anfang an die gute Seite. Er verkörpert den gerissenen Anwalt und Schürzenjäger Jackie Lung, der jeden Fall annimmt, um über die Runden zu kommen. Trotzdem verpasst er dem einen oder anderen Mandanten eine Ohrfeige, wenn dieser trotzt Freispruch im Unrecht ist. Seine Tage verbringt er damit, dass er alle seine Damenbekanntschaften zum Essen einlädt – zum Unwohl seiner Assistentin, die wohl insgeheim in ihn verliebt ist. Eines Tages tritt der Leiter eines großen Chemiekonzerns an ihn heran, der ihn bittet, ihn zu vertreten. Der Grund dafür ist eine Fischfarm in der Hongkonger Bucht, die die Expansion des Konzerns verhindert.

Die Sache mit dem Holzwurm

Um Beweise beziehungsweise Informationen zu sammeln, nutzt er die Hilfe seines Freundes Luke Wang. Dieser zieht neben der Leiterin der Fischfarm ein. Während dieser die Frau im Haus neben ihn mit einer (für die Achtziger Jahre) modernen Abhöranlage überwacht, ist ein weiterer Teilnehmer ins Spiel eingestiegen. Um Luke zu unterstützen, wählt Jackie seine Freund Tim aus. Dieser soll bei Miss Yip einbrechen und eine Wanze verstecken. Der nicht eingeweihte Luke versteht dies natürlich falsch und schreitet zur Tat. Der Vorfall endet damit, dass Jackie Tim auf Kaution aus dem Gefängnis holen muss. Die Handlung des Films beginnt jedoch eigentlich genau mit dieser Szene, wodurch ein heilloses Durcheinander innerhalb der Story entsteht. Jackie verliebt sich nämlich ebenfalls in die Anwältin von Miss Yip, Nancy Lee. Während die beiden Damen ein ganz anderes Bild von Luke und Tim machen, muss der gerissene Jackie dafür sorgen, dass sie sich nicht begegnen. Dass das früher oder später aber passieren wird, dürfte kein Spoiler sein. Die Szenen, in denen Jackie seine Freunde vor den beiden Damen verstecken muss, sind aber derlei Highlights, die auch mit Sprüchen versehen sind, die in der deutschen Synchronisation repräsentativ für die Achtziger und Siebziger Jahre stehen. Zum Beispiel geht es um den harten Kampf gegen einen hartnäckigen Holzwurm.

Bekannte Technik

Mit der Zeit nimmt der Drama-Anteil ab und der Anteil an Martial-Arts-Einlagen steigt. Dies geht einher mit der Story-Wendung, wo sich Jackie gegen den Chemiekonzern stellt. An der Stelle wollen wir jedoch nicht mehr über den Inhalt verraten. Während Chan, Hung und Biao ihre typischen Künste demonstrieren, bleibt die Schauspielerei der anderen Charaktere hinter den Erwartungen zurück. Trotzdem gefallen uns auch hier einige Szenen, wie die, in der Luke mit einem Megafon seiner Liebe hinterherläuft. Neben einem Auftritt in Power Man ist Benny Urquidez, ein US-amerikanischer Kampfkünstler, auch in Action Hunter als Gegner von Chan zu sehen. Der mehrfache Preisträger kann im Showdown mit Chan als Bösewicht glänzen. In technischer Hinsicht kann der Film jedoch nicht immer glänzen. Das Bild in Full-HD macht zwar fast durchgehend einen überzeugenden Eindruck, doch manche Szenen wurden über die Jahrzehnte hinweg falsch gelagert, weshalb sich das Bild in wenigen Szenen wellt. Uns hat die deutsche Synchronisation aus dem Kantonesischen zwar einigermaßen gefallen, doch an vielen Stellen blödelt man mit deplatzierten Witzen herum. Dafür entschädigt das gelungene Bonusmaterial. Neben dem 99-minütigen Film (geschnittene Szenen sind in Kantonesisch enthalten und deutsch untertitelt) wartet mehr als zwei Stunden Bonusmaterial auf uns. Toll!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Wenn man bemerkt, dass ein Film im Jahr der eigenen Geburt erschienen ist und seitdem schon so viele Jahre vergangen sind, kann man schon etwas wehmütig werden. Wehmütiger wird man, wenn man erfährt, dass hier drei der besten Schauspieler Chinas beziehungsweise drei der besten Darsteller Hongkongs zum letzten Mal gemeinsam vor der Kamera stehen. Den Hongkong-Kino-Experten Bey Logan kann ich sehr gut verstehen, da der Film somit einen wichtigen Punkt der Geschichte des Martial-Arts-Kinos markiert. Den eigentlichen Film finde ich dann jedoch gar nicht mal so herausragend. Er erzählt eine Handlung, die erst gegen Ende wirklich spannend wird und zwischendurch immer mal wieder mit kleineren Highlights punktet. Regisseur Sammo Hung, der zugleich auch als einer der Hauptdarsteller auftritt, hätte ich hier mehr zugetraut. Die vielen kleinen Ideen, die in Action Hunter jedoch verarbeitet sind, machen den Film aber absolut nicht langweilig. Ebenso wenig langweilig ist das Bonusmaterial. Die Interviews, die mit einzelnen Personen gut und gerne mal dreißig Minuten dauern, sind besonders deshalb so interessant, da sie nicht mit Chan, Hung und Biao gedreht worden, sondern mit Personen, die dem Film nur wenig beigesteuert haben. Man bekommt einen ganz anderen Blick auf die Entstehung des Films. Den krönenden Abschluss stellt jedoch das Making-of von und mit Bey Logan dar, denn hier führt mich der Experte an die Schauplätze rund 17 Jahre nach dem Dreh des Films. Nicht sehr spektakulär, aber die Zeitreise ist dennoch einen Blick wert.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Action Hunter!

Wenn man durchs Kaufhaus schlendert, in der Tonträgerabteilung landet und die Blu-rays in den Regalen durchstöbert, entdeckt man Filme mit wahnsinnig tollen Covern. Steckt man den Film zuhause ins Abspielgerät, merkt man aber, dass der Film gar nicht so wahnsinnig toll ist.

Mit diesem Problem hat Ninja Apocalypse von Regisseur Lloyd Lee Barnett zu kämpfen. Der Produktion aus dem Jahr 2014 merkt man allen Ecken und Enden an, dass sie nur mit einem sehr dünnen Budget auskommen musste. Die Makel sind bereits bei der Handlung deutlich zu erkennen. Ninja Apocalypse spielt in der Zukunft eines Landes, welches im Film an keiner einzigen Stelle genannt wird. Der Ausnahmezustand wird durch die Regierung erlassen und es folgt kurz darauf ein Krieg, der wohl die ganze Welt in Mitleidenschaft zieht. Die Menschen hausen in Atombunkern, um dem Fallout zu entgehen. Darauf wird zumindest an der einen oder anderen Stelle im Film hingewiesen, denn zeitlich ist die Story nach dem großen Krieg angesiedelt. Die überlebenden Menschen leben verstreut über das Land in Clans zusammen, die untereinander verfeindet sind. Ninja-Meister Fumitaka, der im zwanzigsten Untergeschoss eines solchen Bunkers haust, kann diese Streitigkeiten nicht mehr ertragen. Er lädt sämtliche Clan-Führer in den Bunker ein, um über den Frieden zu verhandeln. Zu dieser Verhandlung ist auch Cage, der Anführer des so genannten verlorenen Clans, eingeladen. Cage wird dazu bestimmt, vier seiner besten Leute mit auf die Reise zu nehmen. Begleitet wird er deshalb von seinem Bruder Surge, dem taubstummen Sky, dem Kämpfer Trillion und der Kriegerin Mar.

Das einhundertste Untergeschoss

Wer jetzt denkt, dass der Film eine Reise zum Ninja-Meister markiert, auf der die Gefahren nur so aus allen verseuchten Erdlöchern kriechen, der irrt. Wenige Minuten nach Filmauftakt landet der verlorene Clan nämlich schon im Atombunker. Während der Verhandlung wird Fumitaka nämlich umgebracht und sofort fällt der Verdacht auf Cage und seine Leute. Diese fliehen natürlich direkt vor den anderen Clans, um nicht als blutige Opfer zu enden. Ohne Blut kommt Ninja Apocalypse allerdings nicht aus. Ständig trifft die Truppe auf andere Clans, die nicht nur mit Katana, Shuriken und Wurfmessern ausgestattet sind. Der Fallout hat auch dafür gesorgt, dass die Menschen übernatürliche Fähigkeiten erlangen und sich nun auch mit Blitzen und Feuerbällen gegenseitig umbringen können. In der Mitte des Films wird es dann noch kurioser. Zwar entdeckt die Gruppe einen Fahrstuhl in die Freiheit, doch prompt geht die Fahrt in die einhundertste Unterebene. Dort erfahren sie von Hiroshi, Fumitakas Nachfolger, dass er Beweise für Cages Unschuld habe. Sie müssen nur den Weg nach draußen finden und ihn aufsuchen. Blöd nur, dass aus der einhundertsten Unterebene bisher noch kein lebender Mensch entkommen ist. Grund dafür sind die Zombies, die dort vor sich hin vegetieren und von Trillion als solche erkannt werden. Dumm nur, dass ausgerechnet er zuerst gebissen wird.

Begrenzte Mittel

Man muss sich nichts vormachen. Die Handlung hat zwar durchaus Potential, doch Barnett ist es mit einem kleinen Budget einfach nicht vergönnt, einen ansehnlichen Film zu erschaffen. Die Story würde für ein nettes Hack-and-Slay-Videospiel reichen, doch als Film selbst für den Heimkinobereich ist das unterirdisch. In nahezu jeder Szene kann man erahnen, wie es mit der Gruppe weitergeht – abgesehen vom unspektakulären Endkampf, wo der Film doch noch mit einem interessanten Storytwist aufwartet. Hinzukommen die hölzernen Dialoge und Sprüche, sowie dämliche Selbstopferungsversuche, die uns nur ein müdes Lächeln entlocken können. Seine ganz kleinen Sternstunden hat Ninja Apocalypse höchstens in den Kämpfen. Nein, besonders gut choreographiert sind diese vorne und hinten nicht. Schauspieler wie Christian Oliver, der schon in deutschen Top-Produktionen (Achtung: Ironie!) wie Der Bergdoktor oder Alarm für Cobra 11 mitgespielt hat, sind für derlei Kämpfe absolut nicht geeignet. Trotzdem ist es erfrischend, von der selten spannenden Hetzjagd durchs Gebäude Blutspritzer zu sehen. Sämtliche Klingen bleiben dabei übrigens trocken, was für heiteren Gesprächsstoff an einem Filmabend mit Freunden sorgt. Ninja Apocalypse sollte man übrigens unbedingt mit Freunden oder Bekannten zusammen anschauen, denn geteiltes Leid ist schließlich halbes Leid!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Unter objektiven Wertungskriterien kann man Ninja Apocalypse ruhigen Gewissens in die Tonne treten. Die Filmhandlung bleibt weit hinter meinen Erwartungen zurück und ist von Beginn an sehr durchschaubar. Nur der Twist am Ende kommt doch ein wenig überraschend und gibt Ninja Apocalypse eine kleine eigene Note. Wer darauf hofft, dass tiefgründige Dialoge vorherrschen, wird ebenfalls enttäuscht. Das Setting würde es durchaus hergeben; nur geht es Barnett wohl nur darum, den Filmdreh so schnell wie möglich zu einem Ende zu bringen. Dabei hat er sich wohl gedacht, dass es hölzerne Dialoge wohl auch tun werden. Im Grunde passt das ja auch alles super zusammen. An keiner Stelle merkt man, dass man sich besonders viel Mühe gegeben hat. Wenigstens sind die Kämpfe zwischen den Clans ganz nett inszeniert, aber bei weitem unter dem Niveau, welches man wirklich erwarten könnte. Ninja Apocalypse muss oder sollte man am besten nicht gesehen haben. Wenn man sich aber (immerhin kurze) 84 Minuten lang vom Alltag ablenken will, sollte man den Film unbedingt mit jemandem zusammen anschauen; dann ist die Qual bei Weitem nicht ganz so schlimm.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Ninja Apocalypse!

Wer Teile des gesamten Star-Trek-Franchise, Star Wars: Episode VI – Die Rückkehr der Jedi-Ritter, den einen oder anderen Michael-Bay-Film, X-Men und Matrix kennt, wird Godzilla: Final Wars auf der einen Seite verteufeln und auf der anderen Seite abgöttisch lieben.

Nachdem die vorherigen beiden Teile der Millennium-Reihe inhaltlich aufeinander aufbauen, kann man bei Godzilla: Final Wars nicht wirklich sagen, ob dieser Film im selben Universum angesiedelt ist. Typisch für die Millennium-Filmreihe wäre wieder ein neuer Ansatz und der Beginn (und das Ende) einer neuen Zeitrechnung. Die erste Szene des Films setzt im Kampf gegen Gojira am Südpol ein, wo die Riesenechse zugleich im ewigen Eis für immer begraben werden soll. Die Anspielung an Godzilla kehrt zurück bringt uns direkt zum Schmunzeln; es geht jedoch nahtlos in den Kampf Jahre später gegen die Riesenschlange Manda über und die Kollisionen mit dem Hybrid-Flug-Unterseeboot zeigen Szenen, die wir aus dem kompletten Star-Trek-Universum kennen – eine wankende Brücke, in dem die Offiziere durch die Gegend geschleudert werden. Herrlich! Durch waghalsige Manöver wird Lieutenant Douglas Gordon von der Earth Defense Force allerdings abgezogen und darf fortan kein Team mehr leiten, um den Planeten vor Monstern zu beschützen, die durch Umweltverschmutzung hervorgerufen werden. Ein Mitglied seines Teams, Shinichi Ōzaki, wird in der Zwischenzeit dazu verdonnert, die Biologin Miyuki Otonashi zu beschützen. Diese soll nämlich die Überreste des Monsters Gaigan, welches halb eine Maschine ist, untersuchen und für die Organisation analysieren.

Besuch vom anderen Stern

Wäre das Monster, welches vor über zehntausend Jahren aus dem Weltraum kam, nicht schon kurios genug, tauchen in jenem Moment überall auf der Welt Monster auf. Sowohl Shànghǎi, Sydney, New York und Tōkyō werden von Riesenkreaturen heimgesucht. Die Zerstörung der großen Städte nimmt kein Ende – dutzende Explosionen und Häusereinstürze inklusive; eben wie in einem Film von Regisseur Michael Bay. Die Earth Defense Force rückt aus, um gegen die Monster mit ihren Hybrid-Fahrzeugen anzutreten oder mit hochtechnologischen Waffen auszuschalten. Zu diesen Leistungen sind die Mitglieder der Einheit nur fähig, da sie allesamt Mutanten sind. Das ist für die Godzilla-Reihe nichts Neues, denn Mutanten gab es in sehr viel schwächerer Form schon in der Heisei-Reihe. Kurz darauf scheint die Handlung jedoch total durchzudrehen, als plötzlich auch noch Außerirdische auftauchen, die Monster verschwinden lassen und den Menschen den Frieden anbieten. Dem Anschein nach scheint es sich bei den Außerirdischen um genetisch aufgebesserte Menschen zu halten, doch da der Name ihres Heimatplaneten zu schwer für Menschen auszusprechen sei, sollen die Menschen ihn doch einfach X nennen. Durch Fernsehauftritte und Inszenierung der Aliens denken wir an die US-amerikanische Fernsehserie V: Die außerirdischen Besucher kommen aus dem Jahr 1983.

Suche nach Eigenidentität

Das ist jedoch nicht genug! Später gesellen sich nämlich noch Kämpfe zwischen Mutanten und Aliens dazu, die in einigen Szenen stark an Matrix erinnern. Markante Ledermäntel, die prägnante Sonnenbrille und das Ausweichen von Pistolenkugeln sind unverkennbar mit dem Werk der Wachowskis verbunden. Als es dann zum Äußersten kommt, lassen die Aliens die eingefangenen Monster wieder frei. Der aus dem Exil gerettete Gordon nimmt seinen alten Posten wieder ein und flieht mit seinem Team an den Südpol, um Gojira zu befreien, da der keine M-Base in seinen Genen hat und somit nicht vom Anführer der X-Aliens beherrscht werden kann. Was folgt ist ein Best-of von Monsterauftritten der Godzilla-Reihe, um dem eigentlichen Kaijū-Film weg von Science Fiction und Fantasy zu locken und sich auf das Wesentliche zu konzentrieren. Das geht leider nicht ganz auf, da sämtliche Kämpfe viel zu kurz ausfallen und Gojiras Feinde allesamt in sehr abgeschwächter Form dargestellt werden, damit alles in 125 Minuten Platz findet. Obwohl der Film aus dem Jahr 2004 mit einigen Spezialeffekten aufwarten kann, die zum Veröffentlichungszeitpunkt zum Teil schon stark veraltet sind, hat man den Großteil immer noch per Suitmation-Verfahren umgesetzt, was Godzilla: Final Wars trotz vieler Filmanleihen immer noch ein wenig Eigenidentität verleiht.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Bereits nach zehn bis fünfzehn Minuten wollte ich auf die Fernbedienung drücken und den Film vorzeitig beenden. Was man hier im Auftakt des Films abliefert, ist eigentlich eine Frechheit und beleidigt die gesamte Godzilla-Serie. Wenn man sich allerdings darauf einlässt und den Finger weg von der Fernbedienung legt, dann kann man Godzilla: Final Wars tatsächlich mögen lernen. Wohlgemerkt sind fast sämtliche Ideen des Films von großen Film- und Fernsehproduktionen geklaut, ergeben jedoch – so seltsam das auch klingen mag – unterm Strich ein stimmiges und vor allem funktionierendes Gesamtbild. Das Auftauchen der Monster, das Eingreifen der X-Aliens, die politischen und sozialen Änderungen, die Enthüllung der wahren Absichten der Außerirdischen, der Einsatz der gefangenen Monster, die Zerstörung des Raumschiffs, der Kampf zwischen Gojira, Mosura, Minira, Angirasu, Kingugidora, Gaigan, Baragon und sogar jenem Gojira-Klon, den Roland Emmerich 1998 auf die Welt losgelassen hat, ist bis zum Ende wirklich durch und durch genial konstruiert. Da sehe ich gerne darüber hinweg, dass der Film bis auf seinen Kaijū-Anteil, der erst zum Ende richtig zünden möchte, nahezu keine Eigenidentität hat. Es klingt zwar alles recht negativ, doch man muss Godzilla: Final Wars unbedingt einmal mit eigenen Augen gesehen haben, um das Konzept lieben oder hassen zu lernen. Dennoch ist es wirklich sehr, sehr schade, dass die japanischen Godzilla-Filme hier nach fünfzig Jahren vorerst ihr Ende finden. Nachdem man sich in der Millennium-Reihe hoffentlich genug ausgetobt hat, hoffe ich nämlich inständig, dass Tōhō einen guten Regisseur finden möge, der den Ruhm von Gojira zu neuem Glanz verhelfen will – er hat es verdammt noch mal verdient!

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Godzilla: Final Wars!

Der Film Dragon Lord aus dem Jahr 1981 bleibt uns ganz besonders in Erinnerung. Hier hält Jackie Chan nicht nur den Posten als Regisseur, Drehbuchautor und Hauptdarsteller inne. Er ist auch dafür verantwortlich, dass für eine Szene ganze 2900 Takes aufgenommen wurden.

Inhaltlich dreht sich der Film um die beiden Freunde Dragon und Cowboy. Sie sind Söhne aus zwei reichen Familien. Ihre Väter sind gut befreundet; die Freundschaft greift jedoch auch auf die beiden Freunde über, die sich wie Cousins fühlen und den Vater des anderen gar als Onkel ansprechen dürfen. Das Problem, das die beiden plagt, ist jedoch zu viel Freizeit. Dragon wird zwar von einem Lehrer in Geschichte, Geographie und Dichtkunst unterrichtet, doch wirklich verinnerlichen tut Dragon nichts. Cowboy hingegen wird jedes Mal schwer bestraft, wenn er eine schlechte Tat begeht. Dragon und Cowboy verbringen ihre Tage damit, in der Gegend herumzulungern und Blödsinn anzustellen. Mal probieren sie das Gewehr von Cowboys Vater aus und gehen auf Fasanenjagd, doch dann merken wir schnell, dass die beiden eine gewisse Leidenschaft verbindet: Frauen. Als sie sich eines Tages am Fluss erleichtern wollen, treffen sie auf die hübsche Alice. Sie verlieben sich beide in dieselbe Frau und das bedeutet selbst unter den besten Freunden für gewöhnlich Ärger. Es gibt Streit, doch wer selbst einen besten Freund hat, der wird wissen, dass solch ein Streit nicht lange anhält. Dragon darf Alice sogar ehelichen, falls diese einwilligen sollte. Durch einen Zufall treffen die beiden im Tempel aber auf ein paar Banditen, die gerade einen Mitverschwörer zu Tode prügeln. Dragon greift ein.

Lose Enden

Dragon Lord weiß an vielen Stellen leider nicht, welche Geschichte er eigentlich erzählen will. Wir erhalten Einblicke in vielerlei Geschehen, welches im großen Ganzen auch hervorragend harmoniert, aber eben nicht stark genug ineinander übergreift. Die Hintergründe über Dragon und Cowboy sind wichtig, doch fragen wir uns, ob man die Liebesgeschichte nicht hätte sein lassen können. So schnell sie in den Film eingewoben wird, so schnell verzettelt diese sich in einem losen Ende. Das Auftauchen der Bande, die nach Zusammenbruch der Qing-Dynastie Reliquien stehlen und verschiffen will, scheint zunächst Dreh- und Angelpunkt zu sein. So ist dann auch, zumal sich Dragon und Cowboy nicht nur einmal mit den Banditen herumschlagen dürfen. Von dem ganzen Einbruch in die Verbotene Stadt ist genau so wenig zu sehen wie auch nur ein Wertgegenstand des Diebesguts. Zudem kaufen wir dem Film nicht wirklich ab, nach dem Jahr 1912 zu spielen. Es fühlt sich durchgehend so an, als hätten alle guten Ideen von Chan und seinem Produktionsteam in diesem Film Platz gefunden, die in sonst keinem anderen Film mehr aufgenommen werden konnten. Sieht man davon jedoch einmal ab, kann der Film mit sehr vielen Szenen wunderbar unterhalten. Altmeister Chan hat es schon vor dreißig Jahren verstanden, wie man netten Humor mit tollen Action-Szenen verbinden sollte.

Grandiose Action-Szenen

Wir reden hier nicht von den Choreographien des Martial-Arts-Anteil des Films. Diese sind gewohnt auf typischem Jackie-Chan-Niveau und begeistern beispielsweise mit einem Kampf in einer Kornkammer. Viel mehr möchten wir die beiden Sport-Events, die in der Mitte und am Ende des Films spielen, hervorheben. Im ersten Spiel treten zwei Teams gegeneinander an, die nur mit Schlägen und Tritten einen etwas größeren Federball ins gegnerische Tor schießen müssen. Im zweiten und letzten Spiel müssen die Kämpfer vierer Teams eine Holzpyramide erklimmen, um an der Spitze einen goldenen Rugby-Ball zu ergattern. Diese Szene wurde mit ganzen zweihundert Darstellern gedreht. Von diesen haben sich übrigens neunzig sehr schwer verletzt. Das zeigt einmal mehr, wie Darsteller Cheung Wing Fat zudem in einem Interview auf der Blu-ray Disc mitteilt, wie damals die Risiken für einen Stuntman aussahen. Der Rest des Bonusmaterials kommt ohne ein Interview mit Jackie Chan aus. Als Ersatz schlummern zwei weitere Interviews, unter anderem mit In-Shik Hwang, auf der Disc. Ein besonderes Schmankerl ist jedoch der Audiokommentar von Hongkong-Kinoexperte Bey Logan für die internationale 96-minütige Filmfassung. Selbstverständlich liegt auch die ungeschnittene und 104-minütige Version vor. Szenen im kantonesischen Originalton sind deutsch untertitelt.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Möchte man Dragon Lord einen Stempel aufdrücken, so müsste ich den Film zwangsweise als netten Versuch abtun. Das möchte ich aber nicht, da ich in den 104 Minuten wirklich gut unterhalten werde. Dragon Lord zeigt mir viele Szenen, die absolut witzig sind. Ich erinnere mich sehr gerne an die Szene, die in der deutschen Fassung komplett zerstückelt wurde, aber im kantonesischen Originalton absolut unterhalten kann. In der wird Dragon (alias Jackie Chan) von seinem Vater getadelt und von ihm gezwungen, Gedichte und Geschichten zu rezitieren. Der Charakter Dragon hat es hier natürlich schwer und bekommt von drei weiteren Figuren ständig Hilfe, was in der ganzen Szene wirklich verdammt lustig ist. Zudem mag ich die Action-Szenen; weniger die Kämpfe und mehr die beiden sportlichen Aktivitäten, die hier mit tollen Choreographien eingefangen werden. Schade finde ich jedoch, dass die ganzen netten Geschichten, die durchaus sehr viel Potential haben, nur sehr lose zusammenhängen. Besonders die Liebesgeschichte mit Alice hätte man sich sparen können, da sie weniger Sinn hat, als sie dem Zweck wirklich dient. In den Interviews wird sogar davon gesprochen, dass Chan damals das Fünffache an Material aufgenommen hat, als für die Kinos überhaupt zulässig war. Da wären sicherlich einige nette Szenen dabei gewesen, die man in eine Langfassung integrieren oder zumindest als zusätzliche Szenen verewigen hätte können. So bleibt Dragon Lord ein durchschnittlicher Jackie-Chan-Film, den man sich dennoch nicht entgehen lassen sollte.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Dragon Lord!

Zehn Millionen US-Dollar – die hätte jeder von uns gerne auf dem Konto. Im Film Sabotage bekommt Arnold Schwarzenegger alias Breacher die Gelegenheit, diesen Betrag einzusacken und genau dann sabotiert jemand aus seinem Team die komplette geheime Abmachung.

Sabotage erzählt eine Handlung, die man so sicher in abgewandelter Form schon diverse Male in Film und Fernsehen gesehen hat. Breacher ist Leiter eines Teams der Drug Enforcement Administration. Kollegin Lizzy hat sich in die Villa eines Drogenbarons eingeschleust. Um in die gut bewachte Festung jedoch Verstärkung zu beordern, benötigt es in diesem Falle einfach nur rohe Gewalt. Brachial stürmen Breacher und der Rest des Teams das Gelände und machen sich im Gebäude auf, die Straftäter aufzuspüren und zu erledigen. Das Team ist aber darüber informiert, dass im Kellergeschoss hunderte Millionen Dollar lagern. Eigentlich ist das Geld ab sofort Eigentum des Staates, doch zehn Millionen Dollar mehr oder weniger, so denken sie, fällt der Drug Enforcement Administration bestimmt nicht auf. Also verstecken sie das Geld sicher, doch als sie in der Nacht heimlich zurückkehren, sind die Millionen verschwunden. Es bleibt unklar, wie das Geld nun verschwinden konnte. Die nächsten sechs Monate werden für das Team dennoch zur Hölle, denn die fehlenden Millionen sind sehr wohl jemanden aus der Chefetage aufgefallen. Aus Washington D.C. kommt der Auftrag, dass Breacher und sein Team vorerst nicht operieren dürfen und überwacht werden müssen. Sein Team besteht die Geduldsprobe, doch nach diesem halben Jahr wird Breachers Team der Reihe nach dezimiert.

Rustikales Schlachtschiff

Die Szenen des Films bauen logisch aufeinander auf und erzählen die Story stringent bis zum Abspann. Regisseur David Ayer hat dabei besonderen Wert auf die Gestaltung des Charakters Breacher gelegt. Schwarzenegger ist nicht mehr der Jüngste und obwohl dieser für viele noch immer der Action-Held der Achtziger und Neunziger Jahre ist, müssen Fans wie schon in The Last Stand mit einem Schlachtschiff leben, das seine besten Tage bereits hinter sich hat. Das merkt man leider auch den vielen Action-Szenen an. Während die ersten zwei Filmdrittel mit wenig brachialer Kunst auskommen und nur ein paar Gefechte in Form von Schusswechseln zeigen, geht es erst gegen Ende des Films ordentlich zur Sache. Das liegt daran, dass sich der Film in der ersten Hälfte mehr als ein Thriller und weniger als ein Action-Streifen anfühlt. So nimmt sich die Story in aller Seelenruhe die Zeit, wichtige Charaktere einzuführen und alle nötigen Randfiguren mit der Zeit aus dem Drehbuch zu schreiben. Breachers Figur ist sehr tragisch gestaltet, da wir schon in der ersten Szene mitbekommen, dass ihm mindestens eine teure Person genommen wurde. Er lebt in einem rauen Umfeld, weshalb auch die sprachliche Gestaltung der Dialoge mit seinem Team schon auf einer fäkalen Ebene funktionieren. Dem entgegen stellt sich Agentin Caroline, die partnerlos lebt und daher innerlich zerrüttet wirkt.

Verwirrungen in 110 Minuten

Welche Intention der Film nun wirklich hat, lässt sich nur erahnen. Neben dem Filmende gibt es auf dem Datenträger noch ein alternatives Ende, welches mit zwei möglichen Ausgängen recht unterschiedliche Wirkungen erzeugen kann. Vermutlich ist es aber nur die ewige Story von der Rache, die Ayer in seinem Film vorstellen will. Sinn ergibt das alternative Ende aber nur, wenn man sich die (ebenfalls auf der Disc enthaltenen) entfallenen Szenen anschaut. Hier schlummert sogar ein ganzer Plot, der im Film nirgends erwähnt wird. Aus Caroline wird da noch ein viel zerbrechlicher Mensch und aus Breacher wird jemand ohne Gewissen. Das ist zwar nett anzusehen, unterstreicht jedoch einmal mehr die Ahnungslosigkeit des Regisseurs, der wohl nicht wusste, welchen Charakter Schwarzenegger bis kurz vor Filmstart eigentlich verkörpern soll. Entsprechend lahm fällt auch das Bonusmaterial aus. Die entfallenen Szenen und das alternative Ende sind eine sehr nette Dreingabe, doch die Interviews und das Making-of sind wirklich nur für beinharte Fans von Action-Filmen, die sich über jede auch noch so uninteressante Anmerkung zu einem Film freuen. Der Film mag zwar durchgehend Standard-Kost im Action-Segment sein, doch auf technischer Ebene kann man nichts bemängeln. Der Ton in DTS-HD 7.1 Master Audio und das knackige Bild in 1080p runden das Paket gut ab.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Wenn ich an die Action-Filme der letzten dreißig Jahre zurückdenke, dann erinnere ich mich sehr oft an Filme mit Schwarzenegger. An diese Tugenden will Sabotage einfach nicht anschließen. Schwarzenegger ist heute in Filmen einfach nicht mehr der lässige Draufgänger. Er steht am Anfang einer Entwicklung, wie sie schon Clint Eastwood oder anderen Legenden aus Hollywood durchmachen mussten. Daran störe ich mich auch gar nicht, doch verkauft man Schwarzenegger immer noch als den großen Action-Held schlechthin und dann passiert in den ersten achtzig Minuten gar nicht so viel. Die Story dümpelt vor sich hin und nimmt die Form eines gemütlichen Thrillers ein. Das zieht sich gefühlt in die Länge, lässt mich aber schnell alles vergessen, wenn die Verfolgungsjagd quer durch Atlanta beginnt. Hier kann die Action-Legende immer noch zeigen, was in ihm steckt. Trotzdem weiß Regisseur Ayer nicht, wie man einen Charakter vernünftig gestaltet. Er hat zuvor auch gerade bei nur drei Filmen Regie geführt. Daher bleibt zu hoffen, dass er in Zukunft tiefgründigere Figuren kreiert, denn sonst geht es mit dem Hollywood-Action-Genre weiterhin abwärts. Sabotage lässt sich zwar wirklich hervorragend an einem der berühmten verregneten Sonntagnachmittage ansehen, doch mehr als solides Mittelmaß wartet hier nicht.

Vielen Dank an Splendid Film für die Bereitstellung des Rezensionsexemplars von Sabotage!

Im Jahr 2005 drehte der thailändische Regisseur Prachya Pinkaew den Film Tom Yum Goong, der hierzulande als Revenge of the Warrior bekannt ist. Der Film war so erfolgreich, dass er unbedingt einen Nachfolger drehen wollte. Im letzten Jahr bekam Pinkaew seine Gelegenheit.

Tom Yum Goong 2, der in Deutschland unter dem Namen Return of the Warrior erschien, ist die direkte Fortsetzung des Films aus dem Jahr 2005. Wie in der Realität sind auch im Film acht Jahre vergangen. Die Handlung von Return of the Warrior spielt vor dem Hintergrund eines südostasiatischen Landes namens Katana, welches seit vielen Jahren einem Bürgerkrieg ausgesetzt ist. Durch das Einmischen verschiedener südostasiatischer Staaten, darunter auch das Königreich Thailand, ist Katana bereit, Frieden zu schließen. Das Land soll in eine Ost- und in eine Westhälfte aufgeteilt werden. Unterzeichnet werden soll der Vertrag allerdings in der thailändischen Stadt Phuket, also fast neunhundert Kilometer von der Hauptstadt Bangkok entfernt, wo die Geschichte um den Protagonisten Kham beginnt. Etwas außerhalb der Stadt lebt Kham zusammen mit seinem Elefanten Khon in Frieden und im Einklang mit der Natur. Die Tage verbringt er mit dem Trainieren der Dorfkinder in den Kampfkünsten. Die Eltern der Kinder respektieren das jedoch ebenso wenig wie Kham ihre Auffassung übers Kämpfen. Sein Bruder spielt ihm währenddessen einen Streich nach dem anderen. Als er eines Tages nach Hause kommt, warten dort Geschäftsleute auf ihn, die ihm Khon für Geld abkaufen wollen. Als er ihnen höflich mitteilt, dass Khon unverkäuflich ist, drohen ihm die Männer.

Unter Mordverdacht

Für kurze Zeit muss Kham noch einmal sein Zuhause verlassen, doch als er zurückkehrt, ist sein Elefant verschwunden und sein Bruder niedergeschlagen. Er beschließt, nach Bangkok zu reisen und den Entführer zur Rede zu stellen. Als Kham ihn endlich ausfindig gemacht hat, ist von dem Elefanten jedoch keine Spur. Noch dazu ist der Entführer bereits tot! Als die beiden Nichten des Mannes im Büro auftauchen, fällt der Verdacht natürlich auf Kham, da dieser die Wachen allesamt zusammengeschlagen hat. Er verschwindet schnell aus dem Haus, während die Polizei schon im Anmarsch ist. Geschnappt wird er trotzdem, doch nicht von irgendwem. Den Interpol-Beamte Sergeant Mark kennt Kham noch von früher und dieser weiß, dass Kham kein Mörder ist und lässt ihn laufen. Blöd nur, dass das die Nichten gesehen haben und kein Vertrauen mehr zur Polizei haben. Später treffen sich Kham und Mark wieder und klären die Situation im Stillen. Mark erzählt Kham, dass auf den Präsidenten von Katana während der Zeremonie ein Anschlag verübt werden soll und er nur deswegen in Bangkok sei. All das scheint jedoch mit Khams Elefanten Khon zusammen zu hängen. Als plötzlich das Gebäude von den beiden Nichten und kurz darauf von hunderten Bikern gestürmt wird, flieht Kham, um den sicheren Tod zu entgehen und um sich auf die Suche nach Khon zu machen.

Etwas Sinn und wenig Logik

Die ersten zwanzig Minuten von Return of the Warrior werden unglaublich gut präsentiert. Der Erzählrhythmus stimmt ebenso wie die Schauspieler. Neben Tony Jaa, der Kham spielt, ist auch Petchtai Wongkamlao einmal mehr von der Partie. Beide Darsteller geben Return of the Warrior eine ganz eigene Note, die aber von den mäßigen Schauspielkünsten von Robert Fitzgerald Diggs und einigen unwichtigen Nebendarstellern ständig nicht als solche erkennbar ist. Zudem fühlen sich die Martial-Arts-Szenen des Films zu übertrieben beziehungsweise viel zu langatmig an. Erst der Kampf zwischen Marrese Crump und Tony Jaa zeigt, wie man gute Action in Szene setzt. Übertriebene Szenen wie die, in der Tony Jaa (an einem Seil befestigt) an der angeblich höchsten Brücke Südostasiens einmal drumherum geschleudert wird, sind sicher nett gemeint. Aufgrund des geringeren Budgets sehen diese Szenen aber nicht packend aus. Auf dem Weg zum Ende des Films gibt es immer wieder ein paar kleinere Twists, welche aber damit zu kämpfen haben, überhaupt einen Sinn zu ergeben. Meistens muss man nämlich erahnen, warum der freundliche Charakter auf einmal auf der Gegenseite steht oder wie man einen Fall von einem Wolkenkratzer überleben kann. Return of the Warrior ist beileibe kein schlechter Film, doch bleibt er leider etwas hinter seinen hoch angesetzten Ambitionen zurück.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Dass ich mich mit thailändischen Filmen etwas schwer tue, habe ich in einigen Reviews sicherlich das eine oder andere Mal erwähnt. Trotzdem habe ich Return of the Warrior eine Chance gegeben, da mich der Trailer doch ein klein wenig angesprochen hat. In den ersten zwanzig Minuten des Films werde ich auch nicht enttäuscht, doch dann hat Return of the Warrior ständig mit Höhen und Tiefen zu kämpfen. Tony Jaa und Petchtai Wongkamlao bereichern den Film ständig mit interessanten Dialogen, netten Sprüchen und passenden Synchronsprechern, sofern man sich den Film in deutscher Sprache anschauen beziehungsweise anhören möchte. Die thailändische Fassung ist aber auch nicht zu verachten, da es hier Szenen gibt, wo ein Charakter als Dolmetscher für den Bösewicht agiert – in der deutschen Fassung unterstützt der eigentliche Dolmetscher den Fiesling in seiner Argumentation. Aufgrund der unterschiedlichen Positionen macht das in der deutschen Version aber kaum Sinn. Mit Sinn und Logik nimmt es der Action-Streifen aber auch nicht so genau. Sämtliche Szenen müssen so im Film sein, damit er verständlich ist – daran gibt es nichts zu rütteln. Aber warum manche Szenen inhaltlich einfach mal die Story umschmeißen und es dann nicht ganz erklären, ist doch ziemlich unlogisch. Wenn man den Vorgänger schon mochte, wird man mit dem zweiten Teil sicherlich auch noch Spaß haben!

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Return of the Warrior!

Mit dem Film Dragon Hero aus dem Jahr 1979 versucht Regisseur Lo Wei die Karriere seiner Neuentdeckung Jackie Chan zu fördern. Er möchte ihn sogar zum Nachfolger von Bruce Lee machen, doch krankt der Streifen an recht lahmen Kampfszenen und sehr müden Gags.

Die Handlung von Dragon Hero dreht sich um den recht jungen Kampfschüler Tang How Yuen. Nach dem Tod seiner Eltern wird er von einem Meister des Kung-Fu und dessen Frau aufgenommen und fortan erzogen. Zudem tritt Tang How Yuen in dessen Kampfschule ein, wo er bis ins Erwachsenenalter trainiert, um seinen Zieheltern ein guter Sohn und seiner Stiefschwester ein guter Bruder zu sein. Das Leben verläuft in gewohnten Bahnen, doch dann taucht in der Kampfschule der heimtückische Kampfmeister Quen auf. Er fordert Tang How Yuens Meister zum Zweikampf, da sich dieser als bester Künstler in den Kampfkünsten kürt. Der Kampf verläuft jedoch nicht fair, obwohl der Ziehvater des Protagonisten unterliegt und kurzerhand aufgibt, greift ihn Quen unerbittlich weiter an. Die Folge ist, dass er das Schild der Kampfschule als Preis verlangt und die Schule daraufhin verlässt. Allerdings spuckt Tang How Yuens Meister Blut und stirbt wenige Stunden später am Abend in den Armen von Frau und Tochter. Sein letzter Wunsch ist, dass sein bester Schüler Tang How Yuen, sich um seine Hinterbliebenen kümmern möchte. Natürlich willigt er ein, doch schwört er ebenfalls Rache. Für eine direkte Auseinandersetzung ist Tang How Yuen aber noch zu schwach, denn sein Gegenspieler ist viel zu stark. Die Jahre vergehen und erst am dritten Todestag des Meisters hat seine Familie den gefürchteten Quen ausfindig gemacht. Die Rache steht kurz bevor!

Verschenktes Potenzial

Dragon Hero möchte jedoch nicht nur eine Rachegeschichte erzählen, denn die ist nach etwa der Hälfte des Films schon fast vorbei. Der tragische Charakter Quen kommt ebenfalls nicht zu kurz. Bereits am Anfang des Films nimmt sich seine Frau, die früher mit Tang How Yuens Meister befreundet war, nach dessen Tod, hervorgerufen durch ihren Ehemann, das Leben. Von Schuldgefühlen geplagt möchte er nun ein besseres Mensch werden. Wie genau seine Sühne aussieht, verraten wir an dieser Stelle nicht. Dafür hat auch seine Familie ein Problem mit einem verfeindeten Klan. Die Fehde wird im gesamten Film jedoch nicht gänzlich geklärt, weshalb es schade ist, dass hier durchaus Potenzial verschenkt worden ist. Die Handlung von Dragon Hero hat dieses an vielen Ecken nämlich sehr wohl! Der Rachepakt ist der Auftakt zu einer Story, die eine ganz andere Wendung nimmt und trotzdem bodenständig bleibt. Unter anderem kommt es zum Einsatz von Gift und der Ermordung eines Jungen. Ränkespiele im Machtgefüge der Klans führen schlussendlich zum großen Finale zwischen Jackie Chan und diversen Schlägern. Gerade in den letzten Minuten kann Dragon Hero zeigen, zu was Lo Wei fähig ist, wenn er nur die richtigen Szenen dreht. Sowohl die Story, als auch die Kämpfe in Dragon Hero, lassen nämlich vor allem in der ersten Filmhälfte sehr zu wünschen übrig.

Technisches Desaster

Zu wünschen übrig lässt auch das Bild; sogar das Bild der Blu-ray-Fassung ist sehr schlecht gealtert. Hervorgerufen durch falsche Lagerung oder den Einsatz schlechter Kameratechnik, verschwimmen viele Bilder. Das fällt besonders bei den Außenaufnahmen in der chinesischen Landschaft auf. Hier wellt sich das Bild unschön nach links und rechts. Erst wenn die Kamera fest verankert ist, fallen diese Probleme kaum mehr auf. Dafür macht sich in diesen Szenen zusätzlich helles Flackern bemerkbar. Die Tonspuren in Deutsch und Kantonesisch liegen zwar beide in DTS-HD 5.1 und auch in 2.0 (Mono) DTS-HD vor, doch klingen selbst die beiden aufgewerteten Tonspuren nur wenig besser. Wohlgemerkt: Der Film wird als digital remastered beworben! Hier wäre sicherlich ein wenig mehr möglich gewesen. Selbst das Bonusmaterial, welches hier nur aus einem Interview mit Jackie Chan besteht, scheint von einer VHS auf die Blu-ray überspielt worden zu sein. Am unteren Rand sind fast durchweg die typischen weißen Streifen zu sehen, die wohl durch falsche Lagerung oder Abnutzung entstanden sind. Immerhin hebt sich der Inhalt des Interviews von den anderen Ausschnitten ab, die den Filmen der Dragon-Edition-Reihe beiliegen. Dragon Hero fehlt es also an allen Ecken und Enden am gewissen Etwas, den 98 Minuten langen Film kann man ruhig auslassen.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Dragon Hero gehört zu den typischen Martial-Arts-Filme der späten Siebziger Jahre. Bis zum großen Finale gibt es hier nämlich nur durchschnittliche Kampfszenen und auch die Handlung kann ihr Potenzial nicht völlig frei entfalten. Sie ist grundsolide und hat auch einige gute Ansätze. Das Problem liegt nur daran, dass während der Produktion die Geldmittel ausgegangen sind und Regisseur Lo Wei somit einige Abstriche machen musste. Ob dies nun tatsächlich der Grund ist, warum die Handlung (insbesondere die Fehde zwischen Quen und einem verfeindeten Klan) nicht ihr volles Potenzial entfalten kann, sei einmal dahingestellt. Fakt ist, dass man hier sehr viel mehr hätte machen können. Der letzte Kampf vor Quens Kampfschule gefällt mir zwar sehr gut, da auch hier der Reihe nach fast alles in angenehmen Dialogen aufgeklärt wird, doch dafür hätte man sich nicht achtzig Minuten lang abmühen müssen. Beinharte Jackie-Chan-Fans werden sich Dragon Hero früher oder später sicherlich einmal anschauen, doch ich kann nur dazu raten, dass man ihn sich lieber später als früher anschauen sollte. In meinen Augen verpasst man in Dragon Hero sehr wenig bis gar nichts.

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Dragon Hero!

Endlich besinnt sich ein Film der Millennium-Reihe an einen vorherigen Godzilla-Film dieser Serie. Gemeint ist natürlich der direkte Vorgänger, Godzilla against Mechagodzilla, an den Godzilla: Tokyo SOS ein Jahr später, genauer gesagt im Jahr 2003, nahtlos anknüpft.

Der Kampf zwischen Gojira und seinem metallenen Pendant Mekagojira hat fatale Spuren hinterlassen. Nicht nur Teile der japanischen Hauptstadt Tōkyō sind zerstört; auch Kiryū, wie Mekagojira betitelt wird, hat schwere Schäden davon getragen. Seit einem Jahr arbeiten die führenden Wissenschaftler Japans an der Reinstandsetzung von Mekagojira. Seit dieser Zeit wurde Gojira nicht mehr gesehen, weshalb es auch auf politischer Ebene eine heftige Debatte um die Reparatur gibt. Der ehrliche Steuerzahler soll für den baldigen Einsatz von Mekagojira aufkommen. Die aufgebrachten Gelder können jedoch ebenso gut für den Wiederaufbau der Hauptstadt gebraucht werden, da Japan ohnehin vor keiner direkten Bedrohung mehr stünde. Weit gefehlt! Eines Tages wird die Riesenschildkröte Kameba an der Küste angespült und es sieht so aus, als würde sich Japan, insbesondere Tōkyō, erneut zum Schlachtfeld entwickeln. Die Regierung entscheidet, dass das Militär in die Reparatur von Kiryū investieren soll, doch ist das Budget begrenzt. Mekagojira kann deshalb nicht mit der mächtigen Absolute-Zero-Kanone bestückt werden, da der große Kristall, der dazu nötig wäre, nicht beschafft werden kann. Man improvisiert und stattet den Maschinendrachen mit alternativen Waffen aus, die Gojira endlich Einhalt gebieten sollen; trotz der bevorstehenden Risiken des Einsatzes.

Kniff der Filmgeschichte

An der grundlegenden Handlung scheint sich erst einmal nichts verändert zu haben. Die Story wird jedoch wie schon in Godzilla vs. Spacegodzilla mit einem bestimmten Fantasy-Element aufgebohrt. Dabei bezieht sich Godzilla: Tokyo SOS wie sein Vorgänger unter anderem auf den Film Mothra bedroht die Welt aus dem Jahr 1961. Man hat sich für Godzilla: Tokyo SOS jedoch einen ähnlichen Kniff wie bei Godzilla vs. Destoroyah einfallen lassen. Der Charakter Doktor Shinichi Chūjō kommt nämlich in beiden Filmen vor und wird zudem noch von ein- und demselben Schauspieler verkörpert. Die Jahre sind auch an Hiroshi Koizumi leider nicht vorbeigegangen, doch unterstützt der gealterte Schauspieler die Handlung so doppelt. Wer Mothra bedroht die Welt nicht gesehen hat, da der Film hierzulande immer noch auf eine Veröffentlichung auf DVD wartet, muss nicht verzagen. Sämtliche Hintergründe, die für das Verstehen der Story von Godzilla: Tokyo SOS nötig sind, werden geklärt. Chūjō wird von den beiden Priesterinnen aus dem genannten Filmklassiker angesprochen und erfährt, dass es falsch von den Menschen war, die Knochen des ersten Gojiras für das mechanische Abbild zu verwenden. Die Priesterinnen bitten Chūjō, Neffen Yoshito und Enkel Shun, alles dafür zu tun, damit Mekagojira zerstört wird. Stattdessen soll Mosura die Menschen beschützen.

Folgenschwere Entscheidung

Diese Entscheidung, mit denen die drei Charaktere und später der Premierminister (erneut gespielt von Akira Nakao) konfrontiert werden, sorgt bis zur Mitte des Film für Unbehagen. Schließlich steht die gesamte Menschheit auf dem Spiel, da Mekagojira die vermutlich letzte Waffe im Kampf gegen den Koloss ist. Die zweite Hälfte des gerade einmal 95-minütigen Films steht dann im Zeichen der Monsterkämpfe. Hier tritt Gojira gegen Mosura an und auch Mekagojira wird für einen letzten Kampf reaktiviert. Zudem tauchen zwei weitere Monster auf, über die wir hier aus Spoiler-Gründen jedoch nichts verraten wollen. Auch wenn wir uns wieder einmal ein paar längere und spektakuläre Kampfszenen gewünscht hätten, kann man sich die Kämpfe in Godzilla: Tokyo SOS trotzdem ruhigen Gewissens ansehen. Es lässt sich aber festhalten, dass erneut die Charaktere im Vordergrund stehen und weniger der Star des Films. Käufer der Blu-ray-Fassung freuen sich dennoch über ein gutes Bild und auch einen guten Ton, sowohl in der deutschen Synchronisation, als auch im japanischen Originalton. Besonders die Musik unterstützt die Intention des Films, die Arroganz der Menschen und die falsche Verwendung von Atomkraft zu kritisieren. Wer auf Bonusmaterial hofft, wird wie schon bei den vorherigen Veröffentlichungen wieder nur mit Filmtrailern abgespeist.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Ich bin sehr froh darüber, dass Regisseur Masaaki Tezuka an Godzilla against Mechagodzilla angeknüpft hat. Vermutlich hätte ich den Film sonst wieder als lahmen Versuch betitelt, die Riesenechse neu zu definieren. Jetzt kann man sich zumindest auf die Ereignisse von Godzilla against Mechagodzilla stützen und auch wenn wir uns bereits in der fünften Zeitlinie aller Godzilla-Filme befinden, finde ich es gut, dass man sich ebenfalls an einen weiteren Film, Mothra bedroht die Welt, orientiert und gar einen Schauspieler nach über vierzig Jahren dazu bewegt, wieder mitzumischen. Das sind Momente, die unglaublich wichtig für die Atmosphäre eines Films sind, wenn man schon die Kampfszenen wieder einmal auf das Nötigste reduziert. Das ist nämlich auch das einzige, was ich an Godzilla: Tokyo SOS bemängeln möchte. Der eigentliche Star oder genauer gesagt die Stars des Films (der Originaltitel kommt ohne Mosura und Mekagojira nicht aus) kommen in meinen Augen zu kurz. Ich möchte sehen, wie die Miniaturstädte zerstört werden und alle Angriffe in ihrer vollen Pracht bestaunen. Der rasche Veröffentlichungszyklus sämtlicher Filme innerhalb der Millennium-Reihe tut dem Franchise wirklich nicht gut. Jetzt blicke ich jedoch gespannt auf den Abschluss dieser Serie; Godzilla: Final Wars, ich bin bereit!

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Godzilla: Tokyo SOS!

Dass Uwe Boll in seinen Filmen gerne mal persönlich wird und genau das ausspricht, was der eine oder andere von uns denkt, ist nicht ungewöhnlich. Dieses Mal bringt er seine Meinung sogar in einer Nebenrolle auf den Punkt und unterstreicht die Aussage von Bill Williamson.

Der gefährliche Bill Williamson ist nach wie vor am Leben. Im Vorgängerfilm Rampage hat dieser in einer Kleinstadt für Angst und Schrecken gesorgt. Er ist Amok gelaufen und hat einen unschuldigen Menschen nach dem anderen auf offener Straße erschossen. Zwei Jahre nach den Vorfällen war es ruhig und die Angehörigen der Opfer lebten in Ungewissheit, wie es um Williamson steht. Diese wünschen sich nämlich nichts sehnlicher, als dass dieser von der Polizei geschnappt und schlussendlich getötet beziehungsweise hingerichtet wird. Dann taucht vor einem Jahr im Internet plötzlich ein Video auf. In diesem erklärt der Täter, dass in jedem Jahr Millionen von Menschen geboren werden, die dafür sorgen würden, dass auf der ganzen Welt die Nahrungsmittelkapazitäten ausgeschöpft werden. In seinen Augen hätten die kein Recht zu leben, weshalb er seine Anhänger dazu aufruft, ihn zu unterstützten und andere Menschen umzubringen, damit es mit dem Planeten wieder aufwärts geht. Da muss man als Zuschauer ordentlich schlucken. Makaberer wird es bereits in der nächsten Szene. Hier sitzt Williamson am heutigen Tag in einer Seitengasse und wartet nur darauf, dass Menschen über den Bürgersteig gehen, damit er sie der Reihe nach abschießen und von der Straße schleppen kann. Eines Tages beschließt Williamson allerdings, dass er endlich gehört werden will.

Hören und gehört werden

Um endlich gehört werden zu können, kommt ihm nur eines der wichtigsten Medien unserer Zeit in den Sinn – das Fernsehen! Er sucht den örtlichen Fernsehsender auf, der zwar klein ist, für seine Ansprüche aber genügen muss. Dort angekommen, schießt er wahllos auf die Mitarbeiter des Senders – ohne mit der Wimper zu zucken! Ein paar lässt er am Leben, um ein paar Geiseln zu haben. Besonders wichtig ist Williamson, dass der Journalist Chip Parker unter den Geiseln ist. Er stellt ihm ein Ultimatum von einer Stunde. In dieser Zeit muss Parker dafür sorgen, dass ein Video von einer DVD landesweit ausgestrahlt wird. Zudem soll Parker mit ihm ein Interview führen, denn ansonsten würde er alle Geiseln kurzerhand erschießen. Währenddessen taucht vor dem Gebäude des Fernsehsenders die Polizei auf, die sich um Williamson kümmern soll. Dieser hat aber Überwachungskameras installiert und kann jeden Schritt der Polizei überwachen. Sowohl außerhalb und innerhalb des abgeschotteten Studios spitzt sich die Lage zu. Während Parker sowohl in Dialogen, als auch in Monologen, auf die ganzen Fehler der westlichen Welt (vor allem mit den Vereinigten Staaten von Amerika rechnet er ab) hinweist, wächst bei Parkers Vorgesetzten die Geldgier. Nach Ausstrahlung des Videos hat der Sender nämlich einige Millionen Dollar verdient. Schöne neue Welt!

Auf den Punkt gebracht

Regisseur Uwe Boll spielt im Film Parkers Vorgesetzten, der beim Anschauen des Videos kommentiert, dass der Mann doch völlig im Recht sei, um die Bedeutung seiner Aussage, die im Film getroffen werden soll, einmal mehr zu betonen. In Rampage: Capital Punishment rechnet Boll, wie schon erwähnt, besonders mit den Vereinigten Staaten ab. Er geht auf die verschiedenen Massaker ein, die an Schulen verübt worden sind. Vor allem das Waffengesetz der Vereinigten Staaten kritisiert er, da nur durch diese harmlosen Gesetze Menschen wie der terroristische Williamson an Waffen gelangen können. Ein wichtiger Punkt sind Kriege, die geführt werden. Selbst vor dem Amerikanischen Bürgerkrieg macht Boll keinen Halt und stellt Geld vor die Bedürfnisse von Menschen. Wenn man sich den Audiokommentar, der in deutscher oder englischer Sprache anwählbar ist, anhört, bemerkt man schnell, dass Boll diese Meinung auch wirklich selbst vertritt. Er bringt Missstände wie das Gefängnis in Guantánamo oder den Umgang mit dem Whistleblower Snowden direkt auf den Punkt. Hetze ist das nicht, aber eine Meinung, die gehört werden sollte. Natürlich reichen die verschiedenen Faktoren tiefer, als dass sie Boll erklärt, doch besonders unter diesem Aspekt macht jede einzelne Szene von Rampage: Capital Punishment Sinn; die Gewaltszenen werden sinnvoll geschönt.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Uwe Boll wird oft persönlich und fällt seine Aussagen direkt; das kennt man schon von unzähligen seiner anderen Werken. Aber nachdem ich Rampage bis heute leider nicht gesehen habe, bin ich froh darüber, dass ich zumindest Rampage: Capital Punishment sehen durfte, um einen Einblick in Bolls Meinung über ernste Themen, die uns alle angehen, zu erhalten. Man möchte Boll und somit dem Charakter Williamson dem ganzen Film über nur zu sprechen, doch wichtig ist auch, dass man sich abseits des Films tiefer mit der Materie befasst, alle Faktoren mit einberechnet und vor allem selbst eine Meinung bildet. Viele Aussagen sind nämlich dadurch, dass Williamson Amok läuft, hart an der Grenze zur Hetze. Rampage: Capital Punishment bleibt somit ein Werk, welches in einem Dialog immer mal wieder zitiert werden sollte, da man doch viele Missstände über einen Kamm schert und auf den Punkt bringt. Abgesehen davon kann die Handlung des Films bis zum Ende sehr gut unterhalten, da sie spannend erzählt wird und Schauspieler wie Brendan Fletcher, Lochlyn Munro und Mike Dopud ihr Handwerk verstehen. Nur Uwe Boll als Schauspieler – das will nicht so recht funktionieren und ist vor allem in der deutschen Synchronisation sehr trashig. Das weiß der Regisseur jedoch selbst und nimmt sich im Audiokommentar einmal mehr aufs Korn und wer Filme von ihm kennt, weiß, dass man besonders den Audiokommentar nicht verpassen darf. Der ist nämlich wieder einmal wirklich sehr interessant ausgefallen und gibt tiefe Einblicke in die kostengünstige Filmproduktion!

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Rampage: Capital Punishment!

Wenn ein Schauspieler in seiner Heimat nahezu alles erreicht hat, sucht er sein Glück in der Ferne. Genauer gesagt in der Filmlandschaft der Vereinigten Staaten. Hier sucht Jackie Chan im Jahr 1980 erstmals den internationalen Durchbruch zu erreichen. Leider vergeblich.

Die Handlung von Die große Keilerei findet in den Dreißiger Jahren des letzten Jahrhunderts statt. Als Handlungsort haben sich die Köpfe hinter dem Projekt die Stadt des Windes, also Chicago, ausgesucht. Hier lebt Protagonist Jerry Kwan zusammen mit seiner Familie, die aus seinen Eltern, seinem Bruder und seinem Onkel besteht. Der Onkel lebt jedoch entzweit von der Familie, da diese sich in einigen Punkten einfach nicht einig sind. Sein Onkel ist jedoch ein Widerspruch in sich. Er missbilligt zunächst die Beziehung zwischen Jerry und dessen Freundin Nancy, obwohl er heimlich selbst Bettbekanntschaften pflegt. Nichtsdestotrotz setzt die Handlung fernab des stürmischen Familienlebens ein. In Chicago werden mitten auf der Straße Kämpfe ausgetragen. Unter den Kämpfern befindet sich auch Billy Kiss. Das große Schwergewicht hat die Macke, dass er jeden seiner besiegten Gegner einen Kuss geben muss. Bisher ist Billy Kiss ungeschlagen, was besonders Bandenchef Dominici ärgert. Dieser muss mit ansehen, dass jeder seiner Kämpfer dem küssenden Ungeheuer unterlegen ist. Zeitgleich setzt die Story bei Jerry ein. Dieser kehrt mit Nancy nach Hause zurück, wo er eigentlich nur mit seinem Bruder sprechen will, um die Startgebühr für ein Rollschuhrennen zu bekommen. Da muss Jerry mit ansehen, dass sein Vater von Mobstern zusammengeschlagen wird.

Ein Drama in zwei Akten

Natürlich schreitet Jerry zur Hilfe, doch die Verbrecher schleichen sich danach vom Tatort. Als Jerry dann das Geld fürs Rollschuhrennen von seinem Bruder erhält, geht jedoch alles ganz schnell. Nach dem Rennen wird auf einmal sein Freund zusammengeschlagen, der in diesem Stapellaufrennen dabei gewesen war. Als Jerry dann auch noch die Verlobte seines Bruders in San Francisco abholen soll, gerät alles außer Kontrolle. Zwar trifft Jerry seine zukünftige Schwägerin an der Westküste, doch wird sie dort von Dominici entführt. Dieser beschwichtigt zwar immer wieder, dass es der Frau gut geht, doch will er sie nur gehen lassen, wenn Jerry für ihn beim Battle Creek, der großen Keilerei, teilnimmt. Schließlich haben seine Männer von ihm unlängst eine Abreibung bekommen und Jerry scheint seiner Meinung nach der beste Mann weit und breit für den Auftrag zu sein. Schnell wird ein Ersatz für die Frau gefunden und drei Wochen voller Training beginnen bei seinem Onkel in Chicago. Ab hier kann man bei Die große Keilerei eine klare Trennung bemerken. Während die erste Hälfte trotzt oft eingespielter Action noch viel auf Dialoge setzt, wird die zweite Filmhälfte vom Training und den anschließenden Straßenkämpfen beim Battle Creek dominiert. Das ist für Jackie-Chan-Fans grundsätzlich nichts Schlechtes, doch schwankt die Qualität dabei stark.

Wirkungen des amerikanischen Kampfstils

Das liegt daran, dass die Action nicht einzig und allein von Jackie Chan koordiniert wird. Unterstützung erhält Chan durch Pat E. Johnson, der jedoch auf einen sehr amerikanischen Stil setzt. Das macht aufgrund der vielen Kämpfer, die vor allem aus Nord- und Südamerika stammen vielleicht Sinn, doch können Chans Action-Einlagen nicht so glänzen, wie zum Beispiel in Meister aller Klassen. Das erkennt Chan im beiliegenden (aber leider recht kurzen) Interview ebenfalls. Der Zeitpunkt des Films ist denkbar schlecht gewählt. Obwohl er einen wichtigen Punkt in Chans Karriere markiert, spielt der Film deutlich weniger als Meister aller Klassen ein. Besonders in Hongkong, wo Die große Keilerei in nahezu jedem Kino läuft, interessieren sich die Kinogänger nicht für den Film. Zuschauer, die auf einen ostasiatischen Kampfstil viel Wert legen, bekommen also nicht einmal die Hälfte von dem zu sehen. Mit dem Rollschuhrennen und dem Battle Creek gibt es dennoch zwei Highlights, die den Film die ganzen 97 Minuten über für alle anderen sehenswert machen. Das Bonusmaterial fällt jedoch sehr spärlich aus, denn mehr als das kurze Interview und zwei Trailern zum Film gibt es nichts, wodurch man tiefer in den Film eintauchen kann. Käufer der Blu-ray freuen sich jedoch darüber, dass sowohl die Kino-, als auch die Fernsehsynchronisation enthalten sind.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Es ist wirklich sehr schade, dass Jackie Chan mit Die große Keilerei 1980 nicht den internationalen Durchbruch erreicht, den er da eigentlich schon längst verdient hat. Hier merke ich jedoch mal wieder die Engstirnigkeit bei der Produktion im Westen. Man möchte unbedingt die Merkmale des westlichen Kampfstils in den Film packen, der jedoch absolut nicht mit dem Stil von Chan zusammenpasst. Man tut sich damit selbst keinen Gefallen, denn – bis auf zwei Ausnahmen – funktionieren die Kämpfe nämlich nicht so vollwertig, wie ich sie aus anderen Produktionen mit Chan kenne. Zudem stört mich, dass auch die Handlung nicht ganz ausgefeilt ist. Es werden Charaktere in die Handlung eingeführt, die eigentlich wichtig zum Verständnis sind, dann jedoch zum Ende des Films einfach verschwinden und die Story nicht zu einem runden Abschluss bringen. Zwar funktioniert der Kern des Films, nämlich die große Keilerei, aber besonders die Qualitäten des damaligen US-amerikanischen Kinos, eine gute Handlung zu erzählen, funktioniert nicht gänzlich. Zudem werden Motive wiederholt, was die Story etwas vertrackter macht, aber am Ende doch eigentlich ganz egal ist. Die große Keilerei gehört, bedingt durch die Leiter des Projekts, zwar nicht zu den Top-Titeln mit der Martial-Arts-Legende, aber wer einen netten Film für einen gemütlichen Nachmittag sucht, kann dem Streifen dennoch eine Chance geben!

Vielen Dank an Splendid Film für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Die große Keilerei!