Nachdem der zweite Teil der Filmtrilogie, Ajin: Demi-Human – Collision, im März 2020 auf die Käuferschicht losgelassen wurde, dauerte es bis zum Juli 2020, bis auch der Abschluss der Trilogie hierzulande erschien. Ajin: Demi-Human – Clash führt die Geschichte zu Ende.

In Ajin: Demi-Human – Clash wird die spannende Handlung nach dem Finale des zweiten Films fortgeführt und deckt damit die zweite Serienhälfte ab. So sind im dritten Film sämtliche Charaktere bereits etabliert und ihre Motivationen dem Zuschauer bekannt. Der wagemutige Tosaki Yū hat es nicht leicht: Als langjähriger Ermittler der Ajin-Kontrollkommission soll er die titelgebenden Halbmenschen aufspüren und schließlich verhaften. Bevor es ihm im letzten Film gelang, die beiden Flüchtigen Nagai Kei und Nakano Kō einzufangen, sollte er aus dem Dienst entlassen werden. Allerdings hat sich die Lage mittlerweile wieder verändert, denn der undurchsichtige Ajin Satō kündigt nach seinem erfolgreich durchgeführten Anschlag auf den Pharmakonzern Grant weitere Pläne an. Er will fünfzehn Menschen von einer Liste nach und nach töten, sofern die Regierung seinen Bedingungen nicht nachkommen sollte. Somit ist Tosakis Unterstützung für die Kommission notwendig. Da er die immensen Rechnungen seiner im Koma liegenden Verlobten bezahlen muss, ist er zudem auf den Job angewiesen. Diesen Umstand machen sich wiederum die nun im Team agierenden Kei und Kō zunutze, um ihn für ihren Kampf gegen Satō ausnutzen. Überzeugt davon, dass sie mit dem Kampf gegen Satō ein gemeinsames Ziel verfolgen, agieren sie im dritten Film zusammen.

Mehr Raum für die Charakterentwicklung

An der grundlegenden Struktur von Ajin: Demi-Human hat sich in Ajin: Demi-Human – Clash so gut wie nichts verändert. Es ist zwar schade, dass die Köpfe hinter dem Projekt die zweite Serienhälfte auf einen einzelnen statt auf zwei Filme herunterbrechen, doch kann sich die Story auch dieses Mal voll und ganz entfalten. So sind sich diverse Handlungsstränge, die im dritten Film zusammen laufen, an vielen Stellen immer noch verzahnt, zumal es auch ein Wiedersehen mit vielleicht bereits vergessenen Figuren wie Kaito gibt. Zudem bleibt mehr Raum für andere Charaktere, die in den ersten beiden Filmen ein wenig zu kurz gekommen sind. Unter anderem erfährt der Zuschauer mehr über den amerikanischen Biophysiker Ogura Ikuya, der die Kommission in wissenschaftlichen Fragen unterstützt. Auch Shimomura Izumi, die Kollegin von Tosaki, hat ein paar Auftritte mehr, um beispielsweise das Duo Kei und Kō beim Training zu unterstützen. Neben der überaus spannenden Geschichte, die im Film Ajin: Demi-Human – Clash erzählt wird, dürfen auch die zwischenmenschlichen Beziehungen nicht gänzlich außer Acht gelassen werden. Vor allem die Entwicklung, die Kei durchmacht, hat starken Einfluss darauf, wie sich die Handlung entfaltet. Dennoch bleiben viele Aspekte aller Persönlichkeiten aus Gründen der Spannung verborgen und lösen sich erst langsam auf.

Tolle Technik trotz altbackener Animationen

Unter technischen Gesichtspunkten entspricht die Ausarbeitung des Films im Positiven als auch im Negativen der Gestaltung der ersten beiden Werke. Das heißt, dass vor allem die Actionszenen dank der dreidimensionalen Umgebungen herausstechen. Sowohl die meist von den polizeilichen Kräften initiierten Schusswechsel als auch der häufige Einsatz der schwarzen Geister der Ajin reißen auf ganzer Linie mit. Dazu gesellen sich die schon bei den ersten beiden Filmen gelobten Licht- und Schatteneffekte, die sich in den Gesichtern der Figuren je nach Lichteinfall widerspiegeln. Unterstützt wird diese Wirkung mit diffusem Licht, ausgelöst von Straßenlaternen oder durch Äste scheinende Sonnenstrahlen. Leider krankt die Technik auch im Finale an den nach wie vor stotternden Animationen, die bei hektischen Bewegungen bei den ansonsten abwechslungsreich gestalteten Charakteren auffallen. Dafür entschädigt der Soundtrack von Kanno Yūgo, der die düsteren Geschehnisse stimmungsvoll unterlegt. Sowohl die deutschen als auch die japanischen Synchronsprecher hauchen den ihnen zugeteilten Figuren reichlich Leben ein. In der japanischen Version wird Kei von dem aus Death Note bekannten Miyano Mamoru gesprochen. Bei der deutschen Fassung ist es hingen Patrick Baehr, der Kei seine Stimme leiht. Als digitalen Bonus gibt es ein Long Clean Ending, eine physische Dreingabe gibt es bei Ajin: Demi-Human – Clash aber leider nicht.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Ajin: Demi-Human ist ein von Anfang bis Ende stringent und vor allem sehr gut erzählter Anime, sowohl in Serien- als auch Filmform. Keine einzige Stelle wirkt in der Handlung deplatziert und es bleibt durchweg spannend. Das liegt vor allem an vielschichtigen Charakteren, die allesamt ihre eigenen Persönlichkeiten haben. Diese haben einen starken Einfluss darauf, wie sich die Story zusammensetzt und sich bis zum furiosen Finale entwickelt. Es ist beachtlich, wie grandios Animationsstudio Polygon Pictures die Manga-Reihe von Sakurai Gamon auf Basis der Anime-Serie als Filme umgesetzt hat – auch wenn das halbwegs offene Ende nicht jedem Zuschauer schmecken dürfte. Dennoch ist die Serie nicht nur inhaltlich, sondern auch inszenatorisch eine wahre Wucht. Die dreidimensionale Gestaltung ist fantastisch gelungen und sorgt besonders mit ihren tollen Licht- und Schatteneffekten für offene Münder. Lediglich die stotternden Animationen stechen negativ aus dem Gesamtbild heraus. Davon sollte sich aber niemand abhalten lassen, Ajin: Demi-Human – Clash anzuschauen, denn das Werk gehört mit den anderen beiden Filmen zu den mit Abstand besten Anime-Filmen und sollte von jedem Anime-Liebhaber gesehen werden! 

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Ajin: Demi-Human – Clash!

Nachdem im Oktober 2019 die zweite Staffel der Anime-Serie My Hero Academia bei Kazé Anime zu Ende ging, mussten Fans auf die Fortsetzung bis Anfang August 2020 warten. Die erste Volume der dritten Season zeigt jedoch wunderbar, dass sich das Warten gelohnt hat.

My Hero Academia bleibt seiner Tradition treu und erzählt so auch in der mittlerweile dritten Staffel die Geschichte verschiedener Nachwuchshelden. Im Fokus dieser Erzählung steht der aufgeweckte Midoriya Izuku, der die Yūei-Oberschule besucht und dort zu einem Helden ausgebildet wird. Obwohl er zu Serienbeginn eigentlich über keine Spezialität verfügte, die ihn als Held klassifizieren würde, hat er sich in den letzten zwei Staffeln zu einem wahren Helden der Gerechtigkeit gemausert. Zu Beginn der dritten Season von My Hero Academia erklärt Izuku höchstpersönlich dem Zuschauer retrospektiv, dass er eines Tages zum größten Helden der Welt geworden ist. Verwunderlich ist das nicht, denn immerhin ist er die wichtige Schlüsselfigur der Anime-Serie. Inzwischen ist das erste Trimester an der Yūei-Oberschule abgeschlossen und die Freunde erholen sich in den Sommerferien. Zumindest so gut sie können, denn Izuku trainiert stattdessen hart für das bevorstehende Sommercamp. Außerdem haben die Helden von der Schulleitung die Anweisung bekommen, nicht für längere Zeit zu verreisen. Nach dem Sieg über den Heldenmörder Stain in der zweiten Staffel geht die dritte Season allerdings sehr gemächlich los, steigert sich anschließend aber von Episode zu Episode, denn schließlich ist das Sommercamp eine Vorbereitung zum Ausstellen der vorläufigen Superheldenlizenz.

Damals im Sommercamp

Unter anderem müssen sich Izuku, Todoroki Shōto und Co durch den so genannten Wald der magischen Bestien kämpfen. Das Trainingsprogramm wirkt übertrieben und zu hart, ist in Wahrheit sogar erst für das zweite Jahr der Oberschulzeit vorgesehen. Im Dickicht müssen sich die Helden von My Hero Academia mit üblen Monstern herumschlagen. Finden sie den Weg durchs Forst binnen drei Stunden nicht, so erhalten sie zu allem Überdruss auch kein Mittagessen. Das Sommercamp ist wahrhaftig kein Ort zum Erholen. Schon ab dem zweiten Tag müssen die Helden unabhängig voneinander Spezialtrainings absolvieren. Hier wird dem Zuschauer noch einmal sehr, sehr gut vor Augen geführt, wie abwechslungsreich das Charakterdesign ausfällt. Beispielsweise kann sich Ashido Mina mit Säure vor Angriffen schützen oder sich den Klauen ihrer Gegner entziehen. Uraraka Ochako wiederum kann mit ihrer Zero Gravity genannten Spezialität Gegenstände schwerelos machen. Horikoshi Kōhei, seines Zeichens Autor der Manga-Vorlage, war definitiv kreativ. Leben wird den Figuren aber vor allem durch die Synchronsprecher eingehaucht, die sowohl im Deutschen als auch im japanischen Originalton hervorragend zu den Charakteren passen. Akustisch gibt es ebenfalls wieder Musik auf die Ohren, die die hitzigen Gefechte und auch ruhigen Momente wunderbar unterlegt.

Überdrehtes Anime-Design

Optisch ähneln die Episoden der dritten Season den vorherigen beiden Staffeln. Sonderlich verwundern dürfte das aber nicht, denn nach wie vor ist das Animationsstudio Bones mit der Umsetzung der Manga-Reihe als Anime beauftragt. Das zum Teil ganz schön durchgeknallte Charakterdesign passt hervorragend zum überdrehten Setting der Serie und kommt in einer Auflösung von 1080p und im bildschirmfüllenden 16:9-Format ansehnlich zur Geltung. Im Rückblick auf die erste Season fällt auf, dass Anspielungen auf US-amerikanische Comics kaum bis gar nicht mehr vorhanden sind. My Hero Academia fühlt sich durchweg wie eine reine japanische Anime-Serie an. Das heißt, dass überzeichnetes Gestikulieren genauso dazugehört wie der wahnwitzige Humor, der vor allem auf die überdrehte Mimik bei den Figuren zurückzuführen ist. Wer auf Bonusmaterial gehofft hat, wird vermutlich nicht ganz glücklich sein. So bietet die erste Volume der dritten Staffel in digitaler Form lediglich ein Clean Opening und ein Clean Ending. Mehr Boni sind auf dem Datenträger nicht vorhanden. Laut Herstellerangaben auf der offiziellen Website gibt es auch keine physischen Materialien, über die sich der Käufer freuen darf. Das ist sehr schade, da sich Fans der Anime-Serie so fernab des Anschauens der fünf Episoden nicht mit My Hero Academia beschäftigen können. Ganz klar eine verpasste Chance!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): My Hero Academia setzt in der dritten Staffel mit einem ganz neuen Erzählstrang an. Das ist eine sehr gute Idee, denn so können sich auch Zuschauer schnell in die Story reinfuchsen, die die Geschehnisse der zweiten Staffel nicht mehr ganz so präsent auf dem Schirm haben. Auch wenn die Handlung in den ersten fünf Folgen der dritten Season gemächlich beginnt, steigt der Spannungsbogen mit jeder Episode leicht an. Ganz egal ob sich die Charaktere im Wald der magischen Bestien mit Monstern herumschlagen oder sich dem Spezialtraining widmen – da sich die Feinde mehr und mehr dem Camp annähern und schließlich auch in Erscheinung treten, wird es niemals langweilig. Zusammen mit dem markanten Stil der Anime-Serie, den abwechslungsreichen Fähigkeiten der Figuren und dem zeitlosen Setting ergibt sich im Staffelauftakt einmal mehr ein funktionierendes Gesamtbild. Lediglich beim Bonusmaterial sollte die nächste Volume aufholen, denn dieses wird den Zuschauer wohl kaum zufriedenstellen.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von My Hero Academia – 3. Staffel (Vol. 1)!

Nachdem der hiesige Publisher die Anime-Serie Saga of Tanya the Evil bereits im Jahr 2019 veröffentlicht hat, verschob sich das Erscheinungsdatum des Films auf von Februar auf Juni 2020. Saga of Tanya the Evil: The Movie führt die Handlung mit einer weiteren Schlacht fort.

Da die Anime-Serie aus dem Jahr 2017 relativ offen abgeschlossen ist, war es eigentlich nur eine Frage der Zeit, bis die spannende Geschichte fortgeführt werden würde. 2019 war es soweit – mit Saga of Tanya the Evil: The Movie schickt Animationsstudio Nut den titelgebenden Major in ein neues Abenteuer. Dieses knüpft wage an die Geschehnisse der Serie an, erzählt jedoch eine in sich geschlossene Handlung. Mittlerweile ist nach der Vereinigungszeitrechnung das Jahr 1926 angebrochen. In der Eröffnungssequenz erhält der Zuschauer einen Einblick in eine Schlacht, die auf dem Südkontinent stattfindet. Zusammen mit Willard König, Rainer Neumann, Matthäus Johann Weiss, Warren Grantz und Victoria Iwanowna muss Anführerin Tanya Degretschow erkennen, dass die Freie Republik die imperialen Streitkräfte in einen Hinterhalt gelockt hat. Mit vereinten Kräften gelingt es dem Major jedoch, das Lager des Feindes in Schutt und Asche zu legen. Kaum ist das 203. Magierbataillon von der Front in die imperiale Hauptstadt Berun zurückgekehrt, wird es auch schon zu einem neuen Auftrag ausgesandt. Hier spielt Saga of Tanya the Evil: The Movie geschickt mit diversen Szenen aus der Serie, denn auch in dieser wird Tanya immer wieder auf neue Missionen geschickt, obwohl sie sich am allerliebsten ganz aus dem ausufernden Krieg heraushalten möchte.

Es weht ein Wind aus dem Osten

Hauptsächlich dreht sich der Film um Tanyas neuen Auftrag, der sie weit in den eisigen Osten ins Föderationsgebiet schickt. Angeblich hat die Föderation dem Imperium den Krieg erklärt, worauf das 203. Magierbataillon eine Antwort formulieren soll. Tanya übertreibt es jedoch und beschließt, die Hauptstadt der Föderation anzugreifen. Da sich Mosko allerdings nicht zu verteidigen weiß, geraten die Dinge nach und nach aus dem Ruder, sodass der Kontinent immer mehr von Krieg überschattet wird. Genauso wie das imperiale Berun dem deutschen Berlin nachempfunden ist, entspricht Mosko als Hauptstadt der Föderation dem russischen Moskau. Optisch sind hier auch Merkmale wie der rote Platz zu erkennen. Damit nicht genug, gibt es auch weitere Anleihen an die Realität. Beispielsweise hat sich der Kommunismus in der Föderation erfolgreich durchgesetzt. Die „Genossen“ sind dabei an historische Persönlichkeiten angelehnt. Generalsekretär Josef, der zugleich der oberste Parteiführer ist, ist so niemand geringerem als Josef Wissarionowitsch Stalin nachempfunden. Saga of Tanya the Evil: The Movie spielt in vielen kleinen Details auf die reale Geschichtsschreibung an, bleibt aber immer bei der fiktionalen Kriegsdarstellung. Schade, dass es weder physisches noch digitales Bonusmaterial gibt, das auf die bewusst gewählten Unterschiede hinweist oder sie analysiert.

Starke Botschaft, schwache Bildqualität

In puncto Präsentation ist Saga of Tanya the Evil: The Movie ein zweischneidiges Schwert, denn in vielen Szenen lässt der Schärfegrad des Bildes zu wünschen übrig. An manchen Stellen sind es lediglich die Hintergründe, die äußerst verwaschen erscheinen. Im Rahmen von Gestaltungsmerkmalen ist das vielleicht keine Seltenheit, doch manchmal sind es selbst vordergründig dargestellte Charaktere, die viel zu unscharf wirken. Das ist vor allem bei der Blu-ray-Fassung mit ihrem HD-Bild äußerst unschön und stört durchgehend beim Zusehen des 94-minütigen Films, zumal diese Unsäuberlichkeiten immer mal wieder auftreten. Dafür sind die Effekte, insbesondere Rauchschwaden, die beispielsweise nach dem Beschuss auf Mosko auftreten, sehr atmosphärisch und werten das Bild damit etwas auf. Deutlich angenehmer ist die Akustik von Saga of Tanya the Evil: The Movie, denn wenn kreuz und quer geschossen wird, kommen die entsprechenden Soundeffekte gut zur Geltung. Diese tragen genauso zu der Kriegsatmosphäre bei wie die spärlich eingesetzte Musik, die die Dramatik ordentlich anheizt. Bei den Synchronsprechern wurde erneut auf die Sprecher der Serie zurückgegriffen. Tanya wird somit immer noch von Yūki Aoi respektive Mayke Dähn gesprochen. Fans der Serie müssen sich also auf keine neuen Stimmen einstellen, was positiv für das Werk spricht.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Die fiktionale Geschichtsschreibung von Saga of Tanya the Evil: The Movie funktioniert als Setting immer noch genauso gut wie in der Anime-Serie. Als Fortsetzung wirkt der Film jedoch wie vier aneinandergereihte Episoden, die an die Geschichte der Serie anknüpfen. Es gibt weder eine für einen Film übliche Exposition, noch arbeitet der Film für den Zuschauer sichtbar auf einen Höhepunkt hin. Das heißt aber nicht, dass Saga of Tanya the Evil: The Movie nicht spannend ist – ganz im Gegenteil! So werden die politischen beziehungsweise kommunistischen Verhältnisse in der Föderation angemessen erklärt und die Schlachten eindrucksvoll inszeniert. Das Grauen des Krieges wird dabei stets kritisch betrachtet, was insbesondere durch die gefährliche Mimik und Gestik von Tanya symbolisiert wird. Zusammen mit der tristen Farbgestaltung bleibt der Film stets sehr atmosphärisch. Durch das (erneut) offene Ende bleibt Fans aber nur zu hoffen, dass der Anime in Serien- oder Filmform eines Tages noch abgeschlossen wird. Wer sich darauf einstellt, kommt aber dennoch in den Genuss eines bedrückenden und spannenden Films.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Saga of Tanya the Evil: The Movie!

Im Dezember 2019 ging Detektiv Conan in die mittlerweile elfte Runde bei Publisher Kazé Anime. Dem Käufer erwarten in der elften Serienbox einige neue Fälle, ein paar verdächtige Schachzüge der ominösen schwarzen Organisation und sogar ein dramatischer Cliffhanger.

Ōsaka hält in der Anime-Serie Detektiv Conan immer mal wieder als Handlungsort her, wenn das Verbrechen in Japans Hauptstadt Tōkyō ruht. Den Auftakt der elften Serienbox markiert gleich ein Vierteiler, der die titelgebende Spürnase Conan respektive Kudō Shin’ichi in seiner geschrumpften Form, „Onkel“ Mōri Kogorō und dessen Tochter Ran in Ōsaka auf Trab hält. Shin’ichis Freund und Rivale Hattori Heiji unterstützt Conan und Kogorō dabei, zunächst einen Mord an einem Kendō-Turnierteilnehmer aufzulösen. Das Besondere an der vierteiligen Episode ist jedoch, dass es sich nicht um diesen einen Mord dreht, sondern die Handlung organisch mit anderen Fällen verknüpft ist. So trifft die Gruppe, die auch von Heijis Freundin Tōyama Kazuha begleitet wird, beim Besuch des Schlosses Ōsaka auf eine Gruppe Rollenspieler, die unter anderem die drei Reichseiniger des Landes, genauer gesagt Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi und Tokugawa Ieyasu mimen. Am Abend fällt plötzlich jemand aus der Gruppe brennend vom Schloss. Während Conan, Heiji und Kogorō rätseln, wer der Täter ist, entdecken Kazuhas Vater Ginshirō und Heijis Vater Heizō, dass eine Verbindung zu einem ihrer alten Fälle besteht. Diese Idee, eine Geschichte über mehrere Folgen zu ziehen und auch verschiedene Fälle zu kombinieren, ist echt genial und kommt genau zum richtigen Zeitpunkt.

Alte Gesichter, neue Fälle

Es gibt jedoch nicht nur ein Wiedersehen mit Heiji und Kazuha, denn auch Rans Mutter Kisaki Eri taucht in zwei aufeinanderfolgende Episoden auf. Diesmal darf der Zuschauer miterleben, wie sich die Anwältin vor Gericht schlägt. Das ist vor allem deshalb so spannend, da der einzige Mensch, der ihrem Klienten ein Alibi verpasst, ihr Noch-Ehemann Kogorō ist. Komplettiert wird das Trio der Rückkehrer mit Rans bester Freundin Suzuki Sonoko, die mit den Protagonisten am Wochenende vor dem Valentinstag in ein Berghotel fährt. Dort angelangt, wollen Ran und Sonoko ihren Liebsten ganz besondere Schokolade zubereiten. Die verschneite Idylle wird aber nicht nur mit der obligatorischen Lawine, die den einzigen Weg zum Hotel zuschüttet, zunichtegemacht. Es muss natürlich auch ein Mord an einem Journalisten geschehen. Um den Tathergang zu rekonstruieren, freundet sich Conan mit dem putzigen und kecken Hund Saburō an, der selbst sein Frauchen hinters Licht führt. In einer anderen Episode wird es hingegen gruselig, denn das dreiköpfige Team Conan, Kogorō und Ran sind zu Besuch im Apartmenthaus von Herrn Otonashi, in dem es angeblich spuken soll. Obwohl es die drei Figuren mal und mal weniger reizt, dem zunächst übernatürlichen Phänomen auf die Spur zu kommen, wird das Geheimnis plötzlich von einem vier Jahre alten Mordfall überschattet.

Durchtriebene Gedanken und übertriebene Ideen

Wer auch nur ein paar Episoden von Detektiv Conan gesehen hat, der weiß ganz genau, dass die Fälle der Anime-Serie meistens sehr konstruiert sind – und auch die elfte Volume ist nicht vor perfiden Mordkonstruktionen und durchtriebenen Mordgedanken gefeit. Ein Täter versucht zum Beispiel mit einem Backstein, den er über einem peu à peu schmelzenden Eisblock befestigt, sein Opfer in einer Bandewanne zu erschlagen, während er sich zum Todeszeitpunkt ganz woanders befindet. In diesem und weiteren Fällen ermitteln die Detective Boys, die somit ebenfalls reichlich Bildschirmzeit bekommen. Die eigentliche Rahmenhandlung von Detektiv Conan wird mit ein paar Informationen gefüttert – beispielsweise wird beiläufig erwähnt, dass die schwarze Organisation Akten von Fällen, an denen Kogorō beteiligt war, nach und nach aus dem Archiv entwendet und plötzlich und unerwartet wieder zurückgegeben hat. All das könnte auch mit dem Cliffhanger in der 307. Episode zu tun haben. Was in der Folge genau passiert, soll an dieser Stelle aber ein Geheimnis bleiben. Fakt ist jedoch, dass die vorliegenden 26 Episoden mit Ausnahme sehr weniger ermüdenden Momenten wieder einmal von Anfang bis Ende überzeugen. Der Zeitgeist des Jahres 2002 verleiht der Anime-Serie mit Videobändern, Fotofilmen, Röhrenmonitoren und Internet-Cafés zusätzlichen Retro-Charme.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 282 bis 307 der Serie): Detektiv Conan ruht sich in der elften Serienbox weiter auf den Lorbeeren aus. Soll heißen, dass es zwar Spaß macht, der kleinen Spürnase bei den Fällen zuzuschauen und mitzurätseln, wer den Mord begangen hat, doch bringt das die eigentliche Storyline keineswegs voran. So ist die schwarze Organisation nur am Rande ein Thema, wenn über verschwundene Akten geplaudert wird oder Rans verdächtige Englischlehrerin Jodie Saintemillion in Erscheinung tritt. So wird der Zuschauer weiter hingehalten und das wird er auch noch einige hundert Episoden lang. Wem das aber egal ist – und das sollte es auch – wird in 26 weiteren Folgen wunderbar unterhalten, da alle wichtigen Charaktere in irgendeiner Form auftreten, miteinander agieren und spannende Mord- und Entführungsfälle lösen. Das Grundkonzept funktioniert vor allem aufgrund der vielschichtigen Figuren weiterhin. Detektiv-Conan-Fans erwartet also einmal mehr eine grundsolide, aber vor allem gute Kost!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Detektiv Conan (Box 11, Episoden 282–307)!

Im Oktober 2018 veröffentlichte Kazé Anime die erste Realverfilmung von Tōkyō Ghoul. Fast genau zwei Jahre später reichte der Publisher im September 2020 den zweiten Teil, Tōkyō Ghoul S, nach. Wie schon der Vorgänger kann auch Tōkyō Ghoul mit seinen Facetten punkten.

Handlungstechnisch knüpft Tōkyō Ghoul S lose an die Geschehnisse des ersten Films an. Protagonist Kaneki Ken muss sich immer noch als Ghul in der Gesellschaft zurechtfinden und verstehen lernen, dass sich Ghule von Menschen ernähren, um zu überleben. Die meiste Zeit verbringt er im Café Anteiku. Dort trifft Ken eines Tages auf den ominösen Tsukiyama Shū, den Kens Freundin Kirishima Tōka sogar als den „gefährlichsten Ghul des 20. Bezirks“ in Tōkyō bezeichnet. Die Treffen zwischen den beiden häufen sich, sie freunden sich miteinander an. In Wahrheit schmeichelt sich Shū nur bei Ken ein, um ihn zu verführen und in eine Falle zu locken. Shū lädt ihn in ein Feinschmeckerlokal ein. Was zunächst nach einem gemütlichen Abend klingt, entwickelt sich für Ken von einer Sekunde auf die andere zum blanken Horror. Anstatt gemeinsam mit Shū zu speisen, wird er auf einmal von dessen Handlangern gepackt und kurz darauf auf einen Tisch gebunden. Da Ken wegen seines Hintergrunds ein Ghul ist, der nach Mensch riecht, ist er für die anwesenden Ghule eine regelrechte Delikatesse. Ob und wie Ken aus dieser Situation entkommen kann, soll an dieser Stelle erst einmal nicht weiter von Belang sein. Fest steht, dass sich die Handlung von Tōkyō Ghoul S weitgehend an Anime und Manga orientiert und dem Zuschauer damit ein schaurig-schönes Erlebnis liefert.

Umsetzung nah am Original

Regisseur Hagiwara Kentarō, der noch für den Dreh des ersten Films verantwortlich war, hat seinen Posten geräumt und ihn Kawasaki Takuya und Hiramaki Kazuhiko überlassen. Den beiden kreativen Köpfen ist die Umsetzung der Manga- und Anime-Vorlage aber ebenfalls geglückt, auch wenn natürlich nicht sämtliche Details im 101 Minuten umfassenden Werk Platz gefunden haben. Insbesondere der Spannungsbogen von Tōkyō Ghoul S, der sich nach und nach aufbaut, reißt den Zuschauer förmlich mit – und das sogar selbst dann, wenn er oder sie die Handlung bereits kennen und eigentlich keine großen Überraschungen erwarten dürften. Selbiges gilt auch für die Darsteller des Films, denn überwiegend wurde bei Tōkyō Ghoul S auf dieselben Schauspieler zurückgegriffen wie beim ersten Film aus dem Jahr 2017. In wichtigen Ausnahmefällen gibt es aber Unterscheide. Tōka wird im zweiten Teil beispielsweise von Yamamoto Maika und nicht mehr von Shimizu Fumika verkörpert, da sich letztere aus der Filmbranche inzwischen zurückgezogen hat. Kubota Masataka, der erneut die Rolle von Ken übernimmt, liefert im zweiten Teil der Reihe eine großartige Leistung ab. Wie im Anime stellt er ihn ruhig, zurückhaltend und naiv, dar. Leider gelingt Matsuda Shōta, der in Tōkyō Ghoul S den Antagonisten verkörpert, das nicht ganz so gut wie seinem Kollegen.

Sehenswerter Film für Fans der Vorlage

Bildtechnisch überzeugt der Film mit einem kristallklaren Bild, das weitgehend auf unnötige Spezialeffekte verzichtet. Diese zeigen leider auch nicht ganz, was bei Tōkyō Ghoul S möglich gewesen wäre. Stattdessen spielt der Film mit makaberen Kameratechniken. So reißt Shū einem seiner Opfer beispielsweise die Augen aus, die nächste Einstellung wird dann aus Sicht der Augen dargestellt. Splatter-Effekte gehören ebenfalls zur Inszenierung. So wirft Shū einen seiner Handlanger in einen Ventilator, der daraufhin in seine Einzelteile zerlegt wird. Bei der Kameraführung wäre jedoch wesentlich mehr möglich gewesen, denn diese ist meistens sehr unruhig. Akustisch punktet Tōkyō Ghoul S mit der passenden Musik, die die einzelnen Szenen mit einem bedrohlichen Unterton unterlegen. Die deutsche Synchronisation des Films geht in Ordnung, wesentlich atmosphärischer und vor allem authentischer ist allerdings der japanische Originalton. Als physischer Bonus liegt der Blu-ray-Fassung ein gefaltetes Poster bei, das das Filmcover zeigt. Ebenfalls bietet die normale Ausführung ein Wendecover, das ohne FSK-Logo auskommt. Digitale Boni fehlen bei Tōkyō Ghoul S vollständig. Wer gehofft hat, durch Interviews oder ähnliches Einblicke in die Produktion zu erhaschen, wird somit leider enttäuscht. Für Fans der Vorlage ist und bleibt der Film aber dennoch sehenswert!

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Tōkyō Ghoul S ist genauso wie der erste Teil der Filmreihe anschaulich. Da der Film allerdings in allen Punkten auf seinem Vorgänger aufbaut, kann und darf er nicht als alleinstehendes Werk betrachtet werden. Sehr viel Details können schlicht nicht erschlossen werden, wenn kein Wissen über die vorherige Geschichte vorhanden ist. Handlungstechnisch gibt es dann aber nichts zu bemängeln, da sich der Film genug Zeit nimmt, den Konflikt zwischen Protagonist und Antagonist zu inszenieren. Hinzu kommen viele makabere Details, die in einem Realfilm besser umgesetzt werden können, als es bei Anime und Manga der Fall ist. Tōkyō Ghoul S mag vielleicht nicht die besten Effekte, die gelungensten Kamerafahrten und auch schauspielerisch, insbesondere im Zusammenhang mit der deutschen Synchronisation, nicht immer überzeugen, doch ist der Film von Kawasaki Takuya und Hiramaki Kazuhiko immer noch eine Empfehlung für jeden Fan des Franchises, der von den Ghulen einfach nicht genug bekommen kann.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Tōkyō Ghoul S!

Kazé Anime blieb bei der Veröffentlichung der ersten vier Inuyasha-Serienboxen auf Blu-ray Disc durchweg konsequent bei der zweimonatigen Erscheinungsweise. Im Januar 2021 war es soweit und die vierte Volume der Anime-Serie machte die Blu-ray-Veröffentlichung komplett.

In der vierten Ausgabe der Anime-Serie Inuyasha, die 24 Episoden umfasst, ändert sich für die Charaktere um den titelgebenden Halbdämon einiges. Dabei wird zu Beginn der enthaltenen Folgen erst einmal der Kampf gegen Oberbösewicht Naraku zu einem vorläufigen Abschluss gebracht. Dieser hat es sich mittlerweile nicht nur mit Inuyasha, sondern auch dessen noch weitaus mächtigeren Bruder Sesshōmaru verscherzt, indem er dessen kleine Begleiterin Rin entführt hat. Inuyasha und Sesshōmaru müssen an einem Strang ziehen, denn der hinterhältige Naraku ist mit allen bösen Wassern gewaschen. Das Geschehen selbst spielt jedoch an zwei unterschiedlichen Handlungsorten, denn während Inuyasha und Sesshōmaru versuchen, Naraku ein für alle Male loszuwerden, versuchen Dämonenjägerin Sango, der buddhistische Mönch Miroku, der Fuchs-Yōkai Shippō und selbstverständlich auch die hilfsbereite Kagome, Sangos jüngeren Bruder Kohaku aus Narakus magischen Bann zu befreien. Dafür müssen sie es jedoch mit allerhand gefährlichen Yōkai aufnehmen. Wie genau der Kampf zwischen den Halbdämonen und die Rettungsaktion von Kohaku verläuft, soll an dieser Stelle aufgrund von Spoilern nicht näher ausgeführt werden. Fakt ist aber, dass Naraku bisher ein Machtvakuum gefüllt hat, an dem plötzlich so viele andere unterdrückte Yōkai ein reges Interesse zeigen.

Kleine und charakterbezogene Geschichten

Aufgrund dieses Umstands beschäftigen sich die meisten Episoden der Reihe mit abgeschlossenen Handlungsbögen, in denen einzelne Widersacher aus ihren Löchern kriechen und wie Naraku nach den gesammelten Seelensplittern von Inuyasha und Kagome trachten. Die Gruppe muss sich beispielsweise mit einem Wanderprediger herumschlagen, der große Angst vor Katzen hat. Ebenso infiltriert sie einen Palast, in dem ein riesiger Dämonenkopf sein Unwesen treibt. Auch einer Armee, die sich aus zahlreichen Tonsoldaten zusammensetzt, muss sich die Gruppe stellen. Diese Geschichten sind zwar kompakt, doch jedes Mal sehr gut erzählt, zumal nicht selten eines der Gruppenmitglieder im Mittelpunkt der jeweiligen Handlung steht. Unter anderem verfolgen die Gefährten einen Doppelgänger von Miroku, der nicht nur so aussieht wie der Mönch, sondern sich auch noch genauso verhält. Eine nicht weniger interessante Geschichte ist das Zusammentreffen von Miroku mit der Yuki-onna, die ihn mitten im Sommer während eines Schneesturms in ein heruntergekommenes Anwesen verschleppt. Auch Inuyashas verflossene Liebschaft Kikyō ist in mehreren Episoden zu sehen und kämpft sogar Seite an Seite mit ihrer Reinkarnation Kagome, um aus dem Magen eines riesigen Yōkai zu fliehen. In puncto Abwechslungsreichtum kann auch die vierte Volume auf ganzer Linie überzeugen.

Abflauende optische Qualität

Nichtsdestotrotz kommt bei dieser Spannung auch der typische Humor der Anime-Serie nicht zu kurz. In ein paar Episoden besucht Inuyasha Kagome in deren Gegenwart zuhause. Dabei gibt er Kagomes Bruder Sōta, der in eine Klassenkameradin verliebt ist, eine Handvoll wenig hilfreicher Tipps. Mit dem übereifrigen Hōjō muss sich Inuyasha zudem mit einem Mitschüler von Kagome messen, indem er eine Medizin für die angeschlagene Mittelschülerin findet. Am Ende der vierten Serienbox wird die Serie mit gleich sieben neuen Feinden am Horizont aber wieder ein ganzes Stück ernster. Wer Inuyasha Anfang der 2000er-Jahre im deutschsprachigen Fernsehen verfolgt hat, weiß genau, dass die Anime-Serie an diesem Punkt vorläufig abgebrochen. Ein Glück, dass die Serie 2018 und 2019 hierzulande beendet wurde. Andernfalls würde der Käufer nach Ansehen der 104. Episode einen bitteren Nachgeschmack erleiden. Im Gegensatz zu den drei vorherigen Serienboxen nimmt die Qualität der Animationen und der Hintergrundgrafiken in den späteren Folgen der Serienbox ein wenig ab. Zu häufig fällt die zu starke Trennung zwischen Charaktermodellen und Umgebungsgrafiken auf. Trotzdem gelingt es der Serie mit ihrem tollen Inhalt, den schönen Musikstücken und den interessanten Themen über diesen Umstand hinwegzutrösten. Eine Verbesserung der Optik ist aber wünschenswert.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Inhaltlich kann mich die vierte Serienbox von Inuyasha genauso wie die dritte Ausgabe überzeugen. Die Geschichte wird konsequent fortgeführt und bietet auf einmal erfrischend viel Raum für neue Charaktere und Antagonisten. So gut wie in jeder Episode wird eine bestimmte Figur in den Mittelpunkt der Handlung gerückt, was die Charakterisierung ordentlich vorantreibt. Ein Großteil der enthaltenen Folgen ist deshalb zwar in sich geschlossen, was ich aufgrund neuer Ziele am Horizont und dem keineswegs aufgegebenen Handlungsstrang im Hintergrund aber vollkommen akzeptiere. Da die zweite Hälfte der Serie schon vor einiger Zeit auf Blu-ray Disc erschienen ist, freue ich mich aber schon jetzt auf die Fortführung der Story. Weniger freut mich jedoch die geminderte Qualität von Animationen und Hintergrundgrafiken in den späteren Episoden der vorliegenden Volume. Hier fällt für mein Auge viel zu stark auf, dass Charaktermodelle und Umgebungen voneinander getrennt sind. Da bleibt mir nur zu hoffen, dass die Köpfe beim Animationsstudio Sunrise nur ausnahmsweise unter Zeitdruck standen und sich die Qualität in der nächsten Volume wieder einpendelt. Fans von Inuyasha dürfen aber so oder so zugreifen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Inuyasha (Box 4, Episoden 81–104)!

Nachdem Kazé Anime den ersten Teil der dreiteilige Filmreihe Ajin: Demi-Human bereits im Jahr 2019 auf die Fans losgelassen hat, verzögerte sich die Veröffentlichung der beiden anderen Filme ins darauffolgende Jahr. Das Mittelstück Ajin: Demi-Human – Collision erschien hierzulande schließlich im März 2020.

Am grundlegenden Szenario hat sich in Ajin: Demi-Human im zweiten Film nichts geändert. In der Welt der Filmreihe leben die so genannten Ajin, Halbmenschen, inmitten der japanischen Bevölkerung. Diese sind unsterblich – und weil sie nicht sterben können, werden sie von den Menschen gesellschaftlich ausgegrenzt. Der Rassismus sorgt ebenso dafür, dass die Ajin von der Polizei verfolgt werden, damit in Laboratorien Experimente an ihnen durchgeführt werden können. Diese leidvolle Erfahrung musste Hauptfigur Nakai Kei bereits im ersten Film der Trilogie machen. Kaum hat Kei durch Zufall erfahren, dass er selbst ein Ajin ist, wird er von der Regierung gefangen. Um das notgedrungene Versuchskaninchen Kei aus dem Labor zu befreien, hat der undurchsichtige Ajin Satō eine Rettungsmission initiiert. Satō wollte Kei von seinem Vorhaben überzeugen, was schließlich in einem Schlagabtausch zwischen beiden Ajin gipfelte und die Story von Ajin: Demi-Human regelrecht ins Rollen brachte. Collision führt die Ereignisse des ersten Films, Ajin: Demi-Human – Impulse, fort. Im Fokus steht nach wie vor der ehemalige Oberschüler Kei, der nach seiner Flucht vor dem durchtriebenen Satō und den Regierungsleuten in einem kleinen Dorf unterkommt, wo er von Yamanaka Hanae, einer älteren Dame, aufgenommen wird. Von dort aus verfolgt er gespannt die Fernsehnachrichten.

Wendungsreiche und verzahnte Handlungsstränge

An der grundlegenden Struktur von Ajin: Demi-Human hat sich in Collision nichts geändert. So ist die Story auch dieses Mal in mehrere Handlungsstränge aufgeteilt, die sich hier und da überschneiden. Unter anderem lernt Kei außerhalb des Dorfes den Ajin Nakano Kō kennen. Dieser ist einerseits vor dem recht hinterhältigen Satō und andererseits vor dem übereifrigen Ermittler Tosaki Yū geflohen, vor dem sich auch Kei verstecken muss. Damit Kō niemanden verraten kann, wo sich Kei versteckt hält, nimmt dieser den Flüchtling kurzerhand gefangen. Im Verlauf der Geschichte versucht Kō seinen selbst ernannten Gefängniswärter davon zu überzeugen, ihren gemeinsamen Gegenspieler Satō aufzuhalten. Dieser plant nach außen, die Menschen über die Machenschaften der Regierung erst friedvoll zu überzeugen, greift dann aber zu härteren Maßnahmen. Er will ein Land schaffen, in dem Ajin unbeschadet leben können. Deshalb plant er mit einer kleinen Gruppe von Ajin, den Pharmakonzern Grant anzugreifen und dabei ein Massaker anzurichten. Währenddessen versucht Tosaki mehr über Satō herauszufinden, der dem Radar des Gesetzes immer wieder entkommt. Da die Erfolge von Tosakis Arbeit ausbleiben, wird ihm der neu eingeführte Charakter Sokabe vorgesetzt. Dieser soll ihn kontrollieren und für ein höheres Ziel die Geschicke der Abteilung leiten.

Gelungene Filmfortsetzung nach bekannten Mustern

Bis zur letzten Minute von Collision bleibt es sowohl für die beteiligten Figuren als auch für den Zuschauer überaus spannend und unvorhersehbar. Animationsstudio Polygon Pictures ist es – basierend auf der Manga-Vorlage von Sakurai Gamon – gelungen, inhaltlich und inszenatorisch ein vielseitig faszinierendes Werk zu erschaffen. Dazu tragen auch die recht interessanten Entwicklungen der Charaktere bei, die alles andere als vorhersehbar sind, wodurch das düstere Szenario nicht nur in der Serie, sondern auch in der Filmumsetzung an Tiefe gewinnt. Unter technischen Gesichtspunkten bleibt die Filmreihe ihrem Debüt treu. Das heißt, dass sämtliche Szenen im dreidimensionalen Raum spielen, wodurch vor allem die Schusswechsel im großangelegten Finale vor Dynamik nur so strotzen. Auch der Einsatz von diffusem Licht, sei es aufgrund halb geschlossener Jalousien oder aufgewirbeltem Staub, ist – zusammen mit dem daraus resultierenden Spiel aus Licht und Schatten – einmal mehr das Markenzeichen. Lediglich die oft zu knapp bemessenen Animationen bleiben auch im 105 Minuten langen Collision hinter den Erwartungen zurück. Als digitales Bonusmaterial gibt es lediglich ein Clean Long Ending. Physische Boni gibt es laut Herstellerangaben übrigens nicht, was den Gesamteindruck des spannenden Films aber nur wenig schmälert.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nach dem spannenden Auftakt mit dem Film Ajin: Demi-Human – Impulse blieb die wichtige Frage offen, ob die auf der Anime-Serie basierende Filmreihe diese Qualität auch weiterhin halten kann, da ähnlichen Titeln nach der grandios inszenierten Einführung gerne mal die Puste ausgeht. Im Falle des zweiten Teils, Ajin: Demi-Human – Collision, wird nicht nur die Qualität des Debüts erreicht, sondern sogar noch übertroffen. Das liegt einerseits an der verzahnten Erzähltechnik, in der verschiedene Handlungsstränge miteinander verknüpft werden, und andererseits an der unvorhersehbaren Charakterentwicklung. In jeder einzelnen Minute bleibt es für den Zuschauer spannend, da in so gut wie jeder Szene neue Informationen dazu beitragen, die Aufregung aufrechtzuerhalten. Auch die technische Gestaltung von Collision weiß mit den Effekten und der Inszenierung im dreidimensionalen Raum zu überzeugen. Dennoch können die stotternden Animationen gerne mal aus der dichten Atmosphäre herausreißen. Nach dem furiosen Finale bleibt zu hoffen, dass der letzte Teil der Trilogie die Geschichte genauso grandios zu einem Abschluss bringt. 

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Ajin: Demi-Human – Collision!

Nachdem Kazé Anime bereits die ersten acht Dragon-Ball-Z-Filme in zwei separaten Boxen veröffentlicht hat, folgte im Februar 2021 die dritte Blu-ray-Umsetzung der Reihe. Hierbei gibt es einen kleinen, aber feinen Unterschied zur ursprünglichen DVD-Veröffentlichung.

Beim ersten der fünf in dieser Blu-ray-Box enthaltenen Werke handelt es sich um den Film Super-Saiyajin Son Gohan. Der Multimillionär Excess Money veranstaltet ein Turnier der Kampfkünste für seinen Sohn Dollar. Son Gohan und Co lassen es sich keineswegs nehmen, ihre Kräfte unter Beweis zu stellen. Der Sieger soll zudem die Möglichkeit erhalten, gegen Misutā Satan anzutreten. Dass sich die Freunde darauf nicht sonderlich freuen, dürfte Fans unlängst klar sein, da Misutā Satan ihnen alles anderes als gewachsen ist. In Super-Saiyajin Son Gohan wird das Turnier zudem nach anderen Regeln ausgefochten, wie beispielsweise beim großen Kampfsportturnier aus der Anime-Serie. Die vier Kämpfer, die am Ende noch auf den Beinen stehen, dürfen ihr Können nicht in zwei Halbfinalrunden demonstrieren. Es ist ihre Aufgabe, in unterschiedlichen Arenen jeweils einen Schüler von Misutā Satan zu besiegen und anschließend als erstes wieder aus dem Gebiet zurückzukehren. In der Öffentlichkeit behauptet Excess Money jedoch, dass es sich hierbei um Außerirdische handelt. Allerdings ist es echten Außerirdischen gelungen, unbemerkt auf dem Planeten zu landen. Für Bōjakku, ihren Meister, der sich dank der Zerstörung von Meister Kaiōs Planeten befreien konnte, wollen die Aliens die Erde erobern. Damit Gohan gegen die Kämpfer gewachsen ist, erhält er im 50-minütigen Film zusätzlich tatkräftige Unterstützung vom verstorbenen Son Gokū.

Wiedersehen macht keine Freude

Ebenfalls Platz auf der ersten von zwei Blu-ray Discs haben der zehnte und elfte Film der Reihe. Im zehnten Film, Brolys Rückkehr, haben sich Son Goten, Torankusu und Bīderu auf die Suche nach den Dragon Balls gemacht. Auf ihrer Suche landen sie in einem Dorf, in dem alle Bewohner fürchterliche Angst vor einem Monster haben. Sie willigen ein, den Leuten zu helfen und besiegen den Dinosaurier mit links, doch am nächsten Tag wird ihre Kampfkraft auf die Probe gestellt. Der von Gokū besiegte legendäre Super-Saiyajin Burorī ist auf der Erde gelandet und sinnt auf Rache. Burorī hat aber nicht bedacht, dass Gokū mittlerweile verschieden ist. Jetzt liegt es einzig und allein an der geballten Kraft der Familie, um den wahnsinnigen Burorī im 52 Minuten langen Film aufzuhalten. Im elften und 47 Minuten umfassenden Film, Angriff der Bio-Kämpfer, gibt es kurz darauf auch schon das nächste Wiedersehen mit Burorī. Eigentlich ist dieses Treffen nur zufällig durch eine bestimmte Situation gegeben, denn Misutā Satan hat C18 immer noch nicht das Preisgeld des Turniers ausgezahlt, bei dem sie ihn hat gewinnen lassen. Als dann plötzlich eine Einladung zum Kampf ins Haus flattert, entschließt sich Misutā Satan gegen seinen früheren Konkurrenten Jagā anzutreten. C18 folgt ihm ebenso wie Goten und Torankusu. Gemeinsam müssen sie entdecken, dass einer von Jagās Wissenschaftlern einen Klon von Burorī gezüchtet hat. Der Kampf scheint aussichtslos und noch dazu läuft eine mysteriöse Flüssigkeit unentwegt aus einem Behälter aus, die bei Berührung das Erbmaterial eines jeden lebenden Organismus in sich aufsaugt.

Doppelt hält besser

Auf dem zweiten Datenträger wurde die Zählung der Filme bei der erneuten Veröffentlichung und der ersten Veröffentlichung auf Blu-ray Disc der japanischen Zählung angeglichen. Die Filme Fusion und Drachenfaust liegen hier als Originalversion mit Untertiteln vor. Dennoch hat es auch die deutsche Kinofassung, die aus dem zwölften und dreizehnten Film besteht, als Extra ins Paket geschafft, die aber nach wie vor nur in einer geschnittenen Fassung vorliegt. Im 51-minütigen Film Fusion explodiert die Seelenreinigungsmaschine im Jenseits, wodurch nicht nur auf einmal die Toten auf der Erdoberfläche wandeln und für Chaos sorgen. Auch im Jenseits offenbart sich ein neuer Feind für den dort hart trainierenden Gokū. Als sich dieser bei einem Turnier mit Paikūhan einen Schlagabtausch liefert, erfahren die beiden Kämpfer von der Tragödie. Beim Ort des Geschehens angelangt, kümmert sich Paikūhan darum, den Herrn der Unterwelt aus einer magischen Barriere zu befreien und Gokū misst sich mit dem gefährlichen Janenba. Als dann auch noch Bejīta erscheint, schlägt Gokū eine Fusion vor, um den fast unbesiegbaren Gegner zur Strecke zu bringen. Obwohl sich Bejīta erst weigert, willigt dieser am Ende dennoch ein, um den Frieden im Jenseits und auf der Erde zu bewahren. Auf der Erde ist die Lage zwar nicht ganz so dramatisch und bei Weitem nicht so gefährlich, doch auch hier nutzen Goten und Torankusu die Möglichkeit und fusionieren sich zu einem einzelnen Individuum, um die Zombiewelle wieder zurück ins Jenseits zu befördern.

Geschnittene deutsche Fassung

Im dreizehnten Film, Drachenfaust, retten Gohan und Bīderu einen alten Kauz, der sich wohl umbringen möchte. Dies entpuppt sich allerdings schon bald als Finte, denn der Herr will die beiden eigentlich nur darum bitten, die Dragon Balls zu suchen. Von Shenron sollen diese den Wunsch äußern, dass der Drache eine Spieldose öffnen möchte, in der ein großer Krieger auf seine Rettung wartet. Der Held erscheint zwar, doch ist dieser alles andere als dankbar. In Tapion, so der Name des Kämpfers, ist ein Dämon gefangen, der sich immer wieder aufs Neue befreien will und nicht nur die Erde, sondern das ganze Universum zerstören will. Das müssen Gohan und Co im 52-minütigen Film selbstverständlich verhindern und dabei auch noch ihren neu gewonnenen Freund Tapion von seinem Fluch befreien. Während die beiden Originalversionen ungeschnitten sind, ist dies nicht beim deutschen Zusammenschnitt der Fall, der ebenfalls auf der zweiten Blu-ray Disc als Extra zu finden ist. Die Schnitte beziehen sich lediglich auf ein paar Minuten. Grundsätzlich sind sie nicht für das Verständnis der Story wichtig. Stattdessen sind sie vielmehr unverständlich. In Fusion kehrt mit den Untoten auch ein gewisser Diktator zurück. Es wird zwar an keiner Stelle direkt von Adolf Hitler gesprochen, doch ist die Ähnlichkeit nicht zu leugnen. Scheitel, Bart, Haltung und Kleidung erinnern uns an ihn, doch sind die Szenen, in welcher der Diktator auftritt, als Parodie und keinesfalls als Propaganda zu bezeichnen. Hakenkreuze wichen auch im Original einer anderen Symbolik.

Unangetastet gebliebenes Tonformat

Jüngere Zuschauer werden den Diktator kaum kennen und keine direkten Zusammenhänge bilden können. Ältere Semester regt diese Szene eher zum Schmunzeln an. Das Auftauchen der Person wirkt trotzdem ein wenig unpassend im Dragon-Ball-Universum. In Drachenfaust sind weniger Szenen geschnitten, doch wir wissen nicht, was an einem betrunkenen Muten Rōshi schlimm sein soll, wenn er in der Serie kaum davor zurückschreckt, dem einen oder anderen Mädchen nachzustellen. Die damaligen Köpfe hinter der deutschsprachigen Version des Films haben schlichtweg eine witzige Stelle entfernt. Der Zusammenschnitt der beiden Filme ist 99 Minuten lang. Damit fehlen circa vier Minuten der Originalfassung. So kommen wir, bei Beachtung der ungeschnittenen Filme, auf eine ungefähre Laufzeit von circa 252 Minuten. Wem die deutsche Fassung wichtig ist, kommt immerhin 248 Minuten geballte Dragon-Ball-Action, was sich mit der Angabe von 249 Minuten auf der Verpackung deckt – und wer sich beide Varianten anschauen möchte, kommt auf eine deutlich längere Laufzeit. Auch wenn der Eindruck auch auf Blu-ray Disc hochwertig ist, täuscht dies nicht darüber hinweg, dass es bei der Wiederveröffentlichung technisch möglich gewesen wäre, schlicht die deutsche Synchronisation zu nehmen und über bestimmte Szenen der japanischen Fassung zu verteilen. Die ungeschnittenen Szenen hätten auf Japanisch bleiben oder vielleicht sogar neu synchronisiert werden können, wofür der Aufwand vermutlich zu groß gewesen wäre. Am Tonformat hat sich ebenso nichts geändert. Dieses liegt durchweg in Dolby Digital 2.0 vor.

Zwei Songs in der deutschen Version

Bei den Synchronsprechern wurden keine Versuche durchgeführt. Fans freuen sich über die Sprecher aus der Anime-Serie, wie sie zu Beginn der 2000er-Jahre ins Deutsche übersetzt wurde. Kenner des japanischen Originals und vor allem jenen, die des Japanischen mächtig sind, wird es abermals stören, dass deutsche Untertitel und nur bei laufender japanischer Tonspur sichtbar und nicht abstellbar sind. Besonders bei der zweiten Neuveröffentlichung ist das mehr als ärgerlich. Erfreulicherweise liegen alle Filme im 16:9-Bildformat vor und können mit einem kristallklaren HD-Bild punkten. Das betrifft sogar auch die deutsche Kinofassung, die bei der letzten DVD-Veröffentlichung im Jahr 2012 noch für Stirnrunzeln sorgte. Es gibt auch kein Knistern in der Tonspur mehr, sodass Tommy Morgensterns Stimme für Gokū auch genauso klingt. Wer im Übrigen auf Songs zum Mitsummen hofft, wird nur bei der japanischen Version glücklich. Bei der deutschen Version sind nur instrumentale Melodien zu vernehmen. Immerhin gibt es bei der deutschen Kinofassung der letzten beiden Filme dieser Box zwei auf Deutsch gesungene Lieder zu hören, bei der regelrecht nostalgische Gefühle aufkommen. Abschließend bleibt zu sagen, dass Dragon-Ball-Fans auch mit den fünf enthaltenen Filmen gute Abendunterhaltung finden werden – und dass obwohl die Story hin und wieder auf der Strecke bleibt, anstatt das Geschehen über diese voranzutreiben. Dennoch weiß die Box mit den fünf Filmen zu gefallen. Da bleibt nur zu hoffen, dass Kazé Anime für Sammler auch die weiteren Werke eines Tages noch gebündelt in einer Ausgabe veröffentlichen wird.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray- und DVD-Fassung): Grundsätzlich würde ich mich mehr als Fan der Handlung der traditionellen Anime-Serie bezeichnen, doch auch die gerafften Kämpfe in den Dragon-Ball-Z-Filmen können mich für die eine oder andere Stunde an den Bildschirm locken. Nachdem ich vor fast einem Jahrzehnt schon die DVD-Fassung konsumiert habe, konnte ich die Filme auch auf Blu-ray noch einmal regelrecht verschlingen. Alle Charaktere verfügen über ihre Persönlichkeit aus der Anime-Serie und treiben die Handlung, wenn auch nur wenig, stetig voran. Besonders die in die ernste Story eingebauten lockeren Dialoge oder Aktionen gefallen mir erneut und sind immer wieder für den einen oder anderen Lacher gut. Wenn Torankusu auf der Flucht vor Burorī ist, von diesem gepackt und über ihn gehalten wird und Torankusu daraufhin plötzlich Wasser lassen muss, ist das für mich unglaublich komisch, weil es einfach so gut zu Dragon Ball passt. Begeistert bin ich auch von der technischen Gestaltung der Blu-ray-Fassung, nachdem die DVD-Ausgabe von 2012 hier noch zu wünschen übrig ließ. Schade ist nur, dass die deutsche Kinofassung der letzten beiden Filme immer noch geschnitten ist. Es wäre problemlos möglich gewesen, die geschnittenen Szenen aus der japanischen Version zu nehmen und die Stellen zumindest untertitelt einzubinden. Nichtsdestotrotz kann jeder Fan der Filme die DVD-Fassung endlich in Rente schicken. Tōei Animation ist mit der HD-Version eine echte Meisterleistung geglückt.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Dragon Ball Z: Movies 9–13!

Nachdem Kazé Anime im Mai 2020 den ersten Compilation Movie veröffentlicht hatte, folgte im Juni auch schon der zweite Film, Kabaneri of the Iron Fortress: Compilation Movie 2 – Loderndes Feuer, der die zweite Serienhälfte in Filmform zu einem wohligen Ende führt.

Kabaneri of the Iron Fortress: Compilation Movie 2 – Loderndes Feuer knüpft nahtlos an die Geschehnisse von Kabaneri of the Iron Fortress: Compilation Movie 1 – Sich sammelndes Licht an. Beide Filme teilen sich die Handlung der Anime-Serie auf. Im Rahmen der Story werden im zweiten Teil neue Charaktere eingeführt, die von maßgeblicher Bedeutung sind. Prinzessin Yomogawa Ayame und der Rest der Gruppe treffen endlich im Bahnhof Iwato ein. Dieser Ort gilt als letzte Festung von Kongokaku, dem Sitz des Shōguns. Um Durchlass zu erhalten, kommt es zu einer Unterredung zwischen Ayame und Fürst Maeda. Im Gegensatz zur Gruppe der Überlebenden aus Aragane darf der Bund der Jäger auf Geheiß des Shōguns jedoch  nicht passieren, weshalb es zum Bruch zwischen den Gefährten kommt. Das heißt auch, dass Ikoma und die anderen Überlebenden Abschied von Mumei nehmen müssen, deren Bruder Amatori Biba der Anführer des Bundes der Jäger ist. In wenigen Minuten überschlagen sich die Ereignisse in Loderndes Feuer. So lässt Mumei, instrumentalisiert durch ihren Bruder, die Zugbrücke nach Iwato hinab, wodurch die Jäger eine große Gruppe Kabane in die Stadt führen können. Biba hat es indessen auf Maeda abgesehen. Zudem gelingt es ihm, die Prinzessin gefangen zu nehmen, während die Kabane in den Straßen von Iwato ein Blutbad anrichten.

Darwinist als Antagonist

Der Schrecken von Aragane scheint sich zu wiederholen, was zu weiteren unerwarteten Wendungen führt. Wie schon in der dritten und letzten Volume von Kabaneri of the Iron Fortress nimmt Mumeis Bruder Biba eine tragende Rolle ein. Aus vermeintlicher Rachsucht gegenüber dem Herrscher Japans entledigt er sich jedem seiner selbst auserkorenen Feinde, benutzt seine Schwester für seine finsteren Absichten und verwandelt sogar seine Mitstreiterin Horobi in einen schwarzen Rauch , um seinen Plan in die Tat umzusetzen. Was ihn wirklich antreibt, bleibt zeitweilig im Hintergrund und sollte der Zuschauer am besten selbst in Erfahrung bringen. Wichtig ist nur, dass er durch und durch als Darwinist charakterisiert wird, in dessen perfektem Weltbild nur die Starken überleben und die Schwachen keinen Platz haben. Damit entwertet er wie die Antagonisten in der Fernsehserie The Walking Dead die eigentliche Bedrohung durch die Untoten und zeigt, dass die sehr viel höhere Gefahr von den Menschen beziehungsweise dem Verfall der Gesellschaft ausgeht. Aus keinem anderen Grund gibt es im zweiten Film auch den einen oder anderen Tod von bekannten Figuren, um das wahre Übel auf eine neue Ebene zu hieven und den Verlust von Freunden für Ikoma und die anderen Charaktere sehr viel bedeutender zu machen als es im ersten Film von Kabaneri of the Iron Fortress mit eher ersetzbaren Randfiguren der Fall war.

Ende der Reise

Auf diese Art und Weise gelingt es Regisseur Araki Tetsurō eine spannende, emotionale und vor allem dicht erzählte Handlung zu schildern. Es gibt keine unnötigen Szenen, sodass eine Wendung auf die andere folgen kann, ohne dass dabei Ermüdungserscheinungen auftreten. Neben der Dramaturgie kommt in Loderndes Feuer aber auch Action nicht zu knapp, bei der der Regisseur auch mit verschiedenen Ideen spielt. Beispielsweise ertönen im Hintergrund Schreie und Gewehrschüsse, was das Geschehen eindrucksvoll bereichert. Studio Wit hat sich zudem ein weiteres Mal an Rollenspielen orientiert. Unter anderem ist Bibas Klinge offensichtlich von der Gunblade aus Final Fantasy VIII inspiriert. Ansonsten zeigt der Film sein gewohntes Bild, das wie schon in der Serie mit detaillierten Charakteren, flüssigen Animationen und wunderschönen Lichteffekten ausstaffiert ist. Mit der jederzeit passenden und gelungenen Musik von Komponist Suwano Hiroyuki ergibt sich ein stimmungsvolles Gesamtbild, das jeden Anime-Liebhaber verzaubert. Boni gibt es sowohl in digitaler als auch in physischer Form beim zweiten Film nicht, vom Wendecover mal abgesehen. Das ist sehr schade, da gerade die Umwandlung von der Serie zum Film inklusive dem Selektieren der einzelnen Szenen sicherlich sehr interessant gewesen wäre. Wie schon beim ersten Film lässt sich sagen, dass Kabaneri of the Iron Fortress nicht nur als Serie funktioniert und selbst in Filmform noch lange im Gedächtnis bleiben wird.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Selten gibt es Anime, die wirklich von der ersten bis zur letzten Minuten überzeugen können. Auf Kabaneri of the Iron Fortress trifft das sowohl in Serien- als auch in Filmform zu. Wie aus dem Nichts kommend, überzeugt der zweite Film, der das Ende der Serienhandlung umfasst, mit seiner erwachsenen als auch intelligenten Erzählweise, den vielschichtigen Charakteren, zahlreichen Wendungen und der grandios inszenierten Action. In jeder Szene gelingt es Regisseur Araki Tetsurō, die Messlatte mit spannenden Ideen in die Höhe zu treiben. Kabaneri of the Iron Fortress übertrifft sich ständig selbst – und das ist etwas, was in dieser Form nur wenige andere Anime schaffen. Zusammen mit dem japanischen Steampunk-Setting ergibt sich so ein vortreffliches Gesamtbild, das ein jeder Anime-Liebhaber unbedingt selbst einmal von Anfang bis Ende gesehen haben muss!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Kabaneri of the Iron Fortress: Compilation Movie 2 – Loderndes Feuer!

Mit der im Oktober 2019 veröffentlichten zehnten Serienbox zur Anime-Serie Detektiv Conan schickt Kazé Anime den kleinen Ermittler in neue Abenteuer. Diese sind zumindest teilweise lose miteinander verzahnt, treiben die eigentliche Geschichte aber so gut wie nicht voran.

Wie schon bei der neunten Volume von der Anime-Serie Detektiv Conan gibt es auch bei der zehnten Ausgabe keinen Cliffhanger, der zu Beginn aufgelöst werden muss. Obwohl das den Spannungsbogen sicherlich ein wenig gedehnt hätte, macht das aber nichts, denn die insgesamt 27 enthaltenen Folgen erzählen auch so mitreißende Geschichten. An der eigentlichen Grundthematik hat sich in der zehnten Serienbox natürlich nichts verändert. Kudō Shin’ichi ist nach wie vor in der geschrumpften Gestalt eines Kindes unter seinem Decknamen Edogawa Conan unterwegs, ohne dabei den scharfen Verstand seines siebzehnjährigen Ichs zu verlieren. Unterschlupf hat er bei seiner Freundin Mōri Ran und deren Vater Kogorō gefunden. Da Kogorō wie Shin’ichi ebenfalls ein Detektiv ist, macht sich Rans große Liebe das ebenfalls zunutze und löst stellvertretend somit munter einen Mordfall nach dem anderen. Die einzelnen Geschichten finden in der zehnten Ausgabe von Detektiv Conan zudem eher selten in Japans Hauptstadt Tōkyō statt, sodass mit verhältnismäßig exotischen Handlungsorten wie dem weißen Strand von Shirahama in der Präfektur Wakayama, der idyllischen Burg Matsue mit ihrem Bambuswald in der Präfektur Shimane, der fiktiven Okusu-Ranch, einer Fahrt im Shinkansen oder dem Großstadtdschungel von Ōsaka reichlich Abwechslung vorhanden ist.

Verbrechen in allen Gesellschaftsschichten

Bei den zahlreichen Fällen kommen selbstverständlich wieder viele verschiedene Charaktere zum Tragen, die aus unterschiedlichen Beweggründen Verbrechen begehen, vielleicht nur in Versuchung geraten oder sogar selbst zum Opfer einer Straftat werden. Die dargestellten Figuren kommen aus allen Gesellschaftsschichten und sind facettenreich charakterisiert. Beispielsweise wird in einem Restaurant in Ōsaka der Reporter Ed McKay mit einem Pistolenschuss ermordet. Unter Mordverdacht fallen drei Sportler, unter denen sich – wie es der Zufall so will – auch Shin’ichis Fußballspieleridol Ray Curtis befindet. An anderer Stelle von Detektiv Conan wird Kogorō aufs Land beordert, damit er das Rätsel um einen verschlossenen Aktenkoffer lösen kann. Ulkigerweise taucht nur wenige Stunden vorher ein Doppelgänger von Herrn Mori auf, der zu allem Übel auch noch tot in seinem Hotelzimmer aufgefunden wird. In der Serie bleiben selbst die unscheinbarsten Figuren nicht verschont und nicht selten fallen die Verbrechen äußerst mysteriös aus. Beispielsweise wird in der 276. Episode ein vermeintlicher Dieb, der den Opferkasten eines recht kleinen Schreins plündern will, während eines Erdbebens offenbar von einer herunterfallenden Glocke getroffen. Außerdem wird die Person beschuldigt, vorher jemanden ausgeraubt zu haben. Vom Geld fehlt bis dahin aber jede Spur.

Synchronsprecherwechsel

Während inhaltlich weitgehend alles beim Alten bleibt, gibt es in technischer Hinsicht in den Episoden aus dem Jahr 2001, die hierzulande erstmals 2006 im Fernsehen ausgestrahlt worden sind, kleine Änderungen zu spüren. Sämtliche Folgen liegen im 4:3-Bildformat vor, wirken unter farblichen Gesichtspunkten gefühlt jedoch etwas kräftiger. Am ehesten sticht aber das markante Charakterdesign hervor, was die Vielfältigkeit ihres Schöpfers Aoyama Gosho auszeichnet. In puncto Soundtrack gibt es nach wie vor dieselben Ohrwürmer zu hören, womit die prägnanten Melodien jede Szene wunderbar unterlegen. Änderungen gibt es in den Episoden der zehnten Serienbox von Detektiv Conan aber vor allem bei zwei deutschen Synchronsprechern. Professor Agasa Hiroshi wird beispielsweise nicht länger vom 2006 verstorbenen Wolfgang Thal, sondern von Rüdiger Evers vertont. Charles Rettinghaus wird hingegen von Michael Iwannek abgelöst, sodass sich auch Fans von Kojima Genta auf eine Umstellung gefasst machen müssen. Es sei aber gesagt, dass die Umgewöhnung nicht wirklich schwer fällt, da die neuen Sprecher wirklich gut zu ihren zugeteilten Rollen passen. Auf den japanischen Originalton wurde abermals verzichtet. Im Rahmen des Bonusmaterials kommen Fans der kleinen Spürnase aber immerhin in den Genuss eines schön gestalteten Episodenguides.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf den Episoden 255 bis 281 der Serie): Detektiv Conan erzählt in der zehnten Serienbox viele kleine Geschichten, die teilweise miteinander verzahnt sind, aber den Blick auf das große Ganze verlieren. So werden die Männer in Schwarz mit keinem Wort erwähnt und es taucht nur eine neue Figur auf, die noch wichtig werden kann. Das ist schon ein wenig schade, da sich die Anime-Serie so zu sehr in Nebensächlichkeiten verliert. Unterm Strich ist das aber nicht so schlimm, wie es sich anhört, denn die enthaltenen Mordfälle sind spannend inszeniert und es macht jederzeit sehr viel Spaß, mitzurätseln, wer denn nun schon wieder der Täter sein soll. Dadurch, dass die Charaktere sowohl von ihrer Persönlichkeit und ihrem Aussehen facettenreich gestaltet sind, ist das auch nach fast dreihundert Episoden immer wieder erfrischend. Manga-Autor Aoyama Gosho versteht sein Handwerk, das genauso gut in der Anime-Serie an den Zuschauer vermittelt werden kann. Detektiv-Conan-Fans dürfen also auch dieses Mal ohne große Bedenken zuschlagen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Detektiv Conan (Box 10, Episoden 255–281)!

Im August 2020 veröffentlichte der hiesige Publisher Kazé Anime die achte und letzte Volume der Serie Tōkyō Ghoul:re. Die drei Episoden umfassende Volume erzählt die Story zu Ende: Zwar nicht perfekt, aber sehr viel besser als vor dem Ansehen erwartet werden könnte.

Mit der siebten Volume von Tōkyō Ghoul:re wurde die Geschichte auf die Spitze getrieben. In den meisten Fällen ist es grundsätzlich zwar eine schöne Sache, wenn die Handlung endlich Fahrt aufnimmt, doch in Tōkyō Ghoul:re sorgte eine Entscheidung für Kopfzerbrechen. Damit ist die Verwandlung von Kaneki Ken in einen Drachen gemeint, womit die Serie überraschend um einen Kaijū-Anteil bereichert wurde. Was bodenständig begann, ist in der achten Ausgabe fast nicht mehr greifbar. Interessant ist in diesem Zusammenhang jedoch, wie intelligent die 22. und damit erste Folge des achten Episodenpakets den Spagat zum Serienauftakt hinlegt. So unterhält sich Ken in seinen Gedanken mit Kamishiro Rize, die grundsätzlich der Auslöser für die ganze Misere war. Kurz darauf erfährt der Zuschauer, dass sich die Ermittler und die Ghule zusammengeschlossen haben, um Japans bereits in Mitleidenschaft gezogene Hauptstadt vor dem endgültigen Kollaps zu retten. Nicht weniger steht im Mittelpunkt der drei Episoden der achten Volume. Das ist durchaus spannend, was vor allem daran liegt, dass die Serie im Finale endlich auf ein Ende hinarbeitet und daher nicht mehr ganz so kompliziert ist, wie die vorherigen Folgen. Das ist überraschend, da nach den bisherigen Entwicklungen kaum damit zu rechnen war. Fans bekommen so zumindest den wohlverdienten Abschluss.

Gelungen eingefangene Grundstimmung

Inszenatorisch bietet das große Schlusskapitel von Tōkyō Ghoul:re nicht mehr und auch nicht weniger als die vorherigen drei Volumes der zweiten Staffel. Animationsstudio Pierrot legt viel Wert darauf, dass Charaktermodelle und Hintergründe farblich gut zueinander passen. In der 22. Episode ist das vor allem während eines Dialogs zwischen Ken und seinem Beschützer Nagachika Hideyoshi zu erkennen. Während ihre dunkle Kleidung mit den zerstörten Häusern im Hintergrund verschmilzt, passen ihre hellen Haarfarben hervorragend zum hintergründigen Abendrot. Die düstere Grundstimmung ergäbe mit den schicken Licht- und Schatteneffekten in den meisten Fällen ein stimmiges Gesamtbild, wären da nicht die halbgaren Animationen der Charaktere. Hier hat Pierrot am falschen Ende gespart, denn ein actionreicher Anime wie Tōkyō Ghoul:re sollte insbesondere im bildschirmfüllenden 16:9-Format bei einer Auflösung von 1080p deutlich bewegungsreicher sein. Das genaue Gegenteil stellt auch im Schlussakt die Akustik dar, denn diese überzeugt stets mit den genau richtigen Klängen. In prägnanten Szenen wird sogar auf Musik verzichtet, sodass Soundeffekte wie Windgeräusche bei der atmosphärische Begleitung im Tonformat DTS-HD Master Audio 2.0 herausstechen. Auch wenn die deutschen Stimmen zu den Figuren passen, wirkt das Japanische authentischer.

Letztmalig dünnes Bonusmaterial

Nach den letzten beiden Veröffentlichungen der Anime-Serie ist es nicht verwunderlich, dass Kazé Anime auch bei der achten und damit letzten Ausgabe von Tōkyō Ghoul:re auf digitale Boni verzichtet hat. Das ist sehr schade, denn ein Einblick in die Gestaltung der Serie hätten dem Zuschauer vielleicht ein paar Fragen beantwortet, denn besonders die zweite Season von Tōkyō Ghoul:re fühlte sich nur suboptimal umgesetzt an. Stattdessen muss der Käufer mit einem erneut nur achtseitigen Booklet Vorlieb nehmen. Dieses bietet den exakt gleichen Aufbau wie die Heftchen der vorherigen Volumes. Geblättert wird also – nach fernöstlicher Leseweise – von hinten nach vorne. Zuerst erhält der Leser einen Einblick in die Gestaltung der Charaktere, was sie ausmacht und wie sie zu den unterschiedlichen Organisationen in Tōkyō Ghoul:re stehen. Darauf folgt traditionsgemäß ein Interview mit Regisseur Watanabe Toshinori, in dem weitere interessante Hinweise zur Darstellung diverser Sachverhalte fallengelassen werden. Zu guter Letzt gibt es noch einen Episodenguide, in dem die Inhalte der letzten drei Episoden kurz und bündig zusammengefasst sind. Auch wenn die Serie zum Ende hin ein wenig besser verständlich ist als die vorherigen neun Folgen der zweiten Season, fällt das Booklet dennoch etwas dürftig aus und hinterlässt so einen leicht bitteren Nachgeschmack.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Tōkyō Ghoul:re ist und bleibt eine Serie mit vielen Stärken und Schwächen. Das wird dem Zuschauer im Finale besonders deutlich. So überzeugen vor allem die Charaktere mit ihren Hintergründen, die für den Zuschauer nicht zuletzt durch Flashbacks greifbar sind. Hinzu kommt, dass die komplizierte Geschichte in den letzten Folgen wesentlich besser zu verdauen ist – wie es schon in der ursprünglichen Serie der Fall war. Leider ändert das nichts daran, dass sich der Zuschauer bis zu diesem Punkt erst einmal durchkämpfen muss. Noch dazu sind es die wenig animierten Bewegungen der Charaktere und die manchmal schwachen Effekte, die aus der düsteren Atmosphäre oft genug herausreißen. Auch das Bonusmaterial hätte deutlich mehr bieten sollen, denn so kann sich der Zuschauer außerhalb der Serie kaum mit dieser beschäftigen, um wiederum mehr Lust aufs Weitersehen zu bekommen. Nichtsdestotrotz bleibt Tōkyō Ghoul:re ein guter, wenn auch nicht der beste Abschluss des Franchises, den sich Fans womöglich gewünscht haben.

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Tōkyō Ghoul:re (Vol. 8)!

Auf die dritte Box der Anime-Serie Inuyasha mussten sich Fans genauso wie bei der zweiten Ausgabe nur zwei Monate gedulden. So veröffentlichte Kazé Anime im November 2020 die dritte Serienbox, in der sich die Fantasy-Geschichte zu vielen neuen Höhen aufschwingt.

In der dritten Volume von Inuyasha bauen die 28 enthaltenen Episoden auf den Geschehnissen der vorangegangenen Handlung auf. Obwohl Inuyasha stets eine übergreifende Geschichte erzählt, den Kampf gegen den durchtriebenen Naraku, ist die Serie in kleinere Akte aufgeteilt. Zu Beginn der 53. Folge erfährt der Zuschauer beispielsweise, dass sich der titelgebende Halbdämon Inuyasha nicht mehr in eine nach Blut dürstende Bestie verwandeln will. Um dieses Ziel zu erreichen, muss er jedoch gegen den überaus mächtigen Yōkai Ryūkotsusei kämpfen. Ryūkotsusei wurde einst von Inuyashas Vater gebändigt, von Naraku allerdings wieder zurück ins Leben geholt. Hierbei lernt Inuyasha mit dem Bakuryūha eine neue Kampftechnik, die für die folgenden Handlungsbögen noch von Bedeutung sein wird – inklusive derer, die schon in vorliegenden Episoden gezeigt werden. Naraku kommt in den Folgen 53 bis 80 aber nicht nur an dieser Stelle, sondern deutlich häufiger zum Einsatz. Mit immer perfider werdenden Plänen versucht er, seinen Widersacher Inuyasha zu bekämpfen. Hierzu erschafft er mit dem kaum kontrollierbaren Musō einen gesichtlosen Abkömmling, der wildfremden Männern die Gesichter klaut und sowieso alles an sich reißen will, was nicht niet- und nagelfest ist. Die Mittelschülerin Higurashi Kagome wird sogar zu seinem Objekt der Begierde auserkoren.

Vielbeschäftigte Reisegruppe

Inuyasha und Kagome haben in der dritten Serienbox der Anime-Serie also wieder einmal alle Hände voll zu tun. Dennoch müssen sich auch ihre drei Weggefährten neuen Herausforderungen stellen. Fuchs-Yōkai Shippō verliebt sich zum Beispiel in die kleine Diebin Satsuki und wird später von Sōten, dem letzten verbleibenden Mitglied des von Inuyasha aufgemischten Donnerklans, zu einem Duell herausgefordert. Dämonenjägerin Sango muss nach einem harten Kampf wiederum in ihre Heimat zurückkehren, um ihren Knochenbumerang zu reparieren. Dort macht sie Bekanntschaft mit den beiden Kunoichi Serina und Suzuna, die ihr Dorf vor Dämonen retten wollen und Sango daher um Hilfe anflehen. Dennoch haben es die beiden Schwestern am Ende nur auf die Waffenkammer des Dämonenjägerdorfes abgesehen, was sie in eine äußerst brenzlige Lage bringt. Nicht weniger brenzlig dürfte für Sango ein Heiratsantrag sein, den sie vom adligen Takeda Kuranosuke erhält. Aber nicht nur in dieser Episode wird die Beziehung zwischen Sango und Mönch Miroku auf eine harte Probe gestellt. Miroku, der ohnehin so gut wie jeder Frau, die ihm über den Weg läuft, seinen Familienwunsch äußert, ist für einen Yōkai, der Männern ihre Lebenskraft entzieht, natürlich ein gefundenes Fressen. Hier muss Sango ihm zur Hilfe eilen, um das Schlimmste in letzter Sekunde abzuwenden.

Gelobte Handwerksarbeit

Inszenatorisch liefert Inuyasha ganz großes Kino ab. Das liegt nicht nur an den tollen Animationen, die flüssig im 4:3-Format über den Bildschirm flitzen, sondern auch an vielen Effekten. In den Episoden aus den Jahren 2001 und 2002 ist derart Handwerksarbeit geflossen, wie es in späteren Anime-Serien extrem vermisst wird. Auch, dass der Zuschauer zum ersten Mal in den Genuss einer weiteren Erscheinungsform von Naraku kommt und mit eigenen Augen sehen kann, wie sich der Antagonist zusammensetzt und mit Musō sogar noch einen weiteren Abkömmling zeugt, wertet das auch so starke Gesamtpaket deutlich auf. Dennoch bleibt vieles vom technischen, aber funktionierenden Grundgerüst bestehen. Eine kleine Entwicklung ist aber in den leicht kräftigeren Farben zu erkennen, die insbesondere bei Inuyashas Kleidung oder dem Nachthimmel eine Bereicherung ist. In akustischer Hinsicht kommen auch ein bis zwei neue Melodien hinzu, die sich nahtlos in die Musik von Wada Kaoru einfügen. Bei der deutschen Synchronisation gibt es einen Sprecherwechsel bei Myōga, da Horst Raspe 2004 verstorben ist. Walter von Hauffs Stimme unterscheidet sich zwar stark, haucht dem Flohgeist aber auf seine Weise Leben ein. Bei der japanischen Fassung hat Suzuki Katsumi den 2001 verstorbenen Matsuo Ginzō abgelöst, der bis zu seinem Tod Kagomes Großvater sprach.

Geschrieben von Eric Ebelt

Erics Fazit (basierend auf der Blu-ray-Fassung): Nachdem mich die zweite Volume von der Anime-Serie Inuyasha nicht mehr ganz so sehr überzeugen konnte wie noch das Seriendebüt, hat sich dieser Umstand bei der vortrefflich guten dritten Ausgabe wieder geändert. Jede einzelne Episode, auch wenn sie nur eine unscheinbare Nebengeschichte erzählt, ist mit dem großen Ganzen verbunden. Egal ob es Kagome nun beiläufig auffällt, dass mit Inuyashas Bruder Sesshōmaru und dessen Diener Jaken ein kleines Mädchen durch die Weltgeschichte reist oder Inuyasha bei Schwertschmied Tōtōsai seine Zeit verplempert, eine neue Kampftechnik zu erlernen – alles hängt miteinander zusammen und bringt die Helden ihrem Ziel, dem hinterhältigen Naraku das Handwerk zu legen, ein kleines bisschen näher. Und am Ende der 80. Episode bin ich auch den Charakteren ein gutes Stück nähergekommen, da Takahashi Rumiko in der Manga-Vorlage so wunderbare Persönlichkeiten geschaffen hat, über die ich stets mehr erfahren will. So darf es in den nächsten Episoden sehr gerne weitergehen!

Vielen Dank an Kazé Anime für die freundliche Bereitstellung eines Rezensionsexemplars von Inuyasha (Box 3, Episoden 53–80)!